Possession (Forbannelsen)

Síntomas: En 1918, el Reverendo Smith (Jan Sælid) regresa de una misión evangélica para establecer la nueva parroquia de un pueblo minero al norte de Noruega. Pero Smith decide construir la iglesia en territorio sagrado de la tribu Sámi, y desata una maldición sobre la comunidad.

Diagnóstico: Sería ingenuo pensar que todas las películas noruegas de terror van a ser tan buenas como The Innocents o Troll; y además Possession no obtuvo gran aclamación durante su recorrido por varios festivales europeos. Sin embargo decidí verla porque me interesa conocer diferentes perspectivas de las fórmulas comunes en el cine hollywoodense.
En este caso tenemos otra instancia de "profanación del cementerio sagrado", donde una compañía minera invade la tierra milenaria de los Samis, una tribu lapona que, como muchos pueblos nativos alrededor del mundo, fueron desplazados y segregados por tener distintas costumbres.
El culpable de la profanación es el Reverendo Smith (Jan Sælid), seleccionado por una compañía minera como fundador de una parroquia para los nuevos empleados de la región. La compañía llegó a un acuerdo con la tribu Sami que ocupaba esas tierras, pero el Reverendo Smith ignora los límites de su jurisdicción, y construye la iglesia en territorio sagrado. Entonces empiezan a ocurrir accidentes, tragedias y muertes sospechosas. ¿Será realmente una maldición sobrenatural, o las consecuencias normales de una pandemia (la Gripe Española de 1918), un peligroso entorno laboral, y excesiva ambición corporativa?
¿O por qué no todo lo anterior?
Definitivamente hay fenómenos paranormales en Possession, pero constituyen una mínima parte del horror. Incluso diría que las apariciones y mensajes "del más allá" parecen benevolentes en comparación con la malicia humana manifestada en todas sus formas: el reverendo hipócrita que utiliza la religión para justificar su crueldad; los dueños de la empresa minera que solo quieren la iglesia para controlar a sus empleados; y el racismo de la sociedad que pisotea los derechos de individuos "inferiores" tan solo por seguir una doctrina distinta. Esos son los auténticos villanos de Possession, y el director Henrik Martin Dahlsbakken examina con clínica frialdad los conflictos que causan en un pueblo ya de por sí afectado por la pobreza y la ignorancia.
Las protagonistas de la historia son Agathe (Anna Filippa Hjarne) y My (Eva Nergård), las hijas del reverendo que perdieron recientemente a su madre, y quieren contactarla por medio de rituales ocultos. Pero las entidades que responden tiene otras ideas sobre la invasión de su propiedad.
Las actuaciones de Possession son excelentes (mención especial para la pequeña Eva Nergård, quien muestra excepcional realismo en escenas muy difíciles). La cinematografía de Oskar Dahlsbakken y la música de Nils Martin Larsen crean una atmósfera de amenaza inminente, incluso en escenas engañosamente inocuas; y la visión analítica de Henrik Martin Dahlsbakken presenta los fenómenos sobrenaturales como ocurrencias cotidianas, ciertamente tenebrosas, pero sin las afectaciones del horror tradicional. Por esa razón Possession no es muy satisfactoria como película de terror; pero funciona bien como drama familiar sobre intolerancia, represión, y la corrupción de instituciones que parecen infalibles... hasta que aceptamos su origen humano. En esas condiciones, hasta la ayuda de fantasmas vengativos es mejor que la cruda realidad.
Calificación: 6.5

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The Wrath of Becky

Síntomas: Becky Hooper (Lulu Wilson) escapa de sus padres adoptivos y trata de sobrevivir en los márgenes de la sociedad; pero cuando tres hombres secuestran a su perro, Becky decide rescatarlo.

Diagnóstico: En el año 2020, la película Becky propuso un violento y divertido re-planteamiento de Home Alone, donde una niña se defendió de varios criminales que invadieron su casa. El libreto tenía inconsistencias y situaciones inverosímiles para lograr que la niña saliera victoriosa; pero lo compensó con abundante sangre, un mórbido sentido del humor, y un trágico final que reconoció el daño psicológico de Becky después de sobrevivir una experiencia traumática.
Desafortunadamente la secuela, The Wrath of Becky, no solo repite los errores de la primera película, sino que los extiende hasta el punto de la caricatura, desperdiciando el potencial dramático del personaje y el subtexto político que le hubiera dado relevancia a la gastada fórmula de "venganza personal".
No voy a enlistar quejas específicas porque serían "spoilers"; sin embargo todas caen en la categoría antes mencionada: conductas absurdas y situaciones inverosímiles que reducen la credibilidad de la cinta, revelando la pereza (o ineptitud) de los directores y guionistas Matt Angel y Suzanne Coote para encontrar soluciones ingeniosas a los retos que enfrenta Becky (Lulu Wilson) en su lucha contra los patanes que robaron a su perro Diego (Pac Williams).
Y ahí tenemos un buen ejemplo de las incongruencias de The Wrath of Becky: ¿por qué tres neo-nazis roban el perro de una niña? Repito, no describiré las circunstancias que conducen a ese evento, pero créanme que NO TIENEN SENTIDO. Entonces Becky, quien lleva años entrenándose en defensa personal, se prepara para el rescate... y lo único que logra es empeorar la situación, revelando información que los villanos pueden usar en su contra. En resumen: The Wrath of Becky fue una decepción, aunque no exenta de virtudes.
Entre ellas: la actuación de Lulu Wilson (Annabelle: Creation) como Becky, deliciosamente desafiante a pesar del peligro; la hilarante saña de las muertes (mi favorita fue la granada de mano); y la expansión de una mitología un poco ridícula, pero adecuada para continuar la historia y completar la trilogía.
Irónicamente, lo mejor de The Wrath of Becky fueron los villanos (interpretados por Seann William Scott, Michael Sirow, Aaron Dalla Villa, Courney Gains y el co-director Matt Angel), quienes representan distintos aspectos del extremismo político en los Estados Unidos. Podríamos llamarles "neo-nazis", pero dentro de esa genérica descripción existen variaciones que la cinta explora a nivel colectivo e individual, esbozando las diferencias en métodos e ideologías dentro de las organizaciones supremacistas. Si los demás elementos de The Wrath of Becky tuvieran la misma profundidad y ambición, sería un nuevo clásico del cine de venganza. Pero con su mediana ejecución solo podría recomendarla como un paso obligatorio en el camino a una tercera parte que, con suerte, finalmente cumplirá el potencial de la premisa. Ya no pido realismo, sino simple lógica.
Calificación: 6.5

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Elementos (Elemental)

Síntomas: La joven Ember (voz de Leah Lewis) quiere mucho a sus padres inmigrantes, y está lista para heredar el negocio familiar; sin embargo, cuando conoce a Wade (voz de Mamoudou Athie), Ember empieza a dudar sobre su auténtica vocación.

