Renfield: Asistente de Vampiro (Renfield)

Síntomas: Después de sufrir los abusos de Drácula (Nicolas Cage) durante un siglo, el "familiar" Robert Montague Renfield (Nicholas Hoult) conoce una mujer que podría darle la motivación necesaria para romper la influencia del vampiro y recuperar su dignidad.

Diagnóstico: El director Chris McKay tiene experiencia en el cine de acción (The Tomorrow War), pero también participó en la subversiva serie para adultos Robot Chicken; y ahora, para bien o para mal, ambas sensibilidades están presentes en Renfield: Asistente de Vampiro, una bizarra fusión de comedia, drama y terror que me dejó satisfecho a pesar de su fragmentada estructura y caótico ritmo. Renfield: Asistente de Vampiro podría haber sido una genérica "comedia de terror", pero McKay tomó en serio el problema de las relaciones codependientes y el daño que pueden causar en ambos extremos de la tóxica ecuación.
En la novela original de Bram Stoker, Renfield era un personaje incidental recluido en una institución psiquiátrica; pero Renfield: Asistente de Vampiro ofrece una versión alternativa, donde Robert Montague Renfield (Nicholas Hoult) ha acompañado al Conde Drácula (Nicolas Cage) durante más de un siglo, protegiéndolo cuando está débil y encontrando nuevas víctimas para alimentarlo. Sin embargo Renfield está cansado de su trabajo, tanto física como espiritualmente. Entonces, mientras busca sangre fresca entre los criminales de Nueva Orleans, Renfield conoce a la oficial de policía Rebecca Quincy (Awkwafina)... y se forma una amistad que podría ser benéfica para ambos individuos... siempre y cuando Drácula no se entere.
Las sub-tramas de Renfield: Asistente de Vampiro se sienten insustanciales por sí mismas; pero la alquimia creativa se forja en la combinación de sus incongruentes elementos, entretejiendo una densa red de causas y consecuencias que envuelve a cada personaje y lo encamina en la dirección correcta para cumplir su destino... ya sea estableciendo su independencia personal, o cobrando venganza por una tragedia del pasado. El conflicto de cada personaje está bien planteado y cuidadosamente conectado con los demás, logrando un armonioso balance que nunca pierde de vista los temas de la cinta ni la historia principal. Excelente trabajo del guionista Ryan Ridley, y del productor Robert Kirkman que concibió el concepto original.
Lo cual nos lleva a la exuberante dirección de Chris McKay y al impecable desempeño del elenco en escenas ostensiblemente ridículas, pero siempre consistentes con la transformación de los personajes. Nicolas Cage encontró en Drácula el papel ideal para justificar sus habituales exabruptos histriónicos (me encantaron las escenas en blanco y negro que rinden tributo al Dracula original de 1931); Awkwafina es una sólida "mujer de acción" con igual talento para el drama y el humor (nada nuevo para quienes admiramos su trabajo en The Farewell y en su irreverente serie televisiva). Y por el lado de los villanos tenemos a Shohreh Aghdashloo como líder criminal decepcionada por la ineptitud de su hijo, hilarantemente interpretado por Ben Schwartz (Sonic the Hedgehog 2). Mi única queja es que Nicholas Hoult (The Menu) se ve opacado por las extravagantes personalidades que lo rodean; sin embargo fue un factor esencial para subrayar la represión de Renfield y hacer más sorprendentes sus escenas de acción.
A pesar de algunos clichés y cuestionables decisiones estilísticas (como la "shaky cam"),  Renfield: Asistente de Vampiro me pareció una experiencia divertida y recomendable, mucho más ingeniosa, sangrienta y graciosa de lo que yo esperaba. El tiempo dirá si amerita el calificativo de "joya oculta" o "cinta de culto", pero por lo pronto fue una de las sorpresas más agradables del año, y otro ejemplo de lo que puede lograrse con los Monstruos Clásicos sin recurrir a la mentalidad de los "blockbusters".
Calificación: 8

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Ghosted

Síntomas: La primera cita de Cole Turner (Chris Evans) y Sadie Rhodes (Ana de Armas) fue muy romántica; pero cuando Sadie no responde sus mensajes, Cole decide buscarla... y se involucra accidentalmente en una conspiración internacional dedicada a obtener una terrible arma biológica.

Diagnóstico: Digan lo que digan sobre las películas originales de Netflix, al menos han aprendido la lección de contratar directores con experiencia en sus respectivos géneros, lo cual garantiza un cierto nivel de calidad técnica y artística que distraerá nuestra atención de las malas actuaciones y ridículos libretos. Desafortunadamente Apple+ no aprendió de los errores ajenos, y por eso la nueva película Ghosted (exclusiva de Apple+, por si no quedó claro) parece llegar del pasado, con todos los clichés y retrógrada sensibilidad de las "comedias románticas de acción" de principios del siglo veintiuno.
La primera media hora de Ghosted me pareció insufrible, y estuve a punto de abandonar la película: Cole Turner (Chris Evans) se está recuperando de una decepción romántica, y conoce a Sadie Rhodes (Ana de Armas). Primero se odian, después de aman, después de odian, después se aman, etc. Entonces llega el gran "twist" que no sorprende a nadie, y comienza la acción. Al menos eso lograría capturar mi primitivo cerebro cavernícola, ¿cierto?
Desafortunadamente la acción de Ghosted es tan blanda y genérica como el romance, con algunos momentos marginalmente creativos (como la pelea en el restaurante giratorio) que se desinflan por la floja dirección de Dexter Fletcher (Rocketman) y las indiferentes actuaciones del reparto. Claro, Chris Evans (Fantastic Four) y Ana de Armas (Overdrive) proyectan considerable carisma y atractivo físico; pero nunca sentí la menor empatía por su relación, ni suspenso durante las peleas. Y el director lo sabe, en vista de todas las distracciones que añade para simular diversión y ocultar el tedio. Por ejemplo, los cameos que intentan despertar el entusiasmo del público "geek" (como yo), y solo producen bostezos (además supongo que los revelaron desde los "trailers", así que ni siquiera serán sorpresas para la mayoría del público).
Por el lado de los villanos, entre menos se diga, mejor. Adrien Brody (Backtrack) exagera con gran gusto en el papel del traficante de armas (¿o algo así?) obsesionado con los insectos. Incluso podríamos alegar que su interpretación fue intencionalmente caricaturesca para ajustarse al tono artificial de la película. El problema es que tampoco expresa la amenaza que debería inspirar un antagonista principal; tan solo otro de tantos villanos que hablan mucho y hacen poco.
En fin... retomando la comparación con Netflix, terminaré diciendo que Ghosted no es una buena película, así como tampoco lo fueron Day Shift, Red Notice o Kate. Pero aquellas cintas de Netflix lograron entretenernos a pesar de sus defectos, mientras que Ghosted nunca trasciende su mediocridad, prefiriendo la ruta de los cameos innecesarios, la sonrisa de Chris Evans, y los escotes de Ana de Armas. Si la acción hubiera sido... no sé... 40% más impactante, tal vez hubiera caído voluntariamente en la trampa de esta "comedia de acción". Pero si la acción falla, todo lo demás se derrumba.
Calificación: 5

