Skyfire

Síntomas: Cuando era niña, Meng Li (Hannah Quinlivan) perdió a su madre en la erupción del volcán Tianhuo. Y ahora, veinte años después, Meng y su equipo de geólogos monitorean el comportamiento del volcán para garantizar la seguridad del hotel que construyó el millonario Jack Harris (Jason Isaacs) en las faldas de la montaña. Entonces ocurre algo extraordinario que nadie hubiera imaginado jamás: el volcán hace erupción de nuevo.

Diagnóstico: El año pasado, la cinta coreana Ashfall usó la misma premisa de una erupción volcánica, pero añadió nuevos ingredientes que cambiaron (y mejoraron, en mi humilde opinión) la clásica fórmula del cine de desastres. Y ahora China responde con su propia catástrofe volcánica... pero el director británico Simon West y sus productores asiáticos decidieron seguir la vieja fórmula al pie de la letra, porque cuando alguien invierte tantos millones de yuans en una película, prefiere un producto simple y comercial que no confunda al espectador, y que pueda venderse fácilmente en el mercado internacional. Y, hasta cierto punto, esa conservadora estrategia dio buenos resultados. Skyfire es una cinta entretenida y bien realizada, con algunas notables secuencias de destrucción volcánica, y el más tenue drama humano para mantener nuestro interés en sus personajes prefabricados. Sin embargo el lado negativo es la indiferencia que sentimos por una historia que ya vimos muchas veces, tal vez con distintos detalles, pero definitivamente con el mismo mensaje.
En términos muy generales, Skyfire combina elementos de Tornado y Dante's Peak: por un lado tenemos a la joven geóloga Meng Li (Hannah Quinlivan), obsesionada con los volcanes desde que perdió a su madre en una erupción; y esa misma tragedia la distanció de su padre, no solo en el aspecto familiar, sino profesional. Meng desarrolló un avanzado sistema de monitoreo tridimensional que muestra el estado del magma bajo el volcán Tianhuo; pero su padre no confía en la tecnología, sino en el instinto de un buen geólogo. Por otro lado tenemos al arrogante millonario Jack Harris (Jason Isaacs), quien pensó que sería buena idea construir un "resort" en la falda del volcán, donde los turistas pueden tomar un funicular que los lleva al interior del cráter mismo para contemplar las maravillas de la naturaleza. Y justamente el día en que llegan los inversionistas para revisar el proyecto, ocurre lo que nadie imaginó: Zhengnan Xiao (Shawn Dou) le propone matrimonio a Jiahui Dong (An Bal). Y también explota el volcán.
Esa pareja enamorada representa una de tantas sub-tramas que son obligatorias en este tipo de películas. No mencionaré las demás para conservar un poco de "misterio", pero baste decir que podemos predecir con bastante precisión el destino de cada personaje según su rasgo distintivo (el anciano místico, el "geek" tecnológico, el villano corporativo, etc).
El director Simon West siguió los pasos de Renny Harlin (Skiptrace, Bodies at Rest) y emigró a Asia en busca de nuevas oportunidades laborales; su carrera en Hollywood declinó bastante desde los buenos tiempos de Con Air y Lara Croft: Tomb Raider, pero West definitivamente conserva su talento para dirigir tensas secuencias de acción y manejar titánicos efectos especiales para beneficio de la historia... por plana y superficial que sea (los "outtakes" durante los créditos finales revelan la extensión de los efectos prácticos, y me parecieron impresionantes).
Entonces, Skyfire es una típica película de desastre con máximo impacto sensorial y mínimo peso narrativo; pero aún así la puedo recomendar porque, a fin de cuentas, está bien hecha y cumple su misión de entretener al espectador. En otras palabras: no es necesario re-inventar la rueda para disfrutar el paseo, sobre todo si el paseo es por el cráter de un volcán activo. ¿Qué podría salir mal?
Calificación: 8

IMDb

Batman: Soul of the Dragon

Síntomas: Una organización criminal roba una reliquia mágica del templo donde Bruce Wayne (voz de David Giuntoli) aprendió artes marciales; entonces Wayne y los mejores estudiantes de O-Sensei (voz de James Hong) deciden colaborar para encontrar al culpable antes de que destruya el mundo.

Diagnóstico: La nueva película animada Batman: Soul of the Dragon anuncia sus intenciones desde los créditos iniciales, realizados en el estilo de James Bond, pero con elementos del "kung fu" y el cine "blaxploitation" de los años setentas. Claramente estamos en territorio de "Elseworlds", donde se exploran versiones alternas de los héroes de DC Comics en épocas y situaciones distintas a la continuidad oficial.
Al principio de Batman: Soul of the Dragon vemos el entrenamiento de Bruce Wayne (voz de David Giuntoli) en un templo oculto en las montañas de Asia, donde el venerable O-Sensei (voz de James Hong) solo admite a los estudiantes que considera dignos de sus lecciones. Entre ellos: Shiva (voz de Kelly Hu), Richard Dragon (voz de Mark Dacascos), y Ben Turner (voz de Michael Jai White). Como jóvenes ambiciosos e impulsivos, a veces pelean entre ellos, pero los une la lealtad por el sabio O-Sensei. Varios años después, cuando Bruce Wayne apenas empieza a usar la identidad de Batman, Richard Dragon lo busca para informarle que alguien robó del templo una reliquia mágica. Entonces, con el apoyo de Shiva y Ben Turner, el cuarteto investiga el robo, y descubren algo que podría acarrear el fin del mundo.
Obviamente no hay nada original en el argumento de Batman: Soul of the Dragon, pero ese es exactamente el punto: rendir tributo al cine de acción de los años setentas, sin sacrificar el carácter de los héroes (y villanos) involucrados en esta historia alternativa. Y creo que el director Sam Liu (Superman: Red Son) y el escritor Jeremy Adams (Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge) hicieron un fantástico trabajo integrando los clichés de aquella época a un dinámico argumento donde la acción es tan divertida como la interacción de los personajes.
Como la voz de Batman/Bruce Wayne, David Giuntoli (13 Hours) no hace un mal trabajo, pero se siente un poco blando junto a los rudos veteranos del "cine B" que prestan sus voces a los demás papeles: Mark Dacascos (John Wick: Chapter 3 - Parabellum) como el super-espía Richard Dragon; Kelly Hu (The Tournament) como la lideresa criminal Lady Shiva; y Michael Jai White (Black Dynamite) como el "vigilante" Ben Turner. La experiencia de estos actores en el cine de acción "real" les ayuda a comprender instintivamente el tono del material y el temperamento de sus personajes, tomándolos en serio, pero con un sutil sentido del humor que hace más accesible el melodrama retro. De hecho, me gustaría ver una película de acción viva con este mismo elenco, con o sin Batman.
El director Sam Liu también toma en serio la acción, cuidando que la coreografía de artes marciales sea clara y represente los distintos estilos de cada personaje. Richard Dragon está basado en Bruce Lee (incluso le dan ese icónico gesto de limpiarse la boca con la mano); Shiva podría ser una combinación de Michelle Yeoh y Angela Mao; y Ben Turner comparte la actitud y apariencia de Jim Kelly y Richard Roundtree. Por su parte, Bruce Wayne se mantiene como personaje secundario para mantener la atención en los estudiantes que quieren vengar a su querido maestro... una clásica premisa del cine "kung fu" que adquiere nueva dimensión en el Universo de DC Comics.
Mi única queja es que el final deja muchas preguntas sin respuesta; pero, bueno, no puedo negar que es bastante "cool", y consistente con el espíritu de las películas a las que Batman: Soul of the Dragon rinde tributo. Además, para eso sirven los "Elseworlds"... para jugar con los mitos clásicos sin preocuparse por las consecuencias. Esa libertad es el mejor alimento de la imaginación.
Calificación: 8

IMDb

PG: Psycho Goreman

Síntomas: La niña Mimi (Nita-Josee Hanna) y su hermano Luke (Owen Myre) descubren una criatura extraterrestre enterrada en el jardín de su casa, y deciden aprovecharla para mejorar sus vidas.

