The Big 4

Síntomas: Cinco individuos en lados opuestos de la ley cooperan para encontrar al asesino del hombre que los crió.

Diagnóstico: La nueva película del director indonesio Timo Tjahjanto es una caótica pero divertida confección con ingredientes no siempre compatibles, pero a fin de cuentas importantes para el balance emocional de la cinta. Al mismo tiempo, la asimétrica estructura de The Big 4 (disponible en Netflix) confirma de nuevo que "menos es más" en el cine de acción.
Aclaro: la acción en The Big 4 es fantástica, filmada con ese mágico estilo hiper-kinético que nunca se vuelve confuso ni trata de ocultar los defectos de la coreografía... porque no hay defectos que ocultar.
Sin embargo, las partes cómicas de la trama no son tan graciosas como el director supone... a menos que yo esté perdiendo algo en la traducción, lo cual no sería raro, pues ya me ha ocurrido antes con el cine asiático.
La premisa es buena: el venerable Sr. Petrus (Budi Ros) adoptó cuatro huérfanos y los entrenó como invencibles "vigilantes" que ahora lo ayudan a combatir criminales fuera del alcance de la ley. Desafortunadamente esa labor secreta lo distanció de Dina (Putri Marino), su hija biológica, quien está a punto de graduarse en el Departamento de Policía de Jakarta. Entonces alguien asesina al Sr. Petrus y Dina pasa varios años investigando el crimen, en la errónea creencia de que el culpable fue uno de esos "hermanastros" que nunca conoció. Pero cuando el auténtico asesino regresa para eliminarlos, Dina y su nueva familia se ven obligados a cooperar, a conocerse mejor, y a resolver sus diferencias personales.
La interacción de Dina con sus hermanos Topan (Abimana Aryasatya), Jenggo (Arie Kriting), Alpha (Lutesha) y Pelor (Kristo Immanuel) es simpática y realista, adaptando una clásica rivalidad fraternal a un thriller repleto de violencia, intriga, y los retos del drama familiar. El problema es que ese drama podría resolverse con una simple conversación que evitaría muchos problemas y aceleraría el ritmo de la cinta. Pero, naturalmente, Tajhjanto prefiere tomar el camino largo, retrasando las respuestas y prolongando la tensión entre los personajes. No es una falla grave, pero en mi opinión The Big 4 podría eliminar treinta minutos de relleno para confirmar a Tjahjanto como luminaria de la acción internacional.
A fin de cuentas los aciertos de The Big 4 contrarrestan sus ocasionales tropiezos, haciéndola ampliamente recomendable para fans del cine de acción... y tal vez de la comedia, dependiendo de su opinión sobre la perenne hilaridad de los golpes en las "partes nobles". Creo que reí las primeras cien veces, pero después se volvió repetitivo.
Calificación: 8.5

IMDb

Shadow Master

Síntomas: En un desolador futuro, el guerrero An Voaen (D.Y. Sao) trabaja como guardia nocturno de un hospital donde algo o alguien está secuestrando niños.

Diagnóstico: Mientras veía Shadow Master se me ocurrió algo controversial: el director singapurense Pearry Reginald Teo podría ser el equivalente moderno del finado Albert Pyun: un artista con buen instinto visual y gran dedicación que se mantuvo en los márgenes de la industria como director de culto; y, aunque sus películas son imperfectas, podemos encontrar rasgos de genialidad que inspiran interés por su ecléctica filmografía.
Bajo ese criterio, me atrevo a decir que Shadow Master podría ser para Teo lo que The Sword and the Sorcerer fue para Albert Pyun (que en paz descanse): el primer proyecto con el potencial de llevarlo a las "grandes ligas"... o al menos a las "ligas menores" del cine de acción independiente, donde podría eventualmente competir con luminarias como Jesse V. Johnson, John Hyams y Timo Tjahjanto. El tiempo dirá si tengo razón, o si mi entusiasmo por una "joya oculta" fue subjetivo e infundado (otra vez).
Shadow Master se ubica en un vago futuro distópico donde siniestras entidades están secuestrando niños de un hospital que alberga a los refugiados de alguna catástrofe global (probablemente una pandemia). Por eso el administrador Boon-Nam (Craig Ng) contrata al guerrero An Voaen (D.Y. Sao) como vigilante nocturno; pero, naturalmente, Voaen tiene sus propios demonios personales, y eventualmente deberá tomar una fatídica decisión para cumplir su misión, aunque implique sacrificar su futuro.
O algo así. La trama es un poco confusa, con flashbacks dentro de flashbacks, y una abigarrada mitología que combina ofrendas a los muertos, el culto al dios mono Hanuman, la leyenda alemana de Mephisto, y hasta la profecía bíblica de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis.
Sin embargo, la fusión de culturas establece la diversidad de esta precaria sociedad futurista, así como las influencias sobrenaturales que eventualmente alteran el destino del protagonista y los pacientes del hospital. El drama es superficial, pero el contexto añade interés y profundidad.
Y si nada de eso nos interesa... siempre quedan las excelente peleas que combinan muay thai, silat y el "kung fu" clásico del cine asiático. Teo dirige estas escenas con gran ritmo y precisión para lucir las contundentes coreografías de Brian Le, Andy Le, y el mismo D.Y. Sao. Su estilo se apoya en cámara lenta y escenas "cool", lo cual contradice la moda kinética de los directores antes mencionados; pero la violencia mantiene su intensidad porque está conectada al melodrama, de modo que "sentimos" con más fuerza los triunfos y derrotas del protagonista.
A fin de cuentas Shadow Master es otro proyecto "indie" de acción realizado a bajo costo, pero con muy respetable imaginación y sólidos valores de producción. También es (en mi humilde opinión) la mejor película de Pearry Reginald Teo hasta el momento. Y, sobra decir, no es para el público general, sino para conocedores del género que saben apreciar el lado artesanal de las artes marciales. Incluso podríamos clasificarla como "historia de origen" de un super-héroe que no está basado en un comic, sino inspirado por los arquetipos de la industria entera. Por el lado que queramos ver, Shadow Master tiene algo que ofrecer... y algo que criticar.
Calificación: 7

IMDb

Glass Onion: A Knives Out Mystery

Síntomas: El millonario Miles Bron (Edward Norton) invita varios amigos a su isla privada para compartir un juego de detectives, en el que tendrán que encontrar al "asesino" del anfitrión. Pero cuando alguien muere de verdad, el detective Benoit Blanc (Daniel Craig) entra en acción.

Diagnóstico: Aunque estaré en la minoría, voy a decir que Glass Onion me pareció una mejor película que Knives Out. El misterio es más simple, pero con sorpresas realmente inesperadas. El elenco más pequeño permite un mejor desarrollo de los personajes. Y, como consecuencia de esas "reducciones", la dirección de Rian Johnson (The Last Jedi) gana enfoque y energía, con menos oportunidades para desviarse por tangentes de dudosa relevancia.
Por el lado negativo, ambas películas comparten el mismo tono teatral inspirado por los "whodonits" de los años treintas. Y, en el caso de Glass Onion, esa artificialidad intencional reduce el impacto de un argumento relevante para la sociedad contemporánea. Ambas cintas denuncian las "travesuras" de millonarios egoístas... pero en Glass Onion sus acciones afectan a la gente común, en vez de limitarse a las intrigas de una familia adinerada.
La premisa de Glass Onion parece simple pero, como dije, las cosas no son lo que aparentan (y esta vez lo digo sin sarcasmo). Para empezar, el asesinato principal se revela hasta la mitad de la película; y de ahí en adelante la trama se complica conforme el mejor detective del mundo deduce los secretos de los invitados, y sus posibles razones para matar. O para morir.
En el papel del detective Benoit Blanc, Daniel Craig continúa las rutinas de "caballero sureño" establecidas en Knives Out. Su actuación es técnicamente buena... pero es el principal culpable de las afectaciones antes mencionadas. Edward Norton captura la arrogancia de Miles Bron, un visionario con buenas intenciones, pero aislado del mundo real por la esfera de privilegio que le otorga el dinero. Kate Hudson interpreta a Birdie Jay, una celebridad propensa a meterse en problemas por sus "tweets" inapropiados; Jessica Henwick es su sufrida asistente Peg, lidiando constantemente con las malas decisiones de su jefa; Kathryn Hahn interpreta a la Gobernadora Claire Debella, en plena campaña de re-elección, y por lo tanto muy cuidadosa con su imagen pública; Leslie Odom Jr. es Lionel Toussaint, el genio tecnológico encargado de hacer realidad las descabelladas ideas de Miles; Dave Bautista interpreta a Duke Cody, un controversial YouTuber con grandes aspiraciones mediáticas; y Janelle Monáe es Andi Brand, co-fundadora de una empresa que perdió su fortuna por las manipulaciones legales de Miles... lo cual podría ser la motivación más válida entre todos los invitados para asesinar a su anfitrión.
También merece mención el extraordinario diseño de producción de Rich Heinrichs, cuyos asombrosos escenarios y opulenta arquitectura capturan los egos fuera de control de la elite económica. Y lo mismo podemos decir de la música de Nathan Johnson y la cinematografía de Steve Yedlin, deleitando nuestros sentidos al mismo tiempo que enriquecen la narrativa.
Sospecho que Glass Onion no gozará el mismo éxito de Knives Out porque tiene menos estrellas de cine, y una "huella cultural" más ligera que su predecesora. Sin embargo Glass Onion me gustó más como thriller detectivesco, y creo que hubiera sido una excepcional película "seria", sin ese humor forzado que el director se empeña en agregar. En otras palabras, yo quería al Rian Johnson de Brick, y me encontré al de The Brothers Bloom.
Calificación: 8.5

IMDb

¡Feliz Navidad y Próspero Año 2023!

