Comando Especial 2 (22 Jump Street)

Síntomas: Debido al éxito de su previa misión como "estudiantes", los policías Schmidt (Jonah Hill) y Jenko (Channing Tatum) reciben la orden de infiltrarse en la universidad estatal para identificar y arrestar a los traficantes de una nueva droga que está matando estudiantes...

Diagnóstico: ...pero desde luego lo importante no es la misión, sino la relación entre Schmidt y Jenko, así como los retos que enfrentará su amistad en el entorno universitario, donde descubren nuevos intereses que sacan a la luz sus diferencias personales y amenazan con separarlos para siempre. Suena melodramático, pero desde luego nada se toma en serio, y los guionistas no pierden oportunidad de explotar el "bromance" de los policías para hacer constantes alusiones homosexuales, al mismo tiempo que satirizan los clichés del cine policiaco, "chick flicks" y desde luego las comedias estudiantiles. Desafortunadamente el humor solo funciona de vez en cuando, y casi siempre fracasa en su intento de duplicar la frescura y afable subversión que hizo la primera cinta tan divertida. Los directores Phil Lord y Christopher Miller están plenamente conscientes de la situación, y hasta nos advierten al principio que las segundas partes nunca son tan buenas como la original (en voz de Ron Swanson, nada menos). Pero por mucho humor "meta" que traten de introducir, la verdad es que su advertencia resultó cierta: Comando Especial 2 cuenta con los mismos ingredientes de la receta original, pero el sabor no es el mismo. Sin embargo eso no significa que sea un fracaso absoluto. Channing Tatum y Jonah Hill se esfuerzan por mantener la misma energía y dinamismo de antes, apoyándose en su buena química para crear simpáticos detalles humorísticos y explorar bizarras tangentes que hacen reír por su audacia o incongruencia. Sospecho que hubo amplio margen de improvisación durante el rodaje, que los actores aprovecharon para crear espontáneos momentos de comedia donde se burlan del argumento y de sí mismos, generando suficientes sonrisas para salvar la película (apenas) y compensar la mediocridad general de un libreto blando y predecible. De hecho, Comando Especial 2 me recordó The Hangover 2: ambas enfrentaron el reto de repetir el éxito de sus predecesoras usando la misma premisa y, aunque no lo lograron, funcionan marginalmente bien por derecho propio, siempre y cuando mantengamos bajas expectativas y nos quedemos a ver los créditos finales, mucho más graciosos que cualquier otra cosa durante la película. Comando Especial 2 tuvo suerte esta vez, ya que pudo ser peor; y espero que no se arriesguen a producir más secuelas, pues dudo que 23 Jump Street sea realmente tan simpática como prometen en los créditos (¿mencioné que son lo mejor de la película?)
Calificación: 7 Jump Street

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Lucy

Síntomas: Mientras visita Taiwan, la joven Lucy (Scarlett Johansson) se involucra accidentalmente con mafiosos que quieren usarla para transportar una nueva y exótica droga en su estómago. Pero cuando un incidente libera la droga en su organismo, se suscita un cambio en Lucy que nadie podría imaginar.

Diagnóstico: Luego de su "retiro", el director francés Luc Besson sigue tan prolífico como siempre, y ahora nos presenta una entretenida pero espectacularmente ridícula cinta de "ciencia" ficción que, a pesar de todo, resulta ser de lo mejor que ha hecho (ya sea como director, guionista o productor) en años recientes... lo cual no es decir mucho. Para bien o para mal, Lucy sigue la fórmula habitual de este director, combinando abundante acción, creativo estilo visual, y un ritmo suficientemente acelerado para distraernos del desfile de tonterías e incongruencias que integran el libreto (¿no se ha desacreditado suficiente el mito de "solo usamos el diez por ciento de nuestro cerebro"?) Por suerte Besson cuenta con el apoyo de un talentoso reparto internacional, empezando por Scarlett Johansson como la epónima Lucy. No describiría su actuación como "buena" (sobre todo después de ver su increíble trabajo en Under the Skin), pero su carisma e inquebrantable compromiso con el personaje nos enganchan de inmediato y hacen tolerables los cuestionables (a veces involuntariamente hilarantes) altibajos del libreto (ese "freakout" antigravedad del principio me hizo reír bastante, y me puso del humor correcto para apreciar los desvaríos de la película). Por su parte, Morgan Freeman navega en piloto automático, sabiendo que su serena presencia y persuasiva voz bastarán para hacer verosímil la descabellada premisa. Y hasta los villanos desechables (interpretados por Min-sik Choi y Nicolas Phongpheth) resultan interesantes dentro de su locura, alcanzando fugaces momentos memorables, lo cual es raro en este tipo de cine. Además, con aproximadamente ochenta minutos de duración (sin contar créditos), la cinta termina tan rápido como empezó, no tiene tiempo de volverse aburrida, y nos deja al final con algunas reflexiones "filosóficas" para digerir después de salir del cine (tampoco tienen mucho sentido, pero aprecié su intención). Lucy no es una buena película en el más estricto sentido, pero me entretuvo bastante y podría recomendarla como desechable entretenimiento de fin de semana que no nos exige poner mucha atención, y mucho menos pensar (creo que hacerlo arruinaría la experiencia). Y, más allá de eso, me recordó el talento de Luc Besson en sus mejores épocas, y me hizo desear que invirtiera esta misma dedicación y esmero en una genuina historia de ciencia ficción para el nuevo milenio, inteligente y estilizada, en vez de repetir los trucos del siglo pasado. Pero lo más probable es que su siguiente película sea sobre no meterse al agua después de comer, o algo así.
Calificación: 7.5

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The Damned

Síntomas: David (Peter Facinelli) y Lauren (Sophia Myles) viajan a Colombia para recoger a su hija adolescente y dos amigos; pero en el camino a Medellín tienen un accidente automovilístico en mitad de una fuerte tormenta, y buscan refugio en un viejo hotel donde vive un misterioso anciano que los deja entrar con la condición de que se queden en una sola habitación y no exploren el edificio. Desde luego eso es lo primero que hacen los visitantes, y descubren una niña encerrada en el sótano. ¿Será el anciano un secuestrador de menores? ¿O está ocultando algo más siniestro e inexplicable?

