Something in the Dirt

Síntomas: Levi Danube (Justin Benson) encuentra fenómenos paranormales en su nuevo departamento, y le pide ayuda a su vecino John Daniels (Aaron Moorhead) para filmar un documental que esperan vender a Netflix.

Diagnóstico: Synchronic, la más reciente película de los directores Aaron Moorhead y Justin Benson, tuvo un presupuesto considerablemente mayor a sus previas obras independientes, lo cual me hizo suponer que estaban a punto de entrar a las "grandes ligas" de Hollywood. Y también se incorporaron al universo de Marvel con la serie Moon Knight, lo cual confiere más prestigio (incluso si el proyecto fue un fracaso) (en mi humilde opinión).
Sin embargo su nueva cinta, Something in the Dirt, marca un regreso a sus raíces "caseras" con una producción minimalista en su forma, pero ambiciosa en sus ideas sobre tiempo, espacio, y las dificultades de encontrar un buen departamento en Los Ángeles. En otras palabras: aunque siguen trabajando en los márgenes de la industria, Moorehead y Benson mantienen su status como dos de las voces más interesantes en el espacio "indie", y Something in the Dirt fue todo lo que yo esperaba de este brillante dueto... aunque pudo ser más.
No voy a hablar de las cosas que ocurren en el nuevo departamento de Levi Danube (Justin Benson), pues es mejor compartir su asombro conforme se manifiestan fenómenos que no encajan en nuestras descripciones tradicionales de "actividad paranormal". Pero su vecino, el fotógrafo John Daniels (Aaron Moorhead), asume que son simples fantasmas, y accede a colaborar en un documental que podría demostrar de una vez por todas la existencia del "más allá". Sin embargo, con el paso del tiempo, la incertidumbre y la tensión empiezan a afectar la relación de John y Levi, su capacidad crítica, y eventualmente su sentido de la realidad. ¿Será posible que un modesto departamento en un genérico barrio de Los Ángeles oculte un grave peligro para la ciudad entera?
Admiro la audacia de Benson y Moorhead para explorar ideas descabelladas de manera racional, consolidando realidad y fantasía (y abundantes conspiraciones) en una narrativa dramáticamente coherente, sin sacrificar la deliciosa aura de misterio que estimula nuestra curiosidad y nos ayuda a "tragar" las más inverosímiles situaciones. Los directores avanzan sin mirar atrás, confiando en que el público les seguirá el paso porque están en la misma "frecuencia".
Habiendo dicho eso... me decepcionó la frustrante ambigüedad del tercer acto. Supongo que hay suficientes pistas para sacar nuestras propias conclusiones, pero aún así esperaba una resolución más satisfactoria, no necesariamente en en el plano lógico, sino en las emociones que sustentan la investigación paranormal. Benson y Moorhead hacen un excepcional trabajo como actores... pero como directores y guionistas dejan "colgando" a sus personajes. A veces literalmente. Spoiler.
Ese final truncado me impide darle una recomendación general a Something in the Dirt. Sin embargo, para fans del "cine raro" (y de este dueto), Something in the Dirt es una rara dosis de "surrealismo realista", con descomunales ideas que nos seducen con los secretos del Universo... aunque nunca los comparten. Ni hablar... tal vez es mejor quedarse con la duda.
Calificación: 8

IMDb

Good Night Oppy

Síntomas: Documental sobre las sondas robóticas Spirit y Opportunity, cuya misión de noventa días en el planeta Marte se extendió a varios años.

Diagnóstico: Desde niño me interesa la exploración espacial, y he seguido con mayor o menor atención las misiones de la NASA al planeta Marte; pero debo admitir que mi razón principal para ver el documental Good Night Oppy fueron las espectaculares recreaciones de la superficie marciana realizadas por el estudio de efectos especiales Industrial Light & Magic. Y aunque eso fue lo que más me gustó de la película, todo lo demás merece una recomendación como tributo a los ingenieros, científicos y matemáticos que contribuyeron a una de las misiones más exitosas en la historia de la NASA.
Lo que NO hace Good Night Oppy es enumerar los descubrimientos que hicieron las sondas Spirit y Opportunity en su larga vida. Claro, el documental describe momentos clave que revolucionaron nuestras ideas del Planeta Rojo y su posible pasado semi-acuático; pero para eso hay miles de artículos académicos en Internet. En vez de eso el director Ryan White se enfocó en los humanos detrás de los robots, en sus retos personales, y en las consecuencias de su labor en el futuro de la NASA y del programa espacial. De lo íntimo a lo cósmico, todo puede encontrarse en la historia de estos robots.
Habiendo dicho eso, White mantiene un sobrio balance entre hechos y emoción, evitando que el documental se vuelva demasiado cursi, o demasiado seco. El personal del Jet Propulsion Laboratory vierte su entusiasmo en entrevistas arteramente editadas para crear una narrativa con temas comunes, desde los inesperados peligros de la superficie marciana, hasta el gentil conflicto entre científicos que piden milagros, y los ingenieros encargados de recordarles las limitaciones del mundo real. Finalmente, la narración de Angela Bassett añade personalidad a los comunicados digitales, reportes geológicos, y demás miscelánea tecnológica involucrada en la misión.
Pero, más allá de cifras y fórmulas, Good Night Oppy celebra el indomable espíritu de exploración que inspiró a un grupo de visionarios para lograr lo imposible... o al menos para intentarlo a pesar de todas las cosas que podían salir mal en el largo camino a Marte... figurado y literal.
Tal vez Good Night Oppy (disponible en Prime Video) no permanecerá mucho tiempo en mi memoria, pero fue una experiencia inspiradora y optimista que sirve como perfecto antídoto del fatalismo omnipresente en las noticias y los medios de comunicación. Al menos en Marte no hay políticos. La pregunta es, ¿cómo podemos enviarlos para allá?
Calificación: 8

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Blood Relatives

Síntomas: El vampiro Francis (Noah Segan) descubre que tiene una hija adolescente, lo cual podría arruinar su precaria existencia en los márgenes de la sociedad.