Síntomas: La película Elementos parte de una idea que ya vimos varias veces en la filmografía de Pixar: conceptos abstractos que son antropomorfizados para contar historias que no tendrían la misma resonancia si se hicieran con juguetes o automóviles.
En este caso, como indica el título, Elementos utiliza los elementos básicos del mundo natural (agua, tierra, aire y fuego) para explorar temas tan diversos como la experiencia de los inmigrantes, prejuicios culturales, disparidad de clases, la atracción de extremos opuestos, la búsqueda de propósito en la vida, y la importancia de las tradiciones, así como el criterio para saber cuándo debemos respetarlas, y cuándo hacerlas a un lado para que no interfieran con el progreso personal.
En resumen: una larga lista de componentes interesantes por sí mismos, pero con escasa coherencia narrativa, lo cual es exactamente el problema de Elementos.
Los primeros minutos de la cinta establecen un entorno urbano ("Ciudad Elemento") donde los ciudadanos pertenecen a cuatro categorías: agua, fuego, aire o tierra. Sin embargo, aunque viven juntos, no se mezclan debido a los prejuicios de sus respectivas culturas y las incompatibilidades de su naturaleza física: el fuego desconfía del agua, la tierra le teme al fuego, etc. Ahí la joven Ember (voz de Leah Lewis) y sus padres inmigrantes tienen una tienda en el distrito de Fuego, que Ember espera heredar algún día. Entonces Ember conoce a Wade (voz de Mamoudou Athie), un inspector de agua, y sus vidas empiezan a cambiar... aunque Ember no está segura si el cambio será bueno.
Elementos me pareció una mediocre película con buenas intenciones. El director Peter Sohn (The Good Dinosaur) y su comité de guionistas se esforzaron por crear una historia apta para niños y adultos, con mensajes positivos para la sociedad contemporánea. Desafortunadamente el argumento se pierde entre tangentes y rodeos que enredan la película y hacen más artificial el melodrama. Elementos podría haber sido una historia relativamente madura sobre los retos de los inmigrantes en una tierra extraña; o una comedia romántica sobre individuos con valores opuestos en una comunidad llena de prejuicios; o un relato "coming of age" sobre una joven atrapada entre los deseos de sus padres y su propia vocación. Pero nada de eso sería suficientemente "Pixar", y por eso sus creadores mezclaron, añadieron y remendaron hasta nublar por completo el tono de la cinta.
Pero, bueno... al igual que otras obras "menores" de Pixar, Elementos tiene aciertos dignos de admiración, empezando por las voces que añaden humor y personalidad a los genéricos personajes. Sí, los "shaders" de agua y fuego son impresionantes, pero el catálogo de expresiones sigue siendo el mismo que utilizan desde Toy Story, y francamente ya se volvió monótono. Y lo mismo podría decir de los efectos especiales, impecablemente producidos pero menos sorprendentes que antes debido a la evolución de la animación en el siglo veintiuno, representada por películas como Spider-Man: Actross the Spider-Verse y series como Love, Death & Robots. En este nuevo contexto es difícil entusiasmarse por la blanda paleta de Pixar y su infantilizada visión creativa.
Entonces, solo queda esperar que Pixar se atreva a dar un paso o dos hacia el futuro, al mismo tiempo que rescata el rigor artístico de su pasado, cuando ponían mayor atención en los libretos que en dictados mercadológicos. Preocúpense más por lo que ponen en la pantalla, y menos por lo que piensan los ejecutivos.
Calificación: 6

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In Search of Darkness: Part III

Síntomas: Documental sobre películas de horror poco conocidas de la década de los ochentas.

Diagnóstico: El magno documental en dos partes In Search of Darkness (de los mismos productores de In Search of Tomorrow) fue un nostálgico paseo por los hitos del horror ochentero. Y aunque desde luego me gustó mucho, la verdad es que no ofreció información particularmente novedosa para fans "de cierta edad" (como yo) que ya conocíamos la inmensa mayoría de las cintas mencionadas en las ocho horas (!) del documental.
Por eso me atreveré a decir que In Search of Darkness: Part III (disponible en el catálogo norteamericano de Apple+) podría ser la parte más valiosa de la trilogía, pues cubre obras del horror ochentero que por una variedad de razones (saturación de mercado, barreras geográficas, fracaso económico, etc.) nunca alcanzaron suficiente fama o éxito para dejar su marca en la cultura popular, o para sobrevivir la revolución de los medios de distribución (Beta, VHS, DVD, Blu-Ray, streaming,  etc.) En resumen: In Search of Darkness: Part III es una invaluable fuente de información sobre joyas olvidadas, horrores perdidos, y sangrientas curiosidades que despertarán el interés de estudiosos del género, y de aficionados casuales que quieran ver más allá de los "listicles" de BuzzFeed ("10 Películas Ochenteras Que Necesitas Ver").
Esto no significa que todas las películas del documental sean "clásicas", o siquiera buenas. Por el contrario, hay muchas que tal vez merecerían permanecer en el olvido... si la calidad fuera nuestro único criterio para valorar una experiencia de terror. Pero, como bien saben los fans, a veces hasta las peores películas incluyen un detalle que justifica nuestro tiempo: una escena impactante (The Boogey Man), actuaciones memorables (Blood Rage), o la semilla de una idea que eventualmente germinaría en otro proyecto (Without Warning). Por eso es importante recordar estos "deep cuts" en su gloriosa imperfección, apreciar sus pequeñas virtudes, y reconocer que, para bien o para mal, representan los pilares del Horror que disfrutamos el día de hoy.
Al igual que las dos primeras partes, In Search of Darkness: Part III está integrada por comentarios de expertos en la materia (Charles Band, Bill Moseley, Joe Bob Briggs, Caroline Munro, John Carpenter, Phil Nobile Jr., Barbara Crampton, Linnea Quigley, Robert Englund, Tom Savini, Lloyd Kaufman, y varias docenas más), organizados por años (desde 1980 hasta 1989), y separados por breves reportajes sobre aspectos importantes del período histórico, como la explosión del formato VHS, el "Pánico Satánico", y las figuras que contribuyeron a la evolución del género (desde actores como Dee Wallace, hasta artistas de efectos especiales como Screaming Mad George).
El estilo gráfico de In Search of Darkness: Part III es el mismo de sus predecesoras, lo cual unifica la experiencia y facilita la consulta. Y, finalmente, merecen mención los créditos finales de casi media hora (el documental dura cinco horas, después de todo) donde el director David Weiner y el productor Robin Block agradecen a los donadores del "crowdfunding" que hicieron posible el proyecto; pero también incluyen testimonios de los fans que revelan su conexión emocional con el horror de los ochentas. Yo esperaba viejos como yo, intoxicados de nostalgia (y desde luego hay bastantes); pero me sorprendió el alto porcentaje de jóvenes genuinamente interesados en la historia del horror, lo cual significa que cuando su generación tome el control del entretenimiento popular, habrá individuos que no fueron criados exclusivamente por el algoritmo de TikTok. No todo está perdido.
Calificación: 9