Diagnóstico: El argumento de The Damned no es muy innovador (de hecho es muy similar al clásico episodio de The Twilight Zone, "The Howling Man"), pero nos presenta una intrigante situación con amplias oportunidades para generar terror, paranoia y suspenso; y las locaciones colombianas añaden un sabor particular que separa la cinta de similares obras norteamericanas. Sin embargo el irregular ritmo y deslices del libreto traicionan el potencial de la premisa, aunque no la arruinan por completo; simplemente hacen un poco frustrantes los intervalos entre asesinatos y manifestaciones demoníacas. Es durante estos cruentos momentos cuando podemos apreciar los detalles que redimen la película. La sangre fluye libremente y está bien combinada con sutiles efectos digitales para representar el avance del poder maligno que posee a los personajes. Pero no es un simple refrito de Evil Dead; el "contagio" se extiende bajo una condición específica que exige a los personajes más estrategia que simple violencia si desean sobrevivir. Por otro lado, dichos personajes tienden a cometer los más absurdos errores cuando el libreto no encuentra manera lógica de continuar la historia. Pero bueno... a estas alturas debería estar acostumbrado a esos vicios narrativos en el cine de terror; lo malo es que se notan más cuando demeritan los atributos positivos de una obra que podría haber mejorado con más planeación y conocimiento de causa, para no repetir los errores del pasado. Hablando de lo cual, esta película se promocionó durante mucho tiempo bajo el título de "Gallows Hill", mucho más memorable y distintivo que The Damned (seguramente asignado por el distribuidor en los Estados Unidos). No entiendo esa costumbre de cambiar los títulos en el último momento; lo único que logran es confundir a los lectores de blogs y revistas de terror, y desperdician los esfuerzos de relaciones públicas realizados durante la filmación y promoción inicial de la cinta. En fin... supongo que los mercadólogos saben lo que hacen. Fin de la diatriba. Pasando a temas más relevantes, los actores de The Damned varían en calidad, pero muestran adecuado compromiso con sus papeles. Mis favoritos fueron Sophia Myles como madrastra que trata de mantener unida a su "familia postiza"; y la niña Julieta Salazar, aun más terrorífica cuando no lleva maquillaje satánico. Todo eso (bueno o malo) se combina para que The Damned sea una breve y funcional experiencia de terror con suficientes virtudes para compensar sus moderados problemas. Dudo recordarla en unos días, pero me entretuvo durante noventa minutos, y además me dio gusto encontrar que el director español Víctor García logró escapar del circuito de secuelas directas a DVD (entre sus obras previas: Mirrors 2, 30 Days of Night: Blood Trails y Hellraiser: Revelations) para hacer algo más original. Ojalá siga ese camino en el futuro, pues creo que podría sorprendernos; quizás para la próxima podría buscar inspiración en The Outer Limits.
Calificación: 7

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Very Good Girls

Síntomas: En los suburbios de Nueva York, las mejores amigas Lilly (Dakota Fanning) y Gerri (Elizabeth Olsen) planean perder su virginidad durante el verano, antes de entrar a la universidad. Lo que no saben es que será más difícil de lo que parece, especialmente en el aspecto emocional.

Diagnóstico: Me interesó la película Very Good Girls por comentarios que la describían como la respuesta femenina al renovado género "coming of age", representado por recientes obras de elevada calidad (pero con un punto de vista masculino) como The Kings of Summer, The Spectacular Now y The Way, Way Back. La estrategia de este nuevo movimiento consiste en adoptar los clichés de la comedia juvenil y darles un giro dramático, convirtiéndolos en instrumentos para explorar la angustia adolescente. O algo así. Very Good Girls se acerca bastante al nivel de las cintas mencionadas, pero sufre una cierta superficialidad que traiciona sus nobles intenciones y visión narrativa. Aún así es un sólido melodrama con buenos actores, una trama interesante, y suficiente impacto emocional para transmitir el válido e importante mensaje propuesto por la directora/guionista Naomi Foner... pero el efecto global parece menor que la suma de sus partes. O también es muy posible que mi cerebro cavernícola simplemente no comprendió la delicada textura y complicadas fluctuaciones de la amistad entre mujeres adolescentes, maduras en ciertos aspectos pero aún vulnerables a las inseguridades de la infancia. En fin... a pesar de mi inevitable insensibilidad masculina, me gustó mucho el trabajo de las actrices Dakota Fanning y Elizabeth Olsen, así como el contrastante marco socio-cultural que las rodea. Lilly vive con sus dos hermanas menores en una casa muy elegante; sus padres son profesionistas que apenas se toleran, y no se preocupan por los efectos que la tensión doméstica tiene sobre sus hijas. Por el contrario, Gerri vive en una casa muy informal, con padres "hippies" y excesivamente liberales. Cada muchacha envidia la situación de la otra, aunque eventualmente descubren que la diferencia no está en su entorno, sino en sus propias decisiones y actitudes. Para reforzar el punto de vista femenino, los hombres del elenco encarnan la clásica gama de defectos masculinos: el muchacho con el que Gerry quiere perder la virginidad es un galán desechable carente de personalidad. El padre de Lilly (interpretado por Clark Gregg) justifica sus infidelidades maritales con huecas homilías que no convencen a nadie (ni siquiera a él mismo); y el padre de Gerri (interpretado por Richard Dreyfuss) es tan abierto y comunicativo que accidentalmente avergüenza a su hija durante eventos familiares. En resumen: hombres con buenas intenciones pero incapaces de comprender los misterios del sexo opuesto (¡bienvenidos al club!) Sin embargo, no quiero sugerir que Very Good Girls sea un manifiesto feminista radical; simplemente usa arquetipos bien conocidos para darle contexto a la crisis de las protagonistas, y de paso se apoya en buenos actores para redondear el reparto (incluyendo a Demi Moore y Ellen Barkin como las madres de las muchachas). Entonces, Very Good Girls nos ofrece una buena alternativa al género "coming of age" dominado por protagonistas masculinos, y nos muestra el lado realista del viejo cliché "perder la virginidad durante el verano", mostrando las realidades emocionales que implica, y que no tienen nada que ver con las frívolas fantasías del arcaico cine juvenil. Me alegra que el género haya madurado, aunque ahora extraño el humor de Clueless y la banda sonora de The Breakfast Club.
Calificación: 8

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Afflicted

Síntomas: El documentalista Clif y su mejor amigo Derek emprenden un viaje alrededor del mundo con el propósito de filmar sus experiencias y compartirlas interactivamente en Internet. El viaje empieza muy bien pero, cuando llegan a Francia, Derek sufre extrañas heridas que desatan un cambio gradual e inexplicable en el entusiasta joven.