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Enys Men

Síntomas: En 1973, una mujer trabaja como investigadora voluntaria en la remota isla de Enys Men, midiendo las condiciones del suelo y vigilando en nivel de los mantos acuíferos. Entonces empieza a escuchar un sonido rítmico en el subsuelo que despierta recuerdos de un pasado doloroso.

Diagnóstico: ¿O serán fantasmas de las víctimas de un accidente marítimo? No estoy seguro, y ese es exactamente el punto.
En el año 2023 el tema de moda ya no es "horror elevado", sino "horror liminal", un término indudablemente pretencioso, pero útil para describir las historias ubicadas en el umbral de la percepción... entre la imaginación y la realidad... entre las inescrutables pesadillas de los personajes y sus prosaicas vidas cotidianas.
Suena como la introducción de The Twilight Zone; la cual, por cierto, podríamos señalar como pionera del horror liminal (aunque los académicos probablemente señalarán la literatura de Arthur Machen, Algernon Blackwood, y otros precursores de Lovecraft).
Pero me estoy desviando del punto. Enys Men es una sólida muestra de esta nueva (vieja) tendencia, con una fracturada narrativa que a veces indica una cosa (la mujer sufrió una tragedia en su juventud que la aisló de la civilización, figurada y literalmente), a veces otra (¿todos son fantasmas, o algo así?), y con frecuencia se contradice para dejarnos en constante duda sobre los eventos que nos muestra el director Mark Jenkin.
Todo empieza con la rutina de una investigadora voluntaria (Mary Woodvine) encargada de medir las condiciones del suelo en una pequeña isla en la costa de Cornwall, al sur de Inglaterra (cuna de la cultura celta, lo cual sugiere tradiciones paganas que podrían explicar otros aspectos de la película). El aislamiento y la monotonía están afectando el frágil estado psicológico de la mujer, quien ve y escucha cosas que no son reales. Y cuando llegamos al final solo encontramos más preguntas en vez de respuestas.
Sin embargo no puedo negar que encontré Enys Men fascinante y perturbadora, a pesar de algunos pasajes un poco aburridos y la inevitable exasperación de una historia tan confusa.
En el papel principal Mary Woodvine expresa mucho sin palabras, y sin el apoyo de un arco dramático convencional. Sin embargo sus necesidades físicas (comida, higiene, la obligatoria taza de té vespertina) nos mantienen conectados a la realidad, pues a fin de cuentas se trata de una mujer sola en un entorno más peligroso que cualquier fenómeno paranormal. Y además los serenos paisajes de la isla (filmados en genuina película Kodak de 16mm.) me invitaron a reflexionar sobre los procesos naturales que ocurren en ausencia de la humanidad, siguiendo estrictas reglas que nos afectan todos los días, aunque las olvidamos en el ajetreo de la sociedad moderna.
En resumen: como cualquier obra de arte que merezca esa descripción, Enys Men transmite su propio mensaje (no me pregunten cual fue), al mismo tiempo que refleja la ideología del espectador y nos enseña algo nuevo sobre nosotros mismos. O algo así. No sé. Estoy tratando de encontrar razones para recomendar una película densa y frustrante, que desde luego no será para todos los gustos. Sin embargo, para el público interesado en el "horror liminal", Enys Men ofrece una generosa dosis para medir nuestra tolerancia a la más reciente moda del horror contemporáneo. Por mi parte seguiré usando la confortable frase de "cine raro" para describir el cine sin sentido, pero con clara resonancia emocional. Lo repito de nuevo: entre más cambian las cosas, más se quedan igual.
Calificación: 7.5

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Evil Dead: El Despertar (Evil Dead Rise)

Síntomas: Los rituales de un viejo libro liberan una maldición sobre los habitantes de un edificio en la ciudad de Los Ángeles.