Diagnóstico: Como buen relato vampírico, Blood Relatives incluye ocasional violencia, un poco de sangre, y cuestionables decisiones morales que solo parecen lógicas en el contexto sobrenatural de la cinta. Sin embargo, en el fondo es un melodrama familiar sobre las lecciones en el camino a la madurez... ya sea que estemos hablando de una adolescente desobediente, o de un vampiro con siglos de experiencia.
Al principio de Blood Relatives conocemos a Francis (Noah Segan), un vampiro afable y solitario que aprendió a vivir lejos de la civilización, evitando las grandes ciudades y viajando en su automóvil por las áreas rurales de los Estados Unidos, donde puede beber sangre de animales, y ocasionalmente matar humanos que lo merecen (al menos en su opinión). Pero su monótona existencia se interrumpe cuando conoce a Jane (Victoria Moroles), quien afirma ser su hija... y tiene incipientes poderes vampíricos para demostrarlo. Entonces Francis debe elegir entre llevar a la joven con parientes lejanos que ni siquiera la conocen, o aceptar su nueva responsabilidad paterna.
El director, actor y guionista Noah Segan (The Mind's Eye, Some Kind of Hate) construye una historia emotiva y universal que no necesita el "factor vampírico" para capturar nuestra atención. Francis y Jane podrían ser personas normales, y aún así Blood Relatives funcionaría por la naturalidad de las actuaciones y la simpática interacción del padre inmaduro y la hija rebelde que necesita apoyo emocional mientras encuentra su lugar en el mundo.
Y, bueno, aunque el drama funcione por derecho propio, Segan no desperdicia el tema vampírico, pues añade complicaciones a una situación ya de por sí difícil, y revela el carácter de los personajes. Por ejemplo: la preferencia de Francis por cazar víctimas nocivas para la sociedad (como criminales o depredadores); y la tentación que siente Jane por usar sus poderes sin pensar en las consecuencias. Esos son los detalles que enriquecen las rutinas del cine "coming of age", y replantean los clichés del horror en un cálido mensaje de optimismo y compasión.
Finalmente, otro "detalle" importante de Blood Relatives es la perspectiva histórica de Francis, un vampiro judío cuya gran longevidad significa que vivió terribles períodos de opresión cultural (por decirlo amablemente), lo cual altera su opinión de la sociedad contemporánea... especialmente en el sur de los Estados Unidos, donde persiste la ideología anti-semítica fomentada por organizaciones extremistas. No es un aspecto primario de Blood Relatives, pero contribuye a su tono general, y añade relevancia a una simple "comedia de terror" con inesperada ambición temática... exactamente lo que necesita el género.
Calificación: 8

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Accident Man: Hitman's Holiday

Síntomas: El asesino profesional Mike Fallon (Scott Adkins) se muda a la isla de Malta para escapar de sus problemas en Inglaterra; pero, desde luego, el pasado lo persigue.

Diagnóstico: Accident Man: Hitman's Holiday es la secuela de Accident Man (2018), pero no es necesario conocer la original para disfrutar la explosiva acción, irreverente humor y brutales peleas presentes en cada escena de esta película, convirtiéndola en uno de los mejores proyectos independientes de Scott Adkins, y uno de los que reflejan con mayor fidelidad su estilo personal.
Primero lo malo para salir del paso: el primer acto de Accident Man: Hitman's Holiday se siente torpe y difuso porque hace muchas cosas sin el apoyo de un arco dramático concreto: debe explicar la situación del protagonista para el público que no vio la primera película, introduce nuevos aliados y enemigos, y establece las circunstancias que conducen a la misión que ocupará la segunda mitad de la película.
Después de traicionar a su mentor en Inglaterra, Mike Fallon (Scott Adkins) escapó a la isla de Malta, donde continúa su carrera criminal con ayuda de su amigo Finicky Fred (Perry Benson), el diseñador de las trampas y mecanismos que facilitan los "accidentes" con los que Mike elimina a sus víctimas. Entonces alguien secuestra a Fred para obligar a Mike a aceptar un inusual trabajo: proteger a un antipático individuo de los asesinos que lo persiguen. Y ahí es donde Accident Man: Hitman's Holiday encuentra el camino, y se transforma en una virtuosa exhibición de acción y artes marciales.
Los directores George y Harry Kirby combinan el clásico estilo de Hong Kong con el dinamismo de Guy Ritchie para crear una estética que solo podríamos describir como "comic viviente"... muy apropiado, considerando que la original Accident Man se basó en un comic de Pat Mills y Tony Skinner. Esto significa que no podemos esperar "realismo" en la acción, y mucho menos en el drama; pero a cambio tenemos una delirante visión que complementa las pintorescas personalidades de Mike Fallon, sus colaboradores y, sobre todo, los antagonistas que enfrenta a lo largo de la cinta. Entre ellos: el Vampiro de Ghana (no es un vampiro "real", sino un maniático que bebe la sangre de sus víctimas... y puede detectar el grupo sanguíneo tan solo por el sabor) interpretado por el boxeador Faisal Mohammed; Poco, el Payaso Asesino que no siente dolor (Beau Fowler); y el ninja Oyumi, interpretado por Andreas Nguyen, quien también coreografió las peleas junto con Hung Dante Dong (Doctor Strange in the Multiverse of Madness), George Kirby (The Batman), y el mismo Scott Adkins.
Si no fuera por los tropiezos del libreto, Accident Man: Hitman's Holiday sería una de las mejores películas de acción del año. E incluso con sus fallas podríamos clasificarla como "joya oculta" de la acción directa a video, infinitamente superior a las mediocres B-Movies que se estrenan cada semana en "streaming" o VoD. Habiendo dicho eso, en la filmografía reciente de Scott Adkins tal vez One Shot y Avengement son objetivamente mejores películas; pero Accident Man: Hitman's Holiday me gustó más por su exuberante sentido del humor, impecable acción, y simpatía de los personajes (ni siquiera mencioné a la "entrenadora" de Mike Fallon interpretada por la increíble Sarah Chang, probablemente el mejor descubrimiento de la película). En resumen: una excelente distracción para "limpiar el paladar" en esta temporada de cine de prestigio y aspirantes a los Óscares. Y gran debut de los Hermanos Kirby; definitivamente se perfilan como competencia de Jesse V. Johnson y los Hermanos Mo.
Calificación: 8

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La Maldición: Despertar de los Muertos (The Cursed: Dead Man's Prey - Bangbeob: Jaechaui)

Síntomas: La reportera In Jin-hee (Uhm Ji-won) investiga una ola de asesinatos cometidos por cadáveres vivientes.

