Spring

Síntomas: Tras el fallecimiento de su madre, el joven Evan (Lou Taylor Pucci) no sabe qué hacer, y espontáneamente decide viajar a Italia, donde encuentra trabajo como ayudante en una granja. Pero su estado de ánimo mejora cuando conoce a Louise (Nadia Hilker), una atractiva estudiante universitaria de quien empieza a enamorarse. Sin embargo Louise oculta un secreto que podría separarlos... o incluso poner en peligro sus vidas.

Diagnóstico: Había leído comentarios muy positivos sobre la película Spring, pero mientras la veía me preguntaba exactamente cuándo llegaría "lo bueno". Y, en efecto, tardó bastante en llegar (casi una hora y veinte minutos); pero cuando por fin aparece el gran secreto, Spring gana una perspectiva muy interesante, y casi es posible disculpar el tiempo que tomó antes de revelar sus intenciones.
De cualquier modo no fue tiempo perdido. Durante esa hora y media hay amplia oportunidad de forjar la relación entre Evan y Louise, haciendo más impactante el peligro que enfrentan durante el tercer acto de la película. El melodrama/romance funciona por sí mismo, e incluso si nunca hubiera llegado la "revelación", Spring podría disfrutarse como una de esas obras "mumblecore" realizadas con escasos recursos, actuaciones muy naturales y una desenfadada actitud general que los distingue del cine más comercial, repleto de exageraciones y "grandes gestos" para incitar el sentimentalismo del espectador.
Dicho melodrama fluye con cierta parsimonia, pero establece claramente la situación de Evan, cuyo impulsivo viaje a Italia parece otra mala decisión en la larga lista de errores que lo dejaron desempleado y en problemas con la ley. Sin embargo el casual encuentro con la caprichosa estudiante Louise inicia una relación que ofrece nuevo sentido a sus vidas, así como la esperanza de una estabilidad futura que tanto necesitan. Y entonces llega el evento sobrenatural... aunque tampoco estoy seguro si debería describirse así. De hecho, no podría afirmar si Spring es horror, fantasía o ciencia ficción; lo que puedo decir es que no se parece a ninguna película de esos géneros, pues su espíritu se aproxima al de obras como Before Sunrise, Blue Valentine o los dramas "indie" de los hermanos Duplass.
A fin de cuentas lo que importa es la eficiencia del libreto y la sobria dirección de Justin Benson y Aaron Moorhead, quienes logran evocar emociones creíbles, libres de artífice y bien integradas a la estructura narrativa. En cuanto a los aspectos de terror, requieren un poco de "suspensión de la incredulidad", y no deben analizarse demasiado porque se desmoronaría la premisa; sin embargo eso no impide el lucimiento de algunos sorprendentes efectos especiales, a veces terroríficos por su apariencia pero graciosos por su contexto y por las reacciones de los personajes. Y aunque el final resultó un poco ambiguo para mi gusto, cierra satisfactoriamente la historia con el adecuado balance de optimismo y tragedia.
Imagino que las contradicciones inherentes de Spring no serán del gusto de todas las personas, pero creo que merece una recomendación tan solo por su audaz fusión de romance y fantasía... de drama existencial y "body horror"... de comedia "coming of age" y ciencia ficción. Como quieran verla, vale la pena. Incluso como catálogo turístico de la costa italiana.
Calificación: 8.5

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Alex of Venice

Síntomas: Cansado de la sofocante vida doméstica, el pintor George Vetter (Chris Messina) abandona a su familia en busca de nuevas aventuras, dejando a su sorprendida esposa Alex (Mary Elizabeth Winstead) con la carga de criar a su hijo Dakota (Skylar Gaertner), y de cuidar a su senil padre Roger (Don Johnson); y todo ello sin descuidar su estresante trabajo como abogada ambiental. Entonces Alex deberá re-evaluar su plan de vida y definir nuevas expectativas frente a esta complicada y frustrante situación.

Diagnóstico: Para su debut como director, el actor Chris Messina (más conocido por el sitcom The Mindy Project) regresa a sus raíces "indie" con un melodrama interesante pero un poco ligero, que sabe aprovechar el talento de su actriz principal al mismo tiempo que olvida darle material más sustancial para crear una obra realmente trascendente... o para mantener el interés del espectador.
No me malinterpreten... Alex of Venice me pareció una sólida película independiente, con muy buenas actuaciones y una historia realista que toca temas difíciles y emotivos sin caer en el fácil sentimentalismo de Hollywood. La dirección de Messina es segura y eficiente, libre de afectaciones y con buen ojo para crear una atmósfera urbana/bohemia que refleja los contrastes del barrio de Venice, en Los Ángeles, el cual sirve también como metáfora de la vida de su protagonista, atrapada entre las responsabilidades de la vida adulta y la espontaneidad del romance juvenil.
El problema/acierto de Messina es dejar que la historia se desarrolle en los silencios de Alex, así como en los sutiles cambios de su rostro. Desde luego cuenta con una perfecta actriz para ese propósito, tremendamente expresiva y con pleno domino de su oficio; sin embargo siento que el director se apoyó demasiado en el talento de Mary Elizabeth Winstead, y omitió piezas importantes del rompecabezas narrativo, haciendo que la película se sienta... no sé... incompleta o prematura, lo cual suena paradójico en vista de los bien dibujados personajes y los altibajos emocionales que experimentan.
Entre esos personajes tenemos a Don Johnson como el padre de Alex, un célebre actor venido a menos que apenas logra conseguir papeles secundarios en obras de teatro local; pero sus adicciones y frágil estado mental podrían arruinar las escasas oportunidades que aún encuentra. El niño Skylar Gaertner tiene poco que hacer, pero lo hace bien, capturando elocuentemente la confusión del abandono paterno, aminorada por el natural optimismo de su edad. Y también destaca Julianna Guill en el papel de Anya, hermana de Alex que regresa a la ciudad para ayudar en la casa, aunque podría empeorar la situación con su irresponsable actitud y frívolas decisiones.
Entonces, Alex of Venice me pareció una buena película por derecho propio, y también un competente debut de Chris Messina como director, auxiliado por un elenco cuyo sobresaliente desempeño nos invita a ignorar las limitaciones del libreto. Creo que la cinta debió llegar más lejos en el plano dramático, enfatizando la evolución interna de Alex en vez de distraerse con eventos periféricos que contribuyen oblicuamente a la trama, pero sin profundizar lo suficiente en las experiencias de la protagonista. Aún así merece una recomendación para fans del cine "indie" y para quien esté interesado en el proverbial "nuevo comienzo" en la vida adulta, pero sin Julia Roberts viajando por Europa en busca de amor y nuevas experiencias culinarias. Alex of Venice es la versión pragmática de ese mito, realizada para la gente normal, y por ello es más creíble y resonante en un nivel humano que rara vez encontramos retratado con tal detalle y honestidad.
Calificación: 8

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WolfCop

Síntomas: Mientras investiga las actividades de una supuesta secta satánica en el pueblo de Woodhaven, el apático policía Lou Garou (Leo Fafard) es víctima involuntaria de un extraño ritual... y se convierte en hombre lobo. O, policía lobo. Entonces Garou decide usar sus nuevas habilidades para combatir el crimen y las amenazas paranormales que acechan en las sombras de la pequeña comunidad.

