The Munsters

Síntomas: En un pueblo de Transilvania, el Conde (Daniel Roebuck) quiere que su hija Lily (Sheri Moon Zombie) encuentre un buen esposo; pero en vez de eso se enamora de Herman Munster (Jeff Daniel Phillips), un cantante bobalicón con grandes sueños de fama que podrían llevarlos a la ruina... o directamente a Hollywood.

Diagnóstico: The Munsters es la peor película de Rob Zombie... pero no es la que menos me ha gustado.
La premisa tiene potencial: una precuela de la clásica serie The Munsters, mostrándonos el inicio del romance entre Lily (Sheri Moon Zombie) y Herman Munster (Jeff Daniel Phillips), así como las circunstancias que los llevaron a un típico suburbio norteamericano, donde su extraña apariencia y excéntrica conducta ofendía la sensibilidad de sus vecinos.
En su original contexto histórico (mediados de los años sesentas), la serie The Munsters servía como gentil denuncia de las hipocresías sociales más comunes de la época (y probablemente de hoy): la obsesión con las apariencias, la falacia del conformismo, el estigma del "outsider", etc. Desafortunadamente el director y guionista Rob Zombie olvidó todo eso cuando concibió su nueva versión de The Munsters. En vez de rescatar el mensaje de la serie, Zombie se quedó en la mera superficie, utilizando el dinero de Netflix para rendir tributo a los monstruos de antaño que tanto le gustan. Entiendo su actitud... pero me decepcionó su absoluta falta de ambición dramática.
Una y otra vez, The Munsters toma la ruta más fácil en su estéril propuesta narrativa: la historia es torpe y desganada; los personajes carecen de sustancia y están definidos únicamente por su maquillaje prostético (excelente desde el punto de vista técnico, pero insuficiente para darles carácter); y el humor es tan insípido que parece un insulto a los arcaicos "sitcoms" de antaño... lo cual ya es decir bastante.
Lo único que destaca en The Munsters es el vibrante estilo visual cultivado por Rob Zombie en sus videos musicales, con una rica paleta de colores, espectacular diseño de producción (dentro de los límites del modesto presupuesto), y una textura "retro" que transforma la película en una atractiva experiencia sensorial. Por cierto, mención especial para la música compuesta por Zombie y el grupo Zombo, en esta ocasión más rockabilly que metalera.
También me divirtieron las constantes referencias a los monstruos clásicos antes mencionados, incluyendo momias, zombies, científicos locos, y demás ingredientes de todas aquellas B-Movies (principalmente de Universal Pictures) que inspiraron la peculiar estética de Rob Zombie. Lamentablemente esa creatividad no se extendió al libreto, ni a la evolución ideológica que uno esperaría en una moderna interpretación de la Familia Munster. Definitivamente he reído más con las películas animadas de Scooby Doo. Pero, bueno... Zombie cumplió su capricho. Veremos si este chasco termina su carrera, o lo motiva a redimirse.
Calificación: 6 (punto extra por Cassandra Peterson, pero lo pierde por no incluir al Dragula)

IMDb

What Josiah Saw

Síntomas: El suicidio de una mujer destruyó a su familia y la separó durante muchos años. Sin embargo el destino (¿o tal vez el fantasma de la madre?) encuentra la manera de reunirlos para enfrentar terribles secretos del pasado.

Diagnóstico: El fantasma podría ser imaginario, pero el trauma es real. El director Vincent Grashaw divide What Josiah Saw en viñetas que nos muestran las consecuencias de aquel suicidio en las vidas de los hijos. Tommy (Scott Haze) permaneció en la granja familiar con su padre Josiah (Robert Patrick), perpetuando el círculo vicioso de abuso y co-dependencia que comenzó en su infancia. El alcoholismo de Josiah y la limitada capacidad mental de Tommy los aislaron de la sociedad y llevaron su negocio a la bancarrota.
Mientras tanto, en el estado de Texas, el hijo menor Eli (Nick Stahl) adquirió una adicción que lo dejó endeudado con individuos muy peligrosos; y ahora, como último recurso para salir del aprieto, acepta participar en un robo de alto riesgo.
Finalmente Mary (Kelli Garner), la hermana gemela de Eli, parece tener la vida más normal de todos, casada con el afable Ross (Tony Hale), y en proceso de adoptar un hijo. Sin embargo la engañosa "normalidad" de Mary oculta profundas heridas psicológicas que amenazan la estabilidad de su matrimonio.
Y eventualmente vemos cómo las historias de los hermanos se conectan con la del padre, con la madre fallecida, y con los secretos que los atormentan desde hace décadas.
Eso es todo lo que necesita el director para crear horror rural trágico e impactante, revelando la corrupción detrás del "Sueño Americano", y sirviéndonos una dosis de "gótico sureño" más siniestra que cualquier imitación popular (como la reciente Where the Crawdads Sing).
Las actuaciones de What Josiah Saw bastan por sí solas para recomendar la película, destacando Robert Patrick como el epónimo Josiah, un hombre cruel y egoísta en busca de redención espiritual. Sus visiones podrían ser alucinaciones inducidas por el alcohol, o genuinos mensajes del más allá; pero al menos lo motivan a cambiar su actitud. Y Nick Stahl continúa su lento pero seguro ascenso como uno de los mejores actores contemporáneos, abordando el papel más complicado de la cinta (con una posible excepción) por su frágil balance entre amoralidad y conciencia.
Finalmente, mención especial para la cinematografía de Carlos Ritter y la edición del mismo Grashaw, colaborando para mantener nuestra atención a pesar de tantos giros y digresiones que podrían aburrir al público impaciente en busca de algo más sencillo y comercial (What Josiah Saw dura dos horas, y sentimos el peso de cada minuto). Pero la recompensa emocional justifica el parsimonioso recorrido hacia el contundente final; y las lecciones que nos deja confirman que, en efecto, vimos una sobresaliente película de terror. La diferencia es que el temor que inspira no es físico sino existencial; no solo más dañino, sino más fácil de encontrar en los rincones de la sociedad.
Calificación: 9 (aunque no quiero volver a verla jamás)