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Kandahar

Síntomas: El mercenario Tom Harris (Gerard Butler) y su traductor Mohammed Doud (Navid Negahban) tratan de escapar de Afganistán cuando se revela su participación en un plan para sabotear la infraestructura nuclear de Irán.

Diagnóstico: La premisa suena similar a Guy Ritchie's The Covenant, pero en realidad son películas muy distintas... para bien y para mal.
En primer lugar, Kandahar no es realmente una película de acción, sino un thriller dedicado a explorar el complejo (algunos dirían "incomprensible") sistema político e ideológico que alimenta los conflictos del Medio Oriente; y todo eso en el contexto de la "talibanización" de Afganistán tras la evacuación de las tropas norteamericanas que mantuvieron una frágil "paz" durante dos décadas. Desde luego hay balaceras y explosiones, pero la mayor parte de Kandahar consiste en discusiones, llamadas telefónicas, y confrontaciones entre enemigos que necesitan cooperar para cumplir sus objetivos... los cuales, francamente, sólo entendí la mitad del tiempo.
El director Ric Roman Waugh (Angel Has Fallen, Greenland) pertenece a la nueva generación de dobles convertidos en directores, aunque sus películas no han sido tan buenas (en mi humilde opinión) como las de sus colegas Chad Stahelski (la saga de John Wick), Sam Hargrave (Extraction y su secuela), o incluso J.J. Perry (Day Shift). Y si bien Kandahar confirma que Waugh es un sólido director técnico, le sigue faltando disciplina para "domar" un libreto confuso y sobre-inflado.
Kandahar empieza con la infiltración del mercenario Tom Harris (Gerard Butler) en Irán para sabotear una planta nuclear (una obvia referencia al escándalo de Stuxnet). Pero después de ese auspicioso comienzo, Kandahar quita el pie del acelerador y nos satura con información y personajes que nunca se explican adecuadamente. Me hizo falta una de esas escenas donde algún burócrata proyecta un "slide-show" para definir las facciones involucradas en la película (incluyendo la CIA, MI6, la policía de Irán, mercenarios de Pakistán, el Talibán, tropas rebeldes de Afganistán, y los millonarios en los Emiratos Árabes que financian todo el asunto), especialmente en un contexto sociopolítico donde la arcaica dualidad de "héroes y villanos" ya no basta para calificar a los personajes.
Por el lado positivo Kandahar nunca aburre, pues nos obliga a poner atención y llenar los huecos de la historia mientras seguimos las aventuras del mercenario y su traductor, quienes desde luego cargan su propio melodrama personal. La relación no es muy profunda, pero sirve como guía durante los altibajos de la trama.
Finalmente, Ric Roman Waugh tiene excelente "ojo" para los aspectos visuales de la producción, logrando impresionantes escenas con efectos prácticos en escenarios reales. Lástima que esa profusión de recursos no se canalizó al refinamiento del libreto, tal vez extirpando el relleno (por ejemplo, la esposa del policía iraní) y simplificando su desarrollo (¿quién demonios era el tipo de la moto?)
En conclusión: Kandahar no es una terrible película, pero le faltó claridad para atraparnos en la intriga, y creatividad para inspirar suspenso. A los fans de Gerard Butler les recomendaría Plane como simple experiencia de acción; y para aficionados al thriller militar, la mencionada Guy Ritchie's The Covenant fue más convincente (y concisa) en su manejo de los mismos temas, con el beneficio adicional de sobresaliente acción y genuina resonancia emocional. Sin embargo, lo que Kandahar hizo muy bien fue ilustrar por qué la situación es tan difícil en esa parte del mundo: demasiados cocineros queman la sopa... sobre todo cuando se odian entre sí.
Calificación: 6.5

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Flash (The Flash)

Síntomas: Barry Allen (Ezra Miller) usa su poder de súper-velocidad para alterar la Historia y salvar a sus padres... pero provoca una paradoja temporal que podría destruir al Multiverso.