Diagnóstico: Hace un par de años la película Leprechaun Returns me pareció mediocre pero medianamente entretenida como secuela/reboot de una ridícula franquicia noventera. Sin embargo, personalmente fue una decepción porque no mostró rastro alguno del delirante estilo que el director Steve Kostanski había utilizado en sus previas películas, ya fuera como cineasta independiente (The Void), o como miembro del colectivo artístico Astron-6 (Father's Day, Manborg, The Editor). Bueno, pues me complace decir que PG: Psycho Goreman representa un glorioso regreso a la exuberante visión de Kostanski, la cual incluye copioso "gore", humor deliciosamente subversivo, y grotescos efectos prácticos diseñados con gran imaginación. En resumen: exactamente lo que yo esperaba (¡y más!) en una película de este maniático canadiense.
Por el lado negativo, entiendo que esa bizarra fusión de ingredientes no es para todos los gustos. PG: Psycho Goreman podría describirse como un alucinante episodio de Power Rangers con extrema violencia, abundante sangre... y una sincera historia de amor fraternal que pone a prueba la lealtad entre la niña Mimi (Nita-Josee Hanna) y su hermano mayor Luke (Owen Myre). Kostanski se divierte con los excesos visuales de PG: Psycho Goreman, pero sabe que la película solo funciona si existe una conexión emocional con los personajes, lo cual desde luego respeto... aunque también reconozco que la película podría ofender a algunas personas por incluir niños inocentes en esta sangrienta orgía de monstruos extraterrestres. Ni hablar... no se puede complacer a todos.
Sin embargo, quienes acepten el irreverente universo de PG: Psycho Goreman, encontrarán una simpática historia familiar con múltiples niveles dramáticos que añaden complejidad a la batalla entre el bien y el mal... porque, en cierto modo, no hay mucha diferencia entre héroes y villanos.
Mimi es una niña simpática pero ligeramente psicópata, que se divierte atormentando a su hermano Luke con juegos que no tienen sentido, excepto como excusas para golpearlo y humillarlo. Pero Luke, como hermano mayor, tolera a Mimi y le sigue la corriente para vigilar que no se meta en problemas. Por su parte, sus padres Susan (Alexis Kara Hancey) y Greg (Adam Brooks) tienen sus propios problemas maritales, y el descubrimiento de un monstruo en el jardín de su casa solo hace más tensa su situación. Finalmente, el villano extraterrestre Psycho Goreman (interpretado por Matthew Ninaber, con la voz de Steven Vlahos) quiere vengarse de la organización intergaláctica que lo condenó a pasar la eternidad en una pocilga como la Tierra; pero su convivencia con los niños empieza a modificar su actitud, enseñándole a valorar principios y emociones que nunca consideró cuando trataba de destruir el Universo. Clásico "pez fuera del agua" que aprende de los demás, mientras los demás aprenden de él.
Los efectos especiales son excelentes, aunque claramente de origen "artesanal", lo cual significa que no podemos esperar batallas épicas ni destrucción masiva, sino peleas cuerpo a cuerpo que casi siempre terminan con decapitaciones, desmembramientos, o similares atrocidades que no inspiran horror sino risas (al menos, como dije, para quienes disfruten este tipo de entretenimiento). El título de "PG" no solo representa las iniciales de Psycho Goreman, sino que alude a la clasificación del cine familiar (PG = "Parental Guidance"), sugiriendo que Steve Kostanski realizó su versión de una película infantil con un mensaje positivo de cooperación y tolerancia. Simplemente añadió la sangre y violencia que no vemos frecuentemente en este género, y el resultado en una "película para niños" para adultos... o para toda la familia, siempre y cuando los pequeños no se traumen cuando una víctima despedazada diga con su último aliento "Gracias por matarme". Podría provocarles pesadillas, pero es un precio justo para aprender las duras realidades de la vida.
Calificación: 8.5

IMDb

News of the World

Síntomas: Después de la Guerra Civil, el Capitán Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks) viaja por el sur de los Estados Unidos, llevando noticias recientes a las comunidades más aisladas. Entonces encuentra una niña huérfana, y decide ayudarla.

Diagnóstico: No esperaba menos del director Paul Greengrass (United 93). Su nueva película, News of the World, es un western ubicado en 1870, pero incluye situaciones relevantes para el mundo contemporáneo, creando ingeniosos paralelos entre las retrógradas actitudes del siglo diecinueve, y los problemas sociales del siglo veintiuno. Sin embargo, creo que la excesiva ambición del libreto (basado en la novela de Paulette Jiles) le impidió profundizar en estos temas, y nos presenta una versión simplificada del Viejo Oeste con lecciones morales demasiado obvias y pobremente integradas a la historia principal. Afortunadamente esa historia incluye suficiente emoción y suspenso para rescatar la película y unificar su estructura.
El sincero y mesurado estilo de Tom Hanks es perfecto para interpretar al Capitán Kidd, un soldado retirado que participó en la Guerra Civil... pero, a diferencia de muchos ciudadanos del Sur, Kidd no siente resentimiento por el nuevo orden social que trajo consigo la abolición de la esclavitud. Por el contrario, Kidd agradece que la guerra haya terminado, y disfruta su trabajo leyendo noticias a los habitantes de pueblos pequeños donde no llegan los periódicos, o la gente no sabe leer. Entonces encuentra una niña extraviada (Helena Zengel) y la lleva con las autoridades, pero nadie tiene tiempo de encargarse del problema, de modo que Kidd decide llevarla al pueblo donde tal vez viven sus parientes. Y así empieza el largo viaje que transformará a ambos mientras enfrentan grandes peligros y comparten nuevas experiencias.
La estructura de "road movie" sirve para visitar los temas modernos que mencioné al principio. Durante su recorrido, Kidd encuentra violencia contra esclavos recién liberados; pero no solo es cuestión de racismo, sino del miedo que siente el "hombre blanco" por perder sus privilegios, o sentirse reemplazado por individuos que considera "inferiores". Kidd y la niña también visitan una comunidad donde el capitalismo empieza a convertirse en opresión, alimentado por extrema codicia que ignora el bienestar del futuro. Y, desde luego, Kidd sigue ejerciendo su oficio durante el viaje, aunque a veces el público solo quiere escuchar las noticias que confirman sus creencias. En otras palabras, una versión análoga y primitiva de las redes sociales donde las noticias ya no se ajustan a la realidad, sino a las expectativas del usuario, lo cual es un método ideal para perpetuar mentiras y suprimir la verdad.
Esta exploración sociopolítica del Viejo Oeste añade un fascinante contexto cultural a la misión altruista del Capitán Kidd; y si Greengrass hubiera llegado más allá de la superficie, tal vez News of the World sería un clásico del "neo-western" existencial. Pero incluso con su ocasional ligereza me pareció una película entretenida y satisfactoria, gracias a la dirección de Greengrass, al estelar desempeño de Tom Hanks y la niña Helena Zengel, y al apoyo de sólidos actores de carácter en papeles secundarios, incluyendo a Ray McKinnon, Mare Winningham, y la siempre maravillosa Elizabeth Marvel. En conclusión, News of the World es una película recomendable por derecho propio, que además confirma la relevancia del western en el nuevo siglo (ya no tan nuevo), porque la mejor manera de predecir el futuro es examinar el pasado. Los medios y la tecnología avanzan, pero la comunicación a veces se estanca.
Calificación: 8.5

IMDb

A Sun (Yangguang Puzhao)

Síntomas: A lo largo de los años, la familia Chen atraviesa momentos difíciles que transforman su perspectiva del mundo.

Diagnóstico: Creo que necesito redefinir mi concepto de "drama familiar". O tal vez A Sun pertenece a un nuevo género... algo así como una "novela visual" que conjuga múltiples historias en una experiencia globalmente impactante, pero al mismo tiempo satisfactoria en sus componentes individuales. En resumen: un épico relato familiar que puede apreciarse en cada uno de sus detalles gracias a su impresionante visión artística.
A Sun es una película bastante larga (dos horas y media) y un poco lenta, pero nunca se siente aburrida porque el director Mong-Hong Chung nos obliga a sentir cada emoción de los personajes, como si fuéramos miembros de la familia afectados por los mismos problemas y malas decisiones.
Todo empieza cuando el hijo menor, A-ho (Chien-Ho Wu), es arrestado por participar en un delito violento. Su madre, la Sra. Qin (Samantha Shu-Chin Ko) trata de ser tolerante, pero su padre, el Sr. Chen (Yi-Wen Chen) no muestra afecto ni compasión, porque considera a A-Ho como una causa perdida. Por el contrario, el hermano mayor A-Hao (Greg Han Hsu) estudia mucho y tiene un prometedor futuro como doctor... aunque tiene sus propios secretos. Y así, con el paso del tiempo llegan nuevas sorpresas e inesperadas tragedias que podrían destruir a la familia, o fortalecer sus tenues lazos.
A Sun es una producción taiwanesa, pero comparte muchas características con el cine de Corea del Sur, empezando por un tono impersonal que hace el drama más intenso que cualquier exageración hollywoodense. No entiendo exactamente cómo funciona este truco, pero el estilo frío y distante del cine asiático consigue efectos devastadores que parecen inversamente proporcionales a la moderación de las actuaciones, o la sobriedad de la dirección. Supongo que esa es exactamente la magia de "menos es más".
Como sea, los actores aportan profundidad y empatía a sus personajes, enfocándose en las contradicciones típicas en cualquier familia: por muy decepcionados que sientan los padres, nunca pierden el amor por los hijos... aunque en ocasiones se manifiesta en formas inesperadas. Y por mucho rencor que acumule la generación joven, siempre persiste el respeto por la autoridad paterna que moldeó su personalidad (para bien o para mal). El conflicto primario de A Sun se desarrolla entre el padre y el hijo menor, lo cual hace más lucidoras las actuaciones de Chen Yi-Wen y Wu Chien-Ho (respectivamente). Pero tampoco podemos ignorar el trabajo de Samantha Ko y Xu Guang-Han como la madre y hermano mayor, ni de Ivy Yin y Apple Wu como una mujer e hija que se involucran en el drama de la familia Chen y alteran su dinámica para siempre.
Al igual que las actuaciones, la cinematografía de Nagao Nakashima y la dirección de Mong- Hong Chung son tan naturales que se vuelven invisibles. A Sun es una de esas películas que borran todo rastro de artificialidad para convencernos de que estamos en la misma realidad que los personajes. Es raro (al menos para mi) sentir este grado de inmersión, y esa es la mejor recomendación que puedo darle a esta obra maestra taiwanesa (disponible en Netflix). Se siente real... pero afortunadamente no lo es.
Calificación: 9

IMDb

Synchronic

Síntomas: Durante su labor como paramédicos en la ciudad de Nueva Orleans, Steve Denube (Anthony Mackie) y Dennis Dannelly (Jamie Dornan) empiezan a encontrar víctimas de una nueva droga llamada "Synchronic", la cual produce extrañas alucinaciones. Aunque tal vez no son alucinaciones.