IMDb

Saloum

Síntomas: Durante un golpe de estado en un país africano, tres mercenarios reciben una fortuna por rescatar a un narcotraficante mexicano; pero terminan varados en Saloum, una remota provincia de Senegal donde esperan encontrar refugio. Desafortunadamente el santuario no es tan seguro como creían.

Diagnóstico: Saloum es definitivamente una película de terror, pero la auténtica amenaza tarda una hora en manifestarse. Mientras tanto, Saloum es un excelente thriller criminal sobre tres mercenarios en una cuestionable misión de rescate que se desmorona a su alrededor, obligándolos a tomar difíciles decisiones, formar alianzas inesperadas, y eventualmente reconocer que su estilo de vida basado en armas y violencia no siempre es la solución correcta... sobre todo cuando interfieren fuerzas ajenas a su comprensión.
Todo empieza en el año 2003 durante el golpe de estado en Guinea-Bisáu, una pequeña república africana políticamente inestable desde que ganó independencia de Portugal. Los mercenarios Chaka (Yann Gael), Rafa (Roger Sallah) y Minuit (Mentor Ba) son conocidos como "las Hienas de Bangui", temibles soldados que venden sus servicios al mejor postor; y en esta ocasión se trata de Félix (Renaud Farah), un narcotraficante mexicano que los contrata para garantizar su traslado seguro a Dakar, donde lo esperan sus secuaces. Las Hienas roban una avioneta, pero una falla mecánica los obliga a aterrizar en el desierto del Senegal; y, como Chaka conoce la región, sugiere caminar al pueblo de Saloum, donde podrán encontrar refacciones y combustible para reparar el avión. Sin embargo, bajo la aparente hospitalidad de Saloum se esconde un secreto que pondrá a todos en peligro... si es que sobreviven las extrañas reglas de la comunidad y la desconfianza de sus habitantes.
El director y co-guionista Jean Luc Herbulot logró una maravillosa fusión de intriga política, acción y suspenso, rematados por un tercer acto genuinamente sorprendente por la forma que adopta el horror, muy distinto al estándar occidental, pero firmemente basado en los temas universales de venganza y redención. Las causas del conflicto podrán variar según el área geográfica, pero el sufrimiento que provocan es igual en todo el mundo, así como la capacidad de la Humanidad para sobreponerse a sus prejuicios y contribuir al bien común. O al menos para sobrevivir los misterios de una mitología milenaria que permanece viva en la fe de sus creyentes. O algo así.
Las partes más valiosas de Saloum se esconden en el subtexto; pero incluso su forma básica me pareció recomendable por la intensidad de la historia, las increíbles actuaciones, y la creatividad visual que desafía nuestras expectativas, al mismo tiempo que cumple la promesa del horror en una forma rara vez retratada por el cine comercial. Saloum es la primera producción de Senegal que he visto en mi vida (creo), y establece un magnífico precedente de calidad que sin duda merece atención internacional. Nuevamente el Horror se convierte en embajador de culturas emergentes.
Calificación: 8.5

IMDb

Confess, Fletch

Síntomas: Mientras investiga el robo de varias obras de arte, el reportero I.M. Fletcher (Jon Hamm) es acusado de asesinar a una mujer. ¿Será realmente culpable, o habrá sido un ardid del ladrón para descarrilar la investigación?