Diagnóstico: Creo que Flash era la película de DC Comics que menos me entusiasmaba, y por eso resultó una agradable sorpresa a pesar de sus fallas.
Primero lo malo para salir del paso: el libreto escrito por Christina Hodson y Joby Harold adapta pequeños aspectos de "Flashpoint", la épica historia que alteró para siempre (traducción: temporalmente) la continuidad de los comics de DC; y ahora, en el contexto del agonizante "Snyderverso" cinematográfico, la paradoja temporal sirve como excusa para unificar criterios, borrar errores, y preparar el camino para lo que sea que James Gunn y Peter Safran tienen planeado para el futuro. Fue una estrategia arriesgada, pero funcionó razonablemente bien a pesar de los remiendos necesarios para mantener la cohesión de la trama. Y aunque algunos de esos remiendos irritarán a los viejos (como yo) que esperábamos mayor respeto por las "reglas" de cine súper-heroico (ejemplo: el oportuno relámpago que resuelve un problema imposible), la verdad es que fueron momentos breves que no arruinaron el placer de una historia bien balanceada entre acción, carácter y emoción.
En cuanto a los efectos especiales que mucha gente está criticando... sí, definitivamente hay escenas muy mediocres para un "blockbuster" de alto presupuesto; pero, como fan del Cine B, he desarrollado alta tolerancia a las deficiencias visuales de una película, siempre y cuando no interfieran con la narrativa. Y ese fue el caso de Flash: las imágenes no son realistas, pero cumplen su propósito de explicar las complejidades del viaje temporal y la colisión de realidades alternas provocada por la arrogancia de un joven que no midió las consecuencias de sus actos.
Hablando de lo cual, Flash también tuvo la mala fortuna de llegar muy tarde a la moda del Multiverso. Después de Spider-Man: No Way Home, Doctor Strange and the Multiverse of Madness, y el Spider-Verso de Sony, básicamente ya vimos muchas veces el mismo argumento de Flash, con toques adicionales de Back to the Future, la cual mencionan constantemente para justificar el "préstamo" de su premisa. Desde luego sería un error esperar innovación en el cine de super-héroes; todas las historias son iguales, y el producto final depende más de los personajes y la visión del equipo creativo. Pero aún así Flash se siente como una copia inferior sin el mismo impacto de sus predecesoras.
Por el lado positivo (el lado negativo se extendió más de lo que quería), la versión del Multiverso de DC Comics incluye sobresaliente "fan service" (no lo digo como insulto) y adecuada resonancia emocional que, a fin de cuentas, es lo que recordará el público al salir del cine. Nadie pensará en los forzados trucos del director Andy Muschietti (It y su secuela) para guiar el arco dramático de Barry Allen (Ezra Miller) hasta llegar a la obligatoria moraleja sobre el poder y la responsabilidad. Lo que todos recordaremos son los atisbos a otros Universos, la sorpresiva aparición de figuras legendarias (asumiendo que no las arruinaron con los trailers), y la deliciosa nostalgia que prácticamente borra cualquier defecto de la cinta. Y si a eso añadimos el Bati-Papalote... ¿qué más podemos pedir?
Calificación: 7.5

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Extraction 2

Síntomas: El mercenario Tyler Rake (Chris Hemsworth) sale del retiro cuando le ofrecen una misión que no puede rechazar... porque esta vez es personal.

Diagnóstico: En vez de cambiar la receta del cine de acción, la original Extraction solo se preocupó por utilizar ingredientes de buena calidad, y hacer la preparación tan dinámica y entretenida como fuera posible dentro de sus medianos recursos (para los estándares de un proyecto original de Netflix con aspiraciones de "blockbuster"). Y el resultado me pareció recomendable gracias al carisma del actor principal y la dirección de un ex-doble con suficiente experiencia en el género para filmar peleas, acrobacias y persecuciones con mayor fluidez que muchas luminarias de Hollywood.
Y ahora la secuela, Extraction 2, conservó el mismo criterio creativo, multiplicando los aciertos de su predecesora y rectificando las fallas con la confianza de un producto que sabe lo que el público quiere, y no teme complacerlo. En resumen: Extraction 2 es una de las mejores películas de acción de Netflix (en mi humilde opinión), y un excelente ejemplo de lo que puede lograrse hoy con los clichés de ayer.
Los detalles de la trama son irrelevantes, pero al menos servirán para llenar espacio: Después del rescate en Bangladesh que casi le costó la vida, el mercenario Tyler Rake (Chris Hemsworth) pasa meses en un hospital recuperándose de sus heridas, bajo la supervisión de su agente Nik (Golshifteh Farahani), quien posteriormente le ayuda a retirarse con su perro y sus pollos en una remota cabaña de campo. Pero eventualmente un misterioso visitante (Idris Elba) le ofrece a Tyler una nueva misión relacionada con su pasado... y Tyler regresa a la acción.
En la crítica de Extraction me burlé de la invulnerabilidad que le permitía a Tyler recuperarse de cualquier golpe, caída o ataque en cuestión de segundos; por eso me gustó que Extraction 2 dedique el primer acto a la convalecencia del protagonista, lo cual no solo lo humaniza, sino que además fortalece su conexión con Nik, e incrementa la sensación de peligro cuando Tyler inicia la nueva misión con algunas limitaciones físicas. Chris Hemsworth conoce bien el papel del mercenario atormentado por su pasado, y el director Sam Hargrave mantiene el drama en el más básico nivel para motivar a los personajes (tanto héroes como villanos). Pero cuando llegamos a la acción, Hargrave acepta el reto de superar a la primera película en todos los niveles imaginables. Por ejemplo, Extraction 2 tiene otra impresionante "toma contínua" mucho más larga (¡veinte minutos!), más complicada y espectacular que en la previa cinta. ¿Es creíble? ¡Claro que no! Pero está tan bien filmada que no me costó trabajo aceptar las desorbitadas proezas de Rake para salvar a una familia en peligro. También aprecié que Golshifteh Farahani tenga más oportunidades para lucirse como mujer de acción; y aunque el villano (Tornike Gogrichiani) no es muy memorable, ofrece un interesante subtexto sobre organizaciones criminales controladas con fervor religioso que trasciende la simple codicia. Finalmente, Extraction 2 deja la puerta abierta para otra secuela que podría incluir a una de mis actrices favoritas en la categoría de "B Movies".
Espero dejar claro que Extraction 2 es otro desfile de clichés y melodrama prefabricado. Nadie negaría eso. Pero la convicción de Chris Hemsworth (hay una referencia a Thor que me hizo reír), la imaginación de Sam Hargrave y el talento del equipo de "stunts" (apoyados por los efectos especiales de Digital Domain) (la pelea sobre vidrio me dejó sin aliento) elevan la simple premisa con excepcionales secuencias de acción y altas dosis de suspenso... porque ya vimos que Rake no es invencible. Solo inmortal.
Calificación: 8.5

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Unwelcome

Síntomas: Maya (Hannah John-Kamen) y su esposo Jamie (Douglas Booth) quieren que su bebé nazca lejos de Londres, y se mudan a una vieja propiedad familiar en Irlanda, sin saber que oculta peligrosas criaturas del folclor europeo.