Diagnóstico: La original The Evil Dead (1981) es una de mis películas favoritas, y una de las experiencias cinematográficas que influyeron profundamente en mi desarrollo personal. A pesar de las malas actuaciones, "defectos" especiales, y manufactura amateur, me impresionó su innovador estilo visual y su audacia para llevar el horror hasta extremos no solo visceralmente impactantes, sino conceptualmente creativos. Stephen King lo dijo: una película "ferozmente original", y por lo tanto única en su momento específico del siglo veinte.
Desafortunadamente no todos los ingredientes están presentes en la nueva película Evil Dead: El Despertar... pero la visión del director Lee Cronin (A Hole in the Ground) y su talento para el "gore" bastaron para dejarme satisfecho como devoto del Horror, aunque levemente decepcionado como fanático de Evil Dead. Lo cual, francamente, fue un resultado mucho más positivo de lo que yo esperaba, considerando la frustración que sentí con otras modernas "recuelas" como Halloween, Scream y Texas Chainsaw Massacre. A pesar de mis reservas, aplaudo el trabajo de Cronin y los productores Sam Raimi, Rob Tapert y Bruce Campbell.
Evil Dead: El Despertar comienza en una cabaña en el bosque, pero rápidamente nos traslada a la gran ciudad, donde Ellie (Alyssa Sutherland) y sus hijos Danny (Morgan Davies), Bridget (Gabrielle Echols) y Kassie (Nell Fisher) viven en un decrépito edificio programado para demolición, lo cual provoca tensión por la urgencia de buscar otra vivienda. Entonces un terremoto revela una bóveda en el sótano, y Danny encuentra un viejo libro con perturbadoras ilustraciones, junto con grabaciones de ritos que liberan una presencia maligna en busca de almas para consumir y cuerpos para poseer. Y entonces la sangre empieza a correr.
En lo que respecta al argumento, me gustó la adaptación a un entorno urbano con nuevos retos, nuevas dinámicas, y suficientes complicaciones para aislar a las víctimas de manera lógica y consistente con su situación. Además, el contexto familiar hace más dolorosas las decisiones de los personajes, y más impactantes las acciones que deben tomar para sobrevivir, pues no solo están luchando por su vida, sino por la de sus seres queridos. Y aunque las reglas de Evil Dead: El Despertar cambiaron un poco, conservan el trágico fatalismo de sus predecesoras, junto con el cruel sentido del humor que distinguió a la franquicia (excepto al remake del 2013, lo cual fue una de las razones por las que me pareció "meh").
Por el lado artístico, Evil Dead: El Despertar es una maravilla de pericia técnica y perversa imaginación, ofreciendo excepcionales momentos sangrientos y tortura psicológica que nos contagia la desesperación de los protagonistas. Mi única queja es la que mencioné al principio: Evil Dead: El Despertar sigue la fórmula clásica, pero ya no se siente original después de cuarenta años, pues fue copiada tantas veces que ya conocemos de memoria sus trucos (ejemplos: las contorsiones de la persona poseída, las sardónicas sonrisas, y los diálogos profanos que ya no sorprenden a nadie). Sin embargo no fue culpa de Cronin, sino de la influencia de Evil Dead en la cultura popular, y de todos los clichés desarrollados por el género para encontrar nuevas maneras de asustarnos. Entonces, bajo ese criterio, puedo recomendar Evil Dead: El Despertar como una sólida película de terror... y como una aceptable continuación de mi saga favorita. Nada mal para cuatro décadas de evolución.
Calificación: 8.5

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Horror in the High Desert 2: Minerva

Síntomas: La reportera Gal Roberts (Suziey Block) descubre dos nuevos casos que podrían estar relacionados con la investigación que realizó en el año 2017 sobre la desaparición de un hombre en el desierto de Nevada.

Diagnóstico: Nunca hubiera imaginado que Horror in the High Desert (2021) tendría suficiente éxito (o difusión) para establecer su propia franquicia; pero esa es una de las ventajas del cine "micro-budget": no necesita alcanzar niveles de "blockbuster" para justificar una secuela, sobre todo cuando el director tiene una ingeniosa idea para continuar la historia y plantear nuevas preguntas sobre los eventos que nos intrigaron en la cinta original. El problema es que tendré que esperar a la tercera parte para conocer las respuestas.
Esto significa que Horror in the High Desert 2: Minerva sufre el trágico Síndrome de Segunda Parte: su misión es mantener vivo el misterio, pero sin satisfacer nuestra curiosidad. Es una estrategia arriesgada, pues inevitablemente conduce a la frustración del público que quería una resolución concreta, en vez de ambiguas promesas a largo plazo... pero no puedo negar que funcionó. Al menos para mi.
En el 2021, la cinta Horror in the High Desert presentó un supuesto "reportaje" sobre la desaparición de un campista en el desierto de Nevada, y la investigación que reveló un tenebroso video que solo resolvió parcialmente el misterio. Sin ser una joya oculta, me pareció una sólida experiencia de terror, y una inteligente implementación del formato pseudo-documental que realmente aprovechó su manufactura casera para incrementar su realismo.
Y ahora Horror in the High Desert 2: Minerva nos muestra dos casos similares en la misma región de Nevada: una mujer asesinada en una casa-trailer; y una mujer que desapareció durante un recorrido nocturno.
El director y guionista Dutch Marich presenta de nuevo la historia por medio de entrevistas con la familia de las víctimas, y con la reportera Gal Roberts (Suziey Block), cuya experiencia en el caso anterior le da una perspectiva especial para analizar las pistas recuperadas en el sitio de los hechos. Y desde luego hay un poco de "found footage" para despertar nuestra paranoia mientras escudriñamos cada pixel en la pantalla en busca de movimiento, o cualquier indicio sobre la identidad de los culpables. En resumen: los mismos trucos de siempre, pero bien utilizados para crear suspenso y algunos buenos momentos de terror.
Sin embargo, como dije al principio, la falta de respuestas fue una decepción, sobre todo por no saber de antemano que Horror in the High Desert 2: Minerva se planeó como la parte media de una trilogía. Solo hasta el final, cuando se revela al (¿hipotético?) protagonista de la siguiente película quedó clara la intención del director. Pero ya era demasiado tarde.
En fin... fuera de ese "detalle", Horror in the High Desert 2: Minerva me gustó por su eficiente narrativa y capacidad para generar tensión con mínimos recursos. Lo malo es que también incrementó mis expectativas sobre la tercera parte... si no es absolutamente brillante, todo lo anterior parecerá un fracaso. Ojalá Dutch Marich sepa lo que está haciendo. Y ojalá las futuras víctimas utilicen mejores cámaras.
Calificación: 7

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Kids Vs. Aliens

Síntomas: Durante la noche de Halloween, una invasión extraterrestre interfiere con los planes de varios niños en un pequeño pueblo canadiense, y deciden hacer algo al respecto.