Diagnóstico: El dueto de Justin Benson y Aaron Moorhead se encuentra muy arriba en mi lista de "las voces más interesantes en el cine independiente", gracias a películas como Spring y The Endless, ambas difíciles de describir, pero genuinamente virtuosas en concepto y ejecución... dentro de sus modestos recursos, desde luego.
La metodología de Benson y Moorhead consiste en tomar una intensa relación personal (en Spring fue el romance entre dos adolescentes; en The Endless fue el lazo entre dos hermanos), someterla a una situación pesadillesca, y utilizar el drama resultante como marco de profundas reflexiones sobre la naturaleza humana, manteniendo un sano balance entre las esotéricas ideas que desafían nuestra imaginación, y el conflicto emocional que motiva a los personajes. Muy simple, en realidad (sarcasmo).
En Synchronic, la relación que funciona como eje de la historia es la amistad entre Steve (Anthony Mackie) y Dennis (Jamie Dornan), forjada bajo la presión que comparten como paramédicos en la ciudad de Nueva Orleans. Steve y Dennis tienen problemas individuales que tratan de ocultar (o al menos ignorar) para que no interfieran con su trabajo ni empañen su amistad; pero al mismo tiempo se está generando entre ellos una tensión que podría volverse tóxica si no se atiende oportunamente. Entonces empiezan a recibir llamadas para atender sobredosis de "Synchronic", una nueva droga con síntomas muy extraños, y Steve decide investigar su origen.
Tal vez esto suena similar a la reciente película de Netflix Project Power, pero son completamente distintas en fondo y forma. Como ejemplo puedo señalar su respeto por la ciudad de Nueva Orléans... en Project Power la pobreza era un mero adorno visual, mientras que Synchronic integra orgánicamente la dolorosa historia de la ciudad en su tejido narrativo (desde el racismo generacional hasta el huracán Katrina).
Con estos ingredientes Benson y Moorhead construyen un potente misterio que combina elementos de horror, ciencia ficción, y temas lovecraftianos, aunque en una forma totalmente distinta a la que vimos en The Endless. De hecho, encontré Sychronic más alineada a las teorías "mágikas" de Grant Morrison (heredadas a su vez de Timothy Leary y Carlos Castañeda) sobre el uso de sustancias psicodélicas para percibir aspectos del multiverso que nuestros sentidos no alcanzan a captar. Pero, bueno... no quiero revelar los secretos de la película. Además, a pesar de su ambigua estructura, Synchronic no es tan complicada como parece, y se mantiene accesible en todo momento gracias a la estricta lógica interna que gobierna sus exuberantes ideas.
En los papeles principales Anthony Mackie y Jamie Dornan construyen una amistad sincera pero claramente limitada por los traumas personales de Steve y Dennis. Es el tipo de relación donde una conversación abierta solucionaría muchos problemas; pero ambos son demasiado orgullosos para revelar sus secretos, y demasiado respetuosos para meter la nariz en asuntos ajenos. Los acompañan en papeles secundarios Katie Aselton como la esposa de Dennis, Ally Ioannides como su hija adolescente, y Ramiz Monsef como un misterioso criminal que podría saber algo sobre el origen de la droga. Mención especial para Hawking (Hollywood), el simpático perro de Steve que podría ayudar en la investigación a su propia manera (no diré si le pasa algo, porque es un punto importante en la película).
Mi única queja (además de lo que le pasa al perro) (¡Perdón!) es que el libreto de Benson y Moorhead emplea una coincidencia absolutamente inverosímil para resolver el misterio... y creo que ni siquiera era necesaria. Fuera de eso, Synchronic me gustó mucho, y podría recomendarla como uno de los más estimulantes híbridos de horror y ciencia ficción que he visto recientemente, apoyado por buenas actuaciones, tremenda imaginación, y ambiciosas imágenes que cumplen su función dramática, aunque no compiten con los grandes espectáculos de Hollywood.
Hablando de lo cual: me dio mucho gusto enterarme de que Benson y Moorhead fueron reclutados por Marvel para dirigir la serie de televisión Moon Knight. Si les permitan seguir su propia visión, el resultado podría ser fenomenal. Si no, no hay problema... siempre pueden regresar al cine independiente para seguir explorando la conexión entre las maravillas del infinito y los enigmas del subconsciente. De todos modos ganamos.
Calificación: 8.5

IMDb

Outside the Wire

Síntomas: En el año 2036, el Teniente Harp (Damson Idris) pilotea "drones" para apoyar a la resistencia ucraniana contra las tropas invasoras rusas. Entonces Harp desobedece órdenes en un momento crítico, y es transferido al frente de batalla para apoyar al Capitán Leo (Anthony Mackie) en una misión humanitaria. Sin embargo, nada es lo que parece... empezando por el Capitán Leo.

Diagnóstico: Uno de los retos más difíciles de la ciencia ficción es imaginar tecnología avanzada para nuestro tiempo, pero razonablemente consistente con la era del relato en cuestión. En el caso de Outside the Wire, me costó trabajo tragar su propuesta del "soldado del futuro", no solo por los extraordinarios avances (hipotéticos) que sería necesario realizar en los siguientes quince años, sino por los factores sociales y políticos que permitirían una situación como la que nos presenta el director Mikael Håfström (Escape Plan). Pero, bueno... no me afectó demasiado porque la trama no se enfoca en la tecnología, sino en la relación entre el Teniente Harp (Damson Idris) y el Capitán Leo (Anthony Mackie), soldados cuyas opuestas perspectivas de la guerra generan tensión y desconfianza durante una misión que parece benevolente, hasta que se transforma en algo más peligroso.
Esa batalla ideológica entre Harp y Leo aporta un interesante subtexto a la acción de Outside the Wire, pero tampoco resulta particularmente innovadora. Como piloto de "drones", Harp desarrolló una actitud analítica que le ayuda a resolver situaciones de alto riesgo por medio de lógica y sentido común; por su parte, Leo colabora con la resistencia ucraniana, enfrentando las horribles consecuencias del "daño colateral", y adoptando una "moralidad gris" que le permite salvar vidas aunque tenga que aceptar alianzas con individuos detestables.
Este contraste alimenta el débil drama de Outside the Wire e inspira flojas emociones durante las secuencias de acción, bien realizadas por derecho propio, pero demasiado similares a los tiroteos callejeros, infiltraciones en edificios abandonados, y similares clichés del combate urbano que hemos visto en incontables thrillers modernos.
La única variación son los soldados mecánicos (conocidos como "gumps") de las fuerzas norteamericanas y rusas, que intervienen ocasionalmente para incrementar el peligro y recordarnos que, en efecto, estamos en el futuro. Me gustó mucho el diseño de los robots; y aunque no tienen mucha relevancia narrativa, su potencial podría extenderse en futuras secuelas... suponiendo que Outside the Wire tenga mucho éxito, lo cual dudo.
Anthony Mackie adopta con gran intensidad (y demasiada "actitud") la mentalidad de un soldado rebelde que rompe las reglas para obtener resultados. Y aunque Damson Idris interpreta un personaje similar, sus actuaciones son muy distintas, lo cual demuestra el talento de ambos actores y la volátil química que comparten. Definitivamente no es una "buddy movie" donde se odian al principio y se aprecian al final, sino algo más complicado... al menos para los estándares del cine de acción.
Finalmente, la dirección del sueco Mikael Håfström no es mala, pero tampoco muestra una particular visión artística... simplemente un adecuado manejo de recursos para cumplir su trabajo y entregar un producto de razonable calidad que será popular durante unos días en Netflix, y se olvidará cuando llegue el siguiente gran estreno. En resumen: "Meh" de principio a fin... pero a veces eso basta para pasar un buen rato enfrente del televisor, teléfono o tableta. Si ésta es la evolución de los "blockbusters", no tengo mucha objeción; al menos no tuve que salir de casa, y siempre existe la esperanza de que la siguiente semana nos traerá algo realmente bueno. O la siguiente semana. O la siguiente.
Calificación: 7

IMDb

Promising Young Woman

Síntomas: Consumida por una tragedia en su pasado, la joven Cassandra Thomas (Carey Mulligan) persigue y castiga hombres abusivos y depredadores sexuales.