Diagnóstico: Yo también tengo una confesión: nunca entendí el fenómeno de "Fletch". Las películas que realizó Chevy Chase en los ochentas (Fletch, de 1985, y Fletch Lives, de 1989) me parecieron igualmente mediocres como comedias y como historias de detectives (bueno, Fletch no es exactamente un detective, sino un reportero investigador retirado que ocupa su tiempo resolviendo crímenes y metiéndose en problemas). También leí la primera novela de la serie ("Fletch", de 1971, escrita por Gregory Mcdonald) (la estaban regalando en Kindle cuando debutó la plataforma), y tampoco me convenció mucho.
Sin embargo, por alguna razón Fletch es una venerada figura de culto, y ahora el director Greg Mottola (Superbad, Adventureland) nos ofrece una nueva versión cinematográfica apoyada por buenos actores y una sensibilidad contemporánea que podría renovar la popularidad del personaje e iniciar una próspera franquicia... o al menos esa fue la intención.
Para empezar, Confess, Fletch tiene un humor arcaico y forzado que no me hizo reír una sola vez; y como thriller detectivesco tampoco llamó mi atención porque el libreto (adaptado por Mottola y Zev Borow) no toma en serio los múltiples misterios de la trama, lo cual neutraliza cualquier amago de suspenso, emoción, o simple curiosidad por encontrar al culpable. O culpables.
El primero de esos misterios es el secuestro de un conde italiano, cuyos captores exigen una valiosa pintura de Picasso como rescate para liberarlo. Desafortunadamente la colección del conde fue recientemente robada en Europa, y por eso su hija Angela (Lorenza Izzo) solicitó ayuda de Fletch (Jon Hamm) para recuperarla. Y cuando el reportero viaja a Boston siguiendo la pista de los cuadros, se convierte en sospechoso de asesinato, poniéndolo en la mira de los policías Monroy (Roy Wood Jr.) y Griz (Ayden Mayeri), quienes no se detendrán hasta que Fletch confiese... o sea víctima del auténtico asesino.
Jon Hamm demostró su talento humorístico en las series televisivas 30 Rock y Unbreakable Kimmy Schmidt, pero su estilo de comedia no me pareció compatible con el peculiar tono de Confess, Fletch. A pesar de su carisma de estrella de cine, Hamm no tiene la actitud traviesa y subversiva que necesita el personaje para complementar su excéntrico universo. Y no necesitamos ir muy lejos para encontrar mejores candidatos: John Slattery (con quien Hamm colaboró en la aclamada serie Mad Men) tiene un par de escenas como iracundo editor periodístico que ayuda a Fletch con la investigación... y en esos breves minutos demuestra que hubiera sido un mejor protagonista (en mi humilde opinión). Slattery asimila instintivamente el delicado balance de drama y parodia, creando un personaje antagónico pero entrañable; exagerado pero sincero; y más energético que el apático Hamm. Por otro lado, Slattery no es un actor particularmente comercial, y quizás la película no hubiera encontrado financiamiento sin una genuina "estrella de cine". Las paradojas de Hollywood, supongo.
Por lo demás, Confess, Fletch tiene buenos actores desperdiciados en malos papeles, incluyendo Lucy Punch (fingiendo un acento americano), Marcia Gay Harden (fingiendo un acento italiano), y Kyle Machlachlan (fingiendo que le gusta la música EDM).
Habiendo dicho todo eso... aparentemente Confess, Fletch fue bien recibida por la crítica y por los fans de la saga literaria. Me alegro por ellos, pero no comparto su entusiasmo. Y probablemente me abstendré de ver nuevas películas de Fletch, en caso de que el reboot tenga suficiente éxito para convertirse en franquicia. En lo que respecta a "detectives graciosos" prefiero al ex-niño detective de The Kid Detective o al impostor de Kiss, Kiss, Bang, Bang. Bueno, hasta Ace Ventura hubiera sido una mejoría...
Calificación: 6 (solo por los actores secundarios)

IMDb

Emily the Criminal

Síntomas: Emily Benetto (Aubrey Plaza) no puede conseguir trabajo debido al estigma de un crimen violento en su pasado; y por eso empieza a cometer pequeños fraudes en complicidad con Youcef (Theo Rossi). Pero con el paso del tiempo las estafas se vuelven más grandes y peligrosas, haciendo que Emily cuestione su carrera criminal.

Diagnóstico: El título y la presencia de Aubrey Plaza sugieren una comedia negra, pero en realidad Emily the Criminal es un thriller "a la antigua", siguiendo la espiral auto-destructiva de una persona que quiere mejorar su vida por cualquier medio necesario. También es una denuncia del cruel sistema legal que nunca olvida los errores de la juventud; y finalmente es un estudio de carácter sobre una mujer que aprendió la lección y quiere seguir las reglas... hasta que las reglas se convierten en un obstáculo para alcanzar sus metas.
Son muchas cosas para una película tan pequeña, pero la dirección de John Patton Ford y la fantástica actuación de Aubrey Plaza se encargan de profundizar en la psicología de Emily y expresar su dilema moral sin necesidad de diálogos ni explicaciones. Un clásico caso de "menos es más", con un libreto conciso y maduro que muestra lo mínimo necesario para entender la situación, mientras delega el desarrollo emocional a los finos instintos de su actriz principal.
Lo cual nos lleva a la mejor razón para recomendar Emily the Criminal: Aubrey Plaza, continuando su transformación de sardónica comediante a una versátil actriz capaz de abordar cualquier papel con precisión y realismo. Tal vez su trabajo en Emily the Criminal no me impresionó tanto como en Black Bear, pero aún así será una revelación para quienes solo la conocían por Parks & Recreation o por las comedias juveniles donde se encasilló al principio de su carrera (desde las malas como Dirty Grandpa, hasta las medianas como The To Do List).
El elenco secundario incluye a Theo Rossi (Army of the Dead) como el estafador profesional que reconoce el potencial de su protegida para el fraude crediticio; Gina Gershon (Bound) tiene un breve cameo como ejecutiva de una agencia de publicidad que podría rescatar a Emily de su vida criminal; y Megalyn Echikunwoke (Late Night) es la amiga que representa todo lo que Emily aspiraba en su vida profesional, y nunca logró obtener por razonas externas o internas. Sus escenas son particularmente importantes porque también indican el distanciamiento de Emily de la sociedad "normal", y su gradual adaptación al inframundo criminal (SPOILER obligatorio: No le pasa nada al simpático perrito Dachshund... aunque podría cambiar de dueño).
Emily the Criminal es una modesta producción sin grandes aspiraciones comerciales; pero ese minimalismo se traduce en mayor intensidad dramática que nos captura desde el amargo principio hasta el satisfactorio final, simultáneamente lógico y sorpresivo, que no teme mostrar las consecuencias de las acciones de Emily... para bien o para mal. Perfecta lección para rematar un moderno "noir" que no necesita más "mujer fatal" que su propia protagonista.
Calificacion: 9

IMDb

Bárbaro (Barbarian)

Síntomas: Tess (Georgina Campbell) renta una casa por unos días en la ciudad de Detroit, pero un error administrativo la obliga a compartirla con Keith (Bill Skarsgård), un hombre aparentemente inofensivo. Y ese no es el único inconveniente que tiene la casa.