Diagnóstico: Esa sinopsis se parece a Slash/Back, otra película sobre un grupo de niños enfrentando aliens en una zona rural de Canadá. Sin embargo Kids Vs. Aliens es tan distinta en tono y ejecución que sería mejor compararla con joyas del horror semi-amateur como Bad Taste (con todo y vómito extraterrestre), Turbo Kid (tributo al cine ochentero), y especialmente Hobo With a Shotgun, el previo largometraje del director Jason Eisener. Su nueva película emplea un reparto infantil, pero definitivamente no es un cuento "para niños", sino un irreverente pastiche "retro" con abundante sangre, violencia políticamente incorrecta, y un exuberante sentido del humor que nos atrapa en su frenética narrativa y nos distrae de su bajo presupuesto. En resumen: una sólida muestra de "canuxploitation" realizada con gran imaginación y lunático entusiasmo.
Al principio de Kids Vs. Aliens el niño Gary (Dominic Mariche), su hermana adolescente Samantha (Phoebe Rex), y sus amigos Jack (Asher Grayson Percival) y Miles (Ben Tector) están filmando una película casera que podríamos describir como "Mad Max con dinosaurios"; pero son interrumpidos por un grupo de adolescentes que se burlan de Samantha por jugar con niños pequeños. Entonces una horda de alienígenas ataca una fiesta de Halloween, y la joven tendrá que hacer a un lado su orgullo para rescatar a su hermano secuestrado. ¿Podrán los niños repeler la invasión y reparar su amistad?
Por si no quedó claro, reitero la advertencia sobre la humilde producción de Kids Vs. Aliens, pues parece ser el motivo principal de las críticas negativas que está recibiendo en Internet. Obviamente un segmento del público se acostumbró demasiado a los efectos digitales del cine hollywoodense, y se volvió incapaz de apreciar el espíritu "do-it-yourself" de Kids Vs. Aliens. Sí, los "aliens" son actores en trajes de goma (y solo tuvieron dinero para cuatro disfraces), el interior de la nave extraterrestre es de papel maché, y el "gore" se hizo con artículos de tienda de Halloween. Pero ese no es el punto; Kids Vs. Aliens es una celebración del cine independiente enfocado en ideas, ingenio y personalidad, todo lo cual la cinta tiene en abundancia.
El reparto es fantástico; los niños Dominic Mariche, Asher Grayson Percival y Ben Tector capturan la indestructible amistad que los une en cualquier situación, ya sea construyendo dinosaurios de cartón, o peleando contra aliens en el fondo de un lago. Phoebe Rex transmite la confusión de la adolescencia, atrapada entre sus aficiones infantiles (su habitación está llena de juguetes...) y la presión de la sociedad adulta (...que son motivo de humillación cuando la visita un pretendiente). Y, aunque los aliens presentan peligro mortal, el auténtico villano de la película es Calem MacDonald en el papel de Billy, el "bully" que antagoniza a los niños, pero al mismo tiempo se siente atraído por Samantha. Esta temática "coming of age" aporta el drama necesario para respaldar el suspenso, y nos pone en contacto con las emociones de los niños que no siempre piensan antes de actuar.
Mis únicas quejas estarían dirigidas a ciertas inconsistencias del libreto (como la espada mágica), pero podríamos atribuirlo al estilo casual y travieso del cine canadiense que nos dice "no te preocupes por los detalles, solo disfruta la experiencia", lo cual me parece aceptable. Y todo se compensa con el tremendo "cliffhanger" del final, que prácticamente exige una secuela... aunque no sé si Kids Vs. Aliens tendrá suficiente éxito para atraer inversionistas. Por otro lado... exactamente para eso existe el cine casero: si nadie cree en tu visión, hazlo tú mismo.
Calificación: 7.5

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Satan's Slaves 2: Communion (Pengabdi Setan 2: Komuni)

Síntomas: La joven Rini (Tara Basro) y sus hermanos enfrentan nuevos peligros sobrenaturales en un edificio multifamiliar donde ocurrió una tragedia que el gobierno de Jakarta intentó ocultar.

Diagnóstico: La original Satan's Slaves (2017) ayudó a promover el nuevo cine de horror de Indonesia, fundamentado en antiguas tradiciones pero realizado con moderna sensibilidad para competir en el mercado internacional sin sacrificar su identidad cultural. Y ahora, el director Joko Anwar (Impetigore, Gundala) regresa con una secuela que extiende la mitología del "Satenverso", al mismo tiempo que prepara el terreno para completar la trilogía... lo cual podría explicar los problemas de Satan's Slaves 2: Communion.
En Satan's Slaves la joven Rini (Tara Basro) y su familia sobrevivieron los ataques del fantasma de su madre... o de un espíritu maligno que tomó esa forma para ganar su confianza y cumplir sus siniestros planes. Y en Satan's Slaves 2: Communion encontramos a Rini y sus hermanos Toni (Endy Arfian) y Bondi (Nasar Annuz) viviendo en el minúsculo departamento de un edificio multifamiliar en las afueras de Jakarta, tratando de reconstruir sus vidas después de aquella horrible experiencia. Entonces ocurre un accidente en el edificio y comienza una nueva serie de manifestaciones paranormales relacionadas con la profanación de un cementerio... y tal vez conectadas al pasado de Rini.
El concepto del "edificio embrujado" me gustó bastante, pues presenta nuevas perspectivas de viejas rutinas, así como una variedad de víctimas y locaciones que reflejan con mayor fidelidad los problemas de la vida moderna, desde elevadores descompuestos hasta vecinos fisgones.
Sin embargo Satan's Slaves 2: Communion tarda mucho en establecer la situación del Edificio Mandara, donde sus numerosos residentes (la guapa joven del piso nueve que todos persiguen; el padre abusivo que golpea a sus hijos; el estoico niño que cuida a su madre enferma; el chamán con conocimientos místicos, etc.) cargan su propio melodrama personal y tienen encuentros con espíritus de variable clasificación. Es una buena excusa para generar frecuentes sobresaltos y momentos de gran tensión (mi favorito fue el radio que transmite mensajes del infierno, o algo así); pero son demasiadas sub-tramas que fragmentan la narrativa y distraen nuestra atención de la historia principal. Llegó un momento en que ya no sabía quién era quién, sobre todo en la oscuridad del edificio sin electricidad por una tormenta que, además, provoca inundaciones que impiden el escape de los inquilinos.
Por el lado positivo, Anwar tiene excelente instinto para el horror, creando escenas genuinamente terroríficas con ingredientes simples, como sombras y edición. Desde luego hay efectos especiales, pero siempre como apoyo del suspenso, y nunca como un fin por sí mismos. Y, hablando de oscuridad, mención especial para el director de fotografía Ical Tanjung, quien mantiene perfecta claridad en escenas iluminadas (literalmente) con cerillos y relámpagos. No exagero al decir que Satan's Slaves 2: Communion tiene la mejor cinematografía del año... en la categoría de B-Movies.
Entonces, Satan's Slaves 2: Communion ofrece sólidos momentos de terror, pero la experiencia general se siente larga y difusa por tantas digresiones innecesarias. Es el clásico problema de las segundas partes que necesitan llenar espacio antes del gran final de una trilogía. Habiendo dicho eso, puedo recomendar Satan's Slaves 2: Communion porque logró mantener mi interés en la saga, y definitivamente estimuló mi curiosidad por saber cómo terminará todo. Supongo que cumplió su propósito, aunque haya tomado el camino largo para lograrlo.
Calificación: 7.5

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Smoking Causes Coughing (Fumer Fait Tousser)

Síntomas: La Fuerza Tabaco defiende a la Tierra de monstruos y amenazas cósmicas; pero el Jefe Didier (Alain Chabat) cree que la moral del equipo es baja, y les ordena pasar unos días en un retiro campestre para recuperar su energía y fortalecer su amistad.