Diagnóstico: Alguien señaló (no recuerdo si fue Bruce Campbell o Stan Lee) que el clásico espíritu de las "B-Movies" infectó a Hollywood con el paso de las décadas, no solo en horror y ciencia ficción, sino en géneros más "respetables" (lo cual significa que recauden mucho dinero o involucran cineastas populares). Por ejemplo, las simplistas películas de vaqueros (Rio Bravo, The Gunfighter) se convirtieron en dramas existenciales como The Unforgiven y The Hateful Eight. Las frívolas aventuras de "hot rods" (Thunder Alley y Speedway) evolucionaron hasta darnos la saga de The Fast and the Furious; y el cine de venganza femenina (I Spit on Your Grave, Thriller: A Cruel Picture) ganó seriedad y conciencia social con cintas como The Girl With the Dragon Tattoo y Thelma & Louise.
Promising Young Woman pertenece a ese movimiento de "cine A" con premisa de B-Movie... aunque la directora Emerald Fennell hizo suya la historia con algunos cambios realmente sorpresivos, y un tono melancólico que no busca el fácil placer de la venganza, sino algo más complicado... ¿tal vez justicia? No estoy seguro. Pero definitivamente hay consecuencias para las terribles acciones de los personajes.
En otras palabras: no hay que esperar un desfile de asesinatos sangrientos donde los hombres abusivos reciben su merecido, sino un lento drama que explora los estragos psicológicos de la violencia sexual, no solo en las víctimas, sino en las personas cercanas a ellas.
En cierto modo esto hizo Promising Young Woman menos satisfactoria de lo que yo esperaba (al menos en el nivel visceral); pero lo compensa con un análisis profundo de la mentalidad que permite estos crímenes, así como el sistema social y legal que hace muy difícil condenar (o incluso acusar) a los culpables. Y si bien Promising Young Woman no es la primera película que maneja estos temas (A Vigilante y The Light of the Moon ofrecen perspectivas igualmente válidas del problema), su devastador nivel de realismo hace irrelevante la comparación con obras similares. Como dije, el punto no es la venganza, sino la denuncia del privilegio y la ignorancia que perpetúa la situación.
La marea de emociones que navega Cassandra contagia a la película entera, de modo que cuesta trabajo definir el tono de Promising Young Woman. A veces se siente como un legítimo thriller; en otras escenas parece una comedia negra; y la primera mitad emula un melodrama "indie" sobre una mujer adulta que aún vive con sus padres porque nunca definió su camino en la vida. Quiero pensar que esta ambigüedad es intencional, para reflejar los múltiples aspectos de la vida que afecta el trauma sexual, y la escasez de recursos para curar esas heridas invisibles.
Entonces llega el tercer acto, y la película cambia por completo... o tal vez solo continúa por la ruta lógica que estuvo ocultando todo este tiempo, gracias al increíble trabajo de Carey Mulligan en el papel de Cassandra, aparentemente firme en su convicción, pero con algunas dudas sobre el resultado de la misión que prácticamente arruinó su vida. Adam Brody, Bo Burnham, Christopher Mintz-Plasse y Chris Lowe interpretan hombres que Cassandra encuentra en su vida, algunos como aliados y otros como enemigos. Alison Brie y Alfred Molina son figuras del pasado con distintos grados de complicidad. Y Clancy Brown y Jennifer Coolidge son los padres comprensivos, pero un poco impacientes por la falta de iniciativa de su hija. Si solo supieran...
Entonces, yo esperaba una típica cinta de venganza femenina, y lo que encontré fue una ambiciosa reflexión que confunde nuestras expectativas (al menos las mías), y evita el camino fácil de la catarsis para ofrecer algo más memorable y sustancial. Definitivamente recomendaría Promising Young Woman... pero no es una experiencia fácil de asimilar. Lo cual, pensándolo bien, quizás sea la única forma posible de expresar algo relevante sobre este tema.
Calificación: 8.5

IMDb

Another Round (Druk)

Síntomas: El profesor Martin (Mads Mikkelsen) está cansado de su trabajo, de su vida familiar, y de la apatía de sus estudiantes. Entonces, en colaboración con otros profesores, empieza a tomar alcohol durante el día para ver si mejora su desempeño social y profesional.

Diagnóstico: Another Round empieza como un sobrio (ja, ja) estudio de carácter sobre un hombre que atraviesa una devastadora crisis existencial; pero gradualmente se transforma en algo más optimista... una celebración de la perspectiva que brindan los años, y un sincero homenaje al potencial de la edad madura para seguir descubriendo cosas nuevas, cuando parecía que ya no había más sorpresas.
O también podría ser un inusual manifiesto a favor del alcoholismo. Pero me inclino más por lo primero.
Antes que nada, hay que tomar en cuenta la cultura donde se ubica Another Round. Aparentemente la sociedad de Dinamarca es más abierta al uso de alcohol; pero al mismo tiempo la población tiende a ser más responsable en su consumo... con algunas excepciones. Los jóvenes alumnos del profesor Martin tienen intensas borracheras durante los fines de semana, y por eso no pueden poner atención en sus clases de historia. Al mismo tiempo, Martin perdió el entusiasmo por enseñar, y ya no sabe "enganchar" a sus estudiantes, lo cual crea un círculo vicioso de indiferencia y depresión.
Entonces, durante una reunión de maestros, alguien menciona una teoría sobre los beneficios del alcohol en la elocuencia y confianza de las personas, y propone un experimento: Martin y otros tres profesores mantendrán un nivel de alcohol en la sangre continuo de 0.05%, para ver cómo altera su desempeño en la escuela.
No diré cuáles son los resultados del experimento, pero baste saber que cambian la vida de Martin y sus amigos, a veces de manera positiva y a veces negativa. Al mismo tiempo, la percepción del protagonista se agudiza (¿o será simple paranoia?) y puede reconocer por primera vez la crisis que tiene en su propia casa, con una familia que perdió interés en Martin por la misma razón que perdió a sus alumnos.
Another Round suena como una historia deprimente, pero la maravillosa dirección de Thomas Vinterberg (It's All About Love) mantiene un sutil sentido del humor que se manifiesta en los detalles de las actuaciones. Sin embargo, el mejor elemento de la película (y razón suficiente para recomendarla) es la actuación de Mads Mikkelsen (Polar), mostrando la asombrosa transformación de Martin conforme avanza su arriesgado experimento. Las sub-tramas de los demás profesores también son interesantes, y van de lo gracioso a lo trágico; pero Mikkelsen se apropia de la película y nos comparte la complicada gama de emociones que atraviesa en su nuevo despertar a la vida... lo cual tampoco es garantía de felicidad. Y, bueno, ¿qué puedo decir de ese final al mismo tiempo amargo y jubiloso que revela una sorprendente faceta de Mikkelsen que jamás había visto? Sospecho que los fans de la serie Hannibal quedarán particularmente boquiabiertos.
En fin... regresando al mensaje de Another Round, es posible que algunas personas la interpreten como una irresponsable apología del alcoholismo, pero creo que su auténtica misión es señalar que no existen soluciones mágicas para los grandes problemas de la vida, y que el primer paso para levantarse es reconocer que nos caímos. Y, bueno, al menos estar suficientemente sobrios para lograrlo.
Calificación: 9

IMDb

Parallel

Síntomas: Cuatro programadores descubren un portal a otras dimensiones... y lo usan para terminar más rápido su "app".