Diagnóstico: Diré desde ahora que Bárbaro me decepcionó un poco a pesar de la respuesta tan positiva que ha recibido del público y la crítica. No digo que sea una mala película; por el contrario, cuenta con sólidos valores de producción, abundante suspenso, y un ingenioso libreto repleto de momentos tenebrosos que nos obligan a reconsiderar una y otra vez lo que sabemos (o creemos saber) sobre la humilde casa que habitan temporalmente Tess (Georgina Campbell) y Keith (Bill Skarsgård) en un barrio pobre de Detroit... una ciudad afectada por graves problemas económicos que aceleraron su decadencia y la dejaron en ruinas.
El problema fue que, después de un intrigante comienzo y varios creativos "twists", Bárbaro se instala en una rutina muy común en el horror contemporáneo, sin aportar algo nuevo a la receta. Los clichés están bien implementados por el director Zach Cregger; y además se conectan con leyendas urbanas "reales" (SPOILERS en ese enlace) que se remontan al pasado de Detroit y añaden un oblicuo comentario sobre los factores que contribuyeron a su caída. Pero nada de eso compensó mi desencanto con un tercer acto torpe y predecible, fundamentado en el comportamiento irracional de individuos que, en la mejor tradición del cine de terror, cometen absurdos errores en vez de salir corriendo al primer indicio de peligro. Cragger se anticipa al problema introduciendo emociones que intentan justificar las malas decisiones de los personajes, lo cual me pareció admirable... pero poco convincente.
Por el lado positivo, las actuaciones son excelentes, y casi bastan por sí mismas para recomendar la película. Georgina Campbell interpreta a Tina con pragmática convicción, mostrando apropiada desconfianza en una situación incómoda (compartir la casa rentada con un extraño), pero con suficiente sentido común para protegerse de peligros potenciales... hasta que el libreto la obliga a tomar riesgos inverosímiles para generar tensión. Bill Skarsgård tiene una actuación más pasiva, pues sabe que su reputación como villano se encargará de inflamar nuestra paranoia y sospechar de su aparente inocencia. Hasta las frases más triviales ("¿Quieres abrir una botella de vino?") se sienten amenazadoras cuando salen de su boca. En el reparto secundario tenemos a Richard Brake, Jaymes Butler, y Justin Long, en otro papel de ambigua moralidad que nos hace cuestionar sus genuinas intenciones. Y, cerrando con broche de oro, la música absolutamente crispante de Anna Drubich y los efectos de maquillaje de Alexandrina Dermendzhiyska se encargan de elevar el horror y distraernos de los altibajos del libreto (escrito por el mismo Cragger).
En resumen, Bárbaro no me pareció la obra maestra que muchos aclaman, pero sin duda es una recomendable película de terror con calidad superior al promedio en todos los aspectos de su producción. Y, en un género tan maltrecho, ese despliegue de talento técnico y artístico constituye un triunfo que no podemos ignorar. Si tan solo los personajes fueran más sensatos...
Calificación: 8

IMDb

Marcel the Shell With Shoes On

Síntomas: El cineasta Dean (Dean Fleischer-Camp) realiza un documental sobre Marcel (voz de Jenny Slate), un caracol marino que vive en un "AirBnB" con su abuela Connie (voz de Isabella Rossellini); y durante la filmación Dean y Marcel aprenden nuevas cosas sobre el mundo y sobre sí mismos.

Diagnóstico: Aparentemente el personaje de Marcel empezó en YouTube como una serie de cortometrajes (y un libro) co-creados por el director Dean Fleischer-Camp y la actriz Jenny Slate. Tal vez por eso la película Marcel the Shell With Shoes On se siente como una colección de viñetas vagamente conectadas por un misterio que motiva al protagonista y aporta estructura al argumento; pero lo importante de Marcel the Shell With Shoes On son las conversaciones entre Dean (Dean Fleischer-Camp), un cineasta deprimido por una decepción romántica, y Marcel (voz de Jenny Slate), un caracol marino con un solo ojo y un par de zapatos, cuyo ingenio y optimismo le ayudan a sobrevivir en un mundo que no siempre entiende. Y eso es todo.
Afortunadamente no hacer falta más para recomendar Marcel the Shell With Shoes On como una moderna fábula que combina realismo mágico (la existencia de Marcel) con un entrañable estudio de carácter aderezado por astutas observaciones sobre la naturaleza humana, la falacia de la fama ("Una audiencia no es lo mismo que una comunidad"), y la habilidad de aceptar los cambios como oportunidades para evolucionar, y no como justificación para aislarnos del mundo exterior. Marcel the Shell With Shoes On es una de esas películas que dicen mucho con muy poco, y saben decirlo con humor, claridad... y un poco de pretensión porque, bueno, a su propia manera Slate y Fleischer-Camp hicieron una versión infantil de "los problemas de la gente bonita". Pero al mismo tiempo Marcel the Shell With Shoes On puede ser tan elocuente, diversa y profunda como las mejores obras "indie" del cine post-pandémico.
Además, por el lado "geek", Marcel the Shell With Shoes On es otro triunfo artístico de los Hermanos Chiodo, cuya delicada fusión de animación "stop motion", modelos y trucos digitales le dan a la película una identidad visual única, con ese sabor artesanal que tanto le gusta al público "hipster" (¿todavía se usa el término?), al mismo tiempo que complementa el tono establecido por las actuaciones de Jenny Slate, Dean Fleischer-Camp e Isabella Rossellini. Gracias a ellos no hacen falta explicaciones sobre el surrealista universo de la cinta, ni sobre el origen de los personajes. Todo lo que necesitamos saber fluye de sus diálogos y su carácter.
A primera vista Marcel the Shell With Shoes On puede parecer demasiado frívola para tomarse en serio; pero detrás de su afectada presentación y subversivo humor se ocultan las Grandes Verdades (con mayúscula) que muchos artistas y filósofos han explorado a lo largo de la Historia. A veces no hay mucha diferencia entre un pequeño caracol de "stop-motion" y una ponderosa novela de García Márquez.
Calificación: 8