Diagnóstico: Muchas películas intencionalmente absurdas aspiran a convertirse en "cintas de culto" tan solo por su excéntrico tema o bizarro estilo, pero casi siempre fracasan porque se nota demasiado el cinismo de los productores que pensaron: "Vamos a hacer las cosas mal a propósito para que los nerds y geeks del Internet la disfruten irónicamente". Como ejemplo reciente de esta perezosa estrategia podría mencionar Zombeavers, sin duda entretenida pero carente de esa indescriptible magia que la elevaría por encima de su mediocre manufactura.
Por otro lado tenemos películas como WolfCop, también un poco falsa en su intención, pero poseedora de una frenética energía, convicción y torcido sentido del humor que la separan automáticamente del cine "normal" para incorporarse a las filas "de culto"... al menos en teoría. El juez final siempre será el tiempo, determinando la longevidad de la cinta y su impacto sobre futuras generaciones (bueno, suena melodramático, pero una auténtica cinta de culto tiende a mejorar con la edad y con el misterio que la rodea, lo cual probablemente ya nunca ocurrirá en esta época de información “push” y gratificación instantánea).
En fin... cualquiera que sea su clasificación futura, WolfCop me pareció un divertido experimento "retro" que evoca el más crudo y violento cine de horror ochentero, aderezado con personajes simpáticos, buenas actuaciones (dentro de los parámetros de la película) y un refrescante sentido del humor (bastante canadiense, por cierto) que fluye naturalmente de la narrativa, y no de los "errores" cometidos por los cineastas.
A pesar de que WolfCop no puede tomarse en serio, el director Lowell Dean (responsable por la competente 13 Eerie) no lo usa como excusa para descuidar la estructura de su película ni el desarrollo de los personajes. Claro, tampoco estamos hablando de un profundo "estudio de carácter", pero aún así hay un sólido arco dramático en el protagonista interpretado por Leo Fafard, quien comienza como un patético policía alcohólico e irresponsable, para luego encontrar nuevo sentido en su vida cuando la transformación en hombre lobo restaura los principios y vigor que había perdido (aunque la maldición no disminuye su feroz afición al alcohol y las donas). Amy Matysio experimenta su propia evolución en el papel de la alguacil Tina, al principio exasperada con su inútil colega, pero siempre lista para ayudarlo cuando las cosas se complican. Finalmente, Jonathan Cherry se roba la película como el atolondrado Willie, quien nota algo extraño en el comportamiento de su amigo Lou, pero no se asusta cuando descubre la verdad; por el contrario, se convierte en cómplice y apoyo moral del policía lobo, auxiliándolo en la persecución de los villanos y siempre dispuesto a compartir su cerveza.
En resumen, WolfCop me pareció una notable "B-Movie" repleta de los atributos que distinguen las mejores muestras del género, aunque su bajo presupuesto perjudica un poco su elevada ambición visual (lo cual podría considerarse un beneficio en este particular nicho cinematográfico). Los efectos especiales son bastante vistosos y están realizados con técnicas tradicionales (incluyendo las deliciosamente grotescas transformaciones de "Lou Garou"... buen juego de palabras); sin embargo los ocasionales adornos digitales son francamente malos; podría ser por falta de dinero, o porque quisieron hacer un sardónico manifiesto anti-CGI.
Todo esto se traduce en una experiencia única y memorable, que no necesariamente funcionará para los aficionados al horror "normal"; cada quién conocerá su tolerancia a estos desplantes "retro" que aspiran al raro estrato del cinema de culto. Aún así siento que puedo recomendar WolfCop con bastante confianza, sobre todo para fans del "gore" que hayan apreciado obras de similar estilo, como Hobo With a Shotgun, Dear God No!, y Father's Day. Y, desde luego, conviene recordar que el cine licantrópico no es terreno muy fértil en estos días (al menos si lo comparamos con los zombies, vampiros o fantasmas), y siempre es un placer encontrar una competente obra que respeta el mito clásico al mismo tiempo que lo moderniza con una sensibilidad muy particular, dispuesta a todo para satisfacer al público. Y con la promesa de una secuela para este año, será mejor subirse desde ahora a la patrulla del policía lobo para compartir sus aventuras. No olviden las donas, por favor.
Calificación: 8.5

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Para Elisa

Síntomas: La joven estudiante Ana (Ona Casamiquela) necesita dinero para un viaje de fin de curso con sus compañeros universitarios, y decide solicitar trabajo temporal como cuidadora (o "canguro") de una niña llamada Elisa (Ana Turpin) en un vetusto edificio de departamentos. Parece una labor simple, pero casi de inmediato Ana descubre que la situación será más extraña y peligrosa de lo que imaginaba.

Diagnóstico: Para ser justos, la cinta española Para Elisa fue muy distinta de lo que esperaba. Todo parecía indicar un cansado refrito de los mismos fantasmas o fenómenos paranormales que están de moda en el género de terror, pero el director Juanra Fernández tomó un camino distinto, y aunque no es exactamente novedoso, sirve para crear un poco de suspenso durante la primera mitad de la película.
Desafortunadamente la trama revela rápidamente su excesiva simplicidad, y la protagonista resulta demasiado pasiva para engancharnos en la floja narrativa (aunque supongo que tiene excusa), de modo que Para Elisa termina sintiéndose lenta a pesar de su corta duración (apenas una hora y diez minutos, sin contar los créditos finales). Hay un poco de violencia, un poco de sangre, un débil misterio que nunca se resuelve... y eso es todo. Para Elisa me dejó la impresión de un cortometraje inflado con redundantes escenas y exagerado estilo para convertirse en película, lo cual no sería malo si su concepto central fuera más interesante o provocativo. Pero no... después de establecer la situación se instala cómodamente en una tediosa rutina e ignora todas las oportunidades de hacer algo más, de llegar más lejos, hasta que alcanzamos el "sorpresivo" final que se siente más como una agradecida interrupción que como una legítima conclusión.
Por el lado positivo, las actuaciones son bastante aceptables, la dirección hace gran uso de las claustrofóbicas locaciones, y la música cumple su labor de subrayar el poco terror que la trama genera. Por cierto, para fans de Beethoven: la pieza "Para Elisa" que le da nombre a la película puede escucharse brevemente, pero es irrelevante para el argumento salvo como referencia al arbitrario nombre de la niña, quien podría haberse llamado, por ejemplo, "Gloria"... excepto que las canciones con ese título no se encuentran en el dominio público.
Para no hacer una crítica larga de una película corta, terminaré diciendo que Para Elisa me pareció un sólido esfuerzo técnico empañado por un libreto poco ambicioso, cuya carencia de elementos sobrenaturales prometía algo distinto, que a fin de cuentas no bastó para transformarla en una experiencia memorable. Tampoco diré que fue una marca negativa en el cine de terror español, pero hay tantas obras superiores provenientes de aquel país que cuesta trabajo recomendarla por méritos propios. Y aunque aprecio que nos traigan más películas europeas de terror a cines de México, no sirve de mucho si van a estar al mismo nivel de las producciones nacionales. Perdón... no debí hacer un comentario tan insultante.
Calificación: 6

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Mortdecai: El Artista del Engaño (Mortdecai)

Síntomas: El Inspector Martland (Ewan McGregor) debe pedir ayuda al notorio traficante de arte Lord Charlie Mortdecai (Johnny Depp) para recuperar un invaluable cuadro de Goya que tiene una misteriosa conexión con la seguridad nacional del Reino Unido. Pero, desde luego, hay varios peligrosos individuos en busca de la misma pintura, y quizás Mortdecai no logrará sobrevivir, ni con ayuda de su fiel mayordomo Jock (Paul Bettany)... ni de su menos fiel esposa Johanna (Gwyneth Paltrow).

Diagnóstico: En cierto modo admiro y respeto la predilección de Johnny Depp por interpretar personajes raros o absurdos. Supongo que debe ser un reto divertido como actor; y además es en ese nicho donde Depp ha encontrado sus mayores éxitos económicos... y también sus mayores fracasos. Desafortunadamente todo parece indicar que la película Mortdecai será uno de esos fracasos, aunque no tanto por culpa de Depp, sino por el extraño y anacrónico estilo que el director David Koepp empleó en su realización. Mortdecai, basada en una novela humorística de Kyril Bonfiglioli, evoca las comedias británicas sesenteras realizadas por el venerado estudio Rank Organisation, como la serie de "Carry On..." (Carry On Smoking, Carry On Spaceman), combinadas con las películas de "The Thin Man" de los años treintas (The Thin Man, After the Thin Man), donde William Powell y Myrna Loy interpretaban a Nick y Nora Charles, una elegante pareja que resolvía crímenes entre cocteles y fiestas de alta sociedad, con ayuda de su perrito Asta (¿y mencioné los cocteles? En serio, hoy no serían comedias, sino dramas sobre una pareja alcohólica). Dichas películas fueron bastante exitosas en sus respectivas décadas, aunque hoy en día su sentido del humor parece demasiado arcaico, y deben tomarse como reliquias culturales cuya principal función es revelar los gustos y costumbres de sociedades pasadas. Entonces cabe suponer que Koepp decidió realizar Mortdecai como homenaje al cine de aquellas eras, emulando la comedia y atmósfera con tal precisión que tal vez resultará intolerable para audiencias contemporáneas... por no mencionar que su argumento es bastante insípido y sus personajes no muy interesantes.
Aun así las actuaciones me parecieron buenas, considerando su exótica intención; Johnny Depp aborda con entusiasmo las ridículas afectaciones de Charlie Mortdecai, taimado y cobarde lord inglés con más suerte que talento para la vida criminal; algunos dirían que el personaje empieza y termina con el gran mostacho que luce Depp, pero realmente hay un fino trabajo en los detalles y carácter de Mortdecai, que no cualquier actor hubiera logrado capturar. Gwyneth Paltrow no queda mal como la astuta esposa que sabe más de lo que aparenta; y Paul Bettany consigue robarse sus escenas en el papel del flemático mayordomo/guardaespaldas, igualmente adepto para los golpes y para seleccionar quesos. También merece mención Ewan McGregor como el Inspector Martland, representando el tenue enlace con la realidad que los demás personajes necesitan para acentuar sus extravagancias.
A pesar de estos elementos positivos encuentro muy difícil recomendar Mortdecai. No me pareció una buena película, pero me gustó su nostálgico estilo, así como la inmensa convicción del director y elenco que accedieron a participar en un proyecto tan "anticuado", probablemente sabiendo que sus expectativas comerciales eran muy, muy bajas; y que la mayor parte de la gente que podría apreciar sus esfuerzos ya falleció, o serían snobs insoportables como yo.
En fin... supongo que Mortdecai podría ubicarse en la categoría de "comedias retro" como Down With Love o The Lost Skeleton of Cadavra (¡sólido marketing!), aunque esas cintas sí me hicieron reír, en vez de ponerme a pensar "Mmh... curiosa interpretación". Finalmente, para fans de Johnny Depp recomiendo volver a ver alguno de sus excéntricos clásicos, como Edward Scissorhands o Ed Wood. Su trabajo en Mortdecai es bueno, pero definitivamente funcionaría mejor si la película no se esforzara tanto en contrariar al público. Por otro lado, me hizo olvidar el inexplicable trabajo de Depp en Tusk, así que no fue una pérdida de tiempo total. Oh, no... ya lo recordé.
Calificación: 6 para snobs, 4 para gente normal

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Hot Tub Time Machine 2

Síntomas: Cinco años después de encontrar el mágico "jacuzzi" que les permitió viajar en el tiempo y manipular la historia, Nick Webb (Craig Robinson), Lou Dorchen (Rob Corddry), y su hijo Jacob (Clark Duke) disfrutan vidas llenas de lujos y excesos, aunque no todos son tan felices como parecen. Entonces una inesperada tragedia pone en peligro a Lou, y los amigos deciden hacer otro viaje en el tiempo para alterar el curso de sus vidas... pero en esta ocasión avanzan diez años en el futuro, y descubren que las cosas son muy diferentes de lo que esperaban.