Un año más de experiencia, y un año menos de espera para la "Singularidad" ;-) Muchas gracias a todos los lectores de Cápsulas de Cine por sus visitas, sus comentarios, y su paciencia. Reciban mis mejores deseos para un 2023 mejor que el 2022... o al menos un poco más "normal", como quieran definir eso. ¡Feliz Navidad, Felices Fiestas y Próspero Año Nuevo!

- Pablo del Moral, Diciembre 2022

Adult Swim Yule Log

Síntomas: Una chimenea es testigo de los horribles eventos que ocurren en una cabaña.

Diagnóstico: Empezó en un canal independiente de Nueva York, y luego se extendió al Internet y al resto del mundo: los videos de acogedoras chimeneas se convirtieron en una tradición muy popular durante las fiestas decembrinas; y ahora los lunáticos de Adult Swim (la división de Cartoon Network dedicada a la programación adulta) utilizan esa premisa como punto de partida para una película de terror sangrienta y divertida, aunque con abruptos cambios de tono que desinflan el humor... lo cual podría ser totalmente intencional, en vista de las previas obras realizadas por Casper Kelly y sus colaboradores de la productora Williams Street.
La más famosa de esas obras probablemente es Too Many Cooks, un bizarro cortometraje que satiriza los créditos iniciales de la televisión ochentera, y al mismo tiempo cuenta una surrealista historia de terror. Lo he visto decenas de veces, y fue una de mis "experiencias audiovisuales" favoritas del año 2014.
Con eso en mente podemos asumir que Adult Swim Yule Log no se preocupará demasiado por contar una historia lógica, o siquiera coherente; su propósito es hacernos reír, sorprendernos con un par de escenas "gore", y hasta ponernos a pensar sobre los caprichos del destino, la ilusión del tiempo, y las atrocidades de la humanidad. Son muchas cosas para una modesta película televisiva, y no todas funcionan, pero a fin de cuentas me gustó Adult Swim Yule Log tan solo por su irreverente actitud y ambiciosa narrativa.
Los primeros minutos de Adult Swim Yule Log son exactamente eso: una cámara estática filmando el fuego en la chimenea. Entonces se forma la semilla de una historia por medio de sonidos: el motor de un automóvil, la aspiradora de una empleada de limpieza, y la llegada de invitados indeseables. Eventualmente la cámara se aleja para retratar la habitación donde se encuentra la chimenea. Y después de un rato el director Casper Kelly abandona la cámara fija y filma el resto de la película de manera convencional.
El argumento se apoya en fórmulas populares del horror moderno, incluyendo la invasión doméstica, el cine slasher, y otros más que no revelaré para conservar las descabelladas sorpresas de la cinta. El resultado es un gran chiste que será más gracioso para devotos del horror (como yo) que sepan apreciar el espíritu satírico de Kelly y su parodia de tantos estereotipos del género (desde policías ineptos hasta asesinos invencibles).
Lo que me gustó menos fueron los disonantes cambios de tono previamente mencionados. Por ejemplo, en una escena nos estamos riendo de las peripecias de un "stoner", y en la siguiente Kelly nos receta una perturbadora viñeta de tiempos de la esclavitud. Es difícil reír con esos saltos temáticos. Pero, bueno, tal vez el director añadió un poco de realidad para ubicar la fantasía en su contexto apropiado, y recordarnos que la sátira es mejor cuando tiene algo que decir.
Creo que Adult Swim Yule Log hubiera funcionado mejor en forma de cortometraje (igual que Too Many Cooks); pero incluso con sus lagunas e inconsistencias podría recomendarla para aficionados al horror, al cine experimental, y al arte absurdista que desafía descripción. Y también nos permite conocer al hombrecillo que vive en la chimenea. No, no es Santa Claus, sino algo mucho peor.
Calificación: 7.5

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A Wounded Fawn

Síntomas: Meredith Tanning (Sarah Lind) se dispone a pasar unos días en la casa de campo de su amigo Bruce Ernst (Josh Ruben), sin saber que se trata de un asesino serial en busca de una nueva víctima. Y eso no lo más extraño que ocurrirá en la casa.

Diagnóstico: A riesgo de enfurecer a los puristas del "giallo" italiano, diré que prefiero las imitaciones modernas del género en vez de los originales europeos del siglo veinte. Con muy pocas excepciones, el cine giallo me parece confuso, lento y explotativo (¡y lo digo como fan de la explotación!), como una mala tangente de los "slashers" norteamericanos que intentaban ganar legitimidad comercial con un barniz pseudo-artístico para disfrazar sus sórdidos argumentos de sexo y violencia. Habiendo dicho eso... me gusta mucho el estilo visual del cine "giallo", y por eso prefiero los "homenajes" modernos que adoptan el mismo lenguaje cinematográfico, pero con historias más ingeniosas e interesantes, acercándose a la controversial clasificación del "horror elevado" para satisfacer no solo a nivel visceral, sino intelectual. Algunos ejemplos de este movimiento son The Editor, Piercing, y The Strange Color of Your Body's Tears. Y ahora el director Travis Stevens nos ofrece el sobresaliente "neo-giallo" A Wounded Fawn, un indescriptible thriller surrealista inspirado por la mitología griega, pero con firmes bases en el presente que se expresan con el delicioso sabor "retro" del cine setentero.
A Wounded Fawn empieza con la más reciente "aventura" del asesino Bruce Ernst (Josh Ruben), cuya obsesión con la cultura griega forma parte integral de su "modus operandi". Entonces conocemos a Meredith Tanning (Sarah Lind), curadora de un museo que recientemente escapó de una relación abusiva; y, para reconstruir su vida social, acepta pasar un fin de semana con un nuevo pretendiente, sin saber el peligro que le espera.
Hasta ahí A Wounded Fawn se comporta como cualquier relato de asesinos seriales; pero cuando Bruce y Meredith llegan a la remota casa de campo, empiezan a ocurrir fenómenos que nos hacen cuestionar nuestra percepción, la intención de los personajes, y eventualmente la realidad misma. El simbolismo griego es un poco confuso, pero afortunadamente los comics de The Sandman me dieron suficientes bases para interpretar las bizarras digresiones mitológicas que borran la línea entre arte y horror. Y, bueno, las cosas se complican progresivamente hasta que no sabemos exactamente qué creer... y ahí es donde brilla la creatividad de la cinta, construyendo hipnóticas secuencias de grotesca belleza (inspiradas parcialmente por la obra de la pintora mexicana Leonora Carrington) que podrían ser genuinas manifestaciones sobrenaturales, los rituales de un culto secreto, o las alucinaciones de una mente enferma... pero, ¿la mente de quién?
El lado negativo de estos desplantes es que A Wounded Fawn es demasiado abstracta para cumplir los parámetros de un thriller convencional con líneas morales bien definidas y sucesiones lógicas de causas y consecuencias. Pero, como Travis Stevens insinuó en su previa cinta, Jakob's Wife, su interés no es cumplir las expectativas del público, sino explorar nuevos aspectos de historias clásicas... ya sea un simple "whodonit", o una leyenda griega. Por cierto, las historias de Sandman que me ayudaron a entender la película fueron "The Song of Orpheus" y "The Kindly Ones". Espero que eso aclare un poco las cosas.
Calificación: 8

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Warriors of Future (Ming Yat Zin Gei)

Síntomas: En el futuro cercano la Tierra se ha vuelto casi inhabitable; y, para empeorar las cosas, una planta extraterrestre está destruyendo la ciudad de Hong Kong. Entonces un escuadrón de soldados emprende una misión para atacar la planta en el sitio de su origen, antes de que el gobierno tome medidas más drásticas para detener su crecimiento.