IMDb

Pinocchio

Síntomas: Una marioneta de madera llamada Pinocho (voz de Benjamin Evan Ainsworth) aspira a convertirse en un niño de verdad siguiendo los consejos de su padre Geppetto (Tom Hanks) y del grillo Jiminy Cricket (voz de Joseph Gordon-Levitt). Pero las tentaciones del mundo son muy grandes, y Pinocho es presa fácil de individuos que quieren explotarlo para su propio beneficio.

Diagnóstico: No hay nada intrínsecamente malo en la nueva película Pinocchio, excepto el conflicto fundamental entre un cuento de hadas repleto de situaciones fantásticas, y el forzado realismo visual que contradice el espíritu de los personajes. Traducción: hay historias como Pinocchio que deberían permanecer en el reino animado, en vez de arrastrarlas al mundo real, donde los detalles que hicieron memorable la película de 1940 se convierten en agria evidencia de su artificialidad. Por ejemplo: el encuentro con la ballena... una encantadora secuencia en la cinta original, y una inverosímil monstruosidad en la película de acción viva.
Aunque no sé si "acción viva" sea el término correcto. Claro, hay varios actores reales, pero el idealizado universo de la cinta es claramente digital. Como sea, fue un buen punto intermedio para el estilo del director Robert Zemeckis, quien supo aprovechar la habilidad expresiva del reparto, en vez de transformarlos en grotescas figuras de cera con ojos muertos (como ocurrió en The Polar Express y Beowulf). Los personajes "reales" incluyen al relojero Geppetto (Tom Hanks), el empresario Stromboli (Giuseppe Battiston), la titiritera Fabiana (Kyanne Lamaya) y el Hada Azul (Cynthia Erivo, con una maravillosa voz para cantar que nunca había escuchado). Los personajes digitales son aquellos que no podrían existir en el mundo real, como Pinocho mismo (voz de Benjamin Evan Ainsworth), el grillo Jiminy Cricket (voz de Joseph Gordon-Levitt), el zorro estafador "Honest John" (voz de Keegan-Michael Key, robándose la película), y otros que no mencionaré. Las actuaciones humanas son buenas; las voces son excelentes. Y el estudio MCP alcanzó un extraordinario realismo en todos los aspectos de la producción, desde los escenarios (mención especial para la orquesta "steampunk" de Stromboli) hasta los efectos visuales que me dejaron pasmado.
Sin embargo, como dije al principio, la apariencia hiper-realista de Pinocchio no resuelve la incompatibilidad entre una fábula moralista del siglo diecinueve, y la moderna sensibilidad que Zemeckis y el co-guionista Chris Weitz tratan de introducir con variables resultados (los cameos de los "cucús" me hicieron reír, pero los chistes sobre Chris Pine definitivamente no). Y creo que Zemeckis mismo reconoce la discrepancia, en vista del inesperado final que revela su temor por llevar la historia hasta sus últimas consecuencias. Tomó la decisión correcta... pero al mismo tiempo confirma que algunas historias solo pueden contarse en animación, donde viven más cerca de nuestra imaginación, y más lejos de la burda realidad.
A fin de cuentas Pinocchio podría divertir al público infantil (MUY infantil) mientras imparte blandas lecciones sobre abstinencia y tentación (y sobre los peligros de ser un "influencer"). Pero, en mi humilde opinión, falló como sucesora de una icónica producción de Disney con gran peso cultural. Habiendo dicho eso, también me interesaba ver Pinocchio para compararla con la próxima versión de Guillermo del Toro, supuestamente más fiel al libro original de Carlo Collodi (publicado en 1880), el cual, como muchos cuentos de hadas, es más truculento que las tímidas adaptaciones de Disney. Veremos si el horror es mejor maestro que los números musicales.
Calificación: 6

IMDb

Érase Una Vez Un Genio (Three Thousand Years of Longing)

Síntomas: La "narratóloga" Alithea Binnie (Tilda Swinton) compra una pequeña botella de cristal en una tienda de antigüedades, y libera accidentalmente a un Genio (Idris Elba) que le ofrece tres deseos. Pero antes de decidir, Alithea y el Genio comparten historias de sus vidas.