Diagnóstico: No esperaba mucho de Afflicted porque ya desarrollé una aversión instintiva contra la técnica pseudo-documental, especialmente en el género de terror. Sin embargo, para mi sorpresa, Afflicted resultó ser una película bastante buena, con sólidos actores, altos valores de producción y un ingenioso libreto que no insulta la inteligencia del espectador al presentarnos su clásica premisa desde un punto de vista fresco y bastante creativo... sin olvidar, desde luego, el terror y suspenso que con frecuencia están ausentes en este tipo de películas. Muchos cineastas modernos creen que la técnica del pseudo-documental es una excusa para hacer las cosas mal, pero los directores canadienses Derek Lee y Clif Prowse (sí, los actores también co-dirigieron y escribieron la película) muestran considerable disciplina para mantener la narrativa lógica y consistente, con suficiente estilo para hacerla visualmente interesante y (¡por fin!) con personajes realistas y agradables que no odié desde los primeros segundos. También merece mención el excelente uso de locaciones europeas. En vez de recluirnos en un edificio abandonado o bosque genérico, Prowse y Lee ubican los eventos paranormales en sitios variados y pintorescos, logrando que Afflicted realmente parezca un "video blog" profesional (al menos al principio), en vez de una pobre y tediosa producción semi-amateur. En cuanto a los mencionados eventos sobrenaturales, estoy tratando de evitar revelarlos, pues cuando vi Afflicted no conocía su tema, y fue más emocionante ir desentrañando el misterio al mismo tiempo que los protagonistas (no es un misterio particularmente "misterioso", pero aún así vale la pena preservarlo). Entonces, tal vez no clasificaría Afflicted como una auténtica "joya oculta", pero sin duda fue una agradable experiencia que me dejó satisfecho en el sentido dramático y visceral, y además me sorprendió con la calidad de su manufactura. Ojalá hubiera más cine independiente de terror con tanto talento al frente y detrás de las cámaras. Será interesante seguir la carrera de estos cineastas; creo que hay buen potencial para una secuela (gracias a la inesperada escena adicional durante los créditos), pero preferiría verlos trabajando con una nueva historia, bajo una estructura más convencional donde la cámara se mantenga suficientemente estable para dejarnos ver la horrores con mayor claridad. O, alternativamente podrían continuar el documental de viaje que iniciaron en Afflicted. Quizás no tenga tanta sangre, pero se veía bastante divertido hasta que llegaron los zombies. Estoy bromeando; no hay zombies. Es algo mejor.
Calificación: 8.5

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Hércules: La Guerra Traciana (Hercules)

Síntomas: Después de completar sus famosos Doce Trabajos, el poderoso Hércules (Dwayne Johnson) y su grupo de mercenarios aceptan defender el territorio de Tracia, que está siendo amenazado por un tirano llamado Rhesus (Tobias Santelmann). Sin embargo el ejército invasor podría ser demasiado peligroso, incluso para un semi-dios.

Diagnóstico: Por alguna razón el cine de "sandalias y espadas" (también conocido como "peplum") regresa periódicamente a Hollywood, y tan solo en los últimos meses hemos visto mediocres ejemplos como Pompeii, 300: Rise of an Empire, y The Legend of Hercules... a las cuales se une ahora Hércules: La Guerra Traciana, a ratos entretenida, a ratos cansada, pero sobre todo afligida por un desgano general y falta de energía que nos impide sumergirnos en su rebuscado argumento, o preocuparnos por el destino de los personajes. El director Brett Ratner prefiere tomar la ruta más blanda y predecible en casi todas las escenas, y ni el competente reparto logra salvar la película de su inherente insipidez. Dwayne Johnson luce un "look" bastante diferente al que acostumbra (con el cabello largo de Kevin Sorbo y la barba de Steve Reeves), pero conserva suficiente carisma para convencernos de la nobleza del protagonista (y para minimizar los momentos de comedia involuntaria). El resto del elenco invierte el menor esfuerzo posible en la realización de sus personajes, y resulta extraño ver actores de la talla de John Hurt, Joseph Fiennes e Ian McShane mostrando mínima convicción en sus respectivos roles (aunque McShane lleva un poco de ventaja gracias a sus momentos cómicos). Claro que los diálogos tampoco ameritan dedicación alguna. Como ejemplo puedo señalar el obligatorio discurso de Hércules para inspirar a las tropas; se nota que los guionistas aspiraban a "Tonight we dine in hell!", pero el resultado fue más parecido a una galleta de la suerte. En resumen, sentí que estábamos viendo meros ensayos, en vez de genuinas actuaciones. Por el lado positivo, la acción es abundante y generalmente bien coreografiada. Hay varias intensas batallas (sin sangre, desde luego), filmadas y editadas con notable dinamismo y adornadas con la cantidad justa de efectos digitales para hacerlas más épicas, sin perder el impacto visceral de humanos reales luchando (aunque me amargó bastante la experiencia ver caballos en muy dudosas condiciones de seguridad... supongo que filmar en Croacia y Hungría no solo es barato, sino más "flexible" que en Hollywood). También me gustó la astuta ambigüedad del libreto al manejar la dualidad de mito y realidad, revelando el posible origen de algunas fantásticas criaturas, y cuestionando la cuna divina de Hércules mismo. Pero por lo demás, Hércules: La Guerra Traciana fue una experiencia insulsa y olvidable, que hubiera necesitado algún "gancho" adicional para capturar a la audiencia (ya fuera el excesivo "gore" de la original 300 o el travieso humor de la serie televisiva Hercules: The Legendary Journeys). Al menos diré que esta versión de Hércules me pareció mejor que la mencionada The Legend of Hercules (lo cual no parece un logro particularmente difícil), pero con peores efectos que Pompeii. Además, el argumento tiende a ignorar la genuina leyenda de Hércules, de modo que los fans de la mitología griega saldrán doblemente decepcionados con esta re-invención más realista y prosaica. Me pregunto cuantos chascos más nos depara el género "peplum" antes de regresar a la hibernación por unas décadas más. O quizás Ridley Scott lo resucitará con la próxima Exodus: Gods and Kings... y el ciclo comenzara de nuevo por su culpa, como ocurrió con Gladiator hace quince años.
Calificación: 6.5

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Ahí Va el Diablo

Síntomas: Los hijos de Félix (Francisco Barreiro) y Sol (Laura Caro) se extravían durante un viaje familiar por los alrededores de Tijuana, mientras exploran una inusual montaña. Ambos padres están devastados, pero afortunadamente los niños aparecen sanos y salvos al día siguiente. Sin embargo, con el paso del tiempo, Sol empieza a notar inquietantes cambios en sus hijos. ¿Que habrá ocurrido realmente durante la noche que estuvieron ausentes?