Diagnóstico: La original Hot Tub Time Machine me pareció una comedia bastante graciosa que aprovechó el talento de varios comediantes poco conocidos para añadir humor y personalidad a una premisa intencionalmente absurda, donde el clásico tema del viaje en el tiempo se manejó con inusual picardía e irreverencia. No había mucha necesidad de continuar la historia, pero eso nunca ha detenido a Hollywood, de modo que ahora tenemos Hot Tub Time Machine 2, realizada por el mismo director, el mismo guionista, y con casi todo el elenco original. Desafortunadamente la secuela no logró duplicar la energía y "retro-nostalgia" ochentera que vistió la previa cinta; y aunque Hot Tub Time Machine 2 ofrece algunas breves sonrisas y momentos de surrealista exuberancia, a fin de cuentas se siente floja y desesperada, cometiendo el clásico error de inflar la narrativa con antipáticas tangentes y grandes dosis de vulgaridad y desvergüenza, pero sin ofrecer un desarrollo sustancial en los personajes o recordarnos por qué nos agradaron inicialmente. En otras palabras, hasta una historia repleta de sexo, drogas y rock and roll (literalmente) necesita mantener una estructura consistente para no aburrirnos con largas secuencias llenas de ruido y excesos, pero con muy poco humor.
Por el lado positivo la amena interacción del reparto podría entretener parcialmente al espectador. Entre los pocos aciertos de Hot Tub Time Machine 2 está su trío de actores principales, usualmente relegados en roles secundarios, pero demostrando que tienen suficiente carisma para cargar con su propia película. De hecho, las pocas risas generadas por la secuela provienen de aquellos fugaces momentos donde sale a relucir el carácter de los comediantes, ya sea por su preciso manejo de diálogos, o por arteras improvisaciones (supongo) que no tienen mucho que ver con la trama, pero que mejoran bastante la pobre manufactura del libreto.
Y mejor ni hablar de las descabelladas vueltas, "sorpresas" y paradojas que integran la trama; el guionista Josh Heald obviamente aspiraba a alcanzar las divertidas complicaciones de Back to the Future, pero falló en casi todos sus intentos. Y los pocos chistes que funcionan llegan demasiado tarde (durante los créditos finales, nada menos) cuando ya nada podría rescatar la experiencia.
Es una lástima, pues Craig Robinson, Clark Duke y Rob Corddry merecían más, y solo espero que este chasco no arruine sus oportunidades para encabezar mejores proyectos. O al menos proyectos donde no tengan que refugiarse en desagradables rutinas diseñadas para alargar la película y convencernos de que el humor "transgresor" es gracioso tan solo por su vulgaridad. Quizás sea así en un universo paralelo; pero en el universo donde vi Hot Tub Time Machine 2 se siente tan solo patético.
Calificación: 5

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Atari: Game Over

Síntomas: El director y guionista Zak Penn investiga la leyenda urbana que se creó alrededor de E.T. The Extraterrestrial, "el peor videojuego de la historia"; y de paso examina las consecuencias que sufrió la legendaria compañía que lo produjo.

Diagnóstico: Es un hecho bien conocido: el evento que ocasionó el colapso de la industria de los videojuegos a principios de los ochentas fue el lanzamiento de E.T. The Extraterrestrial, un juego tan malo, pero con expectativas de ventas tan altas, que su fracaso arruinó a la empresa Atari, y con ella se derrumbó la industria entera.
Pero, ¿qué tan cierto es este "hecho"? El cineasta Zak Penn (co-guionista de The Avengers, The Incredible Hulk y X2) busca la respuesta a esta y otras preguntas en el documental Atari: Game Over con ayuda de fans de la compañía, del programador original de aquel fatídico juego, y hasta de algunos defensores de E.T. The Extraterrestrial (como el novelista Ernie Cline). Y todo eso mientras Penn trata de aclarar el gran misterio sobre el destino final de los millones de cartuchos que nunca se vendieron. ¿Realmente fueron sepultados en algún remoto lugar del desierto?
La búsqueda de ese mítico lugar forma la estructura narrativa de Atari: Game Over. Según testimonios de testigos, ajeños documentos y la investigación personal de historiadores como Mike Mika, se ha determinado que la ubicación más probable de esta tumba colectiva de cartuchos es un inmenso basurero municipal en las afueras de Alamogordo, Nuevo México (un pueblo muy familiar con secretos del pasado, como sabrán los aficionados a las conspiraciones). Pero no será tan fácil; el basurero abarca muchas hectáreas y los modernos arqueólogos que contribuyen a la búsqueda carecen de datos verificables sobre el sitio exacto, o siquiera sobre la veracidad de la leyenda; y además el gobierno local no cree que sea buena idea escarbar al azar, debido a la posibilidad de encontrar materiales tóxicos o radioactivos (Alamogordo tuvo gran prominencia en las primeras pruebas nucleares efectuadas en los Estados Unidos en los años cuarentas).
Mientras Penn resuelve los problemas legales y logísticos de la excavación, podemos aprender mucho de las entrevistas con ex-directores de Atari (incluyendo al legendario Nolan Bushnell), ex-empleados de la empresa, y analistas con suficiente experiencia para adoptar una visión más sobria y menos reaccionaria sobre el auténtico efecto del juego E.T. The Extraterrestrial sobre el colapso de la industria de los videojuegos. Muchos de estos puntos se cubrieron superficialmente en documentales como Video Games: The Movie e Indie Game: The Movie, pero Penn profundiza como ningún otro, y hasta logra crear una atmósfera de nostalgia y suspenso que yo no esperaba en un relato sobre algo tan específico y al mismo tiempo trivial.
Pero más allá de buscar añejos cartuchos del Atari 2600 o defender las malas decisiones de programadores “stoners”, Atari: Game Over es un tributo a la cultura "geek" en todas sus manifestaciones. El director entiende la ironía inherente en su misión, y acepta el humor implícito en tomar en serio una búsqueda tan absurda... pero nunca lo convierte en una burla o chiste privado contra los "geeks"; por el contrario, se trata de un genuino homenaje a la pasión que despiertan todas estas efímeras manifestaciones de cultura popular, que quizás no cambiaron al mundo, pero que fueron (y aun son) importantes para muchas personas. Tal vez el motivo de esas obsesiones ameritaría un análisis más profundo, pero eso no le incumbe a Atari: Game Over; su propósito fue entretenernos e ilustrarnos sobre un famoso (quizás apócrifo) capítulo en la historia de los videojuegos, y cumple esa misión con gran estilo y entusiasmo. Para los interesados en la historia general de los videojuegos recomendaría el mencionado documental Video Games: The Movie; pero para fans de Atari, esta es la película definitiva... al menos hasta que alguien realice una profunda disertación académica sobre los "easter eggs" de Pitfall.
Calificación: 8.5

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Batman vs. Robin

Síntomas: Bruce Wayne (voz de Jason O'Mara) sigue teniendo dificultades para controlar a su hijo Damian (voz de Stuart Allan), quien acostumbra usar excesiva violencia cuando actúa por su cuenta como Robin, desafiando las órdenes de Batman. Pero la prueba definitiva de su lealtad llega cuando una misteriosa organización conocida como "La Corte de Búhos" decide tomar control de la ciudad.