Diagnóstico: Ojalá pudiera decir que Érase Una Vez Un Genio fue digna sucesora de Mad Max: Fury Road en la filmografía del director australiano George Miller... pero no fue así.
La primera mitad de Érase Una Vez Un Genio capturó mi imaginación con una moderna re-interpretación de "Las Mil y Una Noches", donde el Genio (Idris Elba) narra las aventuras de su larga existencia, mientras Alithea Binnie (Tilda Swinton) evalúa el peligro de pedir tres deseos que podrían cambiar su vida. Alithea se especializa en analizar las narrativas de múltiples culturas para encontrar los temas recurrentes que trascienden barreras geográficas y revelan los temores y aspiraciones de la Humanidad. Y, desde luego, las historias sobre genios (o "djinns") forman parte integral de ese acervo literario, ofreciendo la eterna moraleja de "ten cuidado con lo que deseas porque puedes obtenerlo". Alithea está plenamente consciente de todos aquellos finales irónicos donde los genios de la mitología eurasiática manipulan los deseos de sus "amos" (o víctimas) para impartir alguna lección moral o castigar su codicia. Y ese "duelo de intelectos" entre Alithea y el Genio, expresado en forma de historias sobre príncipes y doncellas de diversas eras (desde el Imperio Otomano hasta Turquía del siglo diecinueve) me mantuvo cautivo durante la mayor parte de Érase Una Vez Un Genio.
Entonces George Miller cambia de rumbo en el tercer acto, y mi interés empezó a decaer conforme el argumento se interna en territorio más convencional, reduciendo el estimulante debate inicial a una fantasía cálida y amena, pero demasiado simple para cumplir su potencial. Y si bien la transición no arruinó por completo la película, definitivamente traicionó (en mi humilde opinión) la electrizante atmósfera generada por la interacción entre Tilda Swinton e Idris Elba. Sus actuaciones genuinamente elevan la película... pero no sé si bastan para recomendarla.
Otro factor positivo fue la virtuosa dirección de George Miller, enseñándole a las nuevas generaciones cómo se hacen las cosas; y también me gustaron las imágenes creadas por el cinematógrafo John Seal y el estudio de efectos especiales Framestore, cuyas secuencias "mágicas" no necesitan ser absolutamente realistas para transportarnos al momento histórico cuando la superstición era una influencia tan grande en la Humanidad como sus bajos instintos y el incipiente avance de la Ciencia.
En resumen: Érase Una Vez Un Genio es una película creativa e inusual con un fascinante subtexto cultural; pero los altibajos de la historia y el anémico final redujeron el impacto general de la experiencia, y me dejaron más frustrado que satisfecho... aunque al mismo tiempo contento por la mera existencia de una película que libera la imaginación de George Miller, y nos enseña por qué es una leyenda del cine moderno. Habiendo dicho eso... ojalá haga un mejor trabajo con Furiosa; no podría soportar esa decepción.
Calificación: 7

IMDb

Invitación al Infierno (The Invitation)

Síntomas: La joven artista Evie Jackson (Nathalie Emmanuel) descubre que tiene familia en Europa, y acepta visitarlos en su opulenta mansión inglesa; pero su nueva familia tiene siniestros motivos para invitarla.

Diagnóstico: Me gustaría decir (como siempre) que la sinopsis no describe exactamente el contenido de Invitación al Infierno... pero en este caso no fue así. Para bien o para mal, no hay mucha sustancia bajo la superficie de la premisa, ni grandes sorpresas durante el encuentro de la protagonista con sus parientes lejanos. La única excepción sería el secreto de la enigmática Familia Alexander, el cual no revelaré... aunque, francamente, podría ser uno de tantos clichés que conocemos de memoria: fantasma vengativo, pacto diabólico, corrupción genética... cualquiera que hubiera elegido la directora Jessica M. Thompson (The Light of the Moon) no significaría gran diferencia.
Por el lado positivo, Invitación al Infierno (no confundir con la excelente The Invitation, del 2016) tiene altos valores de producción, fastuosas locaciones (la enorme mansión de los Alexander me recordó la casa embrujada de The Haunting), así como una carismática protagonista que intensifica ligeramente las emociones de la película (nunca hubiera imaginado que la mejor escena sería un manicure). Y desde luego hay débiles esbozos de mensaje social sobre lucha de clases y el colonialismo inglés que propició la conexión entre una aristocrática familia europea y Evie Jackson (Nathalie Emmanuel), una joven norteamericana de raza mixta. Pero no esperen milagros; a pesar de sus buenas intenciones, Invitación al Infierno no muestra gran esfuerzo en concepto ni ejecución.
El resto del elenco (Thomas Doherty, Stephanie Corneliussen, Alana Boden, Sean Pertwee y Carol Ann Crawford) cuenta con suficiente personalidad para reforzar los estereotipos de millonarios altaneros, sirvientes temerosos, y el blando galán que complementa la inevitable sub-trama romántica sin rastro alguno de química y pasión.
Y, para empeorar las cosas, la clasificación PG-13 no solo impide el libre flujo de sangre, sino que reduce la violencia durante el tercer acto, cuando finalmente se revela el gran secreto, y comienza la auténtica lucha de Evie por sobrevivir.
Hace un par de años Ready or Not (2019) presentó un escenario similar sobre una mujer enfrentando una excéntrica y poderosa familia con un malévolo plan. Mi recomendación sería ver aquella película en vez de Invitación al Infierno, a menos que sean aficionados obsesivos de la amenaza sobrenatural que se cierne sobre la joven Evie. Si quieren saber cuál es, basta con ver el trailer que arruina las escasas sorpresas de Invitación al Infierno, y así podrán decidir si vale la pena verla en el cine. Aunque, por otro lado, si ven el trailer prácticamente ya vieron la película, así que reitero mi recomendación de Ready or Not como superior alternativa. Y además con toda la sangre que Invitación al Infierno no pudo mostrar.
Calificación: 5

IMDb

Burial

Síntomas: En 1945, durante los días finales de la Segunda Guerra Mundial, un escuadrón de soldados rusos transporta un paquete secreto de Berlín a Moscú, enfrentando ataques de las tropas alemanas que aún se ocultan en los bosques de Europa.