Diagnóstico: Por fin, una buena película mexicana de terror... que nunca se exhibió en México. Bueno, al parecer participó en algunos festivales y tuvo funciones limitadas en cines de arte, pero (hasta donde sé) nunca recibió el estreno comercial que merecía. Ignoro cual habrá sido la causa, pero no importa, pues gracias a Netflix podemos disfrutar su perturbadora narrativa con sabor retro, y su amplia gama de terrores domésticos, tanto de la variedad sobrenatural como de la más angustiosa variedad psicológica (Nota ultra-irónica: Ahi Va el Diablo solo está en el catálogo norteamericano de Netflix, bajo el título Here Comes the Devil... parecería que no quieren que la veamos en México). Filmada en locaciones auténticas de Tijuana y sus alrededores, Ahi Va el Diablo aprovecha el sabor local y la perfecta química del reparto para ayudarnos a asimilar de inmediato la dinámica familiar de los personajes. Sol y Félix obviamente quieren mucho a sus hijos, pero también extrañan la libertad que perdieron cuando se convirtieron en padres. Quizás eso explica la casual negligencia que conduce al extravío de los niños, y los posteriores sentimientos de culpa y expiación que sirven como subtexto del melodrama, donde los posibles eventos sobrenaturales representan solo un fragmento de la crisis familiar. Me gustó que el director/guionista Adrián García Bogliano haya dejado algunos cabos sueltos en la historia, acentuando el misterio y la opresiva atmósfera de pesadilla que tal vez se hubiera diluido con demasiadas explicaciones o interpretaciones literales. Esa confianza se extiende a las actuaciones, pues aunque algunas se sienten un poco estudiadas ("a la mexicana ", me atrevería a decir) expresan lo necesario para impulsar la historia, dejando que los sugestivos silencios se encarguen de esbozar las emociones. Es una estrategia arriesgada, pero funciona muy bien en la mayoría de los casos, logrando que la cinta se sienta madura y segura de sí misma a pesar de sus limitaciones económicas. Y, aunque no sea propiamente una cinta "gore", cuenta con buenos efectos especiales para sazonar el horror psicológico, así como una notable banda sonora que no solo evoca el cine de décadas pasadas, sino que cumple su misión de encrispar los nervios y amplificar el suspenso. Con frecuencia me acusan de "malinchismo" (con mucha razón); pero si todas las películas mexicanas (ya no digamos de terror) tuvieran esta calidad narrativa, iría con más frecuencia a verlas. En fin... supongo que para eso está Netflix (norteamericano).
Calificación: 8.5

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An Adventure in Space and Time

Síntomas: En 1963 la asistente de producción Verity Lambert (Jessica Raine) recibe la oportunidad de convertirse en la primera mujer productora de la adusta cadena televisiva BBC de Londres. Pero no será fácil, pues además de lidiar con la intolerancia y sexismo de sus colegas masculinos, el primer programa a cargo de Verity será una complicada serie de ciencia ficción titulada Doctor Who.

Diagnóstico: Supongo que An Adventure in Space and Time podría clasificarse como "docu-drama", pues narra eventos reales, pero los presenta a través del indulgente e idealizado lente de la nostalgia... lo cual me pareció perfectamente aceptable, gracias al esmero y detalle dedicado a recrear los escenarios y estudios de la BBC durante los sesentas. Y, desde luego, como fan de la serie Doctor Who disfruté mucho esta afectuosa lección de pseudo-historia, que realmente me enseñó cosas nuevas sobre el escabroso origen de esa legendaria serie británica. Hablando de lo cual, debo hacer una confesión: cuando empecé a ver Doctor Who en los ochentas (para entonces la serie ya tenía veinte años y había pasado por cinco actores en el papel del epónimo Doctor), prefería por mucho los episodios de Tom Baker y Peter Davison que los originales con William Hartnell, pues eran en blanco y negro, increíblemente lentos... y con un viejito como protagonista. Claro, ahora aprecio su valor histórico, pero nunca tuve particular interés en verlos de nuevo. Sin embargo An Adventure in Space and Time muestra aquellos seminales años con tal respeto y entusiasmo que me hizo cambiar de opinión. El argumento empieza centrándose en Verity Lambert (perfectamente interpretada por Jessica Raine), cuya evolución como productora es tan interesante como el desarrollo temprano de Doctor Who. El director Terry McDonough nos ofrece casuales atisbos a algunos importantes momentos del programa, como la creación del innovador tema musical, la psicodélica secuencia de créditos iniciales, y el inesperado origen del icónico TARDIS. Sin embargo el enfoque de la historia cambia gradualmente a William Hartnell (otra increíble actuación de David Bradley), y ahí es donde aflora el alma de la película, mostrándonos la transformación de un solemne actor de carácter que aceptó de mala gana el papel del Doctor, para eventualmente apreciar no solo al personaje, sino los ideales del programa y el afecto del público infantil. Conviene advertir en este punto que An Adventure in Space and Time es una película realizada para televisión por la BBC, y por lo tanto su manufactura es sencilla y un tanto ligera, aunque sin duda fue una gran ventaja tener acceso a los genuinos edificios y locaciones donde ocurrieron estos eventos. Por otro lado, estimo que la cinta no será para todos los gustos debido a su arcaica sensibilidad y estrecho nicho cultural (tal vez ni siquiera resultará interesante para los fans de Doctor Who que solo conocen el reboot del año 2006 con Christopher Eccleston). Pero para mi fue un deleite de principio a fin, y espero sinceramente que realicen una secuela... o varias, pues sería igualmente fascinante ver los vaivenes de la serie a lo largo de cincuenta años y doce actores. Trece, si contamos a Peter Cushing en las películas "non-canon" (si entendieron esa frase, probablemente les gustará An Adventure in Space and Time).
Calificación: 9

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Enemy

Síntomas: Adam Bell (Jake Gyllenhaal) es un profesor universitario con una vida gris y monótona, hasta que descubre casualmente en una película a un actor idéntico a él. Entonces Adam decide buscarlo para aclarar el misterio de su parecido, y desde luego su investigación tendrá consecuencias que nunca imaginó.