Diagnóstico: No puedo explicarlas en el sentido tradicional, pero me gustan las películas del director francés Quentin Dupieux (Rubber, Deerskin). Su exótica visión entrelaza argumentos surrealistas con emociones muy honestas, creando experiencias que se sienten reales a pesar de su absurda premisa. Y siempre añade excelentes actuaciones, un irreverente sentido del humor, y cinematografía sencilla y natural para contrastar con los aspectos "raros" de sus películas. En resumen: auténtico cine de autor que no necesitamos "entender" para apreciar su entusiasmo y creatividad.
Y ahora Quentin Dupieux aborda el tema de los super-héroes... ¿qué peripecias nos mostrará?
Respuesta: ninguna. Y creo que ese es el punto... mostrar el lado humano de los héroes, así como las prosaicas inseguridades que afectan sus extraordinarias vidas.
Naturalmente Dupieux utiliza una difusa narrativa para transmitir su mensaje; o tal vez no hay mensaje, sino solo un gran chiste a nuestras costillas para representar la futilidad de la existencia. No estoy seguro pero, como dije, no necesito conocer la intención del director para disfrutar su estrafalaria visión.
Smoking Causes Coughing comienza con la más reciente misión de la Fuerza Tabaco, combatiendo al monstruo Tortusse (una especie de Gamera miniatura). Los cinco miembros del equipo y su robot Norbert 500 (voz de Ferdinand Canaud) trabajan bien bajo las órdenes del Jefe Didier (Alain Chabat), pero las presiones de sus vidas personales están reduciendo su eficiencia; y por eso Didier ordena a Benceno (Gilles Lellouche), Metanol (Vincent Lacoste), Nicotina (Anaïs Demoustier), Mercurio (Jean-Pascal Zadi) y Amonia (Oulaya Amamra) pasar unos días en un "resort" junto a un lago para recargar sus baterías y conocerse mejor. Solo Norbert tiene planes más lúgubres, pero no se preocupen, pues su reemplazo viene en camino.
Y así transcurre la película, con los héroes descansando alrededor de la fogata mientras cuentan historias de angustia existencial (por ejemplo: las inesperadas consecuencias de un accidente industrial; y los peligros de pensar más que los demás). No hay mucha lógica ni sentido en estos relatos, pero ahí es donde radica la magia de Dupieux, encontrando drama en lo ridículo, y humor en la tragedia.
Los actores toman sus papeles en serio, incorporando una sutil ironía que los hace cómplices de la broma. Los valores técnicos son modestos pero adecuados para los requerimientos de la historia; y la música de Mort Garson complementa la pesadillesca atmósfera con etéreas notas que confunden aún más nuestra percepción de la película.
Sobra decir que Smoking Causes Coughing no es una película para todos los gustos (tan solo el arbitrario final irritará a muchas personas); pero quienes acepten los retos intelectuales del "cine raro" combinado con la estética de Power Rangers, podrán saborear esta deliciosa rebanada de surrealismo francés, más vital que nunca en esta era de mega-franquicias y excesos comerciales. Y con solo 77 minutos de duración, nos deja el resto de la velada libre para contemplar el valor del tabaquismo como instrumento de paz.
Calificación: 9 (extremadamente subjetiva)

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El Exorcista del Papa (The Pope's Exorcist)

Síntomas: Julia Vázquez (Alex Essoe) y sus hijos se mudan a un viejo monasterio en España con la esperanza de remodelarlo y venderlo, pero encuentran fenómenos que solo podrá explicar el sacerdote Gabriele Amorth (Russell Crowe), exorcista oficial del Vaticano.

Diagnóstico: En vista de su sólida filmografía y afinidad por el género fantástico, tenía la esperanza de que el director Julius Avery (Overlord, Samaritan) encontraría nuevos ingredientes para sazonar la añeja receta de la posesión satánica, o al menos ofrecería un enfoque distinto de esa clásica premisa (como hicieron Agnes y Ava's Possessions). Y en cierto modo así fue... pero no sé si las innovaciones implementadas por Avery y su comité de guionistas (inspirados en las experiencias del auténtico Padre Amorth) bastan para redimir El Exorcista del Papa, o solo fueron excusas para mostrar más efectos especiales y excesos histriónicos.
La historia no podría ser más genérica: Julia Vázquez (Alex Essoe) y sus hijos Amy (Laurel Marsden) y Henry (Peter DeSouza-Feighoney) se mudan a un viejo monasterio en Castilla, España, con la intención de remodelar y vender la propiedad; pero liberan algo maligno oculto en las paredes, y comienza una posesión que podría destruir a la familia. Mientras tanto, en el Vaticano, el Padre Gabriele Amorth (Russell Crowe) es amonestado por romper las reglas del exorcismo... ¡pero obtiene resultados! Entonces el Padre Esquibel (sic) (Daniel Zovatto) solicita ayuda para evaluar el caso de la familia Vázquez, y el Padre Amorth llega en su motoneta para investigar si se trata de una genuina posesión, o de una enfermedad mental.
Y así transcurre la primera mitad de El Exorcista del Papa, siguiendo los clichés obligatorios del sub-género: gritos, contorsiones, y conversaciones con el demonio (o lo que sea) donde se revelan secretos dolorosos que ponen a prueba la fe de los sacerdotes. Las actuaciones son buenas (me dio gusto encontrar a Alex Essoe en una película de alto perfil, después de participar en tantas "B-Movies"), y los valores técnicos son excelentes (incluyendo diseño de producción y el perturbador "maquillaje digital"); pero, francamente, me estaba aburriendo con los mismos trucos de siempre. Entonces el Padre Amorth descubre la procedencia del demonio, y la película empieza a mejorar... o al menos se desvía de la rutina lo suficiente para recuperar nuestra atención y planear un absurdo final que me hizo reír, no porque me estuviera burlando de la película (bueno, tal vez un poco), sino por la audacia del director para "volarse la barda" y demostrar que los exorcismos no siempre terminan como dicta la tradición. Y, bueno, cuando empiezan las explosiones corporales reconocí que estaba en presencia de una obra con potencial "de culto", no solo por su desorbitada resolución, sino por la tragicómica actuación de Russell Crowe, conjurando una mágica fusión de Nicolas Cage y Anthony Hopkins que no estoy seguro si fue intencionalmente satírica, o tan ridículamente seria que debemos admirar su convicción.
Sin embargo, como dije al principio, no sé si los exabruptos creativos justifican una recomendación, especialmente para un estreno en cines. Cuando mucho diré que El Exorcista del Papa (mención especial para el legendario Franco Nero por su interpretación de un Papa "old school") podría disfrutarse cuando llegue a video casero como irreverente alternativa de la posesión tradicional, respetando sus temas clásicos, pero con mayor imaginación para retratar la eterna lucha entre el bien y el mal. O entre el entusiasmo de un actor y las órdenes del director.
Calificación: 6.5