Diagnóstico: Burial no fue la película de horror que yo esperaba. La premisa de una misión secreta con un misterioso "mcguffin" en tiempos de guerra parece aludir las leyendas del ocultismo nazi. Y además, tengo particular debilidad por las historias que enfrentan soldados contra fenómenos paranormales (algunos ejemplos notables: Dog Soldiers, Deathwatch y Devil's Rock), lo cual había incrementado mis expectativas por esta modesta producción inglesa.
Y entonces llegó el frío baño de realidad: Burial no incluye elementos sobrenaturales... o al menos nada que desafíe explicación científica. En vez de eso es un thriller psicológico sobre la turbulenta transición entre la guerra y la paz, cuando las líneas enemigas empiezan a borrarse, y la gente no sabe exactamente en qué lado del conflicto quedó (lo cual aplica por igual a los soldados, a los sufridos campesinos que solo querían vivir en paz, y a los gobernantes desesperados por afianzar su posición en el futuro).
El libreto escrito por el director Ben Parker incluye referencias a "hombres lobo", pero resultó ser un término coloquial usado en aquel entonces para describir a los soldados alemanes que se rehusaron a aceptar la derrota y permanecieron en países ocupados (como Polonia), sembrando caos y destrucción para proteger su orgullo nacional, o simplemente para sobrevivir, robando comida y provisiones mientras se ocultaban de las patrullas aliadas. Nada extraño ni sobrenatural.
Sin embargo, conforme avanzaba la historia, Burial empezó a gustarme porque reconocí su tema central: Burial no explora la apócrifa magia del ocultismo, sino la magia real de la propaganda, los símbolos del poder, y la manipulación de las masas por medio de ideas que son más difíciles de erradicar que cualquier líder político. Los oficiales alemanes en Burial creen que el resultado real de la guerra no importa, siempre y cuando puedan mantener la ilusión de invencibilidad que tenía el gobierno de Hitler; y eso es justamente lo que quieren impedir los soldados rusos al cuidado de la misteriosa caja.
El mensaje de Burial era importante en la época de la post-guerra, y lamentablemente adquirió nueva relevancia en el siglo veintiuno, cuando el extremismo ideológico infecta nuevamente el discurso racional y deforma la realidad objetiva. No mencionaré ejemplos específicos, pues seguramente cada país tiene sus propios demagogos tratando de explotar esta nueva ola de "verdades alternativas".
Pasando a asuntos menos abstractos, Burial es una película de bajo presupuesto, y por lo tanto incapaz de ofrecer espectáculo visual o riguroso realismo histórico; pero Parker lo compensa con buena dirección y un sólido elenco que incluye a Charlotte Vega (Wrong Turn) como la oficial de inteligencia rusa Brana Vasilyeva, encargada de transportar el paquete y mantener en secreto su contenido; Barry Ward (Extra Ordinary) y Dan Renton Skinner (Prevenge) como soldados rusos con opiniones muy distintas sobre su misión; y Tom Felton (de la saga de Harry Potter) como un refugiado polaco con un secreto en su pasado... y con buena información sobre el movimiento de Resistencia en su país.
A fin de cuentas Burial me pareció más recomendable por sus ideas que por sus secuencias de acción, razonablemente bien filmadas, pero con claras limitaciones técnicas. Reitero que Burial no es una película de terror, y tampoco alcanzó el impacto visceral de otros thrillers militares "indie" (como Lone Survivor y The Outpost); pero a fin de cuentas me dejó satisfecho y redimió parcialmente mi decepción inicial. Rara vez ocurre, y por eso lo aprecio más.
Calificación: 7

IMDb

Vértigo (Fall)

Síntomas: Becky Connor (Grace Caroline Currey) y su amiga Shiloh (Virginia Gardner) se disponen a escalar una torre radial abandonada. Pero la aventura se convierte en tragedia cuando un accidente las deja varadas a seiscientos metros de altura.