Diagnóstico: Me tardé tanto en ver Enemy porque quería evitar compararla con The Double, otra cinta sobre un hombre infeliz cuya vida se transforma cuando encuentra a su doble. Afortunadamente resultaron ser historias muy distintas, aunque ambas poseen el mismo inquietante tono de paranoia kafkiana (irónicamente Enemy está basada en una novela titulada "El Doble", añadiendo confusión a la experiencia). Pero bueno... Enemy es una pulida co-producción canadiense-española, y no sé si habrán sido las locaciones en Toronto, o su frío y clínico tono narrativo, pero me hizo recordar la obra temprana de David Cronenberg, lo cual considero como un alto cumplido. Jake Gyllenhaal aborda el doble papel con su habitual talento, definiendo cada personaje con la precisión necesaria para distinguirlos, pero dejando un atisbo de ambigüedad para jugar con nuestra expectativa y acentuar el misterio del profesor y el actor con similitudes y diferencias que van más allá de su apariencia física. Mi único problema fue la leve decepción de descubrir que la enigmática premisa termina reduciéndose a un caprichoso melodrama psico-sexual que traiciona (a primera vista) el potencial de la historia. Las reacciones de los personajes parecen fuera de proporción con la situación; y el drama (al menos al principio) se siente exagerado y un poco artificial. O quizás la virtud de la película reside justamente en tomar un concepto de fantasía y destilarlo al más básico nivel humano, llevándonos al interior de los personajes para explorar sus complejas emociones, en vez de buscar respuestas externas en forma de predecibles paradigmas de horror o ciencia ficción. Habiendo dicho eso, la inesperada escena final altera fundamentalmente nuestra percepción de la historia, y abre aún más alternativas de interpretación que prefiero dejar a cargo de cada espectador (tengo teorías, pero probablemente son incorrectas, así que tomaré mi habitual actitud de no tratar de "entender" la película, sino simplemente disfrutar su efecto general y contemplar las posibilidades, sin comprometerme con alguna). En resumen, Enemy fue una experiencia fascinante y satisfactoria a pesar de (o por razón de) su turbia temática y oblicuo significado, y puedo recomendarla con confianza para aficionados al cine "raro" que tomen la ausencia de explicaciones como un estimulante reto intelectual, y no como un ataque personal a su sensibilidad. Tal vez Cronenberg hubiera añadido sangrientos despliegues de grotesquería visceral, pero el seco enfoque de Enemy refleja la muy particular visión del director Denis Villeneuve, enfocándose en un nivel psicológico donde las cosas nunca son lo que aparentan, y las soluciones no son obvias y tangibles, sino volátiles e impalpables (solo una buena película inspiraría este diluvio de adjetivos).
Calificación: 9

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Los Indestructibles 3 (The Expendables 3)

Síntomas: Tras liberar a un viejo amigo de una prisión ferroviaria, Barney Ross (Sylvester Stallone) y su equipo de mercenarios enfrentan una fatídica misión que podría destruir al grupo, no solo física, sino emocionalmente.

Diagnóstico: Me da gusto notar que la saga de The Expendables afina sus libretos con cada nueva secuela, logrando que se sientan como una historia concreta, en vez de ser viñetas pobremente relacionadas que solo sirven para lucir al "invitado especial" en turno. La segunda película empezó a mostrar ese cambio positivo, y ahora la tercera parte lo confirma con un argumento simple y previsible pero bien planteado, logrando que el multi-estelar elenco se integre naturalmente a la trama... en la mayor parte de los casos. Lo que me dio menos gusto fue descubrir que The Expendables 3 recibió la clasificación PG-13, la cual indica una irremediable reducción en la cantidad de sangre derramada, al menos en comparación con las dos cintas anteriores. No digo que la sangre sea indispensable para la realización de una buena película, pero se nota su ausencia en una franquicia que se enorgullecía de sus absurdos excesos. Afortunadamente la intensidad de la violencia se incrementó en grado suficiente para hacernos olvidar la inconsistencia de disparar miles y miles de balas sin una sola gota de sangre. Y para cuando llegamos al épico final, ya había olvidado que estaba viendo una película PG-13 (por no mencionar que también había olvidado el concepto de "realismo"). Esta vez Sylvester Stallone cede el puesto de director a Patrick Hughes, lo cual ayuda considerablemente a la fluidez de la historia, llevándonos de una a otra secuencia de acción con aceptable credibilidad y amplias oportunidades para aprovechar el desfile de rudos actores que se añaden a la aventura. Será mejor no revelar todos los nombres para disfrutar mejor la sorpresa de su inesperada presencia, así que solo diré que fue un placer encontrar a los viejos conocidos y nuevas adiciones entregando actuaciones bastante buenas, al menos dentro del marco del frívolo cine de acción. Mi única objeción sobre los recién llegados sería que el personaje femenino no fue interpretado por Gina Carano, sino por otra luchadora del circuito MMA, llamada Ronda Rousey. Desde luego no conozco su trayectoria; podría ser mejor atleta en el ring... pero como actriz carece de la presencia y talento de Carano. Por otro lado, quizás Stallone la está reservando para la rumorada pseudo-secuela "The Expendabelles" (con un elenco femenino), en cuyo caso retracto mi objeción. Por lo demás me divertí mucho con The Expendables 3, y podría convertirse en una de mis películas favoritas del año, pues a pesar de su superficialidad y fallidas tangentes dramáticas, cumple con extremo fervor su misión de rendir homenaje al cine de acción ochentero, de mostrar la valía de sus ancianas estrellas, y de preparar el camino para futuras secuelas que esperaré con gusto, siempre y cuando concilien humor, historia y acción con similar soltura y diligencia. Claro, evitando que los egos interfieran con el desarrollo del argumento. Dejen eso para los novatos; los profesionales saben que no hace falta monopolizar la pantalla para conseguir momentos memorables, que los fans apreciarán todavía más por su riqueza y brevedad. No aparecen en esta película, pero Chuck Norris y Jean Claude Van Damme saben a lo que me refiero.
Calificación: 9 (bajo la influencia de nostalgia intoxicante)

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Más Negro que la Noche

Síntomas: La joven Greta (Zuria Vega) hereda la vieja casona de su tía, y decide mudarse en compañía de sus tres mejores amigas. Casi de inmediato empiezan a notar cosas raras, empezando por el enigmático comportamiento de Evangelina (Margarita Sanz), el ama de llaves que sabe más de lo que aparenta sobre el doloroso pasado de la mansión.