Diagnóstico: Entre tantas películas de desastre y thrillers políticos, había descuidado el cine de horror de Corea del Sur; afortunadamente el estreno en cines de La Maldición: Despertar de los Muertos me permitió rectificar esa omisión, y me complace decir que fue una experiencia mejor de lo que esperaba, considerando los múltiples factores que tenía en su contra.
Primer factor: La Maldición: Despertar de los Muertos es el "spin-off" cinematográfico de una serie coreana que nunca vi. No me costó trabajo entender la película, pero definitivamente se notan los elementos "heredados" de televisión, sobre todo cuando aparecen sin explicación alguna (como el "geek" experto en tecnología que ayuda en la investigación), o cuando insinúan tensiones existentes entre personajes que apenas conocemos (como la bruja que invade los sueños de la reportera)
Segundo factor: A estas alturas no siento gran interés por historias de zombies que no aportan algo original a este gastado sub-género; sin embargo los "muertos vivientes" de La Maldición: Despertar de los Muertos no son los típicos zombies caníbales del horror contemporáneo, sino cadáveres resucitados por medio de magia negra (o algo así), lo cual revive (ja, ja) el concepto original de los zombies-esclavos introducido en películas tan seminales como White Zombie (1932), I Walked With a Zombie (1943)... ¡y hasta Plan 9 From Outer Space (1957)!
Tercer factor: La cinematografía y efectos especiales son buenos, pero la dirección y las actuaciones conservaron la estudiada artificialidad de una telenovela de bajo presupuesto. Nada extraño, considerando el origen de esta franquicia, pero puede ser desconcertante encontrar esa sensibilidad televisiva en una película tan bien realizada en los demás aspectos.
Afortunadamente ninguno de esos problemas redujo mi aprecio por las ingeniosas ideas y dinámico desarrollo de La Maldición: Despertar de los Muertos. Los ataques de los zombies (o como quieran llamarles) se conectan con una investigación policíaca bastante elemental, pero aún así interesante porque no se enfoca en encontrar al culpable (desde el principio sabemos quién está manipulando a los muertos vivientes, y por qué), sino en el proceso deductivo de la reportera In Jin-hee (Uhm Ji-won) y su melodrama personal conforme se sumerge en algo más complicado (y más peligroso) de lo que parecía al principio.
Como balance de los halagos diré que la narrativa de La Maldición: Despertar de los Muertos es muy ligera, y nunca alcanza realmente el calificativo de "Horror" (con mayúscula). Cuando mucho la describiría como un thriller paranormal con el estilo "pulp" de Doc Savage o Weird Tales, pero realizada con todos los recursos del siglo veintiuno (tan solo la secuencia con decenas de zombies atacando un edificio justifica una recomendación). Y, desde luego, el final deja la puerta abierta para continuar la historia... aunque aparentemente será en televisión. Ni hablar; me gustó La Maldición: Despertar de los Muertos como película, pero no sé si aguantaría una temporada de "k-drama" con mucho relleno y poca sustancia.
Calificación: 7.5

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El Menú (The Menu)

Síntomas: Tyler (Nicholas Hoult) y su novia Margot (Anya Taylor-Joy) pertenecen al selecto grupo de invitados a un evento gastronómico en la isla privada del chef Julian Slowik (Ralph Fiennes). Como aficionados a la cocina "gourmet" esperan una noche inolvidable... pero lo que encuentran es una sorpresa mortal.

Diagnóstico: No, la "sorpresa" no es canibalismo, como yo estaba esperando. La amenaza oculta en la remota isla del Chef Julian Slowik (Ralph Fiennes) es más abstracta e inusual... pero al mismo tiempo menos satisfactoria como premisa de un "thriller culinario", pues nos obliga a aceptar abruptos cambios de conducta, monólogos interminables, y un final absurdista que revela la intención satírica de la película, así como el agrio tono cultivado por el director Mark Mylod (veterano de la serie Succession, cuyos fans probablemente apreciarán el humor negro de esta cinta). Ah, y además El Menú fue producida por Adam McKay y Will Ferrell, lo cual explica muchas cosas... aunque no sé si mejoró mi opinión del proyecto.
Los ingredientes (prometo no excederme con las metáforas culinarias) de la película son excelentes, empezando por un ensamble de actores cuidadosamente seleccionados para establecer sin necesidad de explicaciones el carácter de cada personaje. Nicholas Hoult interpreta a Tyler, fanático de la cocina gourmet que usa frases como "perfiles de sabor" y "sensaciones bucales". Anya Taylor-Joy es su cínica novia Margot, claramente indiferente a los deleites epicúreos que promete la isla. Y Ralph Fiennes interpreta al arrogante Chef Slowik, un tirano en la cocina, pero con gran talento para crear platillos que cuentan una historia. El resto de los comensales incluye a una crítica culinaria y su editor (interpretados por Janet McTeer y Paul Adelstein), una pareja millonaria (Reed Birney y Judith Light) que son clientes frecuentes del chef; un actor famoso y su asistente (John Leguizamo y Aimee Carrero); y tres jóvenes empresarios (Arturo Castro, Rob Yang y Mark St. Cyr) acostumbrados a dar órdenes y cumplir sus deseos. Y desde luego a lo largo de la cena se revelarán secretos del pasado, explotarán conflictos personales, y se presentará el gran "twist" que pone la velada en un contexto muy distinto al que esperábamos.
El problema es que los secretos y conflictos nunca fueron suficientemente interesantes para capturar mi atención; y el "twist" sigue una insípida receta que no genera las "sensaciones bucales" (emociones) ni el "perfil de sabor" (suspenso) que esperaba el director. Por otro lado, como dije, aprecié la brutal sátira de la cocina gourmet y sus pretensiones pseudo-artísticas, especialmente cuando el ego de los chefs opaca las funciones más elementales de su oficio.
Tal vez estos párrafos suenan negativos, pero la verdad es que El Menú es una película bien realizada, con notables actuaciones, y un mordaz sentido del humor que no pretende hacernos reír, sino denunciar el elitismo de las clases altas en el marco de una actividad cada vez más dominante en la cultura popular (tan solo este año he visto tres "thrillers culinarios", y sé que existen incontables series televisivas sobre elaboración de alimentos). Desafortunadamente los aciertos de El Menú no lograron compensar la superficialidad de su mensaje, ni el forzado desarrollo de la trama. Aunque admito que me dejaron intrigado esas "perlas de limón". Tal vez algún día ganaré suficiente dinero para comprar la mitad de una.
Calificación: 7