Diagnóstico: Bueno, estoy simplificando demasiado la trama de Parallel con esa sinopsis, pero quiero enfatizar las extrañas decisiones que tomó el director Isaac Azban con una increíble premisa que no cumple su enorme potencial.
Las películas que realizó Azban en México me gustaron bastante (El Incidente, del 2014, y Los Parecidos, del 2015), y me alegra que haya logrado incursionar en el mercado norteamericano con Parallel, su primer largometraje en inglés (aunque tardó dos años en llegar a servicios de streaming). Sin embargo, sospecho que fue a costa de ciertas condiciones que le hicieron comprometer su visión al tratar de crear un producto más comercial y menos "experimental".
Traducción: personajes "cool" con problemas fáciles de asimilar para el público joven, pero a fin de cuentas incompatibles con el fascinante concepto central. Parallel comienza con un perfecto prólogo que promete un misterio muy interesante, y prepara el terreno para algo más creativo e inteligente. Y el primer acto es bastante bueno, estableciendo la dinámica de los personajes mientras llega el gran descubrimiento del portal que conduce a dimensiones paralelas similares a la nuestra, pero con pequeñas diferencias que los jóvenes tratan de aprovechar para su beneficio personal.
Y ahí es donde Parallel (no confundir con Parallels, del 2015) empieza a descarrilarse... pero no por completo, lo cual hizo la experiencia más frustrante, al menos para mi. Una y otra vez encontramos tremendas ideas que se desperdician en trivialidades, ignorando alternativas más audaces que podrían haber hecho a Parallel una cinta de ciencia ficción "seria", en el estilo de Primer (con la cual comparte muchas similitudes) o Coherence. O también hubiera podido adoptar un tono más excéntrico y gracioso, como Rick & Morty, o aquel episodio de Futurama donde el portal era una caja que contenía múltiples universos ("The Farnsworth Parabox", cuarta temporada, episodio 10).
Creo que también hubiera ayudado ofrecer más explicaciones sobre las propiedades del portal y la mecánica del viaje trans-dimensional. Eventualmente podemos seguir los eventos de la película, pero sentí un poco de confusión durante los primeros experimentos de los jóvenes. Y no fue el tipo de confusión que alimenta la curiosidad en una buena historia de ciencia ficción, sino la confusión de un libreto difuso y apresurado.
Sin embargo, como dije, hay tantas cosas buenas en Parallel que merece una recomendación a pesar de sus ocasionales incongruencias.
Azban emplea un distintivo estilo visual para separar los eventos que ocurren en las dimensiones alternas, lo cual se vuelve importante conforme crece la ambición de los jóvenes y se borran las líneas entre realidades adyacentes. Y aunque Parallel no depende de efectos especiales, incluye memorables imágenes con un buen balance de ingenio práctico y trabajo digital.
Las actuaciones de Martin Wallström, Georgia King, Mark O'Brien y Aml Ameen son generalmente buenas, mostrando la evolución de los personajes por medio de los principios morales que a veces detienen y a veces aceleran el abuso de la peligrosa tecnología (¿o será magia?) que descubrieron. En particular aprecié una "tragedia del pasado" que forma parte integral del drama, en vez de ser el perezoso truco para añadir motivación que hemos visto en incontables cintas inferiores.
Definitivamente hay gran talento detrás de Parallel, así como una sólida premisa con tremendo potencial; pero siento que la ejecución se simplificó demasiado para lograr un producto más comercial. O tal vez esa fue la intención del director: mostrar el contraste entre las extraordinarias posibilidades del multiverso, y los pueriles caprichos de nuestra vida cotidiana. Como sea, siento que Parallel pudo llegar más lejos en todos los sentidos; pero incluso en su forma diluida es una experiencia recomendable que nos invita a reflexionar sobre decisiones, consecuencias... y el "Efecto Mandela".
Calificación: 7.5

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Hunter Hunter

Síntomas: Joseph Mersault (Devon Sawa), su esposa Anne (Camille Sullivan) y su hija Renee (Summer H. Howell) viven en la soledad del bosque canadiense, cazando su propia comida y vendiendo pieles en el pueblo cercano. Entonces Joseph descubre el rastro de un lobo particularmente agresivo, y decide cazarlo antes de que lastime a su familia.

Diagnóstico: Podríamos decir que Hunter Hunter pertenece al reciente sub-género de historias "off the grid", donde excéntricos individuos (y sus familias) deciden abandonar la civilización para vivir en el bosque y valerse por sí mismos. Sin embargo, Hunter Hunter no se enfoca en el debate sobre este estilo de vida (aunque desde luego hay discusiones al respecto), sino en uno de los peligros que implica: depredadores celosos de su territorio, dispuestos a todo por sobrevivir.
El primer acto de Hunter Hunter nos muestra las dificultades cotidianas de la familia Mersault; la comida escasea, las pieles de animales salvajes tienen poco valor en el mercado "civilizado", y Anne (Camille Sullivan) se preocupa por el futuro de su hija Renee (Summer H. Howell), quien está aprendiendo muy bien a desollar venados, pero no a interactuar con la sociedad normal. Al menos Anne y su esposo aceptaron voluntariamente ese tipo de vida; pero Renee nunca tuvo oportunidad de elegir.
Entonces Joseph (Devon Sawa) descubre indicios de un lobo feroz y astuto que regresó a su territorio, y decide cazarlo antes de que se convierta en un riesgo para la familia. Pero eso significa dejar solas a Anne y Renee. Y, bueno, lo que ocurre después amenaza las vidas de todos, y revela nuevos peligros en la soledad del bosque que nadie hubiera imaginado en circunstancias normales.
Me gustó mucho la disciplina del director Shawn Linden para construir la historia a su propio ritmo, dejando que nuestra mente asimile sus componentes esenciales antes de introducir nuevas variables que transforman por completo la película. La premisa de "el cazador se convierte en la presa" no es nueva, pero Linden sabe exactamente dónde seguir la fórmula, y dónde desviarse para crear sorpresas y una atmósfera de suspenso casi insoportable.
Y todo eso usando tan solo el talento del reparto y los sombríos bosques de Manitoba.
Claro, eventualmente hay un poco de sangre y efectos especiales, pero solo como satisfactorio remate de la tensión que el director y los actores forjaron a lo largo de la película.
Devon Sawa (Escape Plan: The Extractors) interpreta a Joseph, un padre de familia estoico y responsable, pero quizás demasiado orgulloso para admitir que la vida silvestre no será sustentable para siempre, sobre todo con su hija al borde de la adolescencia. Summer H. Howell (Cult of Chucky) interpreta a Renee con la inocencia de la infancia que no cuestiona las enseñanzas de su padre, aunque intuye que debe haber algo más allá de su austera existencia. Sin embargo, el papel más complicado es el de la madre, pero la actriz Camille Sullivan (Ice Soldiers) maneja sin dificultad el conflicto interno de Anne... así como las acciones decisivas que debe tomar cuando el peligro se vuelve externo. Los acompañan en papeles secundarios Nick Stahl (Terminator 3: Rise of the Machines) como un turista extraviado, y Gabriel Daniels y Lauren Cochrane (Night Hunter) como guardabosques un poco indolentes, pero con buen corazón... y demás vísceras que le gustan al lobo.
Lo único que no me gustó de Hunter Hunter fue el constante desfile de animales destazados, ya fuera por el lobo, o por Joseph y su familia. Sé que es absurdo quejarse de esto en una película sobre cazadores en el bosque... pero no sé si era absolutamente necesario mostrar el desollamiento de un venado. Y también me decepcionó otra repetición del cliché "el perro es la primera víctima", incluso si fueron creaciones sintéticas del departamento de efectos especiales.
Pero, por lo demás, Hunter Hunter es un excepcional thriller con sólidos valores técnicos, intensas actuaciones, y un final genuinamente impactante que recordaré por mucho tiempo (en mis pesadillas). No conocía el trabajo del director Shawn Linden, pero Hunter Hunter fue suficiente para interesarme en sus próximos proyectos... siempre y cuando descubra que en el género de terror es más divertido destazar gente que animales (todos simulados, naturalmente).
Calificación: 9

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Deerskin (Le Daim)

Síntomas: La obsesión de Georges (Jean Dujardin) con su nueva chaqueta de piel de venado se incrementa hasta tomar control de su vida.

Diagnóstico: A veces la palabra "irracional" se utiliza como insulto (yo mismo la uso con frecuencia en estos escritos); sin embargo, para el director francés Quentin Dupieux, "irracional" representa un válido estilo de vida, un fascinante reto artístico, y un enigma que solo podremos resolver si tratamos de entender su origen. Así, en películas como Rubber (una llanta viviente mata gente) y Wrong (un hombre busca a su perro extraviado), Dupieux nos ha mostrado personajes y situaciones tan absurdos que a primera vista parecen bromas surrealistas; pero su misión como cineasta consiste en presentar su visión, y dejar que el espectador resuelva el misterio, al mismo tiempo que se divierte con la ostensible excentricidad de sus relatos.
Todo lo cual describe Deerskin, la nueva película de Dupieux, donde Georges (Jean Dujardin) es un hombre aparentemente normal que acaba de sufrir una decepción familiar, y decide comprar una chaqueta de piel de venado, tal vez como distracción de su problemas, o como un pequeño incentivo a su auto-estima, o incluso como símbolo de un nuevo inicio que podría conducir a la redención y al alivio espiritual.
Aunque también es posible que Georges simplemente haya perdido la razón.
Sé que las películas de Quentin Dupieux no son para todos los gustos, pero para aficionados al cine "raro" (como yo), ofrecen una irresistible combinación de exuberante imaginación e integridad narrativa, aunque a veces hay que esforzarse para encontrarla. Con esto quiero decir que siempre hay un método detrás de la locura en las cintas de Dupieux; y si bien sus argumentos parecen ridículos, podemos tener la seguridad de que fueron cuidadosamente diseñados para decir algo. Incluso me atrevería a decir que no es estrictamente necesario "entender" sus películas para pasar un buen rato de análisis y reflexión. O al menos de humor.
En el papel de Georges, Jean Dujardin (The Artist) captura la turbulencia emocional de un hombre desesperado que gradualmente reconoce su nuevo propósito en la vida. Su actuación define la película entera, y nunca permite que su convicción se desvíe ni pierda fuerza, por incomprensibles que puedan parecer sus acciones. Adèle Haenel (Portrait of a Lady on Fire) interpreta a Denise, una joven mesera que observa con curiosidad la obsesión de Georges, y luego trata de ayudar... aunque no es inmediatamente evidente si su intención es altruista, o motivada por el beneficio personal. Y Albert Delpy es "Monsieur B.", el dueño original de la chaqueta de piel de venado... y de otro pequeño regalo que también cambiará la vida de Georges.
Al igual que vimos en Rubber y Wrong, el estilo visual de Dupieux posee una elegante simplicidad que, francamente, no sé si es el resultado de una producción semi-casera, con cámaras ligeras y fuentes de iluminación natural (al estilo de Steven Soderbergh), o el producto de un meticuloso proceso técnico para que todo se vea bonito, pero muy real. Como sea, Deerskin es un placer para los sentidos (incluyendo la inquietante música de Janko Nilovic) y un desafío para nuestra mente... aunque eventualmente las piezas caen en su lugar, y se vuelve más fácil entender lo que está pasando. Mi única queja es que, a pesar de su breve duración (1 hora y 17 minutos, incluyendo créditos), Deerskin se siente un poco cansada durante la primera mitad, mientras Georges descubre su nueva vocación. Pero cuando empieza la violencia... bueno, es mejor no decir más, y dejar que Dupieux se encargue del resto.
Calificación: 8.5

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On the Rocks

Síntomas: La escritora Laura Keane (Rashida Jones) sufre un bloqueo creativo por culpa de sus preocupaciones domésticas... incluyendo la posible infidelidad de su esposo Dean (Marlon Wayans). Entonces su padre Felix (Bill Murray) empieza a darle consejos para superar la crisis, pero solo empeora la situación.