Diagnóstico: Hasta el Viento Tiene Miedo (1968), El Libro de Piedra (1969) y la original Más Negro que la Noche (1975) formaron la trilogía de películas de terror escritas por Carlos Enrique Taboada que han sido reverenciadas durante varias décadas como pilares del cine fantástico mexicano. Como tales, era inevitable que fueran víctimas de la actual moda de los remakes y, a pesar del pobre resultado obtenido hace siete años con la nueva versión de Hasta el Viento Tiene Miedo, ahora nos llega un refrito de Más Negro que la Noche, más o menos fiel a su fuente original y con abundantes atributos estilísticos, pero a fin de cuentas cansada y no muy satisfactoria. La premisa es similar aunque, honestamente, no recuerdo muchos detalles de la original para compararlas escena por escena; y de cualquier modo creo que será mejor evaluar el remake por sus propios méritos. Para empezar, el director Henry Bedwell realizó un notable trabajo en los aspectos visuales de la cinta, con tenebrosas locaciones, elegante cinematografía y un ritmo pausado que la mayor parte del tiempo evita los fáciles trucos del horror contemporáneo... aunque no se salva de recetarnos un par de forzados sobresaltos y demasiadas escenas de "solo fue un sueño". El reparto empieza a revelar las debilidades de la cinta; algunas actuaciones son mejores que otras (por decirlo amablemente) y, como ocurre con frecuencia en este género, los personajes resultan tan antipáticos y superficiales que solo queda esperar pacientemente el momento de su obligatoria muerte (o quizás fue mi condición de viejito amargado lo que me impidió reconocer la actitud "cool" de las generaciones contemporáneas). Cierto, algunos de estos personajes evolucionan a lo largo de la cinta y no parecen tan odiosos al final (o al momento de su deceso), lo cual denota un propósito detrás de la narrativa rara vez encontrado en el moderno cine de terror (de cualquier país). Sin embargo, no puedo ignorar la difusa estructura que pierde el rumbo durante largos minutos y nos obliga a pasar de escena a escena sin mucha lógica o continuidad. La segunda mitad de la cinta se asienta en una monótona rutina de paseos nocturnos por las tétricas habitaciones, arbitrarios atisbos a los ambiguos fantasmas (o lo que sean), y flashbacks al pasado de la tía Ofelia, que eventualmente atan los cabos sueltos y resuelven la confusión reinante en el argumento. Pero para entonces ya había perdido interés en la película, y sentí que el material no alcanzó para llenar sus casi dos horas de duración. Posiblemente una juiciosa re-edición hubiera hecho la experiencia más ágil y sustanciosa (empezando por eliminar esa escena adicional durante los créditos, que causa más risa que temor). Por otro lado, los atractivos detalles de dirección y reposada atmósfera gótica se hubieran perdido con un ritmo más acelerado y "moderno". En fin... Más Negro que la Noche me pareció un remake superior al de Hasta el Viento Tiene Miedo, pero no sé si representa suficiente mejoría para recomendarla. Iba a concluir diciendo que solo falta el remake de El Libro de Piedra, pero aparentemente ya existe. ¿Alguien lo ha visto? ¿Se estrenó comercialmente? ¿O está acechando en espera de una fecha apropiada para su estreno (Día de Muertos, por ejemplo)? Como sea, estimo que llegó el momento de dejar descansar a los muertos, y tratar de crear nuevos pilares del cine de terror mexicano, en vez de intentar revivir glorias pasadas. Pero hay que encontrar conceptos creativos y originales, por favor. Lo que no necesitamos es otra Morgana.
Calificación: 6.5

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Batman: Assault on Arkham

Síntomas: La misteriosa Amanda Waller (voz de CCH Pounder) recluta varios villanos de Gotham para infiltrarse al manicomio de Arkham y recuperar un objeto en posesión de un inestable paciente, evitando que los descubra el siempre vigilante Batman (voz de Kevin Conroy). Pero, naturalmente, una vez que ingresan al hospital de alta seguridad se dan cuenta de que su misión podría tener un propósito más siniestro del que suponían.

Diagnóstico: Me gustó la intención de la película animada Batman: Assault on Arkham, pero no estoy seguro de su ejecución. Básicamente se trata de una película de Batman, sin Batman. Bueno, desde luego aparece Batman, pero solo en un papel secundario, dejando el rol protagónico a un grupo de personajes "de segunda" que adquieren una nueva dimensión durante el desarrollo de la historia. Es un concepto interesante, y vale la pena señalar que, por primera vez, no está basada en un comic, sino en la serie de videojuegos Batman: Arkham. Desde ahora advierto que no los conozco muy bien; hace años bajé el demo del primer juego para PC, y no me interesó lo suficiente para comprar la versión completa. Por lo tanto no podré evaluar la fidelidad de la premisa respecto a los juegos; pero como fundamento de una película animada funcionó razonablemente bien, a pesar de algunos notables tropiezos que no atribuyo al videojuego, sino al irregular libreto de Heath Corson. Desafortunadamente la trama requiere que algunos de los personajes cambien bruscamente de "increíble inteligencia" a "ineptitud imperdonable", y lo mismo aplica al sistema de seguridad del manicomio Arkham. Tomando en cuenta el calibre de los villanos que ahí residen, parece imposible que el "Escuadrón Suicida" logre infiltrarse con tal facilidad... aunque supongo que podríamos atribuirlo a error humano. No digo esto como simple "fanboy", sino porque realmente afecta la consistencia de la cinta y revela los esfuerzos de un guionista que "mordió más de lo que podía masticar". Sin embargo, independientemente de sus cuestionables decisiones, Batman: Assault on Arkham me pareció una sólida aventura animada con buenas secuencias de acción, dinámicas peleas, y un misterio global más interesante que la misión de los villanos. Las voces me parecieron superiores al promedio, con el celebrado regreso de Kevin Conroy al papel de Batman (aunque no hable mucho), además de sobresaliente trabajo por parte de Neal McDonough como Deadshot, Jennifer Hale como Killer Frost (inicialmente la confundí con Lucy Lawless) y Hynden Walch en el travieso papel de Harley Quinn. Hablando de Harley Quinn, otra novedad en Batman: Assault on Arkham fue su tono ligeramente más adulto que en otras cintas animadas de DC Comics. Hay más palabras altisonantes, un poco de sexo y hasta "brief nudity". Nada excesivo desde luego, y todo dentro de los límites de la clasificación PG-13, pero aún así inesperado para este nicho de video casero a veces considerado "para niños". Entonces, Batman: Assault on Arkham me pareció entretenida, aunque sea una de las entradas más olvidables del Universo Animado. No sé si fue buena idea basarla en un videojuego; entiendo el valor de combinar plataformas para capturar nuevos segmentos del público, pero hay tantas buenas historias en los comics que parece innecesario buscar fuentes ajenas, cuando tienen abundante material por explotar. Por otro lado, admito que la película me inspiró a probar algún nuevo juego de la franquicia (quizás Batman: Arkham Knight, cuando finalmente decidan lanzarlo). Supongo que Warner Bros. sabe lo que hace cuando se trata de sinergia corporativa.
Calificación: 7.5

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Cabin Fever 3: Patient Zero

Síntomas: El joven Marcus (Mitch Ryan) celebra su despedida de soltero en compañía de varios amigos a bordo de un yate privado que los llevará a una isla desierta, donde podrán divertirse a gusto... hasta que accidentalmente entran en contacto con un mortal virus que está extendiéndose por la región. Mientras tanto, un abrumado padre de familia llamado Porter (Sean Astin) se encuentra recluido en un laboratorio secreto, donde es cruelmente examinado por un grupo de doctores, ya que parece ser el único individuo inmune a dicho virus, y su sangre podría ser la clave para desarrollar una vacuna. ¿Lograran encontrarla a tiempo, o se convertirán en víctimas de sus propios experimentos?