IMDb

Clerks III

Síntomas: Después de una emergencia médica, Randal Graves (Jeff Anderson) examina su vida y descubre que no quiere pasar el resto de sus días como cajero de una pequeña tienda de abarrotes en el estado de Nueva Jersey.

Diagnóstico: Me considero fan del director Kevin Smith, pero admito que sus proyectos "mainstream" han ido de lo mediocre (Jersey Girl, Zack and Miri Make a Porno) a lo desastroso (Cop Out, Tusk). Sin embargo, a pesar de sus chascos comerciales, podemos confiar en que Smith regresará una y otra vez al "Askewniverso"... el modesto universo semi-autobiográfico donde se ubican sus más populares películas, incluyendo Chasing Amy, Mallrats, y desde luego Clerks, su aclamada ópera prima. Por mucho que Smith pierda el rumbo, siempre puede volver a casa. Desafortunadamente la buena voluntad de muchos fans (incluyéndome) se redujo bastante con la atroz Jay and Silent Bob Reboot (2019), donde Smith parodió sus rutinas hasta el punto de la antipatía. ¿Realmente se habrá extinguido la magia? ¿Alguna vez existió?
Bueno, pues me complace decir que Clerks III, sin ser perfecta, representa un genuino regreso a las cualidades que distinguieron el Askewniverso (nombrado en honor de "View Askew", la original compañía productora de Clerks). Smith nuevamente tomó elementos de su vida real (en este caso un ataque cardiaco) para reflexionar sobre su carrera, y para motivar similar introspección en los personajes que creó hace treinta años. En otras palabras, Smith maduró como persona, y su visión de Clerks III refleja esa evolución.
Lo cual, desde luego, no significa que Clerks III sea una película "seria". Por el contrario, Randal Graves (Jeff Anderson) sigue tan vulgar como siempre; sus conversaciones con Dante Hicks (Brian O'Halloran) aún giran en torno a Star Wars, y la cinta está repleta de cameos, no solo de las habituales celebridades, sino de veteranos de Clerks y Clerks II que enriquecen la película, a veces como simple adorno visual, y a veces como emisarios del pasado con mensajes del futuro (o algo así). Y lo mejor es que los cameos forman parte integral de la historia, haciéndolos más simpáticos que las irritantes intrusiones de Jay and Silent Bob Reboot. Aplausos para Smith por encontrar (por fin) una manera orgánica de invitar a sus amigos sin descarrilar la película.
Por el lado negativo, la nostalgia no siempre funciona a favor del director, y creo que Clerks III podría resultar aburrida (o incluso incomprensible) para espectadores casuales que desconocen la cinta original. O tal vez esa fue la intención específica de Kevin Smith: escribir una "carta de amor" a los fans, a sus colaboradores, y al Askewniverso mismo por todo lo que le enseñaron en el difícil oficio cinematográfico, y en el aún más difícil proceso de realización personal. Solo diré que el "comentario del director" durante los créditos finales me hizo un nudo en la garganta. Fue mejor que escuchar "Snootchie bootchies" por última vez.
Calificación: 8.5 (solo para fans)

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Emergency Declaration (Bisang Seoneon)

Síntomas: Un ataque terrorista durante un vuelo de Corea del Sur a Hawaii pone en peligro a los pasajeros... y tal vez a un país entero.