Diagnóstico: Warriors of Future (¿no debería haber un "the" por ahí?) toma "prestados" tantos elementos de otras películas que termina convirtiéndose en algo casi original. Es una estrategia común para combatir la falta de creatividad en el cine contemporáneo, pero casi siempre falla porque es muy fácil copiar... pero es muy difícil copiar BIEN. Y, en mi humilde opinión, el director Yuen Fai Ng hizo un excelente trabajo construyendo Warriors of Future (disponible en Netflix) con retazos de cintas como Aliens, Starship Troopers, Edge of Tomorrow, y en general cualquier épica de ciencia ficción producida en los últimos cuarenta años. No hay nada innovador o sorpresivo en la receta de Warriors of Future, pero la magia está en la preparación.
Yuen Fai Ng trabajó como supervisor de efectos especiales en la industria cinematográfica de Hong Kong, y podemos notar su experiencia en los aspectos técnicos de Warriors of Future. Cierto, la calidad visual es variable debido a los numerosos estudios digitales que participaron en la producción, pero lo importante es la integración de los efectos a la narrativa, y el suspenso de las tremendas secuencias de acción que mantienen su claridad y relevancia a pesar de su compleja ejecución. Aquí es donde encontraremos muchas ideas "prestadas" de otras películas; entre ellas: la infiltración a un edificio a punto de derrumbarse, claramente inspirada por Jurassic Park: The Lost World; la delirante persecución por las calles de la ciudad que evoca los "stunts" de The Matrix: Reloaded; y la batalla contra una araña robótica que me recordó Ghost in the Shell.
Como dije: una revoltura de ingredientes bien preparados para crear una experiencia "nueva" y muy entretenida, aunque a fin de cuentas olvidable (en serio, tuve que verla dos veces porque me tardé unos días en escribir la crítica, y mi cerebro ya estaba confundiéndola con Alienoid) (o tal vez es un problema de mi edad, pero el punto sigue siendo válido).
Por el lado negativo: la imitación de éxitos pasados rara vez genera las mismas emociones de las versiones originales. Por ejemplo: los soldados encuentran una niña abandonada en las ruinas de la ciudad... y uno de ellos perdió recientemente a su hija. Obvia referencia a Newt en Aliens, pero sin el peso dramático de aquella obra maestra. Igualmente tenemos el conflicto entre dos soldados con un amargo pasado; el blando romance entre el novato del escuadrón y una especialista en comunicaciones; y las graves decisiones que los líderes afrontan durante la misión... ¿es aceptable sacrificar miles de vidas para salvar millones?
Comprendo las críticas negativas que recibió Warriors of Future (me hace falta ese "the" ausente), y no puedo refutar sus razones: el guión es predecible; los personajes son clichés vivientes; y algunos efectos parecen "cut scenes" de videojuego. Sin embargo, como fan de la ciencia ficción asiática y apologista de la acción "indie" (cuando está bien hecha), puedo afirmar que Warriors of Future me dejó satisfecho en ambos niveles, y estimuló (una vez más) mi búsqueda de "joyas ocultas" en el mercado mundial que se ven opacadas por la maquinaria mercadológica de Hollywood. En otras palabras: no es Avatar: The Way of Water, pero Warriors of Future me entretuvo más en menos tiempo. Tan solo esa eficiencia merece una recomendación.
Calificación: 7.5

IMDb

Avatar: El Camino del Agua (Avatar: The Way of Water)

Síntomas: Después de liberar el planeta Pandora y expulsar a los humanos, Jake Sully (Sam Worthington) formó una familia con su esposa Neytiri (Zoe Saldaña). Pero su felicidad se interrumpe cuando regresan los humanos con nuevas armas, nuevas razones para saquear los recursos de Pandora... y un viejo enemigo que tiene una cuenta pendiente con Sully.

Diagnóstico: La original Avatar (2009) fue un triunfo técnico y artístico; pero en lo personal me decepcionó su simplista narrativa y la extrema indulgencia del director James Cameron, más interesado en lucir el ecosistema alienígena de Pandora, que en contar una historia cautivadora para justificar sus excesos.
Por eso tenía bajas expectativas sobre Avatar: El Camino del Agua. Sin duda sería un festín visual con todos los avances tecnológicos obtenidos en los últimos trece años... pero, ¿lograría sostener la atención de este viejo cínico durante más de tres horas?
La respuesta es: ¿cual fue la pregunta?
Al igual que su predecesora, Avatar: El Camino del Agua ofrece extraordinarios paisajes extraterrestres, la más realista fauna alienígena, y pasmosas secuencias de acción que reflejan el legendario perfeccionismo de James Cameron (quizás su único rival sea Christopher Nolan). Y aunque el drama es ligeramente más ambicioso, se apoya en clichés para ahorrarse explicaciones y dedicar más tiempo al "world building". El cual, admito, es fenomenal... pero constituye tan solo la mitad de una buena película.
La primera hora de Avatar: El Camino del Agua nos pone al corriente sobre los eventos transcurridos desde el final de Avatar, y establece una nueva invasión humana que ya no busca la coexistencia pacífica con el pueblo Na'vi (la razón original de los "avatares" en la primera película), sino el dominio absoluto sobre los recursos de Pandora... y esta vez quieren algo más que el "unobtanium".
La trama empieza y termina con Jake Sully (Sam Worthington), pero los auténticos protagonistas son sus hijos, lo cual fue al mismo tiempo bueno y malo. Por el lado negativo, los hijos tienen la actitud rebelde de los "milenios" que tanto me irritan en el cine contemporáneo (¿en serio les tomó trece años a cinco guionistas escribir diálogos como "Bro, qué asco"?). Por el lado positivo, dos de esos hijos tienen arcos dramáticos más interesantes que sus hermanos, con misterios en su pasado que los convierten en "outsiders" repudiados por sus semejantes... y, desde luego, con gran importancia para el futuro de Pandora. No diré más, excepto que uno de ellos no sabe actuar, y el otro es una adolescente Na'vi interpretada por Sigourney Weaver. No pregunten.
El primer acto termina con una agresión que en cualquier otra película serviría como detonador de la acción... pero Cameron prefiere detener la película y dedicar una hora a las maravillas submarinas de Pandora, desde la perspectiva de una tribu que evolucionó para adaptarse al entorno acuático. Es ciertamente hermoso e inspirador... pero me hizo bostezar con demasiada frecuencia.
Eventualmente llegamos a la inevitable confrontación entre las tribus Na'vi y los invasores humanos. La acción es épica y espectacular, sin perder de vista las consecuencias a nivel individual. Y, como corresponde a la segunda parte de una saga, el final se siente inconcluso por todo lo que Cameron dejó en el aire para resolver en futuras secuelas (al menos una, aunque podrían ser hasta tres) (o más, dependiendo de su éxito económico).
Creo que Avatar: El Camino del Agua me gustó más que Avatar, en parte por mis bajas expectativas, y en parte porque aprecié los múltiples temas que aborda el director, más allá del mensaje anti-fascista y la feroz alegoría ecológica (la escena de las ballenas casi me arruinó la película... demasiado cercana a la realidad, en mi humilde opinión). Lo cual me hizo pensar... ¿cuántas otras películas podría haber realizado James Cameron en estos trece años si no estuviera obsesionado con Pandora y los Na'vi? Supongo que nunca lo sabremos; pero podemos imaginar.
Calificación: 8

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Christmas Bloody Christmas

Síntomas: Debido a un error de programación, un Santa Claus robótico cobra vida e inicia una ola de asesinatos en los alrededores de una tienda de juguetes.