Diagnóstico: No son exactamente "leprechauns" (esa es una franquicia distinta), pero las criaturas de Unwelcome tienen un origen similar en las leyendas irlandesas de "la gente chiquita", supuestos habitantes del bosque que pueden ser aliados o enemigos de la humanidad, según cómo sean tratados.
En el caso de Unwelcome, la dueña de una casa en Irlanda acostumbra dejar ofrendas en su jardín para la "gente chiquita", también conocida como "redcaps" o "Far Darrig". Pero la mujer fallece y hereda la propiedad a su sobrino Jamie (Douglas Booth), quien quiere escapar de Londres con su esposa Maya (Hannah John-Kamen) debido a las malas experiencias que tuvieron en la ciudad. Sin embargo la pareja joven y moderna no cree en las patrañas locales, ni toman en serio la tradición de las ofrendas... y eventualmente pagan un alto precio por su omisión.
Como cuento de hadas "dark" (al estilo de Neil Gaiman o Guillermo del Toro), Unwelcome replantea leyendas folclóricas en un entorno contemporáneo, explorando el contraste entre supersticiones y pensamiento racional, el cual parece llevar la ventaja... hasta que las supersticiones resultan más reales de lo que creíamos.
Sin embargo, como thriller rural, Unwelcome adopta un tono más serio para acomodar sus temas de ignorancia, intolerancia, y los rencores generacionales que obstruyen la convivencia pacífica... aunque estén justificados por la opresión de ciertos pueblos que nunca perdonarán a sus opresores. Después de todo, el peor monstruo siempre será el humano.
Y todo eso en el marco de una crisis familiar con un bebé en camino, que no estará a salvo de las amenazas que lo rodean, ya sean físicas o sobrenaturales.
El director Jon Wright (Tormented, Grabbers) navega con aplomo las multiples sub-tramas de Unwelcome, aunque a veces tropieza en las transiciones de una a otra; pero a fin de cuentas me gustó la combinación de drama familiar, horror y metáfora social, conservando el perverso humor de los mejores cuentos de hadas. Las criaturas del bosque no son malas; solo curiosas, traviesas... y vengativas, cuando la situación lo amerita.
Hannah John-Kamen (Ant-Man and the Wasp) hace un excelente trabajo en el papel de Maya, con una fuerza interna que desafía la vulnerabilidad del embarazo en escenas difíciles de filmar, incluso con el apoyo de efectos especiales. Douglas Booth tiene un rol más pasivo (algunos dirían "patético") como el esposo incrédulo que no acepta el peligro hasta que es demasiado tarde. Y como los vecinos del pueblo encontramos a Colm Meaney, Niamh Cusack, Kristian Nairn, Chris Walley y Jamie-Lee O'Donnell, cada uno con su propia actitud hacia los mitos de su cultura.
Por el lado negativo señalaría las inconsistencias que dificultan la integración de los distintos aspectos de Unwelcome. En ocasiones parece que la película no sabe que quiere ser. Y, aunque la cinematografía captura con excepcional belleza los paisajes irlandeses, falla un poco en escenas "exteriores" filmadas en un foro. No diría que se ven "mal", pero la diferencia es notoria y nos distrae en momentos de tensión.
Entonces, Unwelcome me pareció una recomendable experiencia de horror folclórico respaldada por intensas emociones y mensajes importantes sobre respeto y tolerancia, no solo entre personas, sino entre culturas. Los duendecillos podrán ser ficticios (?); pero el odio es más real que nunca.
Calificación: 7.5

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Transformers: El Despertar de las Bestias (Transformers: Rise of the Beasts)

Síntomas: En 1994, el ex-militar Noah Díaz (Anthony Ramos) y la arqueóloga Elena Wallace (Dominique Fishback) colaboran con los Autobots para recuperar una tecnología que les permitirá escapar de la Tierra... pero no son los únicos que la están buscando.

Diagnóstico: El argumento es más claro, la acción es menos confusa, y los personajes son más tolerables; pero, por lo demás, Transformers: El Despertar de las Bestias es básicamente un remake de la primera Transformers, donde un grupo de humanos se involucra accidentalmente en la búsqueda de un mcguffin mágico que persiguen tres facciones de Transformers: los Autobots que ya conocemos; los Maximals, bestias robóticas que vimos por un instante en alguna de las películas anteriores (no recuerdo cuál, ni voy a perder tiempo investigando); y los despiadados Terrorcons, actuando bajo las órdenes de una monstruosa deidad mecánica que necesita la llave Trans-Warp para viajar a otras galaxias y consumir planetas enteros, al estilo de Galactus, pero con peores diálogos y esbirros incompetentes.
Al mismo tiempo, Transformers: El Despertar de las Bestias toma elementos prestados de Bumblebee (mi película favorita de la franquicia, lo cual no es decir mucho), empezando por el sabor "retro" (esta vez 1994) y las canciones propias de la época. La trama también se enfoca en la amistad que surge entre un humano y un Autobot; y emplea abundante "retcon" para acomodar otra aventura de los Transformers en el pasado reciente de la Tierra, pero sin arruinar la frágil armonía de las cinco películas dirigidas por Michael Bay. Y aunque el resultado me pareció inferior a Bumblebee, al menos confirmó mi teoría de que las películas de Transformers tienden a ser mejores cuando Bay solo interviene como productor.
Lo cual no significa que el director Steven Caple Jr. (Creed II) sea un paladín de disciplina artística. Por el contrario, parece que Caple trató de imitar a Bay en muchos aspectos... generalmente negativos, incluyendo los antipáticos momentos de "comic relief", y la costumbre de inflar la historia más allá de sus límites lógicos. ¿Exactamente por qué los Autobots necesitan ayuda humana? ¿No podían encontrar Perú en un mapa?
Pero, bueno... ese es el tipo de preguntas que conviene evitar para disfrutar las virtudes de Transformers: El Despertar de las Bestias. Y desde luego nadie ve una película como ésta por el libreto, sino por las titánicas peleas robóticas, la destrucción a gran escala, y la nostalgia de los juguetes clásicos que cobran vida gracias a los estudios de efectos especiales MPC y WetaFX, manteniendo el impresionante nivel de detalle y realismo visual.
Por el lado de los humanos, Anthony Ramos (In the Heights) y Dominique Fishback (Project Power) añaden emoción a la batalla por la supervivencia de la galaxia... o tal vez del Universo entero. Y las voces de Peter Cullen, Ron Perlman, Peter Dinklage, Michelle Yeoh y Pete Davidson (entre otros) imprimen variadas personalidades a los robots extraterrestres, ya sean aliados, enemigos... o una combinación de ambos. Mi favorito fue Cristo Fernández como Wheeljack, porque tiene escrito "Pablo" en un costado. No pregunten.
Al igual que ocurrió con Bumblebee, Transformers: El Despertar de las Bestias funciona bien como relato individual, separado de la caótica mitología "oficial", y con mejor balance entre "drama" y acción. Y además nos sorprende con una revelación final que me dejó con una gran sonrisa. Un nuevo "Verso" se está gestando...
Calificación: 7.5