Diagnóstico: A pesar del éxito crítico y comercial de Lost in Translation (2003), la directora Sofia Coppola nunca perdió su peculiar visión artística, ni intentó ganar acceso a la fábrica cinematográfica de Hollywood, donde tal vez hubiera encontrado mayor reconocimiento y oportunidades profesionales. En vez de eso prefirió quedarse en el cine independiente, creando historias en sus propios términos y explorando temas tan diversos que su filmografía es una ecléctica colección de épocas, locaciones y culturas donde el único elemento en común es el talento de la directora.
Habiendo dicho eso, reconozco que no me gustan todas sus películas... pero hasta las "malas" (The Bling Ring, en mi humilde opinión) conservan el mismo estilo simultáneamente íntimo y distante con el que analiza las emociones de sus personajes sin involucrarse en el drama. Y también comparten un lánguido ritmo que puede aburrir al público menos interesado en oblicuos experimentos cinematográficos de ambiguo propósito.
Todo lo cual nos lleva a On the Rocks, la más reciente película de Sofia Coppola, y tal vez la más cercana a Lost in Translation en fondo y forma. Las dos aprovechan el talento de Bill Murray como actor "serio" (pero no muy serio), y como leyenda viviente en la cultura popular; y las dos ubican su argumento en ciudades vistosas y complejas que terminan convirtiéndose en otro personaje de la historia.
El argumento de On the Rocks es tan simple que parece un "sitcom" televisivo: Laura Keane (Rashida Jones) intenta continuar su carrera de escritora, pero las demandas de la vida familiar le impiden concentrarse; y las constantes ausencias de su esposo Dean (Marlon Wayans) empiezan a despertar sospechas de infidelidad. Entonces llega de visita su padre Felix (Bill Murray), y trata de "ayudarla" con teorías y consejos que solo incrementan la neurosis de Laura hasta extremos tragicómicos.
Sin embargo, bajo esa aparente simplicidad se esconden múltiples niveles de significado que aprovechan los silencios y lentitud de la trama para filtrarse en nuestra conciencia. Por ejemplo: el conflicto entre la vida familiar de Laura y su ambición artística; la sofocante rutina materna que siembra resentimiento contra la libertad de su esposo; la multitud de responsabilidades que erosionan su identidad individual; y la manipulación pasiva de su padre, un hombre rico y poderoso cuyas buenas intenciones contradicen sus arcaicos valores morales. O, mejor, dicho, amorales.
Nada de esto se expresa en los diálogos, sino en los detalles de las actuaciones. Rashida Jones y Bill Murray son expertos en lacónico subtexto, y su interacción funciona por todo aquello que NO se dice, ya sea que estén cenando en un restaurante, o enfrentando a un policía en la calle. Y, claro, en el caso de Felix el subtexto debe coexistir con sus constantes monólogos sobre glorias pasadas, sus teorías sobre la infidelidad de Dean, o sus flirteos con todas las mujeres que encuentra.
Además de Jones y Murray, merecen mención Marlon Wayans como Dean, el esposo de Laura que nunca está en casa; Jessica Henwick como Fiona, socia de Dean... y posiblemente algo más; y Jenny Slate como Vanessa, amiga de Laura (aunque "amiga" no es el término correcto) que siempre está contándole sus desventuras románticas.
La sencillez de su premisa y el ácido humor de On the Rocks hacen que parezca engañosamente ligera, y quizás hasta frívola (otra arrogante rebanada de "los problemas de la gente rica en Nueva York"). Pero la melancolía existencial, los celos, y las tensiones familiares son temas universales que forman el núcleo narrativo de la historia. Y si añadimos a eso las actuaciones, la diáfana cinematografía de Philippe Le Sourd, y la etérea dirección de Sofia Coppola, tenemos como resultado una experiencia muy recomendable... aunque no cambiará la opinión de los detractores que se aburren con sus películas. Están en su derecho, y comprendo sus razones; después de todo, si Bill Murray no los convence, nada lo hará.
Calificación: 8.5

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Archenemy

Síntomas: El joven Hamster (Skylan Brooks) es un reportero amateur en busca de historias en los barrios pobres de la ciudad; entonces conoce a Max Fist (Joe Manganiello), un indigente que asegura haber llegado de otra dimensión, donde usaba sus poderes para proteger a los habitantes de "Ciudad Chromium", hasta que fue vencido por su archienemigo.

Diagnóstico: Con su tercera película (las dos primeras fueron Some Kind of Hate, del 2015, y Daniel Isn't Real, del 2019), el director Adam Egypt Mortimer confirma su talento para encontrar nuevas perspectivas de viejas fórmulas. En el caso de Archenemy, Mortimer tomó el popular concepto del "superhéroe realista" para crear un sólido thriller con un poco de acción, interesantes personajes, y un atractivo estilo visual que fusiona la estética de los comics con la cruda realidad de un indigente viviendo al margen de la sociedad. Pero eso no es todo... Archenemy también explora el origen psicológico de las fantasías como mecanismo de defensa contra traumas físicos, y hasta cuestiona la naturaleza de la realidad misma dentro de un hipotético multiverso más complejo de lo que sugieren las teorías sobre pluralidad dimensional. O algo así (los créditos finales incluyen un agradecimiento especial a Grant Morrison, lo cual explica bastante). El punto es que Archenemy me gustó mucho a pesar de algunos problemas técnicos y dramáticos que empañan la experiencia, pero no me impiden darle una entusiasta recomendación por su ambicioso libreto y eficiente manufactura.
La premisa me pareció excelente: Max Fist (Joe Manganiello) era el más poderoso superhéroe de Ciudad Chromium (o al menos eso dice), pero perdió sus poderes al entrar a nuestra dimensión, y ahora vive en la calle, contando sus aventuras a quien le compre un trago de whiskey. Por su parte, el joven Hamster (Skylan Brooks) quiere ganar dinero como reportero digital, y cuando encuentra a Max reconoce el potencial de su historia. Sin embargo, la convicción del vagabundo y los detalles pseudo-científicos de sus relatos hacen que Hamster empiece a preguntarse si Max es un genuino visitante de otra dimensión, o un simple alcohólico esquizofrénico con demasiada imaginación.
Al mismo tiempo vemos los problemas que tiene Indigo (Zolee Griggs), la hermana de Hamster, quien trabaja como mensajera de la pandilla que controla su barrio. El "Administrador" (Glenn Howerton) le asigna una misión relativamente fácil que se complica y la pone en la mira de individuos muy peligrosos. Y así, ambas sub-tramas se desarrollan paralelamente hasta la inevitable colisión que cambiará unas vidas y terminará otras.
Archenemy tiene similitudes con cintas como Defendor y Super, pero la principal diferencia reside en el delicado balance entre psicosis y fantasía que mantiene para confundir nuestras expectativas. Además, los "flashbacks" donde vemos las hazañas de Max Fist en Ciudad Chromium están realizados en animación con estética de comic (me recordó el arte  de Bill Sienkiewicz y Mark Texeira), lo cual añade niveles que cada espectador puede interpretar según su preferencia personal... ¿la dimensión de Max es un comic viviente? ¿O una alucinación inspirada por los comics de nuestra realidad? ¿O simplemente una solución económica para crear épicas secuencias de acción con el presupuesto de una humilde cinta independiente?
Para mantener ese precario equilibrio hacen falta actuaciones consistentes con la realidad, pero abiertas a las posibilidades de la fantasía. Joe Manganiello (Rampage) es simplemente perfecto como Max Fist, cuya noble conducta y código de honor podrían ser producto de su entrenamiento en otra dimensión... o un truco bien ensayado para atraer curiosos que puedan comprarle alcohol. Skylan Brooks (The Darkest Minds) y Zolee Griggs interpretan a Hamster e Indigo, hermanos que tratan de sobrevivir en un desalmado entorno social donde la única alternativa al crimen es la muerte. Sus respectivas sub-tramas muestran una ingeniosa simetría que subraya su evolución en circunstancias cada vez más desesperadas: Hamster empieza buscando historias "reales" en la calle, pero gradualmente se sumerge en las fantasías de Max; mientras que Indigo quiere mantener una ilusión de estabilidad doméstica que se derrumba cuando la violencia del trabajo la sigue a su hogar.
Por el lado negativo, Mortimer toma algunos atajos para conectar las múltiples tangentes de Archenemy (por ejemplo, la enorme coincidencia que inicia el tercer acto); y, a pesar de la estilizada cinematografía de Halyna Hutchins, conviene recordar que no estamos viendo una costosa película de Marvel, sino una cinta de bajo presupuesto sin recursos para competir en espectáculo visual. De hecho, además de los "flashbacks" animados, casi no hay efectos especiales en Archenemy (cuando mucho un poco de "gore" durante las peleas). Sin embargo, lo más importante está en nuestra imaginación. O en la de Max. Como sea, Adam Egypt Mortimer sigue mejorando con cada película, y esperaré con interés sus proyectos futuros. Me gustaría que lo llamaran a "las grandes ligas"... pero siento que su talento se aprovecha mejor en el cine independiente, donde las cosas se resuelven con creatividad en vez de dinero.
Calificación: 8.5