Diagnóstico: El director Joe Begos continúa su racha de películas de terror imperfectas, pero muy entretenidas; y si bien Christmas Bloody Christmas no es la mejor ni la peor de su filmografía, podemos confiar en que lucirá la estilizada dirección del cineasta, su predilección por los efectos prácticos, y una atmósfera "retro" que no es excusa para hacer las cosas a medias (mención especial para la música electro-ochentera de Steve Moore).
Cierto, Christmas Bloody Christmas muestra algunas fallas "normales" del horror independiente, pero se lo atribuyo al entusiasmo de Begos y su honesta intención de crear entretenimiento ágil y accesible que sabe distraernos de sus limitaciones.
Y, en lo que a mi respecta, una vez más Begos cumplió su misión.
Christmas Bloody Christmas es en el fondo una cinta "slasher", con un implacable asesino matando víctimas sin método ni razón. El libreto (del mismo director) cubre las bases del género con un buen número de víctimas, "kills" medianamente creativos, y abundante suspenso conforme el Santa Claus asesino despacha a sus víctimas hasta la inevitable confrontación con la "chica final".
Al mismo tiempo Begos toma abundante inspiración de The Terminator en el origen y comportamiento del asesino... y también en el carácter de la protagonista, Tori Tooms (Riley Dandy), una mujer fuerte pero vulnerable, con la cabeza bien plantada sobre sus hombros, y dispuesta a sobrevivir por cualquier medio necesario. Creo que no es un "spoiler" identificarla como "chica final", pues desde el principio es bastante obvio quién tiene madera de superviviente, y quiénes serán carne de cañón. O de hacha.
El principio de Christmas Bloody Christmas se siente lento pero no aburrido, gracias a la simpática interacción de Tori y sus amigos. Entre ellos: su empleado Robbie (Sam Delich), con quien discute constantemente sobre rock y películas de terror; y Jay (Jonah Ray) y Lahna (Dora Madison), dueños de la juguetería donde colocaron un Santa Claus robótico (Abraham Benrubi) para escuchar los deseos de los niños. El problema es que estos robots fueron diseñados originalmente para las fuerzas armadas... y ahora una falla de programación los está revirtiendo a su función primaria: exterminar al enemigo... o a cualquier humano que encuentren en su camino.
La fusión de cine slasher y ciencia ficción no siempre funciona como el director espera; y, aunque los personajes mantienen actitudes semi-realistas, tienden a cometer los mismos errores de siempre para evitar que la película termine prematuramente. Sin embargo el humor, el colorido estilo visual (cortesía del cinematógrafo Brian Sowell), y la energética dirección de Begos se conjugan para crear una deliciosa confección navideña que espero revisitar anualmente. La reciente Violent Night probablemente es una mejor película en todos los sentidos... pero Christmas Bloody Christmas tiene ese inconfundible sabor "indie" que encuentro irresistible. Ojalá Santa Claus nos traiga más sorpresas como ésta.
Calificación: 7.5

IMDb

Hasta los Huesos (Bones and All)

Síntomas: Durante los años 80s, la joven Maren Yearly (Taylor Russell) inicia un viaje para investigar el origen de sus tendencias caníbales, y eventualmente conoce a Lee (Timothée Chalamet), un vagabundo que comparte su insaciable apetito de carne humana.

Diagnóstico: El asunto del canibalismo sugiere una sangrienta película de terror, pero Hasta los Huesos se acerca más al sub-género de "parejas fugitivas" (como Badlands, The Getaway y Bonnie and Clyde), donde la pasión de los protagonistas alimenta una malsana obsesión (o viceversa) que los separa de la sociedad y conduce inexorablemente a un trágico final... ¿o tal vez a un final feliz? Todo puede suceder en la guerra y el amor.
Estrictamente hablando, "caníbal" no es la palabra apropiada para definir a Maren Yearly (Taylor Russell), pero explica la precaria situación familiar que la separó de su padre Leonard (André Holland). Y, cuando Maren busca a su madre para encontrar las respuestas de su origen, conoce a Lee (Timothée Chalamet), un joven vagabundo que le muestra a Maren la cruda realidad (ja, ja) de su condición.
Aunque la trama de Hasta los Huesos se origina en una novela "young adult" de Camille DeAngelis (adaptada por David Kajganich), el director Luca Guadagnino transformó los esquemas juveniles en un relato maduro y reflexivo que utiliza el horror como catalizador de transformación, y no como un fin por sí mismo. Al igual que las películas que mencioné al principio, Hasta los Huesos se enfoca en la dinámica de la pareja, y no en sus actos criminales.
Los cuales, por cierto, no son tan sangrientos como podríamos imaginar del director de Suspiria. De hecho hubiera sido un error dejar que el "gore" eclipsara la conexión emocional de Maren y Lee, hábilmente capturada por Taylor Russell (Lost in Space) y Timothée Chalamet (Dune) como extremos opuestos de la conducta humana: Maren fue criada bajo una estricta disciplina para controlar su perverso apetito, mientras que Lee es una criatura de impulso que aprendió a ocultar su genuina naturaleza. Y esa fricción de carácter genera un drama más potente que el simple tabú de la carne humana.
Los acompañan en roles breves pero impactantes Mark Rylance (The Outfit), Jessica Harper (de la original Suspiria), y Chloe Sevigny (Antibirth) en un uno de los papeles más perturbadores del año. Y también merece mención la banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, alejándose de sus habituales tonos electrónicos para crear una partitura más cálida que complementa la atmósfera "gótica-americana" de Hasta los Huesos. Hablando de música: me dio gusto escuchar una canción de uno de mis grupos favoritos; y además de uno de sus discos más menospreciados. Muy apropiada selección para el tema antropofágico.
A pesar de tantas virtudes, confieso que Hasta los Huesos me dejó curiosamente insatisfecho. Me faltó historia, y creo que había material para explorar la grotesca sub-cultura canibalística como metáfora del instinto auto-destructivo de la Humanidad (o del consumismo, o cualquier vicio social que el público quiera adjudicar); pero Guadagnino se quedó en la superficie de un genérico romance prohibido... igual que en Call Me By Your Name. Fuera de eso, sigo admirando la disposición de Luca Guadagnino para buscar proyectos experimentales sin preocuparse por el resultado comercial. Y ahora, en su primera película auténticamente norteamericana, podemos disfrutar la fusión de su sensibilidad europea (inspirada por Bertolucci, Goddard y Fassbinder) con una "road movie" tan intensa y emocional como las obras que la inspiraron. Como fan del cine, no podía pedir más. Como fan del horror... me dejó con hambre.
Calificación: 8

IMDb

Guillermo del Toro's Pinocchio

Síntomas: Después de perder a su hijo en la Primera Guerra Mundial, el carpintero Geppetto (voz de David Bradley) construye un niño de madera y lo nombra Pinocchio (voz de Gregory Mann). Pero cuando Pinocchio cobra vida, algunos vecinos del pueblo rechazan a la inusual criatura... mientras que otros buscan la manera de explotarlo.

Diagnóstico: En esta ocasión el prefijo "Guillermo del Toro's" sirve para dos cosas: primero, distingue esta nueva película (disponible en Netflix) del remake "live action" de Pinocchio estrenado en Disney+ hace algunos meses. Y, segundo, nos indica que Guillermo del Toro's Pinocchio no será un blando refrito del clásico cuento infantil, sino una versión madura que aborda temas adultos rara vez contemplados en el cine familiar. Si tuviera que comparar ambas versiones, diría que Guillermo del Toro's Pinocchio lleva considerable ventaja por la audacia de su narrativa y su maravillosa técnica de "stop motion". Sin embargo, también viene con sus propios problemas que distraen de sus virtudes, resultando en una experiencia menor a la suma de sus partes, en mi humilde opinión.
El primero de esos problemas: las canciones que intentan suavizar las duras lecciones de la película. Me parecieron innecesarias, demasiado largas... y, francamente, no muy buenas. Aunque desde luego el gusto musical es altamente subjetivo, y tal vez habrá espectadores que disfruten estos flojos interludios.
El segundo problema es más difícil de describir sin revelar los sorprendentes giros que toma Guillermo del Toro's Pinocchio. Solo diré que el contenido político es indudablemente importante (hoy más que nunca), pero los directores Guillermo del Toro y Mark Gustafson lo hacen tan estridente que se siente fuera de lugar en el universo imaginario de la cinta. Me estaba gustando el aspecto religioso-pagano del libreto, y entonces cae un frío baño de realidad que contradice su naturaleza fantástica. No sé... a veces este tipo de mensajes funcionan mejor como subtexto, y no como un segundo acto largo y deprimente.
Hablando de lo cual, no consideraría esto como un "problema", pero Guillermo del Toro's Pinocchio tampoco se adhiere a la novela original de Carlo Collodi. Incluso diría que se aleja más que la versión de Disney. La diferencia es que los cambios implementados por Gustafson y del Toro tienen un propósito más noble, y forman parte integral de aquella "ambiciosa narrativa" que mencioné al principio. En fin... una ficción por otra.
Finalmente, el factor decisivo para recomendar Guillermo del Toro's Pinocchio es la increíble animación "stop motion" supervisada por el co-director Mark Gustafson (discípulo de Will Vinton, nada menos), cuyo nombre no aparece en el título de la película, aunque probablemente se encargó de la ejecución técnica (los artistas de "stop motion" deben estar acostumbrados a estos desaires, desde el penoso precedente de Tim Burton's Nightmare Before Christmas). El diseño de producción es fenomenal, los personajes son muy expresivos, y los efectos digitales se encargan de cubrir la brecha entre las limitaciones de la técnica artesanal y la imaginación de los cineastas.
No recomendaría Guillermo del Toro's Pinocchio para niños pequeños (tal vez ellos disfrutarán la inocua versión con Tom Hanks... o, mejor aún, la clásica animada de 1940); pero para jóvenes y adultos, Guillermo del Toro's Pinocchio será una experiencia hermosa en su forma, profunda en su fondo... y con mediocres canciones que, afortunadamente, no se quedarán en su memoria.
Calificación: 8

IMDb

Alienoid (Oegye+in 1bu)

Síntomas: Un agente de otro planeta persigue fugitivos extraterrestres ocultos en cuerpos humanos. Mientras tanto, en el siglo catorce, un hechicero y sus ayudantes buscan una daga con extraños poderes.