Diagnóstico: El año pasado me gustó bastante la cinta animada Son of Batman, debido a la realista y divertida dinámica entre Bruce Wayne y su caprichoso hijo Damian (nieto del inmortal R'as al Ghul, quien lo entrenó desde la cuna para ser un invencible asesino). Y ahora, en Batman vs. Robin, retomamos la historia en un punto clave de la relación entre padre e hijo... o entre héroe y "sidekick". Lo que me gustó un poco menos fue que el director Jay Oliva y el guionista J.M. DeMatteis (leyenda de los comics desde los ochentas, y autor de la célebre historia "Kraven's Last Hunt") hayan relegado la devastadora historia de la Corte de los Búhos a un plano secundario que sirve como simple motivación de la crisis entre Bruce y Damian. Yo hubiera preferido dedicar una película entera a esa importante historia que envolvió (al menos en los comics) a todos los miembros de la "bati-familia" (incluyendo Oracle, Huntress, Nightwing y hasta Jim Gordon), en vez de reducirla al trasfondo de un libreto menos ambicioso.
Pero, bueno... evaluando Batman vs. Robin por sus propios méritos, me pareció una sólida entrega del Universo Animado de DC Comics, y demuestra nuevamente lo que puede lograrse cuando los escritores y editores de los comics tienen la libertad de colaborar en adaptaciones fílmicas del universo que ayudaron a forjar (bueno, Marvel Studios también refleja esa progresista actitud, pero no se trata de comparar naranjas con manzanas). La animación de Batman vs. Robin es superior al promedio, con la adición de varias vistosas escenas creadas digitalmente que incrementan el impacto visual de la cinta (por ejemplo, una tensa persecución automovilística que quizás no hubiera sido posible con técnicas tradicionales), pero conservando la estética general del "DCAU" (DC Animated Universe).
El elenco de voces es básicamente el mismo de la mencionada Son of Batman, incluyendo a Kevin Conroy en un breve cameo como Thomas Wayne (muy apropiado, supongo), y al veterano David McCallum como un Alfred al mismo tiempo flemático en sus funciones de mayordomo, y dinámico cuando debe entrar a la acción.
En general, Batman vs. Robin fue una experiencia entretenida y un poco más violenta de lo normal; ese principio con Dollmaker (¡voz de Weird Al Yankovic!) fue de lo más brutal que he visto en el DCAU. Sin embargo, tengo que repetir mi desilusión sobre el uso de The Court of Owls como simple complemento, en vez de haberle dado el tratamiento que merecía en su propia película (o incluso en dos cintas, como hicieron con The Dark Knight Returns). Fuera de eso, recomendaría Batman vs. Robin para seguidores del universo animado, y para quienes busquen una alternativa en cintas de superhéroes respetuosas de los comics originales. Como he dicho antes, creo que estas modestas producciones animadas han superado los logros de DC Comics en el campo de la acción viva. E incluso si el lector opina lo contrario, no hay problema... hay amplio espacio para ambos estilos, y el ganador siempre es el público.
Calificación: 8

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Una Noche Para Sobrevivir (Run All Night)

Síntomas: Jimmy "El Enterrador" Conlon (Liam Neeson) trabajó durante muchos años para el crimen organizado; y aunque está retirado, jamás pudo restaurar la relación con su hijo Mike (Joel Kinnaman), quien no quiere saber nada de su padre. Por su parte Shawn Maguire (Ed Harris), ex-jefe de Jimmy, también está tratando de reformarse y trabajar en negocios legítimos, pero su inestable hijo Danny (Boyd Holbrook) no lo acepta, y trata de involucrarlo en un peligroso tráfico de heroína. Entonces el destino de estos dos padres y sus respectivos hijos se mezcla de trágica manera, y tendrán que decidir si vale más el honor o la familia.

Diagnóstico: ¿Otra película de acción con Liam Neeson? ¿No tuvimos bastante con la horrible Taken 3? La respuesta no es tan simple. Neeson ciertamente usa sus "talentos especiales" en Una Noche Para Sobrevivir, provocando abundante violencia, balazos y persecuciones; pero el director Jaume Collet-Serra (colaborando por tercera vez con Neeson) introduce genuino drama que enriquece la fórmula y la aleja un poco de las genéricas fantasías de venganza que se han convertido en el nicho de este otrora respetado actor. Bueno, supongo que sigue siendo respetado cuando logra actuar de verdad; pero tampoco podemos ignorar que Neeson se está acercando a una parodia de sí mismo y, a pesar de su talento, corre el riesgo de convertirse en el siguiente Nicolas Cage. O, peor aún, en el nuevo Steven Seagal.
Afortunadamente Neeson tiene oportunidad de actuar un poco en Una Noche Para Sobrevivir, sobre todo en las escenas que comparte con Ed Harris, donde podemos sentir la larga historia entre sus respectivos personajes, y la extraña dinámica de odio/respeto que mantiene la estabilidad en su volátil relación. Y también ayuda la presencia de otros veteranos actores como Vincent D'Onofrio en el papel del cansado policía que comprende la "vieja escuela" criminal; y Bruce McGill como paciente "consiglieri" de Maguire (o como se le diga en la mafia irlandesa). Quizás estos actores no tienen mucho que hacer, pero aportan credibilidad a la película y hacen memorables sus breves escenas, lo cual automáticamente supera los anónimos elencos secundarios en otras películas de acción con Liam Neeson (¿quien era el villano en Taken 3? No tengo idea, y creo que tampoco lo recordaría si la hubiera visto ayer).
Pero, bueno... a fin de cuentas el drama y las reflexiones sobre “deber vs. familia” representan la minoría de las escenas, mientras que el resto del tiempo se dedica a la acción y las proezas de Jimmy/Neeson, lo cual no tiene nada de malo... simplemente hemos visto lo mismo tantas veces que cuesta trabajo crear suficiente suspenso para "engancharse" en la narrativa.
Si por alguna razón el lector nunca ha visto a Liam Neeson en una película de acción, Una Noche Para Sobrevivir podría ser un buen comienzo, gracias al eficiente (no dije "equilibrado") balance de drama y violencia; pero quienes ya vieron dos o más de sus recientes películas (prácticamente intercambiables), no se perderán mucho si omiten esta nueva cinta de su dieta cinematográfica. Mejor esperen a que Neeson sea invitado a las franquicias de The Expendables o Fast and the Furious; o, mejor aún, esperen su hipotética colaboración con Steven Seagal. Entonces se completará la transformación y podremos reírnos sin remordimiento. Aunque honestamente espero que nunca ocurra, y que empiecen a ofrecerle mejores libretos. Tal vez el villano más peligroso sea su agente, y ahí es donde Neeson debería usar sus talentos especiales. En vez de salvar a su hijo, hija, esposa, etc, que empiece por salvar su carrera.
Calificación: 7

IMDb - Trailer (advertencia: el trailer cuenta la película de principio a fin)

Mythica: A Quest for Heroes

Síntomas: La esclava Marek (Melanie Stone) estudia las artes mágicas en secreto, bajo la guía de su mentor Gojun (Kevin Sorbo). Pero cuando accidentalmente mata a su cruel amo, la muchacha debe huir de la ciudad, y casualmente encuentra a Teela (Nicola Posener), sacerdotisa de una pacífica orden religiosa que fue recientemente atacada por orcos. Teela necesita héroes para rescatar a su hermana, y duda mucho que Marek esté preparada para enfrentar una misión tan peligrosa... pero quizás tengan esperanzas de triunfar si logran reclutar aventureros con más experiencia para acompañarlas. Desafortunadamente la ayuda no será gratuita, ni demasiado confiable.

Diagnóstico: El modelo económico de "crowdfunding" (usado por sitios como Indiegogo y Kickstarter) ha servido para apoyar la creación de muchas películas realmente independientes, que jamás hubieran encontrado financiamiento por la tradicional ruta de los estudios cinematográficos. Los géneros de terror y ciencia ficción han hecho exitoso uso de este sistema, pero rara vez había encontrado una película de fantasía realizada bajo estas condiciones... lo cual nos lleva a Mythica: A Quest for Heroes, que por fin se distribuye tras casi dos años de producción.
¿Valió la pena la espera? Creo que sí (aunque no es un “sí” demasiado entusiasta). La trama es básicamente un refrito de todos los clichés imaginables en la fantasía heroica y en los juegos de rol. La protagonista Marek y sus compañeros representan las "clases" básicas que emplean casi todos los RPGs modernos: "Wizard" (o "Sorceress", en este caso), "Barbarian" (el guerrero especialista en combate cuerpo a cuerpo), "Rogue" (hábil ladrón y experto en arco y flecha), y una "Healer" etérea y filosófica. Casi parece que estamos jugando Dragon Age, Skyrim o Baldur's Gate (más reconocible para viejitos como yo). Desafortunadamente el argumento no es tan complejo o detallado como en esos juegos. Con tan solo noventa minutos de duración no hay mucho tiempo para profundizar en la mitología ni para crear un mundo particularmente interesante. Solo hay una misión elemental y, para variar, mucha caminata... caminatas por el bosque, por la pradera, y por la montaña, donde Marek y sus aliados encuentran nuevos peligros, posibles aliados y malos efectos especiales. En otras palabras: "side quests" para llenar el tiempo. Aun así me gustó que la directora Anne Black y su equipo de guionistas añadieran cierto misterio al pasado de Marek, creándole un arco dramático predecible pero satisfactorio, que complementa la historia principal. Y aunque los efectos especiales no sean muy realistas (las mascarillas de After Effects son tan obvias que sentí un poco de "pena digital"), hay algunos conceptos innovadores y creativos, como la cobra incandescente y algunos hechizos de Marek.
Hablando de lo cual, Melanie Stone me pareció una apta protagonista, capaz de lidiar con las escenas de acción y el ocasional melodrama que encuentra en su misión. Sus colegas cubren con decoro sus papeles y, aunque ninguno destaca, tampoco hacen el ridículo. Mi única decepción fue que Kevin Sorbo solo aparece en una escena, y ni siquiera es muy relevante. Por su parte, la dirección fluctúa bastante a la largo de la cinta, lo cual probablemente refleja la evolución y experiencia de la directora conforme se filmaba la película (el peor momento es la batalla contra un grupo de orcos a orillas de un río; si toleran eso, no tendrán problema con el resto de la película). Y también merece mención la excelente ambientación y diseño de producción de Lauren Spalding... evaluados bajo parámetros del cine "indie" semi-amateur.
A fin de cuentas creo que Mythica: A Quest for Heroes no es una gran película, pero podría recomendarla para fans de Dungeons & Dragons, RPGs de computadora, e incluso para los devotos del autor R.A. Salvatore (¿fue mi imaginación, o detecté un breve homenaje a Drizzt en la taberna de Hammerhead?), no porque sus gustos sean malos, sino porque les será más fácil apreciar la noble intención de los cineastas, y su obvio afecto por este tipo de relatos. Como punto de comparación diría que Mythica: A Quest for Heroes me gustó menos que la reciente The Scorpion King: The Lost Throne, pero más que casi cualquier cinta pseudo-medieval del canal SyFy. No sé si eso representa un gran halago, pero en mi caso particular bastó para entretenerme un rato, y para animarme a contribuir al Kickstarter de la secuela, Mythica: The Darkspore (al momento de escribir esto quedan quince días para cooperar). Y mientras llega, voy a desempolvar mi vieja copia de Baldur's Gate (es broma; ni siquiera sé donde está; por eso compré la versión "remasterizada" en GOG.com).
Calificación: Strength +6, Dexterity +7, Intelligence +6

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Going Clear

Síntomas: Fascinante documental sobre la Iglesia de Scientology (así se hacen llamar en español), desde su creación basada en la ciencia ficción de L. Ron Hubbard, hasta la actualidad, cuando su popularidad entre algunas celebridades le ha ganado muchos adeptos, y también muchos detractores que acusan a su actual director de fraude, tortura y similares violaciones de derechos humanos.