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Super Mario Bros. La Película (The Super Mario Bros. Movie)

Síntomas: Los plomeros Mario y Luigi (voces de Chris Pratt y Charlie Day) intentan arreglar una enorme fuga de agua en las calles de Brooklyn... y son accidentalmente transportados a un reino mágico amenazado por el tirano Bowser (voz de Jack Black).

Diagnóstico: Empecé a ver Super Mario Bros. La Película con todo el cinismo que me inculcó el cine familiar hollywoodense y las mediocres películas basadas en videojuegos realizadas a lo largo de los años (empezando por la atroz Super Mario Bros. de 1993). Y, en efecto, lo único que sentí al principio de Super Mario Bros. La Película fue aburrimiento y exasperación por su torpe historia, sus forzadas secuencias de acción, y el omnipresente "fan service" que satura prácticamente cada escena de la película.
Sin embargo después de un rato descubrí que, a pesar de mi escepticismo, me estaba divirtiendo. Super Mario Bros. La Película es una cinta insulsa y superficial, con mucho ruido y movimiento para distraer nuestra atención de su monótona narrativa. Pero la simpatía de los personajes (no todos) y los constantes "easter eggs" erosionaron mi apatía y despertaron mi nostalgia; y cuando llegamos al apoteótico tercer acto tuve que reconocer una cierta magia creativa... no porque Super Mario Bros. La Película cuente una historia particularmente interesante (todo lo contrario), sino porque los directores Aaron Horvath y Michael Jelenic y los co-directores Pierre Leduc y Fabien Polack (no me pregunten la diferencia) capturaron el espíritu de los videojuegos, adaptando su pixelada estética a un vibrante mundo con increíble detalle visual y sólido potencial dramático. Y ni siquiera me considero fanático de la franquicia... simplemente un jugador casual que disfrutó los títulos más representativos de sus respectivas plataformas, como el original Super Mario Bros., Super Mario 64, y Mario Kart DS.
El libreto de Super Mario Bros. La Película carece de ingenio y personalidad, recurriendo a los más básicos conflictos para motivar a los personajes: Mario (voz de Chris Pratt) quiere encontrar a Luigi (voz de Charlie Day); la Princesa Peach (voz de Anya Taylor-Joy) quiere proteger su reino; y Bowser (voz de Jack Black) solo quiere afecto. O algo así. Los escritores no necesitan consecuencias lógicas, sino excusas para incorporar la mecánica de los videojuegos a las experiencias de los personajes; por ejemplo, el entrenamiento de Mario basado en los niveles de Super Mario Bros.; la pelea contra Donkey Kong (voz de Seth Rogen) basada en el original Donkey Kong; o la persecución en el Arcoiris copiada de Mario Kart. Y, desde luego, acompañado por canciones populares para generar emociones que la historia es incapaz de producir. ¿Para qué esforzarse en algo tan difícil, cuando Nintendo puede pagar las licencias de Holding Out for a Hero, No Sleep Till Brooklyn y Take On Me? Es la misma estrategia de Zack Snyder... dejar que la música haga el trabajo pesado, mientras los artistas se encargan de que todo se vea "cool".
Y, para bien o para mal, el truco funciona... hasta cierto punto. En ningún momento sentí interés por la misión de Mario, el destino de Luigi, o el "girl power" de Peach; pero el excepcional trabajo del estudio Illumination y la música de Brian Tyler (adaptando las composiciones "8-bit" del legendario Koji Kondo) me inclinan a recomendar Super Mario Bros. La Película, con el beneficio adicional de su bendita brevedad. Después de tantas monstruosidades de dos horas y media, fue un placer encontrar un proyecto que reconoce sus límites, y no intenta inflar su importancia con digresiones sin sentido. ¡Mamma mía, qué concepto!
Calificación: 7

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Furies (Thanh Sói)

Síntomas: Después de perder a su madre, la joven Bi (Dong Anh Quynh) trata de sobrevivir en las calles de Saigón, hasta que la enigmática Jacqueline (Veronica Ngo) la rescata y la integra a su equipo de mujeres guerreras, dedicadas a erradicar un peligroso sindicato criminal.