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Black Bear

Síntomas: La actriz y directora Allison (Aubrey Plaza) renta un cuarto en la casa de huéspedes de Gabe (Christopher Abbott) y Blair (Sarah Gadon), donde planea escribir su siguiente película mientras disfruta la tranquilidad del bosque. Pero su llegada cambia la dinámica de la pareja y amenaza con destruir su relación.

Diagnóstico: Aubrey Plaza era una de mis actrices favoritas en la categoría de "siempre interpretan el mismo papel"; sin embargo, Black Bear nos muestra una transformación tan impresionante que ya no puedo encasillarla en ese nicho. Plaza es simplemente una gran actriz cuyo talento trasciende la imagen de "sociópata sarcástica" que venía manejando en casi todos sus proyectos televisivos y cinematográficos.
Y, afortunadamente, la película Black Bear es un perfecto medio para lucir ese talento, gracias a su libreto engañosamente simple, pero con un rico subtexto que afecta el comportamiento de los personajes, incluso cuando quieren ocultarlo. Al mismo tiempo, Black Bear es otro drama "indie" donde no hay mucha historia, sino una situación estática que comienza cordialmente, y luego se vuelve incómoda.
Entonces interviene un oso negro y todo cambia. Pero no como lo están imaginando.
En este punto conviene aclarar que Black Bear no es una película de horror ni un thriller. Como dije antes, es un drama enfocado en personajes complicados y ocasionalmente antipáticos que manipulan a los demás por distintas razones, ya sea como una cruel forma de entretenimiento, o como una perversa terapia que podría estimular el crecimiento personal, o enfrentar traumas del pasado.
En un plano secundario, pero igualmente interesante, Black Bear explora el proceso creativo del cine, no solo en el nivel abstracto de escribir una historia, sino en las dificultades prácticas de convertirlo en imágenes. Allison (Aubrey Plaza) abandonó la carrera de actriz porque ganó fama de ser "difícil", y decidió crear sus propias películas, sin mucho éxito. Y todas esas dudas internas e incertidumbre por el futuro afectan su visita a la casa de huéspedes de Gabe (Christopher Abbott) y Blair (Sarah Gadon), cuya relación obviamente tenía problemas desde antes de recibir a la nueva inquilina.
En otras circunstancias Abbott (Possessor) y Gadon (Enemy) serían el centro de atención de Black Bear, pues sus actuaciones son igualmente buenas, enfrentando escenas muy difíciles sin tiempo suficiente para desarrollar sus respectivos personajes... y aún así nos atrapan de inmediato en su disfunción romántica. Lindsay Burdge, Alexander Koch, Paola Lázaro, Jennifer Kim y Grantham Coleman tienen roles secundarios breves pero llenos de color y personalidad. Sin embargo Plaza domina la película con su hipnótica energía, probablemente matizada por sus experiencias personales en Hollysood (los créditos la mencionan como co-productora de la película); y lo mismo podríamos pensar del director Lawrence Michael Levine, cuya esposa, Sophia Takal, trabajó como actriz (V/H/S 2) antes de volverse directora (Black Christmas). Francamente ignoro si Black Bear está basada en hechos reales, pero deja la sensación de una intensa catarsis emocional.
Quisiera pensar que Black Bear será un parteaguas en la carrera de Aubrey Plaza (y, para ser justos, también de Christopher Abbott, Sarah Gadon, y Lawrence Michael Levine), pero es una película demasiado pequeña para llamar la atención del público y de los grandes premios cinematográficos. En fin... espero que al menos abra nuevas puertas para todos los involucrados. Después de todo, no queremos enfurecer al oso.
Calificación: 9

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Shadow in the Cloud

Síntomas: Durante la Segunda Guerra Mundial, la Oficial de Vuelo Maude Garrett (Chloë Grace Moretz) viaja a bordo de un bombardero B-17 en una misión secreta que se vuelve más peligrosa cuando la tripulación enfrenta desperfectos mecánicos, y la posible presencia de una misteriosa criatura.

Diagnóstico: Me dio gusto empezar el año con una película absolutamente descabellada, pero muy entretenida y bien producida. Fue la mejor receta para olvidar el mundo real por setenta y cinco minutos, sin contar los créditos finales.
Esa brevedad es el primer acierto de Shadow in the Cloud, una "B-Movie" con altos niveles de entusiasmo y creatividad, pero muy poco realismo. El punto no es preguntar "¿es posible lo que ocurre en la película?", sino "¿me estoy divirtiendo o no?" En otras palabras: la misma mentalidad de la saga The Fast and the Furious, pero a bordo de un solitario bombardero B-17 que vuela sobre el Pacífico del Sur para entregar un paquete secreto.
La primera mitad de Shadow in the Cloud sugiere un thriller minimalista como 7500 o Buried, donde la protagonista permanece en una sola locación mientras descubre múltiples amenazas para su seguridad personal y su misión. El primer obstáculo es la tripulación del bombardero "Fool's Errand", quienes humillan e insultan a Maude (Chloë Grace Moretz) porque no pueden aceptar la idea de una mujer en el Ejército que no sea secretaria o enfermera (como refutación de esa arcaica actitud, los créditos finales incluyen pietaje documental de mujeres en múltiples puestos militares, incluyendo pilotos, espías e infantería). Entonces, "por su seguridad", el Capitán Reeves (Callan Mulvey) la encierra en la torreta ventral del bombardero... y desde esa posición Maude observa una extraña sombra moviéndose bajo el ala del avión.
Y, bueno, aunque no diré más sobre el argumento de Shadow in the Cloud, resulta obvio que comparte similitudes con el clásico episodio de The Twilight Zone "Nightmare at 20,000 Feet". Incluso la película comienza con un cortometraje instructivo de la Segunda Guerra Mundial que desmiente la existencia de "gremlins" como causantes de desperfectos mecánicos. La auténtica causa era la negligencia del personal aéreo... ¿cierto?
Más o menos a la mitad de Shadow in the Cloud se revela un "twist" bastante inverosímil, pero útil para añadir motivación a los personajes y justificar sus acciones durante los momentos más críticos del vuelo. Y ese es solo el principio de una serie de "stunts" y sorpresas tan ridículas que me hicieron reír... pero no sé si me reía DE la película, o CON la película. Hay un momento en particular que me hubiera hecho salir del cine... si es que Shadow in the Cloud se exhibiera en cines. Pero viéndola en casa, solo pensé "Meh, ¿por qué no?" y seguí disfrutando sus absurdos excesos con una sonrisa en el rostro.
También ayuda mucho el inquebrantable compromiso de la actriz Chloë Grace Moretz y la directora Roseanne Liang para darle a Maude un arco dramático complejo y realista... desde el punto de vista emocional. Sin importar los desvaríos del libreto (co-escrito por Max Landis), se me erizó la piel cuando Maude murmura: "No sabes los extremos a los que puedo llegar". En mi humilde opinión, esa reacción visceral es lo que hace una buena película; no el respeto por las leyes físicas ni la fidelidad histórica.
Hablando de fidelidad histórica, también merecen mención los efectos especiales de WETA Digital (Shadow in the Cloud es una co-producción neozelandesa). Sin ser perfectos, capturan el vértigo de la altura y la fragilidad de los aviones de la Segunda Guerra Mundial (con razón creían en los "gremlins"), al mismo tiempo que añaden inesperada belleza visual a las escenas más irracionales.
Hablando de irracional... la banda sonora de Shadow in the Cloud (compuesta por Mahuia Bridgman-Cooper) me gustó mucho porque evoca la música electrónica ochentera, al estilo de John Carpenter o Tangerine Dream... pero es completamente inapropiada para una aventura de la Segunda Guerra Mundial. Creo que una partitura orquestal (en la tradición de John Williams) hubiera complementado mejor el período histórico.
Y, supongo, esa incongruencia resume la experiencia general de Shadow in the Cloud... nada encaja en nuestra realidad, pero la disfruté de principio a fin. El cine B triunfa de nuevo.
Calificación: 8 (MUY subjetiva)

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Skylin3s

Síntomas: Después de la invasión extraterrestre que devastó la Tierra (como vimos en Skyline y Beyond Skyline), la joven híbrida Rose Corley (Lindsey Morgan) y un grupo de rebeldes viajan al planeta de los invasores para recuperar una fuente de poder que podría terminar el conflicto.