Diagnóstico: El prolífico escritor de ciencia ficción y literatura "pulp" L. Ron Hubbard (afectuosamente apodado por sus discípulos como "LRH") hizo alguna vez un comentario sobre fundar una religión como método infalible para hacerse millonario... y años más tarde encontró la oportunidad de seguir su propio consejo. A principios de los años cincuentas, la doctrina de Hubbard consistía en difusos métodos para analizar los traumas psicológicos que influyeron negativamente en la vida de las personas. Hubbard estableció estas técnicas en su famoso libro "Dianética", por el cual buscó reconocimiento de varias asociaciones psicológicas en los Estados Unidos. Pero al ser rechazado (principalmente porque nadie entendía dichos métodos), el escritor decidió ayudar al mundo por cuenta propia... y al parecer muchas personas encontraron valor en las técnicas y conceptos de Hubbard, pues durante la siguiente década amasó una legión de seguidores inspirados por las enseñanzas del escritor, las cuales buscaban alcanzar una utópica sociedad libre de crimen y disfunción. Pero todo ello con un alto costo monetario, desde luego.
Como cualquier persona, he leído un poco sobre esta enigmática Iglesia, su popularidad entre algunas estrellas de Hollywood, y sus misteriosos preceptos ultra-secretos, que gracias al Internet se volvieron del dominio público, cuando antes requerían años de "estudios" y, sobre todo, el pago de considerables sumas de dinero para avanzar en la jerarquía de la religión. O, "ascender el Puente", como ellos dicen. Sin embargo, el documental Going Clear profundiza en los secretos y actividades de la Iglesia, ofreciéndonos inesperados detalles y revelaciones que completan (parcialmente) el rompecabezas y nos aclaran por qué se ha vuelto tan controversial, especialmente desde el fallecimiento de LRH y el ascenso de David Miscavige, su actual líder.
Entre los detalles que más llamaron mi atención: la temprana relación entre Hubbard y Jack Parsons, co-fundador del Jet Propulsion Laboratory y de un culto pseudo-satánico en California conocido como Ordo Templi Orientis, cuya meta era la procreación al Anticristo; el hecho de que Hubbard mismo fuera increíblemente devoto de su propia religión, de modo que nunca explotó realmente sus inmensas ganancias; y, desde luego, las bizarras técnicas de reclutamiento que usa la Iglesia, las cuales van desde la promesa de súper-poderes, hasta bien conocidas tácticas de lavado cerebral.
A pesar de abundantes comentarios negativos por parte de los ex-discípulos de la Iglesia, el tono del documental Going Clear es tan imparcial como puede serlo; en ningún momento se cuestiona la fe de los creyentes, la autenticidad de la mitología en la que se fundamenta la religión, ni el beneficio de las "auditorías" como técnica de auto-ayuda... aunque el director Alex Gibney definitivamente señala su utilidad para recabar información que posteriormente se emplea para manipular a los miembros que se salen del rebaño.
Pero, bueno... supongo que la libertad religiosa requiere aceptar lo bueno junto con lo malo; cada quién tomará la decisión que parezca correcta y que cubra sus necesidades espirituales. En mi caso personal sería una difusa combinación de Star Trek y Douglas Adams, pero no quiero juzgar a los que depositen su fe en diferentes fantasías. Después de todo, el Jesús de unos puede ser el Monstruo Volador de Espagueti de otros, y no quiero convertirme en una "Persona Supresiva".
Calificación: 8.5

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Lost River

Síntomas: En la económicamente devastada ciudad de Detroit encontramos a Billy (Christina Hendricks), devota madre soltera, en peligro de perder su casa por no poder cubrir las cuotas de su hipoteca. Su hijo adolescente Bones (Iain De Caestecker) saquea casas abandonadas en busca de tubería de cobre para vender en centros de reciclado, pero esto le ha ocasionado problemas con las violentas pandillas que controlan las ruinas de la ciudad. Y su vecina, la joven Rat (Saoirse Ronan), vive con su abuela catatónica y asegura que el lago artificial cercano arrojó una maldición sobre los habitantes de la región.

Diagnóstico: Para su debut como director, el aclamado actor Ryan Gosling realizó una película increíblemente ambiciosa, no siempre coherente, pero repleta de impresionantes imágenes, enigmáticos personajes, y una pesadillesca atmósfera que nos transporta a un mundo mitad imaginario y mitad real donde la maldad y compasión humana se manifiestan en extrañas formas. Gosling obviamente se inspiró en el trabajo de directores como Terrence Malick, Nicholas Winding Refn (con quien colaboró en Drive y Only God Forgives) y sobre todo David Lynch, cuyos habituales refranes visuales y narrativos (casas en llamas, bizarros centros nocturnos, villanos socarrones) aparecen frecuentemente en Lost River, a veces como parte integral del relato, y a veces como obvios caprichos estilísticos. Pero, eso sí, siempre retratados con impresionante belleza por el director de fotografía Benoit Debie, quien transforma Lost River en una de esas raras películas (raras para nuestra época) filmadas en celuloide tradicional (stock Kodachrome, nada menos) que nos ponen a pensar sobre el detalle y calidez visual que quizás estamos sacrificando en la revolución digital. En verdad es una de las películas con imágenes más atractivas e hipnóticas que he visto en años recientes.
La trama, sin embargo, resulta menos interesante, desarrollándose en la periferia de viñetas vagamente conectadas, donde vemos las patéticas vidas de personajes tratando de sobrevivir sus respectivas circunstancias. Billy enfrenta la disyuntiva de perder su dignidad a cambio de ganar dinero para conservar su casa. Bones debe contemplar los beneficios y eminentes riesgos de desafiar a Bully (Matt Smith, irreconocible para fans de Doctor Who), el líder de la pandilla que controla los suburbios. Y Rat vive con una rata como su única amiga... hasta que inicia una tímida amistad con Bones.
Realmente esa es toda la historia. El director está más interesado en crear una atmósfera densa y fascinante, dejando la trama como elemento secundario que sirve para mover la cámara a través de locaciones y paisajes de abstracta belleza. Lost River no es una película de terror ni ciencia ficción, pero tiene el tono de una historia post-apocalíptica ubicada en el presente, lo cual resulta particularmente apropiado para mostrar la sorprendente pobreza y decadencia urbana de Detroit, otrora meca de la industria automotriz. Y supongo que esa denuncia del "sueño americano" como quimera generadora de falsa esperanza es el punto de la cinta entera. O quizás su intención sea más profunda y complicada, pero Gosling se empeñó tanto en copiar a sus directores favoritos (asumo), que no alcanzó a imprimir suficiente visión personal para dejarnos un mensaje memorable. Aun así Lost River es una notable imitación, y merece admirarse aunque no siempre encontremos esa "poesía" (uf) o mágico ingrediente que conecta al artista con el espectador. Y, en todo caso, Lost River fue una increíble "carta de presentación", revelando a Ryan Gosling como un director ambicioso y con sustancia, cuya oblicua sensibilidad probablemente guiará su carrera detrás de las cámaras tanto como lo hizo al frente de las mismas. Mala suerte para quienes esperaban más refritos de The Notebook.
Calificación: 8.5

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This Is Where I Leave You

Síntomas: Judd Altman (Jason Bateman) descubre que su esposa lo está engañando, y casi al mismo tiempo recibe la noticia de que su padre falleció. Entonces, con toda esa carga emocional, Judd decide asistir al funeral y pasar unos días con su familia, que incluye a su comprensiva hermana Wendy (Tina Fey), su irresponsable hermano Phillip (Adam Driver), y su madre Hillary (Jane Fonda), más preocupada por su próxima gira literaria que por la obvia disfunción de sus hijos. Será una semana llena de revelaciones, tensión familiar, y algunas risas. O al menos esa era la intención de la película.