Diagnóstico: El título no inspira mucha confianza, pero Emergency Declaration es otro sólido thriller coreano que toma prestada una clásica fórmula del cine de desastre hollywoodense y lo adapta a su particular idiosincrasia nacional, resultando en una cinta razonablemente entretenida, con algunos problemas típicos del género, pero recomendable por su libreto, actuaciones, y altos valores de producción. En resumen: una legítima heredera de Airport (1970) modernizada para la sensibilidad del siglo veintiuno, pero sin olvidar el terror primigenio que mucha gente siente por el viaje aéreo.
No revelaré la naturaleza del "ataque terrorista", pero es muy fácil identificar al culpable: un antipático individuo que hace preguntas muy sospechosas en el aeropuerto de Incheon ("¿Cuál es el avión con más pasajeros?"), y tiene un perturbador plan para evitar que el personal de seguridad detecte un misterioso contrabando en su persona.
En la mejor tradición del cine de desastre, Emergency Declaration toma su tiempo para establecer una variedad de vectores dramáticos en inminente colisión. Entre los personajes principales tenemos a Jae-hyuk (Lee Byung-hun), un padre de familia que viaja a Hawaii con su pequeña hija Soo-min (Kim Bo-min); al terrorista Jin-seok (Si-wan Yim) con un mensaje para la sociedad que lo menospreció; al policía In-ho (Song Kang-ho) que investiga una conspiración en tierra firme; y a la Ministro Kim Sook-hee (Jeon Do-yeon) del Departamento de Transporte, enfrentando terribles decisiones que no solo afectarán a los pasajeros del vuelo K1501 de Sky Korea, sino de miles de ciudadanos en su país. Ningún actor resalta individualmente, pero todos contribuyen al complejo tapiz dramático detrás de la crisis aérea, ofreciendo una amplia perspectiva de la sociedad impactada por los caprichos de un lunático.
Dicho tapiz, vale señalar, incluye los típicos clichés del cine de desastre, incluyendo algunas ridículas coincidencias que el director y guionista Han Jae-rim utiliza para elevar la tensión a costa de nuestra credulidad. Por ejemplo: el resentimiento del co-piloto Hyun-soo (Kim Nam-gil) con un pasajero que provocó una tragedia en su pasado... ¡qué increíble casualidad!
En el aspecto visual, Emergency Declaration tiene buenos efectos especiales, pero el director los utiliza con frustrante moderación, prefiriendo capturar el caos interno del avión en vez de las vistas exteriores. Entiendo su decisión de poner las reacciones de los pasajeros por encima del espectáculo visual, pero el tiempo que pasamos en la cabina reduce el impacto de la acción, y vuelve monótono el segundo acto, cuando más sentimos las dos horas y media que dura la película.
A fin de cuentas quedé satisfecho con el desarrollo de la historia, el manejo del suspenso, y el artero final que nos mantiene a la expectativa hasta el último segundo. Además, Emergency Declaration me ayudó a apreciar la evolución del cine de desastre aéreo en una época muy diferente en todos los aspectos imaginables (desde las medidas de seguridad hasta la penetración de la tecnología en la vida cotidiana) respecto a aquellas películas setenteras que tanto le gustaban a mi mamá (su favorita era Airport '79, porque incluía al Concorde). Lo único que le faltó a Emergency Declaration fueron grandes estrellas de cine... al menos desde el punto de vista occidental (la cinta incluye actores de enormes éxitos coreanos como Parasite, Ashfall y la serie Squid Games, pero poca gente los reconocerá en este lado del mundo). Sin embargo el drama se sostiene por sí mismo, así como la paranoia que Emergency Declaration podría inducir en nuestro próximo viaje aéreo. Sería espantoso que le diera nuevas ideas a los terroristas...
Calificación: 8

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Lost Bullet 2 (Balle Perdue 2)

Síntomas: El experto conductor y mecánico Lino (Alban Lenoir) ayudó a desmantelar una red de narcotráfico en Francia, y ahora busca al hombre que asesinó a su hermano; pero la Policía no quiere que interfiera en la investigación, pues podría descubrir un secreto muy peligroso.

Diagnóstico: Aunque no tuvo tantas acrobacias automovilísticas como yo esperaba, la original Lost Bullet (disponible en Netflix) resultó ser un sólido thriller criminal con excelentes secuencias de acción y un carismático protagonista que hacía sus propios "stunts" (al estilo de Jackie Chan). Y ahora la secuela, Lost Bullet 2 (también disponible en Netflix), redefine el carácter de Lino como anti-héroe en busca de Justicia (con mayúscula), que no teme romper las reglas para cumplir su misión.
Esa ambivalencia moral es tan importante en Lost Bullet 2 como las persecuciones, ahora más espectaculares, más peligrosas... y tal vez más absurdas que en la cinta original. Sin embargo esos excesos constituyen las mejores partes de la secuela, así que no puedo quejarme. Esto es lo que yo quería, y por fin cumplieron mi deseo.
En el aspecto dramático Lost Bullet 2 también eleva su ambición, no solo en la mencionada transformación de Lino, sino en su relación con la fuerza policíaca que alguna vez lo rescató de la cárcel para invitarlo al lado de "los buenos" (no tan buenos, como eventualmente vimos). Lost Bullet 2 comienza un año después de aquel operativo, y Lino forma parte del escuadrón policial motorizado, con su fiel Renault ultra-modificado para perseguir criminales y detenerlos de la manera más violenta posible. Pero Lino sigue obsesionado con atrapar al hombre que mató a su hermano... y entonces descubre una conspiración que contradice todo lo que creía saber sobre su nuevo trabajo.
Realmente no hay más que decir sin arruinar las "sorpresas" del guión escrito por el director Guillaume Pierret. Lost Bullet 2 no intenta re-inventar la rueda (ja, ja), sino rendir tributo a los arquetipos del género con excepcional energía, adecuado melodrama, y una actitud general que podríamos describir como "setentera" por su pesimista visión del mundo y la difusa línea entre la Ley y los criminales que persigue.
Lo cual nos lleva al reparto capaz de intercambiar la etiqueta de "héroe" y "villano" según los requerimientos de cada escena. Además del lacónico Alban Lenoir, mis favoritos fueron Sébastian Lalanne como un villano detestable, pero con cierta empatía que se manifiesta cuando deja de ser cazador y se convierte en la presa. Stéfi Celma regresa en el papel de Julia, una implacable policía que sabe seguir su conciencia cuando la situación lo amerita; y Pascalle Arbillot como la Comisaria Moss, tomando difíciles decisiones que no siempre complacen a sus agentes.
Como dije en mi crítica de Lost Bullet, no hay que esperar "The Fast and the Furious en Francia", sino algo más sencillo en concepto y ejecución; pero Lost Bullet 2 supera en todo a su predecesora, y se perfila como heredera del cine de acción francés que permaneció en "animación suspendida" durante algún tiempo, después de generar hitos del calibre de Leon, Nikita y Banlieue 13. Me complace saber que ya no dependemos exclusivamente de Luc Besson para llenar ese nicho.
Calificación: 8

IMDb

Pantera Negra: Wakanda por Siempre (Black Panther: Wakanda Forever)

Síntomas: Un año después de la muerte del Rey T'Challa (Chadwick Boseman), el reino de Wakanda enfrenta presión política (y a veces militar) para compartir sus depósitos de vibraniun con el resto del mundo. Entonces descubren un imperio submarino que podría ser un aliado para mantener su soberanía... o el enemigo más grande que han enfrentado.