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Influencer

Síntomas: Madison (Emily Tennant) es una famosa "influencer" de visita en Tailandia, tomando muchas "selfies" y fotos de comida; pero cuando no está enfrente de la cámara podemos ver su depresión. Entonces Madison conoce a CW (Cassandra Naud), y por fin empieza a disfrutar sus vacaciones... hasta que las cosas se complican.

Diagnóstico: Sí, yo también estoy cansado de los "influencers" y la irritante cultura de superficialidad y consumismo que propagan en las redes sociales. Por eso no tenía interés en la película Influencer; pero después de leer algunos comentarios positivos, decidí arriesgarme... y me gustó más de lo esperaba.
Las actuaciones son excelentes, empezando por Emily Tennant en el papel de Madison, la "influencer" que siempre sonríe en Instagram, aunque se sienta abrumada por las presiones del trabajo y el aislamiento en un país extraño. Su novio Ryan (Rory J. Saper) la iba a acompañar, pero cambiaron sus planes, y ahora Madison se hospeda en una enorme casa que ni siquiera puede disfrutar. Entonces conoce a su vecina, CW (Cassandra Naud), y por fin logra divertirse sin pensar constantemente en "views" y filtros fotográficos; pero la felicidad no durará mucho tiempo.
En las escenas iniciales Tennant expresa sin palabras el contraste entre la imagen pública de Madison y su realidad anímica. Sin embargo, diría que Cassandra Naud tiene un papel más interesante como CW, la joven seria e introvertida que personifica diversos temas de la cinta, incluyendo la subjetividad de la belleza, las consecuencias negativas de las redes sociales, y la obsesión con la apariencia que domina a la sociedad. También destacan Rory J. Saper como el (¿ex?)novio de Madison; Sara Canning como otra "influencer" buscando sitios fotogénicos en Tailandia; y Paul Spurrier como un expatriado americano eternamente embriagado en el bar local.
Pero la mayor virtud de Influencer es el libreto co-escrito por Tesh Guttikonda y el director Kurtis David Harder, repleto de "twists" que me mantuvieron en suspenso durante toda la película, pues no sabía hacia dónde se dirigía. Habiendo dicho eso, admito que el final es un poco predecible... pero también fue muy satisfactorio y oportuno para definir la ambigua moralidad de la cinta.
También merece mención la inquietante música de Avery Kentis y la cinematografía de David Schuurman, capturando la tensión oculta en los hermosos paisajes naturales y la sutil amenaza latente en los sitios turísticos de una ciudad desconocida.
Entonces, Influencer no fue la típica película de "horror milenio" que yo esperaba, sino un thriller maduro y reflexivo que no necesita "gore" ni sobresaltos para mantener nuestra atención. Y aunque no cambió mi opinión sobre los "influencers" de verdad, Influencer me ayudó a reconocer la cruel realidad de la perfección simulada, y el precio emocional que pagan para ser felices durante el medio segundo de un "like".
Calificación: 8

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All Eyes

Síntomas: Para revivir su "podcast" después de una tragedia, el reportero Allen Wolfe (Jasper Hammer) acepta entrevistar a un granjero que asegura haber visto un monstruo en el bosque.

Diagnóstico: Escuché buenos comentarios sobre All Eyes, pero me interesó principalmente como proyecto semi-amateur realizado por una familia que decidió filmar su propia película lejos del aparato hollywoodense. Y aunque All Eyes no fue tan buena como Hellbender (otra colaboración familiar que me impresionó muchísimo el año pasado), definitivamente disfruté su ingenioso desarrollo y el subtexto dramático que podríamos describir como "horror metafórico", donde el supuesto monstruo representa el trauma de un anciano enfrentando su soledad. O algo así.
Al principio de All Eyes, el periodista Allen Wolfe (Jasper Hammer) conduce una entrevista que termina en violencia, resultando en la cancelación de su "podcast" sobre gente inusual. Entonces, en un intento por redimirse, Allen visita un pequeño pueblo de Oklahoma para entrevistar al campesino Don Thomas (Ben Hall), quien asegura haber visto un monstruo en los alrededores de su granja... y tiene la intención de capturarlo. ¿Existirá realmente el monstruo, o será la fantasía de un anciano melancólico?
La primera mitad de All Eyes avanza con lentitud para conocer a los personajes y definir su carácter mientras se entrelaza la realidad con la ficción. Sin embargo, el mayor acierto del director Todd Greenlee, del escritor Alex Greenlee, y de los productores Adam Greenlee, Jeff Greenlee, Lisa Greenlee, etc. (¡toda la familia participó en la fiesta!) fue desviar la atención del hipotético monstruo para enfocarse en la interacción del arrogante reportero urbano, y del irascible campesino cuya visión del mundo podrá ser más simple... pero no por ello ignorante. Más allá de la investigación paranormal, All Eyes explora el choque de culturas, el contraste generacional, y las inesperadas similitudes de dos individuos en momentos críticos de sus vidas.
¿Y el monstruo? Solo diré que el misterio se complica con algunas sorprendentes pistas que los hombres descubren en el bosque, sugiriendo algo más extraño de lo que ambos sospechaban.
Para que todo esto funcione fue esencial un reparto que capture el ambiguo tono de la cinta y la dinámica de dos hombres distintos en la superficie, pero impulsados por la misma obsesión. Jasper Hammer y Ben Hall hacen una excelente pareja protagónica, con sólidos momentos de comedia, drama y el suspenso de una misión que cada uno ve desde una perspectiva diferente.
Por el lado negativo... desafortunadamente hay escenas demasiado inverosímiles que rompen el frágil balance de la película... y ni siquiera me refiero al monstruo, sino a ciertos preparativos que hizo Don para capturarlo. Entiendo su importancia narrativa... pero la ambición de los cineastas rebasó su capacidad técnica. Y aunque no me arruinó la película, fue el factor que separó All Eyes de otros horrores minimalistas realizados con mejor equilibrio entre concepto y ejecución (algunos ejemplos además de Hellbender: Offseason, Something in the Dirt y They Look Like People).
Sin embargo, a pesar de sus fallas, All Eyes me pareció recomendable para fans de las "creature features" (como yo) dispuestos a aceptar algunos problemas a cambio de una historia original y divertida que replantea los esquemas del horror para examinar aspectos de la naturaleza humana rara vez contemplados en este género. Además, All Eyes seguramente fue una valiosa experiencia didáctica para la familia Greenlee, y en su siguiente proyecto podrán aplicar todo lo que aprendieron. A menos que hayan gastado sus ganancias en renovar la cocina.
Calificación: 7