Diagnóstico:  La presencia de Jason Bateman en el papel principal hace la comparación demasiado obvia, pero no por ello menos cierta: This Is Where I Leave You parece un mal episodio de Arrested Development. O tal vez tres o cuatro episodios juntos.
Al igual que los Bluth, la familia Altman está integrada por individuos neuróticos y egoístas, cada uno lidiando con su particular melodrama personal que se emulsiona en un volátil cóctel cuando se reúnen bajo un mismo techo por primera vez en muchos años. Judd sigue herido por la traición de su esposa y, para complicar las cosas, empiezan a revivir sus sentimientos hacia Penny (Rose Byrne), la amiga de la infancia que se transformó en una atractiva mujer. Los demás hermanos pelean por cualquier razón, incluyendo el control del negocio familiar. Por su parte, Hillary es la clásica madre castrante que arruinó la infancia de sus hijos con una sonrisa (y con demasiadas anécdotas sexuales). Y finalmente Liz Lemo... perdón, Wendy (Tina Fey) es la sarcástica observadora del caos doméstico, siempre con el oportuno comentario mordaz que libera la tensión en una situación delicada... o la hace aún más incómoda.
This Is Where I Leave You está basada en la homónima novela de Jonathan Tropper (quien también escribió el libreto), y probablemente funcionaba mejor como libro, donde hay amplia oportunidad de explorar las emociones y motivación de los personajes. Desafortunadamente la transición a cine sacrificó esos hipotéticos atributos (no he leído la novela ni me interesa hacerlo), y dejó como resultado una serie de esporádicos momentos honestos y emotivos, esparcidos entre cansadas conversaciones, malos chistes, e intentos de drama artificial que cuesta trabajo tomar en serio debido a la frivolidad de los personajes.
Hablando de los cuales, mis actores "favoritos" (término muy relativo) en This Is Where I Leave You fueron Tina Fey, debido a mi eterna devoción por 30 Rock (eterna, aunque no tan ciega para reconocer que Fey no es muy buena actriz cuando se aleja de sus rutinas habituales; el libreto de esta película le asigna un par de escenas dramáticas que simplemente no consigue "vender", por mucho que lo intenta); Rose Byrne, por razones obvias; y Jason Bateman, quien nuevamente echa mano del humor seco y sardónico que revivió su carrera en la mencionada serie Arrested Development  (¡parece que habrá una segunda temporada en Netflix!).
Obviamente el director Shawn Levy quería hacer una versión moderna de The Big Chill (o una versión adulta de The Way, Way Back), pero fracasó en varios niveles. El humor no es muy gracioso, sus observaciones sobre las relaciones y la naturaleza humana no parecen muy incisivas, y los personajes son caricaturas definidas por uno o dos rasgos básicos (los que tienen suerte). Habiendo dicho eso, This Is Where I Leave You no me aburrió demasiado, hay algunos buenos diálogos, y el final es extrañamente optimista, atando cabos sueltos y balanceando con cierto ingenio la proporción correcta de drama, humor y revelaciones absurdas. No podría darle una recomendación muy entusiasta, aunque tampoco descarto la posibilidad de que la cinta logre "conectar" mejor con espectadores que vean reflejadas sus vidas en la pantalla (reflejos sin duda exagerados, pero no exentos de un granito de verdad). Como hijo único y solterón empedernido no encontré mucho material identificable en este desfile de matrimonios infelices y rivalidades fraternales. Y, a decir verdad, creo que un "crossover" de Arrested Development y 30 Rock debería dar un resultado épico, en vez de simplemente "meh".
Calificación: 6.5

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Desde la Oscuridad (Out of the Dark)

Síntomas: Sarah Harriman (Julia Stiles), junto con su esposo Paul (Scott Speedman) y su pequeña hija, se mudan al pintoresco pueblo de Santa Clara, en Colombia, para ayudar en la administración de la fábrica de su padre. Lo que Sarah no sabe es que la elegante villa donde se hospedan tiene un oscuro pasado que amenaza con regresar para poner en peligro a su familia.

Diagnóstico: En su más básico nivel, Desde la Oscuridad es una atractiva co-producción colombiana-española filmada en inglés con actores norteamericanos de cierto renombre, para hacerla más atractiva en el mercado internacional. Pero en el fondo se trata de una clásica historia de "casa embrujada" que se desarrolla con frustrante desgano, esperando que los hermosos escenarios naturales y folclore regional nos convenzan de que estamos viendo algo novedoso, o al menos entretenido. Sobre decir que no fue así.
Es una lástima que el director Lluís Quílez no haya contado con un mejor libreto para aprovechar su competente estilo visual. El ritmo de Desde la Oscuridad es muy lento, lo cual no sería tan malo si inspirara terror, o al menos suspenso; pero su excesivo uso de clichés y blandos personajes diluyen la tensión y dan paso al aburrimiento mientras presenciamos genéricas manifestaciones sobrenaturales como siluetas oscuras, huellas fantasmales, y puertas que abren y cierran solas. Todo ello, desde luego, acompañado por exagerados acentos musicales para crear sobresaltos y simular que la trama está avanzando.
Para variar, la parte sobrenatural de la película incluye los obligatorios fantasmas vengativos que quieren rectificar una ofensa del pasado; y no creo que sea SPOILER revelarlo, pues nos lo muestran desde los primeros minutos en forma de un ambiguo prólogo que establece el insípido tono de la película, y la mediocridad de los "sustos" con los que pretende horrorizarnos durante sus cortos noventa minutos de duración. Para ser justos, los mencionados eventos sobrenaturales se justifican parcialmente con un tardío mensaje ecológico/político, relacionado con la explotación de los pueblos indígenas a manos de los desalmados imperialistas, o algo así. Tampoco quiero darle demasiado crédito a Desde la Oscuridad, sugiriendo que oculta un gran mensaje detrás del insustancial terror... aunque aprecio que lo hayan intentado.
De los actores no hay mucho que decir; los productores no buscaban talento sino nombres semi-famosos para adornar el póster. Por otro lado, no podría culpar a Julia Stiles, Scott Speedman y Stephen Rea (como el padre de Sarah) por aceptar unas vacaciones pagadas en una preciosa región de Colombia.
Francamente no encuentro suficientes razones para recomendar Desde la Oscuridad; me gustó la fotografía, las mencionadas locaciones... y nada más. En cualquier momento podemos ver mejores películas de terror en televisión, streaming o video casero, lo cual hace aún más enojoso el estreno de esta película en cines de México. Es como si la industria fílmica hubiera perdido el interés por satisfacer al público. Esto sin duda inspira un poco de temor, pero por razones totalmente distintas a las que sus productores esperaban.
Calificación: 5

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Come Back to Me

Síntomas: En un agradable suburbio de Las Vegas, Sarah (Katie Walder) se esfuerza por terminar su tesis universitaria, mientras su esposo trabaja en un casino. Pero su apacible vida pierde estabilidad cuando Sarah empieza a sufrir violentas pesadillas que parecen demasiado reales... aunque todo vuelve a la normalidad cuando despierta. Entonces, sospechando una influencia externa, la mujer coloca una cámara para grabar lo que ocurre en su casa durante la noche...

Diagnóstico: Come Back to Me es un caso interesante... las actuaciones no son muy buenas, la dirección titubea con frecuencia y no siempre consigue que las escenas "peguen" correctamente. En otras circunstancias me costaría trabajo recomendarla. Pero su libreto fue una sorpresa; inesperadamente provocativo, bien estructurado, y con un giro muy interesante en un sub-género donde parecía imposible innovar. ¿Qué sub-género es ese? No estoy seguro. Podríamos considerar Come Back to Me como una cinta slasher, o sobre asesinos seriales; o tal vez como algo totalmente distinto que combina elementos de múltiples corrientes para crear algo nuevo, de difícil descripción.
Será mejor no decir más sobre la trama para no arruinar sus sorpresas. Ni siquiera quiero revelar el título del libro en el que está basada la película, pues siento que revela demasiado.
Habiendo dicho eso, conviene advertir que Come Back to Me tiene muchos pequeños problemas que demeritan la experiencia general. Los actores se sienten forzados, sobre todo en las escenas más violentas o dramáticas; y sus interacciones apenas cumplen los más básicos requisitos de credibilidad, ya sea Katie Walder con su "esposo" interpretado por Matt Passmore; o con Laura Gordon en el papel de confidente, mejor amiga y doctora que invariablemente descarta las descabelladas teorías de Sarah a pesar de la evidencia. El director Paul Leyden (con una larga carrera actuando en telenovelas norteamericanas) parece inseguro sobre el tono de la película, y francamente no hay mucho terror en su desarrollo; afortunadamente el libreto cubre algunas de esas deficiencias y consigue generar suspenso por sus propios méritos. Por otro lado reconozco que Leyden tiene buen sentido visual y, con ayuda de su director de fotografía, crea una atmósfera febril y angustiosa, vistiendo las blandas locaciones suburbanas con altos contrastes y colores saturados que revelan una realidad más intensa, donde todo puede suceder. Finalmente, los efectos especiales son escasos pero bien hechos, con buen balance entre técnicas tradicionales y apoyo digital. Por cierto, la típica escena del perro como víctima me dio más risa que tristeza, debido al obvio entusiasmo del can; fue un alivio que no me amargara la cinta, como ocurre tan seguido.
A fin de cuentas Come Back to Me llama la atención por sus ideas y creativa premisa, pero tampoco quiero crear expectativas demasiado elevadas. Tal vez con un mejor director y actores talentosos sería una joya oculta, de esas que es tan satisfactorio descubrir. Pero en su estado actual parece más un interesante experimento... una agradable anomalía entre el genérico producto destinado al video casero. Y como no estamos en condiciones de desperdiciar buenas ideas, con eso basta para recomendarla, aunque no resulte particularmente memorable. Hay peores que me han gustado más, y mejores que me han gustado menos.
Calificación: 7.5

Trailer (para variar, revela más de la cuenta)

Monsters: Dark Continent

Síntomas: La plaga de monstruos extraterrestres que comenzó en México se extendió al resto del mundo; y ahora, diez años después, un pelotón de soldados norteamericanos trata de contener la infestación en el Medio Oriente. Pero no será fácil, pues además de luchar contra monstruos de todos los tamaños imaginables, los soldados sufren también ataques constantes de las milicias locales que quieren expulsar la presencia norteamericana.