Diagnóstico: Pensaba resumir los eventos de Skyline y su secuela, Beyond Skyline, para darle un mejor contexto a la crítica de Skylin3s (funciona mejor en mayúsculas: SKYLIN3S), pero tomaría demasiado espacio, considerando los vertiginosos giros y absurdas sorpresas de esta franquicia (donde, por ejemplo, pasamos de la invasión extraterrestre en Los Ángeles a una aventura de artes marciales en Angkor Wat, o algo así). Además, al principio de SKYLIN3S hay un pequeño resumen que ofrece la mínima información necesaria para entender en dónde nos quedamos... aunque tampoco ayuda mucho. Entonces, será mejor explicar la situación con dos comparaciones: la sub-trama espacial de SKYLIN3S es una copia de Aliens, y la sub-trama terrestre es como District 9. Listo. Con eso estamos preparados para empezar la crítica (arteramente ya estamos casi a la mitad, y no he dicho nada sustancial sobre la película).
Gracias a su mezcla genética de humano y alien, Rose Corley (Lindsey Morgan) desarrolló exóticos poderes que le permiten manipular la tecnología de los invasores extraterrestres. Y la conciencia de su hermanastro Trent (Jeremy Fitzgerald) ocupa el cuerpo de uno de los aliens conocidos como "pilotos". Entonces, cuando el líder de la Resistencia en la Tierra (Alexander Siddig, más conocido como el Dr. Bashir en Star Trek: Deep Space Nine) organiza una misión al planeta "Cobalt-1", Rose y Trent serán indispensables para capturar el reactor que podría cambiar el futuro de la humanidad. Mientras tanto, en las afueras de Londres, la Dra. Mal (Rhona Mitra) y su asistente Kate (Naomi Tankel) tratan de encontrar la vacuna contra una infección extraterrestre que afecta a todos los sobrevivientes, ya sean "pilotos" o humanos.
Aclaro que la comparación con Aliens y District 9 solo cubre el tono general de SKYLIN3S, y no su calidad. Sin embargo, al igual que sus predecesoras, el más notable punto de venta son los efectos especiales realizados por el estudio Hydraulx, junto con media docena de estudios europeos (la cinta se filmó en España y Lituania) que conjugaron esfuerzos para lograr imágenes dignas de una mega-producción Hollywoodense... pero con el libreto de una B-Movie repleta de inútiles tangentes y superficial melodrama que solo podrán apreciar los fans obsesivos de la saga que memorizaron cada pequeño detalle de las dos previas películas.
Por otro lado, es posible que SKYLIN3S atraiga un público nuevo que no conoce (ni le importa) la mitología creada por Greg y Colin Strause (fundadores de Hydraulx y directores de Skyline) y Liam O'Donnell (supervisor de efectos y director de Beyond Skyline y SKYLIN3S). La acción es sólida, combinando artes marciales con "pew pew" de ciencia ficción; las imágenes, como dije, son desproporcionadamente buenas para una tercera parte directa a "streaming"; y los actores ocupan sus papeles con aplomo y un poco de humor para confirmar que no debemos tomar en serio la película. Lindsey Morgan es una carismática protagonista con excelente habilidad física y buena química con su "hermano" Trent (Jeremy Fitzgerald), cuyos diálogos (subtitulados, porque habla en el lenguaje de los aliens) forman una creíble dinámica fraternal, aunque a veces tengan diferencias de opinión. Rhona Mitra no tiene mucho que hacer, pero básicamente repite el mismo personaje que interpretó en Doomsday, lo cual por sí solo bastaría para recomendar SKYLIN3S (al menos para los dos o tres fans de Doomsday que existen en el mundo)(incluyéndome). Alexander Siddig es el líder justo pero estricto, que pone la misión por encima de las vidas de sus subalternos (Siddig también salió en Doomsday... ¿coincidencia?) Y Jonathan Howard, Daniel Bernhardt, Cha-Lee Yoon y Giedre Mockeliunaite son los "marines espaciales" (no tienen ese rango oficial, pero son obvias copias de los soldados en Aliens) que podrían ser aliados de Rose, traidores, o simples víctimas de las criaturas que infestan la superficie del planeta Cobalt-1.
Finalmente, el director Liam O'Donnell tiene considerable talento para los aspectos técnicos de la producción; pero como guionista no logró organizar la enmarañada narrativa de SKYLIN3S, y el resultado es una "ópera espacial" divertida por derecho propio, pero confusa como cierre (?) de una trilogía cuya existencia desafía todo sentido común. Sin embargo, como fan de la acción espacial y las B-Movies con desmedida ambición, SKYLIN3S oprime mis botones "geek" con suficiente vigor para disculpar sus fallas y enfocarme en sus virtudes. Si mi mente no fuera capaz de ese nivel de auto-engaño, probablemente no me gustaría el cine.
Calificación: 7

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We Can Be Heroes

Síntomas: Los más poderosos super-héroes de la Tierra son capturados mientras combaten una invasión extraterrestre; entonces sus hijos deciden hacer algo al respecto.

Diagnóstico: Traducción: el director Robert Rodriguez estaba aburrido, y decidió hacer otra película familiar. Lo cual no tiene nada de malo.
Junto con las películas violentas que lo hicieron famoso (algunas de mis favoritas: Desperado, Planet Terror y Sin City), Rodríguez cultivó una carrera lateral como creador de cine infantil que cumplía varios propósitos: incluir a su familia en diversos niveles del oficio cinematográfico; enriquecer la cultura popular con héroes latinos cuando nadie más lo estaba haciendo; y explorar nuevas técnicas de producción digital en un contexto donde la calidad semi-casera podía cobijarse bajo la vieja excusa de "no importa, es una película para niños".
Esa faceta experimental de Rodriguez dio algunos resultados positivos (Spy Kids, Shorts), y muchos negativos (Spy Kids 3D: Game Over, The Adventures of Shark Boy and Lava Girl); y ahora, la nueva película We Can Be Heroes (exclusiva de Netflix) aterriza en un punto intermedio, con buenas ideas y una simpática premisa (similar al comic Runaways), pero con la misma estética "hágalo usted mismo" que deja bordes ásperos en todos los aspectos de la producción. La diferencia es que esta vez fue intencional.
O al menos esa es mi teoría, considerando que los generosos bolsillos de Netflix permitieron contratar estudios de efectos especiales como WETA Digital e Industrial Light & Magic para crear criaturas alienígenas, flotas de naves espaciales, y modestas secuencias de acción donde los niños intentan rescatar a sus padres utilizando sus propios poderes... o su inteligencia, cuando no tienen habilidades especiales. Pero todo se ve tan barato e improvisado que debe haber sido decisión del director, para conservar el estilo de sus previas películas.
Hablando de lo cual: las versiones adultas de Sharkboy (JJ Dashnaw) y Lava Girl (Taylor Dooley) aparecen como personajes secundarios, pero We Can Be Heroes no es una secuela de The Adventures of Sharkboy and Lava Girl; simplemente otra historia ubicada en el mismo "rodriguezverso".
La protagonista es Missy Moreno (YaYa Gosselin), hija de Marcus Moreno (Pedro Pascal), un "heroico" retirado que debe volver a la acción cuando la Tierra es invadida por naves extraterrestres de incierto propósito. Y cuando los héroes son capturados, Missy organiza a los demás "super-hijos" (casi todos con poderes de variable utilidad) para efectuar un arriesgado rescate.
Esto conduce a algunos ligeros momentos de acción, un poco de sátira sobre el género de super-héroes, y el obligatorio mensaje de "los auténticos héroes no necesitan poderes", bastante obvio, pero razonablemente bien integrado a la narrativa. Los actores infantiles son simpáticos, y mantienen un alto nivel de energía, aunque no podría decir que las actuaciones sean "buenas" en el sentido tradicional. Y ni siquiera los adultos se salvan de eso, como demuestran Priyanka Chopra en el papel de la Srita. Granada, maestra y protectora de los niños; Boyd Holbrook como Miracle Guy (básicamente Superman rubio); y Christian Slater como "Tech-No" (Iron Man de bajo presupuesto). Solo Pedro Pascal y Adriana Barraza (como la Abuela Moreno) logran mantener un cierto realismo emocional en este universo excesivamente artificial y lleno de afectaciones visuales.
We Can Be Heroes es definitivamente una "película para niños" con todo lo bueno y malo que ello implica; pero no negaré que logró entretenerme, y me hizo sonreír con su visión de héroes adultos que se comportan como niños, mientras que los niños saben cooperar porque aún no sufren los prejuicios de la edad adulta. Cierto, los efectos no convencen a nadie, y el argumento es muy simple... pero así es el "rodriguezverso", así que sería inútil quejarse.
Calificación: 6.5

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