Diagnóstico: Veronica Ngo me impresionó mucho como actriz y artista marcial en la cinta vietnamita Furie (2019) (disponible en Netflix), donde una mujer con un pasado criminal recurre a sus antiguos contactos para encontrar a su hija secuestrada. Y ahora Ngo me impresionó aún más como directora de Furies (también en Netflix), una especie de "precuela lateral" ubicada nuevamente en el bajo mundo de Saigón, pero esta vez con un ambicioso argumento cuyos temas trascienden el cliché de "niña secuestrada" (aclaro que no hace falta ver Furie para disfrutar Furies).
La historia comienza con la horrible infancia de Bi (Dong Anh Quynh), quien pierde a su madre en un ataque que la deja huérfana y abandonada en los barrios más peligrosos de Saigón. Entonces encuentra a Jacqueline (Veronica Ngo), una misteriosa mujer que está planeando un ataque contra la pandilla del maniático Hai (Thuan Nguyen), responsable por las drogas y prostitución en ese distrito de la ciudad. Y así Bi se une al equipo con Hong (Rima Thanh Vy) y Thanh (Toc Tien), entrenando bajo el estricto régimen de Jacqueline para cumplir una misión que podría volverse suicida...
Veronica Ngo aparece en un papel secundario como mentora de las tres jóvenes que son realmente las protagonistas de Furies. Cada una tiene su propio carácter, trauma personal y estilo de pelea, los cuales descubre Bi conforme baja sus barreras emocionales y acepta a la "familia postiza" que por fin le da un propósito para vivir... y para luchar.
La trama es un poco predecible, con las obligatorias traiciones, secretos del pasado, y sacrificios que nos hacen cuestionar la cruzada justiciera de Jacqueline; pero la dirección de Ngo y las actuaciones del reparto elevan la experiencia y añaden profundidad al conflicto visceral.
Lo cual nos lleva a lo que todos estamos esperando: la acción. Es verdad que Furies conserva los esquemas estilísticos de la primera película dirigida por Le-Van Kiet (The Princess); pero Ngo añade su toque personal (detalle curioso: en los créditos aparece como actriz bajo el nombre de Veronica Ngo, pero como directora usa Thanh Van Ngo, su nombre vietnamita original), expandiendo la paleta visual de Furies e incrementando la complejidad de las coreografías y secuencias de acción. A veces exagera con los efectos digitales (por ejemplo, durante una persecución en motocicleta), pero nunca sacrifica la claridad de las peleas, donde la cámara es parte integral de la acción (no es necesariamente "spoiler", pero si quieren ver la tecnología utilizada para esa proeza técnica, el secreto está en este enlace).
Bajo cualquier criterio diría que Furies es superior a la cinta original; sin embargo Furie me gustó más por la urgencia de su premisa y su elegante simplicidad. Aún así Furies es también recomendable como cine de acción impecablemente realizado, respetando los temas de su predecesora y enriqueciendo su mitología. Ya no sé si esperaré con mayor entusiasmo la siguiente película de Veronica Ngo como actriz, o como directora.
Calificación: 8.5

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Sombras de un Crimen (Marlowe)

Síntomas: En 1939, el detective privado Philip Marlowe (Liam Neeson) es contratado por la heredera de una fortuna petrolera para encontrar a su amante desaparecido. Pero, desde luego, el caso no es tan simple como parece.

Diagnóstico: ¿Otro "thriller geriátrico" de Liam Neeson? No exactamente. Al igual que ocurrió con la reciente Memory, mi interés en Sombras de un Crimen no fue por al actor, sino por el hombre detrás de las cámaras.
Últimamente el director Neil Jordan ha estado ausente en la conciencia popular (su "época dorada" fue a mediados de los noventas, cuando tuvo éxitos como The Crying Game, Interview With the Vampire, y Michael Collins), pero sus obras siempre me parecieron interesantes por su combinación de integridad artística y atractivo comercial (a veces inclinada más en una dirección que en otra). Desde luego no lo considero infalible, pero trato de seguir sus proyectos porque siempre encuentro algo especial que los distingue del montón.
Eso ocurrió con Sombras de un Crimen... aunque no sé si "algo especial" fue suficiente para justificar una recomendación, sobre todo para un estreno en cines.
Sombras de un Crimen es un "noir" meticulosamente construido con elementos clásicos del género: un misterio con múltiples niveles, un anti-héroe moralmente ambiguo, y una "mujer fatal" de incierta motivación. Sombras de un Crimen comienza con la visita de Clare Cavendish (Diane Kruger) a la oficina del detective Philip Marlowe (Liam Neeson) en la ciudad de Los Ángeles, para pedirle que encuentre a su amante Nico Peterson (François Arnaud), pues teme que le haya ocurrido algo malo. Y así comienza la investigación que pondrá a Marlowe en peligro mortal, sumergiéndolo en un inframundo de vicio y corrupción durante la Era Dorada de Hollywood.
Hasta ahí todo va bien. El libreto (basado en una novela moderna de John Banville, escrita bajo el auspicio de los herederos de Raymond Chandler) toca las bases necesarias para satisfacer a los fans del "noir" (como yo), haciendo ciertas concesiones para ajustarse al clima cultural contemporáneo. Lo cual no significa que sea "políticamente correcta" (por el contrario, hay varios comentarios racistas contra los inmigrantes mexicanos, que son lamentablemente consistentes con el período histórico), sino que reduce un poco el cinismo (y sexismo) de aquellos relatos donde la justicia no es ciega, y siempre está del lado de los poderosos. Los temas están presentes, pero Sombras de un Crimen carece de energía para cumplir el potencial de su premisa.
Lo mismo ocurre con el reparto, empezando por Liam Neeson en el papel de Philip Marlowe. El libreto aprovecha la edad de Neeson para retratar a un detective obsoleto en una sociedad que sacrificó sus principios por dinero y poder... pero eso no justifica la apatía del actor en escenas que requerían más convicción e intensidad. Igualmente Diane Kruger es una mujer fatal indiferente; y hasta los villanos carecen de auténtica malicia. La excepción es Jessica Lange como la madre de Clare, más interesada en evitar escándalos que en la felicidad de su hija. Lange es la única que se siente confortable en el estilizado universo del "noir", y sus escenas con Neeson son las mejores de la película. Lástima que sean tan breves.
Entonces, Sombras de un Crimen es un hermoso pastiche "noir" que rinde tributo a uno de los períodos más influyentes del cine universal; pero la dirección de Neil Jordan se siente floja y desinteresada, emulando el desdén de Marlowe por el mundo que lo dejó atrás. Esperemos que solo sea una crisis temporal.
Calificación: 6.5

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Calabozos y Dragones: Honor Entre Ladrones (Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves)

Síntomas: Edgin Darvis (Chris Pine) y su equipo de aventureros planean robar una poderosa reliquia para derrocar al tirano que controla el reino de Neverwinter.