Diagnóstico: Apenas es la segunda película de Black Panther, pero sus numerosas apariciones en proyectos de Marvel Studios lo convirtieron en parte irreemplazable del Universo Cinemático, e inspiraron profunda devoción en los fans que no aceptarían otro actor en ese papel tras el lamentable deceso de Chadwick Boseman. Esto significa que Pantera Negra: Wakanda por Siempre, no solo debe continuar la evolución de la mitología de Marvel, sino además resolver dos grandes misterios: ¿Qué le pasó al Rey T'Challa? y ¿Quién será el nuevo protector de Wakanda?
Las primeras escenas de Pantera Negra: Wakanda por Siempre establecen la precaria situación de la nación africana tras la muerte del Rey T'Challa, y la presión internacional para compartir los materiales y tecnología que podrían cambiar al mundo... o alimentar futuras guerras de altísimo costo humano. Hasta ese momento Pantera Negra: Wakanda por Siempre parece un thriller político sobre el precio del poder, ubicado en el exuberante contexto del cine super-heroico. Desafortunadamente el director Ryan Coogler y el co-guionista Joe Robert Cole pierden rápidamente el control de la narrativa, añadiendo demasiadas sub-tramas y un formidable enemigo que merecía una introducción más pausada para asimilar los cambios efectuados respecto a los comics de Marvel. El resultado, en mi humilde opinión, fue una cinta larga y cansada que no encontró el enfoque adecuado para canalizar sus virtudes en una meta específica. El contenido es bueno, pero le faltó organización.
Entre lo bueno: las actuaciones de las mujeres que "heredaron" distintos aspectos del legado de T'Challa. Angela Bassett, como la Reina Ramonda, afronta el papel de líder y representante de Wakanda ante gobiernos hambrientos de poder que no comprenden el potencial destructivo del vibranium en las manos equivocadas. Letitia Wright, como la Princesa Shuri, carga un gran peso en su conciencia, y trata de aliviarlo con nuevos métodos para defender a su país; pero al mismo tiempo cuestiona la tradición de Black Panther como "protector de Wakanda", en un mundo demasiado complicado para depositar tanta responsabilidad sobre un solo individuo. Y Danai Gurira, como Okoye, redobla los esfuerzos de la guardia real Dora Milaje para evitar otra tragedia que desestabilice aún más al reino.
Ese triple arco dramático constituye el mejor tributo posible para Chadwick Boseman, pues mantiene la presencia espiritual de T'Challa en cada escena, a pesar de su ausencia física. El trabajo de Basset, Wright y Gurira sostiene la película y genera las emociones necesarias para engancharnos por igual en la intriga política, y en la lucha interna de los personajes.
Entonces llega un carismático villano interpretado por Tenoch Huerta, y despierta el interés del Agente Ross (Martin Freeman), cuya presencia conecta la cinta con otros proyectos de Marvel. Y, bueno, no diré más, salvo que ahí fue donde Pantera Negra: Wakanda por Siempre empezó a tambalearse bajo el peso de tangentes que debieron reservarse para su propia película (otro ejemplo: la introducción de Riri Williams, interpretada por Dominique Thorne). Sospecho que Ryan Coogler y el productor Kevin Feige sintieron la necesidad de añadir más y más cosas para compensar la ausencia de Chadwick Boseman, en vez de confiar en el talento del reparto, y en la voluntad de los fans para aceptar una nueva fase de Wakanda como nación, y no como súbditos de Black Panther. Después de todo, un país no es su líder, sino su gente.
Calificación: 7

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Mortal Kombat Legends: Snow Blind

Síntomas: El clan del Dragón Negro aterroriza una aldea en el desierto post-apocalíptico del Reino Terrenal. Entonces cometen el error de atacar a un viejo campesino con aliento inusualmente frío...

Diagnóstico: Nunca imaginé que la versión animada de Mortal Kombat lograría construir un universo más ambicioso y consistente que el de las películas de acción viva (no solo me refiero a las ridículas cintas noventeras, sino el reciente reboot de alto presupuesto). La primera película, Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge, estableció la mitología de los Reinos y el torneo de campeones. La segunda, Mortal Kombat Legends: Battle of the Realms, llevó el conflicto a niveles cósmicos e introdujo cambios irreversibles en la franquicia. Y ahora la tercera película, Mortal Kombat Legends: Snow Blind, nos muestra las consecuencias de la crisis y replantea su premisa, dejando atrás la mecánica del torneo para abordar los temas tradicionales del cine de artes marciales. No sé si fue un acierto que invitará un público más diverso, o un error que alejará a los puristas. El tiempo dirá, supongo. Sin embargo, como espectador casual, disfruté esta moderna reinterpretación de un antiguo concepto: un guerrero retirado entrena a un joven para liberar un pueblo oprimido por un cruel tirano. Y, naturalmente, con toda la violencia y excesivo "gore" que distinguió a las películas anteriores.
Esto significa que Mortal Kombat Legends: Snow Blind no incluye a los héroes más populares (como Lord Raiden, Johnny Cage, Liu Kang y Sonya Blade); en vez de eso se enfoca en el anciano Kuai Liang (voz de Ron Yuan), alguna vez conocido como el invencible Sub-Zero, maestro de la "criomancia"... pero ahora es un humilde granjero cultivando frutas y verduras para vender en un pueblo cercano. Entonces una pandilla de forajidos conocida como "Dragón Negro" invade el pueblo, y un joven guerrero llamado Kenshi Takahashi (voz de Manny Jacinto) intenta detenerlos, pero es obvio que no podrá hacerlo solo. ¿Será motivación suficiente para que Sub-Zero regrese a la acción? ¿O habrá algo más grave que le impide usar sus poderes? Y, bueno, la trama se complica con espadas mágicas, algunos viejos conocidos, y nuevas conexiones con el Multiverso; pero Mortal Kombat Legends: Snow Blind es esencialmente una clásica película de artes marciales sobre honor, responsabilidad y redención.
Bajo ese simple criterio me pareció una experiencia satisfactoria y divertida, con excelente animación, sólidas actuaciones de voz, y ágil dirección que elimina todo relleno para contar la historia de la manera más eficiente posible. Y además, como dije, con brutales peleas y sangrientas atrocidades para deleitar a los fans del "gore", aunque sea en versión animada.
Mi única queja es que la batalla final se vuelve confusa por introducir elementos hasta cierto punto incompatibles con la simplicidad de la trama... aunque entiendo su utilidad para continuar la saga sin abandonar por completo el espíritu del videojuego. Hablando de lo cual, mi sugerencia de un "crossover" con el Universo Animado de DC Comics (ambas son "propiedades intelectuales" de Warner Bros.) se volvió más factible con el estreno de Batman: Soul of the Dragon, otro pastiche "old school" del cine de artes marciales que confirma la inmortalidad de sus ideas y su flexibilidad para incorporarse a todo tipo de historias. Y si incluyen por ahí a Val Armorr, no me voy a quejar.
Calificación: 8