Diagnóstico: Primero, un recuento rápido: la original Cabin Fever (del 2002) fue bien recibida por los fans del horror gracias a su sensibilidad retro y grotescos efectos especiales. Siete años después, la secuela Cabin Fever 2: Spring Fever fue generalmente repudiada tras sufrir numerosos conflictos creativos durante su producción (aunque a mi me gustó bastante por su perverso sentido del humor y excesivo gore). Y ahora, con Cabin Fever 3: Patient Zero, el director Kaare Andrews intenta regresar a las raíces de la saga, simplificando la premisa y centrándose en otro grupo de jóvenes tratando de sobrevivir la epidemia. Desafortunadamente los personajes no despiertan la menor simpatía, y el abundante gore no compensa el aburrimiento causado por un monótono libreto que da muchas vueltas y pierde el tiempo en tediosas discusiones e interminables caminatas por el laberíntico laboratorio subterráneo... el mismo error que cometen tantas otras producciones independientes con más relleno que sustancia. Tampoco ayuda que los jóvenes protagonistas sean estúpidos y antipáticos, haciendo todavía menos agradable el tiempo que pasamos en su compañía. La sub-trama de Porter parece más interesante, pero se desinfla casi de inmediato, relegando a Sean Astin (el mejor actor de la película) a un papel secundario que desperdicia el potencial emocional establecido al principio. Por el lado positivo, los efectos especiales son frecuentes y adecuadamente asquerosos (lo digo como algo bueno). Lástima que la pobre cinematografía nos impida apreciarlos en muchas escenas demasiado oscuras o iluminadas con luz roja, la cual borra los detalles y hace que la sangre parezca agua sucia. Pienso que la película debería haberse centrado en el "paciente cero" (Sean Astin) y el conflicto ético de sus captores, tratándolo como rata de laboratorio a cambio de salvar millones de vidas, mientras el desesperado hombre trata aprovechar su situación para averiguar qué ocurrió con su familia. Sin embargo Andrews prefirió tomar el más genérico camino de "jóvenes extraviados en el edificio abandonado", con el virus haciendo las veces de villano invisible. No es una fórmula necesariamente mala, pero necesitaba mejores personajes y una elevada dosis de creatividad para capturar la atención del espectador. Entonces, no podría recomendar Cabin Fever 3: Patient Zero por su repetitivo argumento o indolente narrativa; pero sus escenas sangrientas y efectos especiales (bien logrados con técnicas tradicionales) quizás dejarán satisfechos a los fanáticos del género. Además, la mediocridad de esta tercera parte podría invitar a re-evaluar la segunda, mucho más original, grotesca e irreverente. Como sea, si los productores pretenden continuar la franquicia, hará falta más imaginación y talento para extender la epidemia. De otro modo, preferiré inyectarme una vacuna de apatía.
Calificación: 6.5

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Sharktopus Vs. Pteracuda / Sharknado 2: The Second One

Síntomas: Como vimos al final de Sharktopus, la temible criatura mitad tiburón y mitad pulpo explotó en mil pedazos. Pero una de sus crías fue rescatada por la bióloga marina Lorena Christmas (Katie Savoy), quien intenta entrenarla para exhibirla en un parque de diversiones acuáticas... hasta que aparece un monstruo más violento, mitad pterodáctilo y mitad barracuda (obviamente llamado "pteracuda"), que solo podrá ser detenido por el sharktopus. Mientras tanto, en la horrible secuela Sharknado 2: The Second One, un inexplicable tornado levanta tiburones del mar y los deposita en las calles de Nueva York, donde el surfer Fin Shepard (Ian Ziering) tendrá que repetir su proeza de eliminar el peligro, mientras enfrenta inútiles cameos de celebridades con baja auto-estima.

Síntomas: Decidí escribir esta cápsula sobre dos películas al mismo tiempo porque de las dos apenas se hace una. Siempre me han gustado las películas "tan malas que son buenas". En la mayor parte de los casos son cintas realizadas con buenas intenciones que por una u otra razón se descarrilaron y terminaron en desastres cinematográficos. Sin embargo, desde hace varios años, el estudio The Asylum descubrió que podían hacer las peores películas imaginables, y aún así ganar dinero vendiéndolas a canales de televisión donde eran exhibidas como comedias accidentales que el público disfrutaba irónicamente (soy parte de ese público culpable). Desde entonces la situación ha empeorado con el contagio de esa ineptitud intencional a otros estudios. La productora New Horizons, del legendario productor Roger Corman, se especializaba también en películas de absurdos conceptos (Dinoshark, Supergator, Carnosaurus), pero con resultados muy distintos, gracias a que sus productores y directores hacían un esfuerzo por entregar un producto entretenido, o al menos ameno, que no insultara por completo la inteligencia del espectador. Claro, los efectos especiales de ambos estudios son igualmente malos, pero ese no es el problema. El problema viene cuando The Asylum abandona todo empeño por realizar películas tolerables o siquiera coherentes (ya no digamos "buenas"). Después de ver Sharknado 2: The Second One, resulta obvio que no existió libreto, ni planeación alguna durante la producción. El director Anthony C. Ferrante (ex-columnista de Fangoria) simplemente filmó escenas improvisadas donde le dieron permiso, y luego trató de resolver todo "en post-producción", lo cual ya de por sí es mala idea cuando se trata de una cinta "normal" de Hollywood; y, por supuesto, cuando ocurre en un estudio con poco dinero y menos talento, el resultado es mortalmente aburrido e insultante. Algunos podrán tomarla como comedia, pero Sharknado 2: The Second One ni siquiera ofrece suficientes risas para justificar una experiencia tan tediosa. Por otro lado, Sharktopus Vs. Pteracuda se hizo con intención similar: aprovechar la profunda estupidez de la premisa para hacer una especie de comedia de terror. Sin embargo, a pesar de su inherente ridiculez, la cinta se filmó con ayuda de un libreto, con un director que tiene un vago sentido del orden narrativo, y bajo supervisión de productores con experiencia manejando filmaciones de reducido presupuesto. El resultado es coherente, divertido, y podría haber sido mejor si no hubieran intentado hacerla "mala a propósito". Esto pinta un funesto prospecto para el futuro del cine de terror independiente, pues cuando se invierte dinero en producciones intencionalmente mediocres, se está negando la oportunidad a futuros cineastas con genuino talento. No es coincidencia que Roger Corman le haya dado su primera oportunidad a directores como Martin Scorsese, Francis Coppola, James Cameron, Joe Dante, Jonathan Demme, y muchos otros que aceptaron el reto de hacer buenas películas con poco tiempo y dinero. Ahora la ineptitud y carencia de recursos se emplean como excusas y hasta motivación de bazofias como Sharknado 2: The Second One y Sharktopus Vs. Pteracuda. Y, como siempre, nosotros como público pagamos por verlas. En fin... me deprime escribir sobre este tema. Una cosa es disfrutar una película que trató de ser buena y falló de manera entretenida; y otra es seguirles el juego a estos descarados mercenarios que hacen basura como un fin por sí misma, y esperan que sigamos pagando. Solo falta que los grandes estudios de Hollywood adquieran esa mala costumbre. Un momento...
Calificación: Sharktopus Vs. Pteracuda: 6 / Sharknado 2: The Second One: 3