Diagnóstico: Alienoid es una abigarrada revoltura de géneros, épocas, y personajes que van y vienen sin método ni razón. Sin embargo, detrás del caos se esconde una delirante creatividad que me mantuvo hipnotizado durante dos horas y media, cubriendo una variedad de temas que encuentro fascinantes, desde el viaje en el tiempo hasta la infiltración de alienígenas en la sociedad humana. Y también hay detalles humorísticos que me hicieron reír, lo cual es raro (al menos para mi) en el cine coreano. En resumen: no sé exactamente cómo describir Alienoid, pero fue una experiencia única que clasificaría entre las mejores del año... aunque desde luego no será para todos los gustos.
Lo único que diré sobre el argumento de Alienoid es que se desarrolla paralelamente en dos períodos históricos: La Dinastía Joseon de Corea en el siglo catorce; y Seúl en el siglo veintiuno. En el siglo catorce varios personajes tratan de obtener una daga con poderes mágicos; y en el presente un agente de una avanzada raza extraterrestre persigue criminales alienígenas que se esconden en el interior de algunos humanos. Es como una fantasía "wuxia" combinada con Men in Black... pero infinitamente más ambiciosa en todos los sentidos, desde el complejo melodrama familiar escondido en las comisuras de la trama, hasta el bombardeo de información que abruma nuestros sentidos.
No puedo negar que Alienoid es una película confusa... pero no por ello incoherente. Simplemente hay que poner atención y seguir las pistas que el director y guionista Dong-hoon Choi siembra a lo largo del camino, insinuando conexiones entre el pasado y el presente, y resolviendo gradualmente una maraña de causas y consecuencias que podrían consolidar las contradictorias vertientes de la película.
Las actuaciones son adecuadas para los requerimientos de la historia, prestando realismo emocional a las escenas más inverosímiles, como un par de gatos ocultos en un abanico, o una tremenda persecución por las calles de Seúl. Y todo eso aderezado con el humor antes mencionado, para recordarnos que no debemos tomar muy en serio los catastróficos eventos de Alienoid.
Por el lado negativo mencionaría algunos efectos especiales vistosos, pero demasiado artificiales, incluyendo aquellas convenientes "nano-partículas" que tanto me han irritado en las películas de Marvel. Y, bueno, no es exactamente una falla, pero el final me pareció frustrante... aunque es perfectamente lógico, considerando que Alienoid es la primera parte de una trilogía.
Entonces, el frenético ritmo de Alienoid y su densidad temática podrían alejar (con mucha razón) al público impaciente que prefiere una historia más simple y accesible. Pero quienes acepten el reto multi-dimensional de Dong-hoon Choi, encontrarán en Alienoid una experiencia exuberante, divertida, y completamente diferente de la ciencia ficción norteamericana... aunque estén construidas con los mismos componentes. Después de todo, los tentáculos son tentáculos en cualquier parte del mundo, y en cualquier período histórico.
Calificación: 8.5

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Troll

Síntomas: La construcción de un túnel en las montañas de Noruega despierta una legendaria criatura que amenaza al país entero.

Diagnóstico: En años recientes Noruega produjo varias películas de desastre con calidad internacional... aunque a una escala ligeramente menor que sus contrapartes norteamericanas. Y ahora Noruega da el siguiente paso lógico en su evolución artística: el cine kaiju. 
Bueno, no sé si fue un paso estrictamente lógico, pero la nueva película Troll (disponible en Netflix) me pareció un sólido ejemplo de "monstruos gigantes" que combina los clichés tradicionales del género con la sensibilidad moderna de sus mejores exponentes contemporáneos.
Lo cual es una manera amable de decir que Troll no es particularmente original en concepto ni ejecución. Ya habíamos visto versiones más creativas de los "trolls" en cintas como Border y Troll Hunter. Y el cine "kaiju" rebasó desde hace mucho las fronteras de Asia para instalarse en Hollywood con franquicias de razonable éxito crítico y comercial (desde creaciones "independientes" como Cloverfield y Pacific Rim, hasta adaptaciones de obras clásicas como Godzilla vs. Kong).
En ese contexto Troll llega tarde a la fiesta, y con pocas ideas de su propia cosecha; sin embargo el director Roar Uthaug (Fritt Vilt, The Wave) aporta suficiente energía y pericia técnica para engancharnos en su dinámica visión de la leyenda nórdica. Y, francamente, eso bastó para sostener mi atención durante cien minutos de drama político y acción monumental.
Los actores añaden carácter a sus roles prefabricados, incluyendo a Ine Marie Wilmann como la paleontóloga con teorías que nadie cree hasta que es demasiado tarde; Mads Sjøgård Pettersen como el militar encargado de seguir las órdenes del gobierno, por irracionales que parezcan; y Anneke von der Lippe como la Primer Ministro que prefiere disparar primero y preguntar después. En particular me gustó el trabajo de Kim Falck y Karoline Viktoria Sletteng Garvang como "nerds" burocráticos dispuestos a romper las reglas para ayudar a los héroes en la batalla final; la cual, por cierto, trasciende la simple supervivencia para contemplar factores más abstractos en la existencia (y posible destrucción) de una criatura que representa el pasado cultural de Noruega. Como dije, una sensibilidad más moderna para compensar las rutinas kaiju del siglo pasado.
Y, bueno, todo eso acompañado por extraordinarias imágenes de impecable calidad para darle vida a una criatura con inusuales propiedades y gran personalidad... algo que casi siempre brilla por su ausencia en las películas norteamericanas de este tipo. Si no sentimos algo por el monstruo, todo lo demás es irrelevante; y en ese aspecto Troll cumplió su cometido. Ya quiero ver la secuela sugerida en los créditos finales; solo espero que pongan tanto esmero en el libreto como en los efectos especiales.
Calificación: 7.5

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Noche Sin Paz (Violent Night)

Síntomas: La mansión de la familia Lightstone es invadida por una pandilla criminal durante la fiesta de Navidad... y solo un milagro podría salvarlos.

Diagnóstico: Sí, es Die Hard en Navidad. Pero... ¡un momento! Die Hard también fue en Navidad. ¿Qué otra cosa aporta Noche Sin Paz a la fórmula?
Respuesta: Un Santa Claus alcohólico y desaliñado que deberá revivir su espíritu navideño para salvar a una familia en peligro.
Suena absurdo, pero el director noruego Tommy Wirkola tiene amplia experiencia combinando humor, violencia y personajes realistas en situaciones extraordinarias. Desde sus simpáticas deconstrucciones del cine zombie (Dead Snow y su secuela), hasta la ciencia ficción surrealista de What Happened to Monday, Wirkola ha demostrado innegable talento para mezclar géneros sin sacrificar sus esencias individuales. Lo cual significa que Noche Sin Paz es una sólida película de acción, y también un cálido relato navideño con un importante mensaje: la Estrella de Belén puede usarse como arma improvisada para sacarle el ojo a un villano.
Die Hard fue la inspiración principal de Noche Sin Paz (algunas referencias son tan obvias que solo podemos tomarlas como homenaje: la bóveda secreta, el uso de "walkie-talkies", y la interacción entre el héroe y el villano); pero también se nota la influencia de Home Alone, Bad Santa, y The Trip (del mismo Tommy Wirkola), donde una sangrienta invasión doméstica se convierte en la catarsis emocional que necesita una familia para reparar sus lazos afectivos... siempre y cuando puedan olvidar su codicia por un momento.
En el papel de Santa Claus, David Harbour continúa su inesperada carrera de héroe de acción en mala condición física... lo cual nos da esperanza a quienes compartimos su rotunda figura. Pero, más allá del desempeño físico, Harbour captura el buen corazón oculto bajo la amarga actitud de un hombre cansado del comercialismo y los niños caprichosos que exigen regalos sin merecerlo. Afortunadamente en momentos de crisis este cínico Santa tiene suficiente conciencia para ayudar a pesar del peligro. Y ese es el auténtico significado de la Navidad: el altruismo que nos inspira a ser mejores. Aunque romper cabezas con un martillo es más divertido.
Por el lado negativo señalaría las intrigas internas de la familia Lightstone, demasiado genéricas para crear suspenso; y, aunque las peleas son fantásticas, la cinematografía de Matthew Weston no encuentra la iluminación y encuadres óptimos para lucir al equipo de "stunts" dirigido por Jonathan Eusebio (Black Panther, Kate). Y esta vez no puedo culpar a la mala proyección de los cines mexicanos.
Fuera de eso, Noche Sin Paz me pareció recomendable como película de acción, y como simpática comedia para jóvenes y adultos (definitivamente no es para niños pequeños) que necesiten un respiro del empalagoso entretenimiento propio de esta temporada. ¿Quién sabe? Noche Sin Paz podría convertirse en un nuevo clásico "alternativo" de Navidad, para darle un descanso a Gremlins y Die Hard. Y hasta podría inspirar su propia secuela con más villanos, más explosiones, y más sangre derramada en el nombre de la Paz. Por cierto, los bastones de caramelo también son excelentes puñales.
Calificación: 8

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Historia de Honor (Devotion)

Síntomas: En 1950, los pilotos Jesse Brown (Jonathan Majors) y Tom Hudner (Glen Powell) forjan una sincera amistad que se pondrá a prueba durante las operaciones más peligrosas de la Guerra de Corea.