Diagnóstico: La nueva película Vértigo (no sé si el Maestro Traductor no conoce la original Vértigo de Alfred Hitchcock, o si asume en que los jóvenes "milenios" jamás han escuchado de ella) tiene malas actuaciones, insípidos momentos dramáticos, y demasiados detalles inverosímiles para tomarla en serio. Sin embargo, lo que se quedó en mi mente al salir del cine no fueron sus defectos, sino el abrumador suspenso, los extraordinarios efectos visuales y la sensación de vértigo que hace honor al título mexicano. Vértigo me hizo recordar aquella famosa frase del productor Howard Hawks: "Una buena película debe tener tres buenas escenas, y ninguna mala". No estoy seguro si Vértigo tiene escenas malas o solo mediocres; pero la primera condición definitivamente se cumplió gracias a la dirección de Scott Mann, a la espectacular cinematografía de "MacGregor", y al impecable trabajo del estudio Tunnel Post que borra la línea entre "stunts" reales e ilusiones ópticas para mostrar a las protagonistas atrapadas en una torre radial de más de seiscientos metros de altura (el doble de la Torre Eiffel). Y esas tres buenas escenas (en realidad son cuatro o cinco) bastan para darle una recomendación a Vértigo... junto con una advertencia sobre el flojo melodrama que complementa la crisis central.
Todo empieza con una tragedia que cambió la vida de Becky Connor (Grace Caroline Currey) y la dejó profundamente deprimida. Un año después aún no se recupera, y por eso su amiga Shiloh Hunter (Virginia Gardner) le propone una nueva aventura para animarla un poco: escalar una torre radial abandonada y publicar sus experiencias en YouTube. Al principio Becky se rehúsa, pero eventualmente acepta, y así es como llegan a la legendaria Torre B67 e inician el ascenso. Entonces ocurre un accidente que las deja atrapadas a medio kilómetro de altura, y las jóvenes tendrán que hacer lo imposible para sobrevivir.
La primera media hora de Vértigo contiene gran parte de la mediocridad antes mencionada. La tragedia de Becky, su colapso emocional, las conversaciones con su padre (interpretado por Jeffrey Dean Morgan en dos escenas de dos minutos), son una sucesión de clichés que no convencen a nadie, y solo retrasan "lo bueno" (por cierto, Vértigo se originó como cortometraje, y se nota claramente el relleno que metieron a la fuerza para extender su duración). Y el conflicto que inevitablemente surge entre Becky y Shiloh tampoco es muy interesante, pero al menos les da algo de qué hablar durante su sentencia forzada en las alturas.
Por el lado positivo, el director Scott Mann (Heist) y el co-guionista Jonathan Frank (Mara) mantienen las discusiones a un nivel moderado que no requiere los gritos y aspavientos de otros "thrillers minimalistas". Por el contrario, las protagonistas de Vértigo mantienen una actitud sobria y racional, evitando en lo posible las malas decisiones que podrían empeorar su situación (bueno, con excepción de escalar una torre lejos de la civilización, sin avisarle a nadie, sin equipo suficiente, y sin verificar la integridad de una estructura que lleva abandonada muchos años en el clima desértico).
Sin embargo, las tensas escenas del ascenso y los intentos de escape compensan las fallas de Vértigo y garantizan una recomendación, especialmente en el cine, donde los espectadores con acrofobia sentirán que pierden el aliento en más de una ocasión. Sólo la película The Walk me había provocado una reacción similar; pero Vértigo se siente más orgánica y real... al menos mientras están en el aire. Cuando está en tierra firme es mejor cerrar los ojos y esperar a que pase el drama artificial.
Calificación: 7.5

IMDb

Vengeance

Síntomas: El escritor neoyorquino Ben Manalowitz (B.J. Novak) viaja a Texas para el funeral de su ex-novia, y se involucra accidentalmente en la búsqueda de un asesino.

Diagnóstico: A pesar del título y la sinopsis, Vengeance no es una historia de venganza, sino una mordaz crítica sobre los factores que dividen a la sociedad norteamericana (y de otros países). Por eso el director/escritor/actor B.J. Novak nos hace cómplices de los prejuicios del protagonista, y luego los derriba metódicamente conforme el pedante "intelectual" de la gran ciudad se sumerge en la cultura de un pequeño pueblo sureño, donde todo es nuevo y diferente... aunque no necesariamente malo una vez que aprende a apreciar la calidez y generosidad de sus anfitriones.
Pero eso no es todo. Hubiera sido fácil crear un relato "feel good" sobre los valores rurales que transforman la perspectiva de un cínico "hipster" urbano; sin embargo Vengeance llega mucho más lejos, volteando los clichés en ambos lados de la discusión política para denunciar su hipocresía y deducir las causas reales del conflicto. Y todo eso mientras Novak (más conocido por su trabajo en la serie The Office) nos hace reír, nos pone a pensar, y siembra ideas en nuestra mente que germinarán durante mucho tiempo.
O tal vez solo por unas horas, pero de cualquier modo Vengeance me pareció una película muy recomendable, cuya inmensa ambición temática está respaldada por el talento de un cineasta que no se conforma con señalar el problema, sino que ofrece soluciones. Aunque probablemente nadie querrá escucharlas.
Pero, bueno... cada quién sabrá qué tanto quiere rascar en el subtexto de Vengeance. A primera vista la película es una comedia sobre Ben (B.J. Novak), un escritor acostumbrado a la vida rápida de Nueva York y las relaciones desechables con mujeres que olvida de inmediato. Entonces le informan del fallecimiento de Abilene Shaw (Lio Tipton), a quien Ben apenas recuerda; pero la familia de la joven cree que Ben era su novio "oficial", y esperan que asista al funeral en un pequeño pueblo tejano. Ben acepta la invitación porque no sabe cómo evadir la responsabilidad; y cuando llega a Texas se entera de que Abilene fue asesinada, y su hermano Tyler (Boyd Holbrook) necesita ayuda para encontrar al culpable y cobrar justicia por su propia mano... porque así es como se hacen las cosas en Texas.
Y así comienza la extraña relación entre el escritor y una comunidad donde todos se conocen... y todos tiene secretos. Hay abundantes risas en Vengeance, pero también aborda temas serios como racismo, adicción, y el feroz anti-intelectualismo de individuos que rechazan cualquier opinión contraria a sus tradiciones culturales. Al mismo tiempo Novak señala la arrogancia de su propia especie: individuos elitistas con un complejo de superioridad que les impide reconocer sus prejuicios, a veces tan nocivos como la terquedad de "los otros". Y si nada de eso nos interesa, siempre queda el misterio de la muerte de Abilene. ¿Realmente fue asesinada, o fue otra víctima de los vicios que la sociedad prefiere ignorar?
Vengeance es una película inteligente, provocativa, y con genuinas sorpresas que renuevan la vieja fórmula de "pez fuera del agua". Y también es un impresionante debut de B.J. Novak como director ambicioso y elocuente que no teme convertirse en el blanco de sus propias burlas, con tal de transmitir sus ideas a un público más amplio. En vez de copiar Taken decidió complicarse la vida, y su esfuerzo rindió grandes frutos. Ojalá mucha gente sepa apreciarlos.
Calificación: 9

IMDb