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Enola Holmes 2

Síntomas: La joven Enola Holmes (Millie Bobby Brown) abre su propia agencia de detectives, pero no encuentra clientes porque está muy joven, porque es mujer, y porque todos prefieren a su famoso hermano, Sherlock Holmes (Henry Cavill). Entonces, como último recurso, Enola acepta el caso que le lleva una niña, y descubre una conspiración que pone en peligro su vida.

Diagnóstico: Una de las cosas que no me gustaron de Enola Holmes (2020) fue que tomó prestado el universo de Sherlock Holmes, pero nunca nos convenció de la habilidad deductiva de la protagonista. Todo se resolvía por azar en vez de ingenio.
Y una de las cosas que sí me gustaron de Enola Holmes, fue la interacción de la joven con su hermano Sherlock, interpretado con analítica frialdad (aunque demasiados músculos) por Henry Cavill.
Por eso me complace decir que la secuela, Enola Holmes 2 (disponible en Netflix), corrige parcialmente el primer problema, y repite su mejor atributo. El misterio central de la cinta es más complejo e interesante, dándole a Enola (Millie Bobby Brown) nuevas oportunidades para crecer como persona y como detective; y Sherlock tiene un papel más sustancioso como colega y mentor de su hermana, en vez de repetir la rutinas patriarcales de la cinta original.
Esto no significa que Enola Holmes 2 sea una gran película de detectives (el director Harry Bradbeer y el guionista Jack Thorne siguen utilizando demasiadas coincidencias para facilitar el flujo de la historia), pero definitivamente me pareció un auspicioso indicador de la dirección que podría tomar la franquicia si le permiten madurar y dejar atrás los clichés de la literatura "Young Adult" (ambas películas están basadas en los libros juveniles de Nancy Springer).
Hablando de lo cual, Enola Holmes 2 continúa la irreverente revisión de elementos clásicos que podría irritar a los puristas de Arthur Conan Doyle (incluyendo varios personajes que cambiaron sustancialmente respecto a sus versiones literarias); pero en lo personal no me molestaron los "ajustes culturales" porque funcionan bien en el contexto de la historia y reflejan actitudes modernas sin perder el espíritu crítico de la Era Victoriana.
El reparto también se nota más confortable con los modismos y costumbres del período histórico. Millie Bobby Brown tiene un sólido desempeño físico y dramático, con un buen balance entre acción y pericia mental (aunque sigo sin tragar sus forzados comentarios a la cámara); Henry Cavill continúa la evolución de un Sherlock Holmes más humano, que ya no considera a su hermana como una vergüenza familiar, sino como una valiosa aliada en su oficio; y Louis Partridge repite el ingrato papel de Lord Tewkesbury, el pretendiente de Enola que frena la acción y alarga la película con interludios románticos que me hicieron bostezar... aunque admito que comparten buena química, y su relación progresó orgánicamente desde la primera película. Dentro de las nuevas adiciones tenemos a David Thewlis como un rígido policía que no tolera la intervención de Enola en asuntos oficiales; Serrana Su-Ling Bliss como la niña que solicita los servicios de la detective para encontrar a su hermana desaparecida; y Abbie Hern como Mae, una bailarina con secretos peligrosos para individuos importantes. Nadie destaca en particular, pero todos se integran al estilo de la cinta, y hacen tolerables los momentos más artificiales del libreto (¿mencioné la sub-trama romántica?)
Enola Holmes 2 es una de esas raras secuelas que rectifican (algunos) errores de la original, y preparan el camino para continuar la historia en sus propios términos. Además, si logra inspirar a uno o dos niños para que lean los relatos de Sherlock Holmes (como a mi me ocurrió hace cien años con las películas de Basil Rathbone y Nigel Bruce), habrá cumplido su misión.
Calificación: 8

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Old Man

Síntomas: El joven Joe (Marc Senter) se pierde en el bosque, y llega casualmente a la cabaña de un Viejo (Stephen Lang) que podría ayudarlo; pero tal vez la cabaña será más peligrosa que el bosque.