Diagnóstico: Nunca fui devoto de Dungeons & Dragons como juego de mesa... pero definitivamente pasé largas horas en los videojuegos creados alrededor de su mitología, desde los icónicos Baldur's Gate y Neverwinter Nights, hasta joyas semi-olvidadas como Pool of Radiance y Daggerdale. Entonces, sin ser experto "DM", tengo cierta familiaridad con la mecánica del juego... y, bajo ese criterio, puedo afirmar que Calabozos y Dragones: Honor Entre Ladrones, es la mejor película basada en Dungeons & Dragons realizada hasta el momento. Desafortunadamente eso no significa mucho cuando la competencia es la mediocre Dungeons & Dragons (2000) y sus espantosas secuelas. Aún así Calabozos y Dragones: Honor Entre Ladrones me gustó en el nivel de un típico "blockbuster" contemporáneo, ruidoso y excesivo, pero con un argumento coherente, personajes agradables, y suficientes "easter eggs" para satisfacer a los fans... siempre y cuando no sean muy exigentes (como yo).
El protagonista de Calabozos y Dragones: Honor Entre Ladrones es Edgin Darvis (Chris Pine), un clásico anti-héroe sinvergüenza pero con buen corazón, con una tragedia en su pasado que justifica su ambivalencia moral y motiva su deseo de redención. Hace mucho robó una reliquia de inmenso poder, pero fue traicionado por uno de sus cómplices; y ahora, tras escapar de presidio, decide recuperar el artefacto... junto con el afecto de su hija Kira (Chloe Coleman). Entonces, con ayuda de la guerrera Holga Kilgore (Michelle Rodríguez), el mago elfo Simon Aumar (Justice Smith), y la druida Doric (Sophia Lillis), Edgin planea infiltrarse en una fortaleza durante un festival que reunirá a los ciudadanos más poderosos de Neverwinter.
Naturalmente los personajes corresponden a las "clases" típicas de los juegos de rol (mago, ladrón, guerrero, etc.), y los actores hacen un buen trabajo balanceando los estereotipos de la fantasía heroica con el humor post-moderno que sazona el libreto co-escrito por los directores John Francis Daley y Jonathan Goldstein (Game Night), evitando que Calabozos y Dragones: Honor Entre Ladrones se vuelva demasiado melodramática para su absurda premisa. En otras palabras, menos Game of Thrones, y más Willow.
Con frecuencia me quejo de la estructura modular que utiliza el cine de aventuras, repleto de "mcguffins" y obstáculos sin relevancia narrativa, pero útiles para añadir más secuencias de acción y efectos especiales. Calabozos y Dragones: Honor Entre Ladrones cae en esa situación; pero, para ser justos, esa es exactamente la fórmula de un juego de Dungeons & Dragons, así que no puedo considerarla como defecto. Cuando mucho diría que el segundo acto divaga un poco con tantas "side quests" y "flashbacks" que no contribuyen a la historia, aunque ayudan a establecer el carácter de los personajes.
Los efectos especiales son de buena calidad, y se utilizan con relativa moderación para evitar "fatiga digital" prematura... aunque el aparatoso final se siente fuera de proporción con el resto de la película. Pero, bueno... el hecho de que Calabozos y Dragones: Honor Entre Ladrones no haya sido una catástrofe creativa (como otras producciones de Hasbro) es motivo de celebración, y razón suficiente para recomendarla como sólida introducción a un universo que llegó tarde a su propia fiesta, cuando ya todos copiaron su receta y no queda mucho por decir. Es hora de derrotar al usurpador, recuperar la corona, y regresar la paz al reino. Solo hay que tener cuidado con los "mímicos" y los cubos gelatinosos.
Calificación: 8

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Holy Spider (Ankabut-e Moqaddas)

Síntomas: La reportera Arezoo Rahimi (Zar Amir-Ebrahimi) se infiltra en el bajo mundo de Irán para encontrar a un asesino serial.

Diagnóstico: Les aseguro que fue coincidencia ver Holy Spider y Boston Strangler en la misma semana. Ambas películas están inspiradas en eventos reales separados por el tiempo y la distancia (Boston Strangler se desarrolla en la ciudad de Boston a mediados de los sesentas, mientras que Holy Spider transcurre en Irán a principios del siglo veintiuno), pero muy similares por los problemas que reflejan de sus respectivas sociedades. Y aunque mi intención no es compararlas (Holy Spider es claramente superior), la proximidad enriqueció la experiencia y me hizo apreciar aún más sus mensajes. Lo cual significa que esta "crítica" no será particularmente objetiva (como si alguna vez lo fueran).
Sin embargo, mi interés en Holy Spider no empezó con el argumento, sino con el director. Las obras previas del cineasta iraní-danés Ali Abbasi me gustaron bastante (Border más que Shelley) por su diestra combinación de fantasía y drama humano (o inhumano) con gran realismo emocional a pesar de sus premisas imaginarias. Y ahora, con Holy Spider, Abbasi cambia de estrategia para contar una historia trágicamente real que comienza como un relato de asesinos seriales, y se transforma en algo más profundo y trascendental.
En el año 2000 alguien está asesinando prostitutas en Mashhad, una ciudad conservadora y profundamente religiosa... lo cual ya es decir bastante en Irán. La gente está atemorizada, pero la Policía no ha encontrado al culpable; y por eso la reportera Arezoo Rahimi (Zar Amir-Ebrahimi) inicia su propia investigación con apoyo de Sharifi (Arash Ashtiani), un periodista local con cierta fama que podría ayudarlos a abrir algunas puertas y obtener información confidencial. Sin embargo nadie quiere ayudar a Rahimi por ser mujer... y porque la Policía no tiene prisa por resolver el caso.
Holy Spider no es un "whodonit" sobre la identidad del asesino, pues Abbasi revela al culpable desde las primeras escenas, contrastando su prosaica vida personal con los horribles crímenes que es capaz de cometer. Y esa es la parte más electrizante de Holy Spider... la exploración de los motivos del asesino, su cuestionable estado mental, y los efectos de sus crímenes en la sociedad de Mashhad. La situación ya es difícil para los políticos de la ciudad, y no necesitan una descarada mujer de la capital que venga a señalar su indiferencia por las víctimas... porque, después de todo, se trata de mujeres "inmorales" que corrompen a los hombres e insultan los valores tradicionales de su religión.
Entonces, la búsqueda del asesino se vuelve secundaria al asunto principal de Holy Spider: la denuncia de la teocracia y los peligros de un gobierno fundamentado en la opresión de la mitad de la población... una situación que sigue vigente en la época actual, aunque las recientes protestas en Irán indican que la gente quiere un cambio. Ojalá no tarde demasiado en llegar; pero es difícil mantener el optimismo después de dos mil años de espera.
Calificación: 9

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