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Boogeyman: Tu Miedo Es Real (The Boogeyman)

Síntomas: Después del suicidio de un paciente en su consultorio, el psicólogo Will Harper (Chris Messina) y sus hijas empiezan a percibir inquietantes fenómenos en su casa. ¿Será el fantasma del difunto... o la entidad sobrenatural que lo perseguía?

Diagnóstico: Originalmente Boogeyman: Tu Miedo Es Real se anunció como película exclusiva de Hulu, pero después de varios "test screenings" positivos, el estudio 20th Century Fox decidió estrenarla en cines. ¿Será realmente una excepcional película de terror, o solo otra colección de clichés que rebasó las bajas expectativas de un público acostumbrado a la mediocridad?
Respuesta: ¿Ustedes qué creen?
Boogeyman: Tu Miedo es Real (basada en un cuento corto de Stephen King) es conceptualmente idéntica a todas aquellas historias sobre familias en crisis que son atormentadas por una entidad sobrenatural. Así tenemos al padre de familia viudo que se rehúsa a aceptar lo que está pasando, hasta que es demasiado tarde; la hija adolescente con problemas de "bullying" en la escuela; y la hija menor que descubre algo escondido en el ropero... aunque, desde luego, nadie le cree: "Fue una pesadilla", "Los monstruos no existen", etc. Solo faltó la mascota como primera víctima.
Afortunadamente la diferencia está en la ejecución. El director Rob Savage demostró su afinidad por el horror con sus dos previas películas, Host y Dashcam, ambas bastante creativas y con interesantes mensajes sobre sus respectivos momentos culturales (la pandemia de Covid-19 en el primer caso, y la división política de los Estados Unidos en el segundo). Y ahora, trabajando con un libreto inferior, Savage encuentra oportunidades para elevar el material, ya sea mediante actuaciones que hacen más sinceras las emociones prefabricadas, o con edición que hace más impactantes las apariciones del "boogeyman", o con lúgubre atmósfera para transformar los sobresaltos en algo cercano al terror.
Gran parte del crédito pertenece al equipo técnico de Savage, incluyendo al editor Peter Gvozdas, al director de fotografía Eli Born (Hellraiser), y a los estudios Crazy Horse y Spectrum Effects, encargados de darle vida a la criatura en forma práctica y digital. Y al frente de la cámara tenemos a Chris Messina (I Care a Lot) como Will Harper, el psicólogo atrapado en una situación incomprensible; Sophie Thatcher (Prospect) como Sadie, la hija adolescente que no ha superado la muerte de su madre; y Vivien Lyra Blair (la Princesa Leia en la serie Obi-Wan Kenobi) como la hija menor que le tiene miedo a la oscuridad. Mención especial para los veteranos del horror David Dastmalchian (The Suicide Squad) y Marin Ireland (The Dark and the Wicked) como un matrimonio que previamente sufrió los ataques del "boogeyman".
Por el lado negativo... lo que mencioné al principio. A pesar de algunos buenos momentos, Boogeyman: Tu Miedo Es Real no se desvía lo suficiente de la fórmula para volverse memorable. Y tampoco puede evitar escenas superfluas (como el "sleepover" con las amigas de Sadie) y detalles absurdos que debemos aceptar como parte del "horror" (ejemplo: en vez de utilizar linternas normales, los personajes prefieren fuentes de luz intermitente, incluyendo velas, encendedores... ¡y hasta luces de Navidad!)
Entonces, Boogeyman: Tu Miedo Es Real no fue una excepcional película de terror, pero tampoco fue el desastre que yo esperaba. Habiendo dicho eso, hubiera preferido ver Boogeyman: Tu Miedo Es Real en televisión, sobre todo por las escenas oscuras que no entendí bien en el cine (sí, incluso en salas "Premium"). Pero al menos no será un tormento verla de nuevo cuando llegue a pantallas caseras. A estas alturas cualquier cosa es ganancia.
Calificación: 6.5

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Spider-Man: A Través del Spider-Verso (Spider-Man: Across the Spider-Verse)

Síntomas: Miles Morales (voz de Shameik Moore) y Gwen Stacy (voz de Hailee Steinfeld) reclutan nuevos aliados arácnidos para combatir un villano que podría destruir el Multiverso.