Diagnóstico: En el 2010, la película Monsters sorprendió al mundo (o al menos a los fans del cine independiente) con su imaginativa interpretación del cine "kaiju", realizada con muy poco dinero pero con inmensa creatividad y atención al aspecto humano de una "invasión" extraterrestre de ambigua intención. Y, al ubicar la historia en la frontera entre México y los Estados Unidos, añadió un fascinante subtexto político sobre derechos civiles e inmigración.
Ahora, cinco años después, la secuela Monsters: Dark Continent ignora todos los aciertos de su predecesora para castigarnos con un aburridísimo refrito de todas las películas bélicas realizadas en la década pasada, usando el concepto de los monstruos como trasfondo lejano e inconsecuente del exagerado melodrama entre un grupo de soldados absolutamente anónimos y antipáticos.
En serio, no se qué pasó.
Por un lado, aprecio que el director Tom Green (no el comediante) haya intentado hacer algo distinto en vez de repetir la fórmula de la cinta original. Pero quizás su ímpetu "innovador" salió de control y terminó alejándose tanto que ni siquiera tiene sentido la presencia de los monstruos, excepto como ocasional adorno y muestrario de notables efectos especiales carentes de relevancia para la trama principal.
Dicha trama sigue a los soldados en una peligrosa misión de rescate, durante la cual encontrarán combatientes hostiles, conflictos personales y todos los clichés que vimos mejor implementados en cintas como The Hurt Locker (el trauma emocional de los soldados), American Sniper (imposibles disyuntivas morales durante el combate), y hasta Apocalypse Now (el gradual descenso a la locura bajo el estrés de la guerra). Y tampoco ayuda que el genérico reparto sea bastante mediocre, reduciendo sus actuaciones a gritos, gestos exagerados, y todas las permutaciones posibles de la palabra "fuck".
Por el lado positivo, los valores de producción de Monsters: Dark Continent me parecieron fenomenales. Los soldados se ven realmente como soldados (y no como actores fingiendo ser soldados); los vehículos y armas parecen legítimos; y los efectos especiales (cortesía del estudio Minimo VFX) me dejaron pasmado por su realismo y perfecta integración con los impresionantes escenarios naturales. Si tan solo esa pericia técnica se hubiera aprovechado en un libreto más interesante y mejor conectado con la excelente película original...
Monsters: Dark Continent tiene muchos elementos positivos, casi todos en el aspecto visual; pero su flojo libreto, excesiva duración (dos horas) y desagradables personajes arruinaron la experiencia y desperdiciaron una sólida puesta en escena (empañada por algunas crueles instancias de abuso animal para hacer más "realista" el entorno del Medio Oriente). Aún así me gustó la dirección de Tom Green y su ambición por llegar más allá de la película original, aunque hubiera sido mejor lucir ese talento en una historia propia y dejar esta fascinante mitología en manos de alguien con más afinidad por el género fantástico, que supiera integrar a los monstruos como parte fundamental de la narrativa, en vez de relegarlos al fondo del escenario. Ya sean metáforas o simples amenazas, los monstruos deberían ser siempre tan interesantes como los héroes. Y viceversa.
Calificación: 6 (solo por las imágenes)

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Rápidos y Furiosos 7 (Furious 7)

Síntomas: Dominic Toretto (Vin Diesel) y los miembros de su equipo están siendo sistemáticamente atacados por Deckard Shaw (Jason Statham), quien busca vengarse por lo que le hicieron a su hermano en Londres (como vimos en Furious 6). Al mismo tiempo, el misterioso agente federal conocido como "Mr. Nobody" (Kurt Russell) solicita ayuda al equipo de Toretto para evitar que una avanzada arma tecnológica caiga en manos de Jakende (Djimon Hounsou), un peligroso terrorista somalí.

Diagnóstico: Las películas de la saga The Fast and the Furious han incrementado la espectacularidad de los "stunts" y escenas de acción con cada nueva secuela, al mismo tiempo que sus argumentos se vuelven más revueltos y aparatosos para garantizar que el numeroso elenco tenga suficientes momentos de lucimiento individual. Aún así me han parecido muy entretenidas, y la nueva Rápidos y Furiosos 7 no fue la excepción, elevando el nivel del melodrama y de las acrobacias automovilísticas más allá de toda razón o credibilidad... lo cual es exactamente lo que esperaban los fans (esperábamos). Además, el lamentable fallecimiento del actor Paul Walker presta una gravedad a la historia que el libreto nunca hubiera generado por sí mismo. Creo que hasta ahora encontré validez en la palabrería sobre "familia", que Vin Diesel repite tantas veces en las cintas de la saga (conté al menos cuatro instancias en Rápidos y Furiosos 7). Ojalá este nuevo peso emocional no fuera por razones tan trágicas, pero indudablemente afectó mi percepción de la película.
En fin... lo que la gente quiere ver son la escenas de acción, y Rápidos y Furiosos 7 cumple con creces las expectativas del público (al menos las mías) con una serie de descabellados "stunts" absolutamente inverosímiles pero asombrosos y muy entretenidos. El director James Wan (más conocido en el género de terror con Saw e Insidious) hereda la franquicia con inusitado aplomo, consiguiendo un apropiado balance entre historia y acción que hace más fácil ignorar las inconsistencias y obstáculos introducidos arbitrariamente como motivadores de la siguiente escena de acción o momento de introspección sentimental. Nadie premiará el libreto de Chris Morgan, pero sirve razonablemente bien dentro de los estrechos parámetros de la serie.
Hablando de premios: la cantidad, complejidad y espectacularidad de las acrobacias mostradas en Rápidos y Furiosos 7 están provocando comentarios sobre la posibilidad de introducir una categoría especial para "stunts" y dobles en los Óscares; y me parece una excelente idea. Por mucha manipulación digital que se haya aplicado a estas secuencias (borrado de cables, reemplazos faciales y retoque general), no deja de existir extraordinario talento mecánico, pirotécnico y logístico (por no mencionar nervios de acero) envuelto en la filmación de esas escenas, lo cual merecería reconocimiento formal por parte de "la Academia". Actualmente hay dos categorías dedicadas a los técnicos que mezclan el audio de los choques automovilísticos, ¿y ninguna para los conductores que arriesgaron la vida manejándolos? Ridículo. Fin de la editorial.
Los actores veteranos de la saga hacen lo suyo en Rápidos y Furiosos 7, como puede suponerse. Algunos llevan más de diez años repitiendo los mismos papeles, y saben lo que se espera de ellos, desde el taciturno líder interpretado por Vin Diesel hasta Tyrese Gibson como el bufón oficial. Por otro lado, las nuevas adiciones al reparto me parecieron un tanto irregulares. Jason Statham quizás sea el mejor villano que la serie ha tenido hasta el momento, pero debe compartir el título con Djimon Hounsou, absolutamente desperdiciado como el terrorista que busca robar una mágica aplicación de espionaje digital. Kurt Russell aporta un poco de estilo y arrogancia ochentera en el papel del agente gubernamental, pero no basta para reemplazar a Dwayne Johnson, quien está ausente durante casi toda la película (seguramente ocupado en otros proyectos, o no le pagaron lo suficiente). Al menos sus participaciones al principio y al final son bastante jugosas. Y la obligatoria pelea femenina entre Michelle Rodriguez y la luchadora Ronda Rousey no logra igualar las similares escenas con Gina Carano en la cinta anterior; ojalá la hubieran conservado como parte integral del equipo.
No sé si la saga continuará sin Paul Walker; probablemente sí, en vista de las ridículas cantidades de dinero que generan estas películas. Mi favorita sigue siendo la número cinco (Fast Five), pero Rápidos y Furiosos 7 me pareció igualmente recomendable como competente película de acción, y como tributo/capítulo final en caso de que quisieran detenerse aquí. De otro modo, ¿qué podría seguir? ¿Brincar en automóvil a la Estación Espacial Internacional? Francamente me gustaría verlo, y creo que James Wan está capacitado para intentarlo. Ya encontrarán excusa para resolver una crisis espacial con veloces coches y chicas en bikini.
Calificación: 9

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Backcountry

Síntomas: Alex Louis (Jeff Roop) y su novia Jenn (Missy Peregrym) se disponen a pasar unos días de tranquila soledad acampando en los bosques de Canadá, pero los numerosos peligros de la naturaleza harán que su pequeño viaje resulte más trágico de lo que esperaban.