Diagnóstico: "No fue lo que yo esperaba" puede ser una descripción buena o mala, dependiendo del peso que tengan nuestras expectativas en la opinión de una obra cinematográfica (o de cualquier otro medio). En el caso de Old Man... no fue lo que yo esperaba, pero me gustó encontrar una alternativa surrealista y filosófica de una situación muy utilizada en thrillers normales, donde un conflicto personal se complica con secretos y sorpresas que replantean la historia y alteran nuestra percepción de los personajes.
Por otro lado, tal vez mi problema fue esperar algo "normal" de Lucky McKee.
A pesar de que nunca alcanzó gran éxito comercial, he seguido con interés la carrera de este director, cuyos proyectos pueden variar en calidad, pero no en ambición temática y elocuencia narrativa. Desde el "body horror" de May (2002), hasta el drama familiar de Kindred Spirits (por no mencionar su trabajo en antologías como Deathcember y Tales of Halloween), Lucky McKee nunca permite que la falta de recursos limiten su mensaje. Y eso siempre garantizará mi interés por sus películas, incluso no son particularmente buenas, o no se ajustan a mis expectativas.
Old Man introduce al Viejo (Stephen Lang) con una secuencia que establece su soledad y su cuestionable estado mental... ¿realmente tiene un perro llamado Rascal? ¿O está inventando excusas para justificar el charco de orina que encontró en el piso? Entonces llega a su puerta Joe (Marc Senter), un joven campista extraviado que vio el humo de la chimenea y solo quería direcciones para regresar a la civilización... pero el Viejo lo recibe con escopeta en mano, y con una serie de preguntas que nos hacen dudar aún más de su estado mental ("¿Te mandó mi esposa?") Y así comienza una larga conversación que revela gradualmente la psicología de los personajes y su auténtica intención. O al menos eso parece durante dos tercios de la película, hasta el inevitable "twist" que lo cambia todo y transforma este modesto thriller minimalista en algo más... inusual.
La dirección de McKee es tan sobria y precisa como siempre, mostrando lo mínimo indispensable para que nuestro cerebro filtre la información y saque sus propias conclusiones. Sin embargo, la "carta fuerte" de la película son las actuaciones de Stephen Lang (Don't Breathe, VFW) y Marc Senter (Starry Eyes, Cabin Fever 2: Spring Fever), cuya interacción presta realismo a los extraños giros del libreto. Sería obvio decir que Lang se roba la película; sin embargo hay niveles ocultos en la engañosa pasividad de Senter que funcionan como sutil herramienta de manipulación. ¿Será realmente un campista despistado, o algo más siniestro? Y no, probablemente no es lo que están imaginando.
El lado negativo de tanto misterio es que, a fin de cuentas, Old Man parece un episodio "embotellado" de The Twilight Zone (confinado a una sola locación), con mucho relleno a la mitad para mantener el suspenso durante el mayor tiempo posible. Fuera de eso, podría recomendar Old Man para fans del horror independiente (aunque no sea exactamente "horror") dispuestos a aceptar un lento ritmo y una presentación visual un poco plana siempre y cuando las ideas se sostengan por sí mismas... algo que nunca ha fallado en las obras de Lucky McKee.
Calificación: 7

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Terrifier 2

Síntomas: Mientras lava su ropa, el payaso asesino Art (David Howard Thornton) conoce a alguien que podría convertirse en su "sidekick". Mientras tanto, en una típica casa suburbana, la joven Sienna (Lauren LaVera) se preocupa por su hermano menor Jonathan (Elliott Fullam), quien exhibe síntomas tempranos de psicosis homicida.

Diagnóstico: La original Terrifier (2016) fue una de esas joyas ocultas que siempre estoy buscando y rara vez encuentro. Claro, no es para todos los gustos, pero para fans del cine "slasher" (como yo), fue un regreso a la fórmula básica que no intentó complicarse ni "elevarse", sino destilar sus ingredientes esenciales en una dosis concentrada de horror sangriento y visceral.
Sin embargo, no fue el "gore" ni el maquillaje prostético lo que hicieron tan especial a Terrifier (aunque ciertamente ayudaron), sino la intensidad de la violencia y el personaje de Art el Payaso (David Howard Thornton), un mudo asesino dedicado a matar sin razón, pero con una fuerte personalidad que combinaba la sardónica actitud de Freddy Krueger, la implacable tenacidad de Jason Voorhees, y la imagen de un "payaso diabólico" perfectamente diseñada para perturbar los sentidos y despertar la "coulrofobia" latente en la mente del espectador.
Y ahora, después de una larga espera, por fin llega Terrifier 2 con expectativas tan altas que será difícil cumplirlas... ¿logrará superar a su predecesora?
La respuesta es: sí y no. Pero generalmente sí.
Terrifier 2 me gustó más que la original, aunque también comete sus propios errores. Por el lado bueno, los personajes tienen mayor definición, obteniendo genuinas emociones cuando encuentran muertes sádicas y aterradoras. Desde luego hay "víctimas desechables" para que Art no pase demasiado tiempo inactivo (como el pobre hombre que simplemente esperaba su ropa limpia); pero cuando muere algún personaje importante es mucho más impactante porque conocemos su carácter, su motivación, y su conexión con la protagonista. Sin ser grandes actores, el reparto entero se compromete con sus papeles, y nos ayudan a sumergirnos en la historia a pesar de las ocasionales inconsistencias.
En cuanto al "gore" y los efectos especiales, son tan brutales y (semi)realistas como antes. Tal vez no hay momentos tan extremos como aquella espantosa bifurcación con sierra manual, pero el director/ escritor/ editor/ diseñador de efectos especiales Damien Leone lo compensa con "kills" más frecuentes y detallados. La mayoría de las cintas slasher nos muestran (cuando mucho) el fugaz momento de la herida mortal... pero Terrifier 2 desafía nuestra resistencia con largas tomas de horribles atrocidades, como retándonos a observar sin voltear la mirada... "¿Esto es lo que querían? Pues aquí lo tienen". Es una frase figurada, desde luego. Art sigue sin hablar ni emitir sonidos.
Finalmente señalaré la fascinante expansión del misterio detrás del payaso. Leone introduce nuevos personajes, "twists", e insinuaciones de una mitología más extraña de lo que habíamos imaginado. No sé si el director tendrá un plan maestro para consolidar tantas incógnitas, pero estoy listo para ver todas las secuelas necesarias hasta lograrlo.
Por el lado negativo, el tercer acto se extiende demasiado y da muchas vueltas que solo retrasan lo inevitable. Pero es una queja menor en una secuela más sangrienta, entretenida y ambiciosa que la original, con potencial de convertirse en una de las franquicias de terror más memorables del nuevo siglo. No puedo esperar a que Art llegue al espacio exterior...
Calificación: 9

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