Diagnóstico: Sony Pictures sigue sin saber qué hacer con la licencia cinematográfica de Spider-Man (como demuestran las cintas de Venom, Morbius, y próximamente Kraven the Hunter y Madame Web), pero al menos encontraron una pequeña mina de oro en el "Spider-Verso", gracias al talento e imaginación de los productores y guionistas Christopher Miller y Phil Lord, quienes no solo respetaron a los personajes y su mitología, sino que además comprendieron que una buena adaptación a cine no necesita "arreglar" los comics, sino combinar sus virtudes con el potencial del medio audiovisual.
Todo lo cual vimos expresado con espectacular virtuosismo en la película Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018), una increíble introducción al personaje de Miles Morales que estableció su propio "vecindario" cósmico conocido como el Spider-Verso. Sí, es un poco confuso y no siempre lógico en el contexto del Multiverso de Marvel; pero cuando el resultado es tan divertido, no tiene caso fijarse en minucias.
Y ahora el fenómeno se repite con Spider-Man: A Través del Spider-Verso, la segunda parte de una trilogía inmensamente ambiciosa que expande el Spider-Verso hasta niveles que abruman los sentidos (y la razón), mientras prepara el terreno para una épica conclusión que podría tener graves consecuencias para Marvel (¿y para el cine en general?)
El primer acto de Spider-Man: A Través del Spider-Verso se enfoca en Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), mostrándonos las consecuencias de la aventura que compartió con Miles Morales (voz de Shameik Moore) en la primera película. Si eso hubiera sido todo, yo hubiera quedado satisfecho. El arco dramático de Spider-Gwen es tan interesante como el de Miles Morales, creando su propia identidad al mismo tiempo que replantea las ideas de Stan Lee: la responsabilidad del poder, la búsqueda de redención por un error del pasado, y el inquebrantable espíritu que define al héroe (o heroína) más allá de sus poderes. Pero, desde luego, "Lord Miller" (como se auto-denomina el dueto de productores) y los directores Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson no planeaban detenerse ahí, y eventualmente nos regresan al Universo de Miles Morales para contemplar su evolución como defensor de Brooklyn... así como los problemas académicos y familiares que acarrea su identidad secreta. Los temas eternos de Spider-Man, reconfigurados desde perspectivas que añaden relevancia e innovación.
Y, bueno, no diré más sobre el argumento porque incluye sorpresas y tangentes que nunca hubiera imaginado. Baste decir que el despliegue de creatividad visual y narrativa supera con amplio margen a la previa película... aunque también genera ocasionales problemas por esa saturación de melodrama que alarga la película hasta dos horas y media.
A pesar de lo mucho que me gustó, no negaré que algunas partes de Spider-Man: A Través del Spider-Verso me hicieron bostezar (dos ejemplos: el asunto del pastel, y la persecución en el tren vertical). Los directores respaldan la acción con sinceras emociones; pero también repiten las mismas situaciones una y otra vez, como si no hubiéramos entendido el conflicto básico entre la vida personal de los héroes y su misión justiciera. Tal vez la película necesitaba tres editores para controlar los impulsos de sus tres directores.
Afortunadamente no es un problema significativo, y mucho menos en una obra tan épicamente entretenida como Spider-Man: A Través del Spider-Verso. Solo espero que la tercera parte utilice un libreto más disciplinado, sin perder la riqueza de la historia, ni el delirante estilo de la animación. Los artistas del estudio Sony Pictures Animation finalmente se redimieron por The Smurfs.
Calificación: 9

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Guy Ritchie's The Covenant

Síntomas: En el año 2018, el Sargento John Kinley (Jake Gyllenhaal) y su escuadrón de soldados buscan fábricas de explosivos en Afganistán, apoyados por su nuevo traductor, Ahmed Abdullah (Dar Salim), quien tiene sus propias razones para odiar al Talibán.

Diagnóstico: Parecería redundante realizar una nueva película sobre la guerra en el Medio Oriente después de tantas visitas al mismo manantial; sin embargo, algunos eventos relativamente recientes (como el retiro de las tropas norteamericanas de Afganistán) crearon nuevos problemas que ahora la película Guy Ritchie's The Covenant explora parcialmente (no me gusta el prefijo de "Guy Ritchie's", pero aparentemente ese es el título oficial).
Al principio de Guy Ritchie's The Covenant conocemos al Sargento John Kinley (Jake Gyllenhaal) y su escuadrón de soldados intercambiables (Ritchie se esmera en darles rasgos únicos y nombres pintorescos -"Chow Chow", "Jack Jack"- pero aún así es difícil distinguirlos en el fragor de la batalla), cuya ingrata misión consiste en buscar depósitos de armamento del Talibán en las zonas rurales de Afganistán; pero su labor se facilita un poco con la adición de traductor Ahmed Abdullah (Dar Salim), cuyo talento va más allá de interpretar el lenguaje local, pues también conoce las interioridades del inframundo criminal afgano. Pero el Sargento Kinley está cansado de perder el tiempo con pistas falsas e información obsoleta, y por eso decide emprender su propia investigación... con explosivos resultados.
Además de la acción y suspenso característicos del género, Guy Ritchie's The Covenant ofrece una visión más moderna de las complejas dinámicas de una región ocupada por fuerzas opuestas, pero igualmente nocivas para los ciudadanos normales. Esto significa que no todos los afganos son enemigos, y no todos los enemigos son afganos. Y ese simple factor altera fundamentalmente la estructura de Guy Ritchie's The Covenant, conduciendo a una segunda mitad más pasiva, pero igualmente tensa, donde las batallas ya no son contra insurgentes talibanes, sino contra militares apáticos, una burocracia ineficiente, y las malas decisiones de un gobierno que nunca comprendió la situación al otro lado del mundo.
Por eso Guy Ritchie's The Covenant no es un thriller bélico convencional, lo cual podría decepcionar a una parte del público; sin embargo su inusual ambición temática me dejó más satisfecho que otras cintas enfocadas en la acción. Y además ofrece la oportunidad para que el reparto exprese emociones rara vez manejadas en este tipo de películas, destacando Jake Gyllenhaal en el papel principal (casi redimiéndose por los desvaríos de Ambulance); Dar Salim como el traductor más inteligente de lo que creen sus superiores; y Jonny Lee Miller (Hackers), Alexander Ludwig (Midway) y Antony Starr como diversos aspectos del orden militar, a veces arrogante, a veces impotente, y a veces motivado por simple codicia.
Mi única decepción fue que el director Guy Ritchie (¿ya lo había mencionado?) no utilizó su habitual creatividad visual; pero en retrospectiva fue la decisión correcta para no distraer la atención del drama humano que forma el núcleo de la película, y de la historia real que lo inspiró... así como de las historias reales que nunca tuvieron el beneficio de un final estilo Hollywood. Moraleja: los generales pueden cantar victoria, pero la guerra nunca termina para algunas personas.
Calificación: 8

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