Diagnóstico: He visto muchas películas (quizás demasiadas) con gente caminando interminablemente por el bosque, pero casi siempre la situación se usa como relleno para ocupar el tiempo mientras llega el ataque del asesino enmascarado, o el monstruo mutante, o tal vez Sasquatch. Sin embargo Backcountry es una de las pocas cintas donde la caminata misma es motivo del horror, gracias al compacto y eficiente libreto del director Adam MacDonald (supuestamente inspirado en hechos reales), el cual no requiere villanos imaginarios ni eventos sobrenaturales para generar suspenso y contagiarnos del temor primordial que inspiran las amenazas naturales ocultas hasta en el más idílico paisaje silvestre. Incluso estando razonablemente bien preparado y conociendo el terreno, como es el caso de Alex (interpretado por Jeff Roop), siempre hay oportunidad de tomar malas decisiones y encontrar una fatal mezcla de mala suerte y excesiva confianza que rápidamente transforma un romántico paseo en sangrienta pesadilla.
Roop y Missy Peregrym forman una pareja creíble y suficientemente agradable para sustentar el interés en sus aventuras, así como para imprimir realismo emocional al gradual colapso de su relación, conforme las circunstancias se vuelven más desesperadas. Eric Balfour es apropiadamente siniestro como el misterioso cazador que encuentran por casualidad en el bosque; y eso es todo. Con excepción del guardabosques que aparece al principio del viaje, no hay más actores para repartir la carga narrativa, lo cual destaca el carisma y sólido desempeño de la pareja protagonista.
Los densos bosques canadienses (sí, filmada realmente en Canadá en vez de Rumania o la República Checa) están filmados con sobrio estilo para realzar su belleza, pero el director nunca pierde de vista el subtexto de aislamiento y riesgo inherente detrás de cada árbol o sendero semi-oculto por el follaje. No quiero mencionar directamente esos riesgos, pues en una película tan simple y lineal como Backcountry es indispensable conservar las sorpresas para alimentar la creciente tensión que conduce la historia. Pero baste decir que, sí, encontraremos sangre y terror antes de llegar al agridulce final.
Es probable que Backcountry decepcione a quienes esperaban algo más convencionalmente "terrorífico", como los aliens de Extraterrestrial o los caníbales rurales de Wrong Turn. Pero el director Adam MacDonald (bien conocido actor canadiense y colega de Missy Peregrym en la serie policiaca Rookie Blue) nos recuerda que la realidad puede ser tan intensa y perturbadora como cualquier fantasía, lo cual conviene recordar de vez en cuando... especialmente si abandonamos la "seguridad" del entorno urbano para explorar las maravillas de la naturaleza. Después de leer los libros del investigador David Paulides no me quedaban muchos deseos de acampar en el bosque, y ahora Backcountry refuerza esa opinión con su simple y bien construido relato (a veces un poco lento) sobre "hombre contra naturaleza"... y ya sabemos quien será siempre el ganador en esa batalla.
Calificación: 8

Trailer (recomiendo no verlo; revela absolutamente todo)

Black Sea

Síntomas: Después de perder su empleo en una empresa de salvamento submarino, el Capitán Robinson (Jude Law) acepta participar en una peligrosa misión para recuperar dos toneladas de oro que supuestamente se encuentran a bordo de un submarino nazi hundido en el Mar Negro desde hace sesenta años. Pero no será fácil, pues además de sufrir problemas técnicos y la constante amenaza de patrullas rusas, Robinson deberá lidiar con una volátil tripulación dispuesta a todo para quedarse con el oro.

Diagnóstico: Me gustan las películas sobre submarinos a pesar de que tienden a ser muy similares. La claustrofobia, el peligro constante de un entorno hostil, la pericia de la navegación a ciegas... ciertamente es una fórmula predecible, pero funciona para mi. La nueva cinta Black Sea no se desvía mucho de ese esquema, con la excepción de que su historia ocurre en un contexto civil y no militar. De hecho, me cuesta trabajo recordar alguna película similar que no use submarinos de las fuerzas armadas... ¿quizás la venerable 20,000 Leagues Under the Sea? Como sea, el punto es que Black Sea realiza un excelente trabajo empleando esos bien conocidos clichés como apoyo de una historia tensa y muy humana, enfocándose en el conflicto de personajes interesantes y bien interpretados por un sobresaliente elenco.
Jude Law muestra el lado dramático que no habíamos visto en algún tiempo; me gusta su trabajo ligero en las películas de Sherlock Holmes o sus ocasionales desplantes "indie" (como en The Grand Budapest Hotel), pero conviene recordar su considerable talento para enfrentar material más serio y profundo. Je, je... profundo. Como el submarino.
El resto del reparto es generalmente desconocido (aunque Ben Mendelsohn está a punto de explotar gracias a su trabajo en la serie Bloodline), lo cual hace los personajes más realistas e intensos, definidos por el carácter que imprime cada actor, y no por las expectativas del espectador. El diseño de producción es asombroso, dando "vida" e historia al decrépito submarino que Robinson alquila para la peligrosa misión; y la cinematografía de Christopher Ross selecciona los ángulos precisos para mantener la opresiva atmósfera del navío, sin sofocar a los actores con encuadres demasiado cerrados o confusos.
Mi única objeción sería un "twist" durante el tercer acto que sentí un poco innecesario. Por un lado, complica la ya de por sí desesperada situación del submarino e incrementa el suspenso; pero al mismo tiempo ofusca el desenlace, y hasta cierto punto nos roba el final más satisfactorio (no necesariamente feliz) que yo esperaba.
Por lo demás, Black Sea me pareció un notable thriller marítimo con suficiente calidad y sustancia para ganarse una justa recomendación. Creo que hubiera merecido un estreno más amplio, aunque desafortunadamente no es secuela, no cuenta con grandes estrellas, ni invirtió demasiado dinero en huecos efectos especiales, todo lo cual parece requisito indispensable para que las distribuidoras tomen en serio una película moderna. Otra muestra de "menos es más" que será ignorada por la política de "más es mejor". Estamos hundidos (perdón).
Calificación: 8.5

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A Girl Walks Home Alone at Night

Síntomas: En un pequeño pueblo en algún lugar del Medio Oriente, el joven Arash (Arash Marandi) trata de cuidar a su anciano padre drogadicto. Al mismo tiempo, una enigmática mujer (Sheila Vand) satisface su sed de sangre eliminando a los criminales e indigentes de la comunidad.

Diagnóstico:  A Girl Walks Home Alone at Night proclama ser el primer "western vampírico iraní", y en verdad cumple lo que promete... aunque hay un poco de falsedad en su origen (realmente se filmó en California). Pero los actores, el lenguaje y la cultura de Irán están presentes en cada cuadro de la película, y la directora Ana Lily Amirpour (también iraní) manipula nuestra percepción de aquella región para darle al relato un tono y sabor únicos, dando como resultado una fascinante experiencia que toma prestado de muchos géneros para formar algo muy entretenido y original.
Bueno, "entretenido" es un término muy subjetivo. Independientemente de su origen o filiación "western", A Girl Walks Home Alone at Night me recordó las películas de Jim Jarmusch (incluso podría tomarse como precuela de Only Lovers Left Alive), pues posee esa rara facilidad para crear personajes realistas en circunstancias altamente inusuales, envueltos en una narrativa difusa y melancólica cuyo parsimonioso ritmo subraya el drama y nos invita a explorar sus profundos (y al mismo tiempo accesibles) temas. Y, claro, todo ello acompañado por una magnífica banda sonora.
¿Qué significa tanta palabrería? A Girl Walks Home Alone at Night es una película lenta, a veces ambigua, que podría describirse mejor como un melodrama romántico con personajes superficialmente distintos, pero atrapados en el mismo círculo vicioso de aislamiento y desesperanza. ¿Lograrán escapar, o serán víctimas de su mutua desconfianza? ¿Y qué le pasará al gato de inocente mirada? (Spoiler: nada).
Todos los actores encajan maravillosamente en sus taciturnos personajes, resaltando Sheila Vand como la trágica anti-heroína sensible pero muy peligrosa, que detesta los actos que tiene que cometer para sobrevivir.
El libreto escrito por la misma directora (basado en su epónima novela gráfica) aprovecha la clásica dualidad de "deseo/muerte" presente en las mejores historias de vampiros, y la traslada a un entorno de decadencia rural evocativo de las raíces europeas del mito, al mismo tiempo que la actualiza con una atmósfera "retro-cool" casual y atractiva. Y tampoco puede faltar el obligatorio comentario social/feminista expresado en momentos de inesperada genialidad, como cuando el tradicional "chador" usado por las mujeres de Irán toma la apariencia de alas de vampiro. Finalmente, la mágica cinematografía en blanco y negro añade textura a todas las escenas, con precisos encuadres que transforman en arte hasta el más inmundo callejón o prosaico edificio (por no mencionar las fosas comunes llenas de cadáveres).
A pesar de su trama un tanto simple y algunos caprichos del libreto (¿qué demonios significa la mujer bailando con el globo?), A Girl Walks Home Alone at Night me gustó bastante y podría recomendarla para aficionados al cine "raro" y genuinamente independiente que desafía descripción y rehúsa encasillarse en rígidos formatos para conveniencia comercial. Habiendo dicho eso, advierto que A Girl Walks Home Alone at Night está muy lejos de ser una película de terror, al menos en el sentido convencional, así que no esperen sangre ni efectos especiales... solo la eterna soledad del vampiro y el peso de la conciencia que la conecta a su humanidad perdida. En resumen, un gran paso en la redención del legendario monstruo que perdió sus colmillos por sobre-exposición cultural.
Calificación: 8.5

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