Diagnóstico: Así es, la "guerra olvidada" de Corea está ganando nuevo territorio en la batalla por la conciencia popular, dominada durante mucho tiempo por la Segunda Guerra Mundial. Y ahora, dos años después de The Battle of Jangsari, Historia de Honor nos ofrece un visión más personal del conflicto, con un pasaje biográfico de Jesse Brown (Jonathan Majors), el primer piloto africano-americano que sirvió en la Marina de los Estados Unidos (el famoso Escuadrón Tuskegee de los años cuarentas pertenecía a la Fuerza Aérea). Fuera de ese hecho histórico, Historia de Honor es una película de guerra genérica y olvidable, aunque razonablemente entretenida gracias al honesto esfuerzo del reparto, y las tensas secuencias de combate... aunque tardan más de una hora en llegar.
Tal vez es buen momento para mencionar las inevitables comparaciones con Top Gun: Maverick. No estoy diciendo que Historia de Honor "copió" la exitosa secuela con Tom Cruise (obviamente ambas cintas se produjeron más o menos al mismo tiempo, y se estrenaron con unos meses de diferencia); pero sospecho que Historia de Honor hubiera quedado relegada a "streaming" (o tal vez a un modesto estreno en cines de arte), si no hubiera sido por el extraordinario éxito económico de Top Gun: Maverick. Como dicen, "la marea eleva todos los barcos por igual", y no tiene nada de malo que los distribuidores de Historia de Honor hayan aprovechado la marea de Maverick para incrementar las oportunidades de su película. Y además para rendir tributo a un héroe militar ignorado por los libros de Historia en la "guerra olvidada" del siglo veinte. ¡Todos ganan!
Regresando a la película misma, Historia de Honor recicla los clichés del cine bélico para construir una historia sin duda entretenida, aunque demasiado predecible... con algunas excepciones. El protagonista de la película no es Jesse Brown, sino su "wingman" Tom Hudner (Glen Powell), un notable aviador por derecho propio que no solo apoyó a Jesse en el aire, sino en su lucha diaria contra las injusticias y el racismo de la sociedad en los años cincuentas. Suena extraño poner al héroe en un papel secundario, pero el punto de vista de Tom facilita comentarios sobre temas más complejos que rara vez se manejan en cintas de este tipo, como el síndrome del "redentor blanco" y la función de los "aliados" culturales en la defensa de las minorías étnicas. Algunos diálogos se sienten forzados, pero el mensaje es más importante que nunca.
Afortunadamente todo eso ocurre en segundo plano, sin distraernos del combate aéreo, el drama militar, y las obligatorias visitas a la vida personal de los pilotos para ver cómo la guerra afecta a sus familias. El director J.D. Dillard (Sweetheart) reconoce lo que tiene, sabe cómo usarlo, y no intenta re-inventar las fórmulas del género establecidas por el cine bélico del siglo veinte. Después de todo, los "teatros" de la guerra cambian constantemente, pero el heroísmo de las tropas permanece igual... siempre y cuando encuentren el ángulo correcto para filmarlo.
Calificación: 7.5

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The Wonder

Síntomas: A mediados del siglo diecinueve en un pequeño pueblo irlandés, una niña ha sobrevivido cuatro meses sin consumir alimento y sin sufrir las consecuencias del ayuno. Entonces una enfermera y una monja son enviadas para confirmar si se trata de un milagro, de un fenómeno científico, o de un simple engaño.

Diagnóstico: Desde la primera escena podemos inferir que el asunto de la niña milagrosa no será el punto principal de la película The Wonder, sino el marco de temas más diversos y complejos que cada espectador podrá interpretar según su perspectiva personal. ¿Es The Wonder una denuncia de la religión como amparo de ignorancia? ¿O un recordatorio de que la ciencia no ha descifrado los misterios de la mente? ¿O una metáfora del poder de las historias para guiar el desarrollo de la humanidad?
Respuesta: todo lo anterior, y mucho más.
Al principio de The Wonder, la enfemera Elizabeth Wright (Florence Pugh) llega a un remoto pueblo irlandés para examinar el caso de la niña Anna O'Donnell (Kíla Lord Cassidy), quien supuestamente lleva cuatro meses en ayuno (con excepción de agua) sin mostrar síntomas de enfermedad o malnutrición. El sacerdote local atribuye el milagro a una intervención divina, tal vez para compensar una reciente tragedia que sufrió la familia. Por su parte, el Dr. McBrearty (Toby Jones) cree que se trata de un raro fenómeno que permite a Anna obtener energía directamente del aire. Y el cínico reportero Will Byrne (Tom Burke) asume que todo es un engaño para ganar dinero... aunque no parece lógico organizar una estafa tan complicada en un lugar tan pobre. Por eso la Enfermera Wright y la Hermana Michael (Josie Walker) vigilarán a Anna día y noche, para confirmar que no está escondiendo comida en su habitación, o recibiéndola de algún cómplice.
Y, bueno, sobra decir que Elizabeth tiene secretos que podrían influir en su opinión del caso. Pero, como dije, a fin de cuentas The Wonder no se enfoca tanto en las causas, sino en las consecuencias del milagro; y ahí es donde el director chileno Sebastián Lelio (Una Mujer Fantástica, Disobedience) encuentra los mejores momentos de The Wonder, presentando escenas de impactante significado y profundidad que trasciende el rústico entorno de la cinta.
Las actuaciones y la cinematografía bastarían para recomendar The Wonder. Florence Pugh es indudablemente la atracción principal, pero casi se ve opacada por Kíla Lord Cassidy en el papel de la enigmática niña con inquebrantable devoción religiosa. La cinematografía de Ari Wegner (The Power of the Dog, In Fabric) es simplemente espectacular, como podemos confirmar en aquella sorprendente escena inicial; y la música de Matthew Herbert añade estridentes notas que reflejan el conflicto de las filosofías involucradas en la investigación. Quizás todos tienen razón a su manera; o todos cometen el pecado de soberbia.
En cierto modo The Wonder me recordó The Falling, otra película lenta y cerebral de Florence Pugh que reside en la frontera del "realismo mágico", sin comprometerse por completo con el mundo racional ni con el confort imaginario de la superstición. Pero, sea cual sea su opinión real, Sebastián Lelio cree en el cine como continuación de la tradición oral que impulsa la evolución humana. Lástima que The Wonder quedará relegada al limbo de Netflix, en vez de ganar el reconocimiento que merece de la industria. En fin... el lado negativo de la distribución global.
Calificación: 9

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Something in the Dirt

Síntomas: Levi Danube (Justin Benson) encuentra fenómenos paranormales en su nuevo departamento, y le pide ayuda a su vecino John Daniels (Aaron Moorhead) para filmar un documental que esperan vender a Netflix.

Diagnóstico: Synchronic, la más reciente película de los directores Aaron Moorhead y Justin Benson, tuvo un presupuesto considerablemente mayor a sus previas obras independientes, lo cual me hizo suponer que estaban a punto de entrar a las "grandes ligas" de Hollywood. Y también se incorporaron al universo de Marvel con la serie Moon Knight, lo cual confiere más prestigio (incluso si el proyecto fue un fracaso) (en mi humilde opinión).
Sin embargo su nueva cinta, Something in the Dirt, marca un regreso a sus raíces "caseras" con una producción minimalista en su forma, pero ambiciosa en sus ideas sobre tiempo, espacio, y las dificultades de encontrar un buen departamento en Los Ángeles. En otras palabras: aunque siguen trabajando en los márgenes de la industria, Moorehead y Benson mantienen su status como dos de las voces más interesantes en el espacio "indie", y Something in the Dirt fue todo lo que yo esperaba de este brillante dueto... aunque pudo ser más.
No voy a hablar de las cosas que ocurren en el nuevo departamento de Levi Danube (Justin Benson), pues es mejor compartir su asombro conforme se manifiestan fenómenos que no encajan en nuestras descripciones tradicionales de "actividad paranormal". Pero su vecino, el fotógrafo John Daniels (Aaron Moorhead), asume que son simples fantasmas, y accede a colaborar en un documental que podría demostrar de una vez por todas la existencia del "más allá". Sin embargo, con el paso del tiempo, la incertidumbre y la tensión empiezan a afectar la relación de John y Levi, su capacidad crítica, y eventualmente su sentido de la realidad. ¿Será posible que un modesto departamento en un genérico barrio de Los Ángeles oculte un grave peligro para la ciudad entera?
Admiro la audacia de Benson y Moorhead para explorar ideas descabelladas de manera racional, consolidando realidad y fantasía (y abundantes conspiraciones) en una narrativa dramáticamente coherente, sin sacrificar la deliciosa aura de misterio que estimula nuestra curiosidad y nos ayuda a "tragar" las más inverosímiles situaciones. Los directores avanzan sin mirar atrás, confiando en que el público les seguirá el paso porque están en la misma "frecuencia".
Habiendo dicho eso... me decepcionó la frustrante ambigüedad del tercer acto. Supongo que hay suficientes pistas para sacar nuestras propias conclusiones, pero aún así esperaba una resolución más satisfactoria, no necesariamente en en el plano lógico, sino en las emociones que sustentan la investigación paranormal. Benson y Moorhead hacen un excepcional trabajo como actores... pero como directores y guionistas dejan "colgando" a sus personajes. A veces literalmente. Spoiler.
Ese final truncado me impide darle una recomendación general a Something in the Dirt. Sin embargo, para fans del "cine raro" (y de este dueto), Something in the Dirt es una rara dosis de "surrealismo realista", con descomunales ideas que nos seducen con los secretos del Universo... aunque nunca los comparten. Ni hablar... tal vez es mejor quedarse con la duda.
Calificación: 8

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Good Night Oppy

Síntomas: Documental sobre las sondas robóticas Spirit y Opportunity, cuya misión de noventa días en el planeta Marte se extendió a varios años.

Diagnóstico: Desde niño me interesa la exploración espacial, y he seguido con mayor o menor atención las misiones de la NASA al planeta Marte; pero debo admitir que mi razón principal para ver el documental Good Night Oppy fueron las espectaculares recreaciones de la superficie marciana realizadas por el estudio de efectos especiales Industrial Light & Magic. Y aunque eso fue lo que más me gustó de la película, todo lo demás merece una recomendación como tributo a los ingenieros, científicos y matemáticos que contribuyeron a una de las misiones más exitosas en la historia de la NASA.
Lo que NO hace Good Night Oppy es enumerar los descubrimientos que hicieron las sondas Spirit y Opportunity en su larga vida. Claro, el documental describe momentos clave que revolucionaron nuestras ideas del Planeta Rojo y su posible pasado semi-acuático; pero para eso hay miles de artículos académicos en Internet. En vez de eso el director Ryan White se enfocó en los humanos detrás de los robots, en sus retos personales, y en las consecuencias de su labor en el futuro de la NASA y del programa espacial. De lo íntimo a lo cósmico, todo puede encontrarse en la historia de estos robots.
Habiendo dicho eso, White mantiene un sobrio balance entre hechos y emoción, evitando que el documental se vuelva demasiado cursi, o demasiado seco. El personal del Jet Propulsion Laboratory vierte su entusiasmo en entrevistas arteramente editadas para crear una narrativa con temas comunes, desde los inesperados peligros de la superficie marciana, hasta el gentil conflicto entre científicos que piden milagros, y los ingenieros encargados de recordarles las limitaciones del mundo real. Finalmente, la narración de Angela Bassett añade personalidad a los comunicados digitales, reportes geológicos, y demás miscelánea tecnológica involucrada en la misión.
Pero, más allá de cifras y fórmulas, Good Night Oppy celebra el indomable espíritu de exploración que inspiró a un grupo de visionarios para lograr lo imposible... o al menos para intentarlo a pesar de todas las cosas que podían salir mal en el largo camino a Marte... figurado y literal.
Tal vez Good Night Oppy (disponible en Prime Video) no permanecerá mucho tiempo en mi memoria, pero fue una experiencia inspiradora y optimista que sirve como perfecto antídoto del fatalismo omnipresente en las noticias y los medios de comunicación. Al menos en Marte no hay políticos. La pregunta es, ¿cómo podemos enviarlos para allá?
Calificación: 8

IMDb

Blood Relatives

Síntomas: El vampiro Francis (Noah Segan) descubre que tiene una hija adolescente, lo cual podría arruinar su precaria existencia en los márgenes de la sociedad.

Diagnóstico: Como buen relato vampírico, Blood Relatives incluye ocasional violencia, un poco de sangre, y cuestionables decisiones morales que solo parecen lógicas en el contexto sobrenatural de la cinta. Sin embargo, en el fondo es un melodrama familiar sobre las lecciones en el camino a la madurez... ya sea que estemos hablando de una adolescente desobediente, o de un vampiro con siglos de experiencia.
Al principio de Blood Relatives conocemos a Francis (Noah Segan), un vampiro afable y solitario que aprendió a vivir lejos de la civilización, evitando las grandes ciudades y viajando en su automóvil por las áreas rurales de los Estados Unidos, donde puede beber sangre de animales, y ocasionalmente matar humanos que lo merecen (al menos en su opinión). Pero su monótona existencia se interrumpe cuando conoce a Jane (Victoria Moroles), quien afirma ser su hija... y tiene incipientes poderes vampíricos para demostrarlo. Entonces Francis debe elegir entre llevar a la joven con parientes lejanos que ni siquiera la conocen, o aceptar su nueva responsabilidad paterna.
El director, actor y guionista Noah Segan (The Mind's Eye, Some Kind of Hate) construye una historia emotiva y universal que no necesita el "factor vampírico" para capturar nuestra atención. Francis y Jane podrían ser personas normales, y aún así Blood Relatives funcionaría por la naturalidad de las actuaciones y la simpática interacción del padre inmaduro y la hija rebelde que necesita apoyo emocional mientras encuentra su lugar en el mundo.
Y, bueno, aunque el drama funcione por derecho propio, Segan no desperdicia el tema vampírico, pues añade complicaciones a una situación ya de por sí difícil, y revela el carácter de los personajes. Por ejemplo: la preferencia de Francis por cazar víctimas nocivas para la sociedad (como criminales o depredadores); y la tentación que siente Jane por usar sus poderes sin pensar en las consecuencias. Esos son los detalles que enriquecen las rutinas del cine "coming of age", y replantean los clichés del horror en un cálido mensaje de optimismo y compasión.
Finalmente, otro "detalle" importante de Blood Relatives es la perspectiva histórica de Francis, un vampiro judío cuya gran longevidad significa que vivió terribles períodos de opresión cultural (por decirlo amablemente), lo cual altera su opinión de la sociedad contemporánea... especialmente en el sur de los Estados Unidos, donde persiste la ideología anti-semítica fomentada por organizaciones extremistas. No es un aspecto primario de Blood Relatives, pero contribuye a su tono general, y añade relevancia a una simple "comedia de terror" con inesperada ambición temática... exactamente lo que necesita el género.
Calificación: 8

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Accident Man: Hitman's Holiday

Síntomas: El asesino profesional Mike Fallon (Scott Adkins) se muda a la isla de Malta para escapar de sus problemas en Inglaterra; pero, desde luego, el pasado lo persigue.

Diagnóstico: Accident Man: Hitman's Holiday es la secuela de Accident Man (2018), pero no es necesario conocer la original para disfrutar la explosiva acción, irreverente humor y brutales peleas presentes en cada escena de esta película, convirtiéndola en uno de los mejores proyectos independientes de Scott Adkins, y uno de los que reflejan con mayor fidelidad su estilo personal.
Primero lo malo para salir del paso: el primer acto de Accident Man: Hitman's Holiday se siente torpe y difuso porque hace muchas cosas sin el apoyo de un arco dramático concreto: debe explicar la situación del protagonista para el público que no vio la primera película, introduce nuevos aliados y enemigos, y establece las circunstancias que conducen a la misión que ocupará la segunda mitad de la película.
Después de traicionar a su mentor en Inglaterra, Mike Fallon (Scott Adkins) escapó a la isla de Malta, donde continúa su carrera criminal con ayuda de su amigo Finicky Fred (Perry Benson), el diseñador de las trampas y mecanismos que facilitan los "accidentes" con los que Mike elimina a sus víctimas. Entonces alguien secuestra a Fred para obligar a Mike a aceptar un inusual trabajo: proteger a un antipático individuo de los asesinos que lo persiguen. Y ahí es donde Accident Man: Hitman's Holiday encuentra el camino, y se transforma en una virtuosa exhibición de acción y artes marciales.
Los directores George y Harry Kirby combinan el clásico estilo de Hong Kong con el dinamismo de Guy Ritchie para crear una estética que solo podríamos describir como "comic viviente"... muy apropiado, considerando que la original Accident Man se basó en un comic de Pat Mills y Tony Skinner. Esto significa que no podemos esperar "realismo" en la acción, y mucho menos en el drama; pero a cambio tenemos una delirante visión que complementa las pintorescas personalidades de Mike Fallon, sus colaboradores y, sobre todo, los antagonistas que enfrenta a lo largo de la cinta. Entre ellos: el Vampiro de Ghana (no es un vampiro "real", sino un maniático que bebe la sangre de sus víctimas... y puede detectar el grupo sanguíneo tan solo por el sabor) interpretado por el boxeador Faisal Mohammed; Poco, el Payaso Asesino que no siente dolor (Beau Fowler); y el ninja Oyumi, interpretado por Andreas Nguyen, quien también coreografió las peleas junto con Hung Dante Dong (Doctor Strange in the Multiverse of Madness), George Kirby (The Batman), y el mismo Scott Adkins.
Si no fuera por los tropiezos del libreto, Accident Man: Hitman's Holiday sería una de las mejores películas de acción del año. E incluso con sus fallas podríamos clasificarla como "joya oculta" de la acción directa a video, infinitamente superior a las mediocres B-Movies que se estrenan cada semana en "streaming" o VoD. Habiendo dicho eso, en la filmografía reciente de Scott Adkins tal vez One Shot y Avengement son objetivamente mejores películas; pero Accident Man: Hitman's Holiday me gustó más por su exuberante sentido del humor, impecable acción, y simpatía de los personajes (ni siquiera mencioné a la "entrenadora" de Mike Fallon interpretada por la increíble Sarah Chang, probablemente el mejor descubrimiento de la película). En resumen: una excelente distracción para "limpiar el paladar" en esta temporada de cine de prestigio y aspirantes a los Óscares. Y gran debut de los Hermanos Kirby; definitivamente se perfilan como competencia de Jesse V. Johnson y los Hermanos Mo.
Calificación: 8

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La Maldición: Despertar de los Muertos (The Cursed: Dead Man's Prey - Bangbeob: Jaechaui)

Síntomas: La reportera In Jin-hee (Uhm Ji-won) investiga una ola de asesinatos cometidos por cadáveres vivientes.

Diagnóstico: Entre tantas películas de desastre y thrillers políticos, había descuidado el cine de horror de Corea del Sur; afortunadamente el estreno en cines de La Maldición: Despertar de los Muertos me permitió rectificar esa omisión, y me complace decir que fue una experiencia mejor de lo que esperaba, considerando los múltiples factores que tenía en su contra.
Primer factor: La Maldición: Despertar de los Muertos es el "spin-off" cinematográfico de una serie coreana que nunca vi. No me costó trabajo entender la película, pero definitivamente se notan los elementos "heredados" de televisión, sobre todo cuando aparecen sin explicación alguna (como el "geek" experto en tecnología que ayuda en la investigación), o cuando insinúan tensiones existentes entre personajes que apenas conocemos (como la bruja que invade los sueños de la reportera)
Segundo factor: A estas alturas no siento gran interés por historias de zombies que no aportan algo original a este gastado sub-género; sin embargo los "muertos vivientes" de La Maldición: Despertar de los Muertos no son los típicos zombies caníbales del horror contemporáneo, sino cadáveres resucitados por medio de magia negra (o algo así), lo cual revive (ja, ja) el concepto original de los zombies-esclavos introducido en películas tan seminales como White Zombie (1932), I Walked With a Zombie (1943)... ¡y hasta Plan 9 From Outer Space (1957)!
Tercer factor: La cinematografía y efectos especiales son buenos, pero la dirección y las actuaciones conservaron la estudiada artificialidad de una telenovela de bajo presupuesto. Nada extraño, considerando el origen de esta franquicia, pero puede ser desconcertante encontrar esa sensibilidad televisiva en una película tan bien realizada en los demás aspectos.
Afortunadamente ninguno de esos problemas redujo mi aprecio por las ingeniosas ideas y dinámico desarrollo de La Maldición: Despertar de los Muertos. Los ataques de los zombies (o como quieran llamarles) se conectan con una investigación policíaca bastante elemental, pero aún así interesante porque no se enfoca en encontrar al culpable (desde el principio sabemos quién está manipulando a los muertos vivientes, y por qué), sino en el proceso deductivo de la reportera In Jin-hee (Uhm Ji-won) y su melodrama personal conforme se sumerge en algo más complicado (y más peligroso) de lo que parecía al principio.
Como balance de los halagos diré que la narrativa de La Maldición: Despertar de los Muertos es muy ligera, y nunca alcanza realmente el calificativo de "Horror" (con mayúscula). Cuando mucho la describiría como un thriller paranormal con el estilo "pulp" de Doc Savage o Weird Tales, pero realizada con todos los recursos del siglo veintiuno (tan solo la secuencia con decenas de zombies atacando un edificio justifica una recomendación). Y, desde luego, el final deja la puerta abierta para continuar la historia... aunque aparentemente será en televisión. Ni hablar; me gustó La Maldición: Despertar de los Muertos como película, pero no sé si aguantaría una temporada de "k-drama" con mucho relleno y poca sustancia.
Calificación: 7.5

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El Menú (The Menu)

Síntomas: Tyler (Nicholas Hoult) y su novia Margot (Anya Taylor-Joy) pertenecen al selecto grupo de invitados a un evento gastronómico en la isla privada del chef Julian Slowik (Ralph Fiennes). Como aficionados a la cocina "gourmet" esperan una noche inolvidable... pero lo que encuentran es una sorpresa mortal.

Diagnóstico: No, la "sorpresa" no es canibalismo, como yo estaba esperando. La amenaza oculta en la remota isla del Chef Julian Slowik (Ralph Fiennes) es más abstracta e inusual... pero al mismo tiempo menos satisfactoria como premisa de un "thriller culinario", pues nos obliga a aceptar abruptos cambios de conducta, monólogos interminables, y un final absurdista que revela la intención satírica de la película, así como el agrio tono cultivado por el director Mark Mylod (veterano de la serie Succession, cuyos fans probablemente apreciarán el humor negro de esta cinta). Ah, y además El Menú fue producida por Adam McKay y Will Ferrell, lo cual explica muchas cosas... aunque no sé si mejoró mi opinión del proyecto.
Los ingredientes (prometo no excederme con las metáforas culinarias) de la película son excelentes, empezando por un ensamble de actores cuidadosamente seleccionados para establecer sin necesidad de explicaciones el carácter de cada personaje. Nicholas Hoult interpreta a Tyler, fanático de la cocina gourmet que usa frases como "perfiles de sabor" y "sensaciones bucales". Anya Taylor-Joy es su cínica novia Margot, claramente indiferente a los deleites epicúreos que promete la isla. Y Ralph Fiennes interpreta al arrogante Chef Slowik, un tirano en la cocina, pero con gran talento para crear platillos que cuentan una historia. El resto de los comensales incluye a una crítica culinaria y su editor (interpretados por Janet McTeer y Paul Adelstein), una pareja millonaria (Reed Birney y Judith Light) que son clientes frecuentes del chef; un actor famoso y su asistente (John Leguizamo y Aimee Carrero); y tres jóvenes empresarios (Arturo Castro, Rob Yang y Mark St. Cyr) acostumbrados a dar órdenes y cumplir sus deseos. Y desde luego a lo largo de la cena se revelarán secretos del pasado, explotarán conflictos personales, y se presentará el gran "twist" que pone la velada en un contexto muy distinto al que esperábamos.
El problema es que los secretos y conflictos nunca fueron suficientemente interesantes para capturar mi atención; y el "twist" sigue una insípida receta que no genera las "sensaciones bucales" (emociones) ni el "perfil de sabor" (suspenso) que esperaba el director. Por otro lado, como dije, aprecié la brutal sátira de la cocina gourmet y sus pretensiones pseudo-artísticas, especialmente cuando el ego de los chefs opaca las funciones más elementales de su oficio.
Tal vez estos párrafos suenan negativos, pero la verdad es que El Menú es una película bien realizada, con notables actuaciones, y un mordaz sentido del humor que no pretende hacernos reír, sino denunciar el elitismo de las clases altas en el marco de una actividad cada vez más dominante en la cultura popular (tan solo este año he visto tres "thrillers culinarios", y sé que existen incontables series televisivas sobre elaboración de alimentos). Desafortunadamente los aciertos de El Menú no lograron compensar la superficialidad de su mensaje, ni el forzado desarrollo de la trama. Aunque admito que me dejaron intrigado esas "perlas de limón". Tal vez algún día ganaré suficiente dinero para comprar la mitad de una.
Calificación: 7

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