Trailer: Sharktopus Vs. Pteracuda / Sharknado 2: The Second One

Nuestro Video Prohibido (Sex Tape)

Síntomas: Annie (Cameron Diaz) y Jay (Jason Segel) siguen tan enamorados como el día que se casaron, pero las obligaciones del hogar y los hijos han disminuido la pasión en su matrimonio. Entonces, en un esfuerzo por reactivar su vida íntima, deciden grabar un video durante una espontánea sesión de sexo... y, desde luego, el video termina distribuyéndose accidentalmente a muchos de sus familiares y conocidos. Esto desata una desesperada carrera para borrar todas las copias existentes, antes de que los demás descubran el error.

Diagnóstico: La premisa de Sex Tape parece salir de algún mediocre sitcom, y desafortunadamente el humor resultante se mantiene en ese nivel durante la película entera, con la adición de abundante lenguaje soez para justificar la clasificación R... porque sus otros aspectos apenas llegaría a PG-13 (así que no se entusiasmen demasiado, fans de Cameron Diaz). El director Jake Kasdan (hijo del legendario Lawrence Kasdan) tuvo un auspicioso comienzo con interesantes películas como The TV Set y Orange County (una de mis favoritas), pero recientemente se integró a la moda de las vulgares comedias adultas (Bad Teacher), y francamente creo que su estilo no encaja muy bien en ese subgénero. De hecho, su trabajo televisivo ha sido mucho más afortunado en series más afines con su sensibilidad "indie" (como New Girl, Californication y Ben and Kate, que al parecer solo disfrutamos dos o tres personas). Sex Tape demuestra esta incompatibilidad con un desfile de tediosa escenas libres de humor, genéricas discusiones sobre problemas maritales, y decisiones narrativas tan perezosas y predecibles que revelan el clásico error de confiar demasiado en los actores para resolver las deficiencias del libreto. Y los actores ciertamente se esfuerzan, pero el material simplemente no los respalda. Jason Segel y Cameron Diaz hacen buena pareja, y solo a base de carisma mantienen a flote la cinta. Ocasionalmente los ayuda el contingente de obligatorios comediantes en papeles secundarios, incluyendo a Rob Corddry, Ellie Kemper, Nat Faxon y Jack Black, pero su empeño rara vez rinde frutos; solo el bizarro personaje de Rob Lowe genera algunas sonrisas, y aun así es una copia distorsionada de su trabajo en Parks and Recreation. No gastaré más tiempo escribiendo sobre esta fallida comedia; si vieron el trailer, ya vieron sus "mejores" momentos. Entonces yo recomendaría invertir esos noventa minutos en algunos episodios de New Girl o, ¿por qué no? dándole otra oportunidad a Ben and Kate. Así no nos sentiremos tan solos los fans de este menospreciado sitcom.
Calificación: 5

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Tortugas Ninja (Teenage Mutant Ninja Turtles)

Síntomas: Una organización criminal llamada "El Clan del Pié" está robando cargamentos de sustancias químicas en los muelles de Nueva York, y la audaz reportera April O'Neil (Megan Fox) pretende llegar hasta el fondo del asunto para que sus compañeros de trabajo la tomen en serio. Sin embargo, lo que descubre durante su investigación es mucho más extraño de lo que imaginaba.

Diagnóstico: Aunque me gustó bastante la original película Teenage Mutant Ninja Turtles de 1990 (¿en serio ya pasó un cuarto de siglo?), nunca fui particularmente devoto de la franquicia, ya fuera en cine, televisión, comics o videojuegos. Esto me permitió ver la nueva película Tortugas Ninja libre de expectativas y distorsión nostálgica... y aún así resultó una decepción. El director Jonathan Liebesman (cuya previa filmografía incluye las medianamente competentes Wrath of the Titans y Battle Los Angeles) se preocupó mucho por la calidad de los efectos especiales y la complejidad de las secuencias de acción, pero no realizó esfuerzo alguno por entender el espíritu irreverente y divertido de las Tortugas, ni por elevar el argumento más allá de los clichés de la caricatura televisiva. Yo hubiera pensado que las exitosas cintas de Marvel Studios lo inspirarían a buscar una sensibilidad más madura y sustanciosa, capaz de satisfacer por igual al público moderno y a los fans de antaño que crecieron con esta saga. Hasta la modesta película animada TMNT, del 2007, comprendió esa evidente necesidad. Desafortunadamente la intención de Liebesman y sus productores parece haber sido la creación de una cinta inocua y olvidable, visualmente impresionante pero narrativamente insípida; trataron de hacerla más “dark”, y solo consiguieron traicionar su esencia. La historia básica es la misma: cuatro tortugas mutaron en las alcantarillas de Nueva York bajo el cuidado de una filosófica rata llamada Splinter (voz de Tony Shalhoub), quien les enseñó artes marciales y las entrenó para combatir el crimen en secreto, hasta que son descubiertos por una audaz reportera. El Clan del Pié hace su puntual aparición, así como su misterioso líder, Shredder (Tohoru Masamune). Y, desde luego, no falta el obligatorio villano corporativo con un maquiavélico plan anti-ecológico. Hay algunas adiciones y reemplazos que no me importaron demasiado, aunque sin duda molestarán a los puristas. Por ejemplo, en vez del aliado Casey Jones tenemos a un camarógrafo bufón interpretado por Will Arnett; y el origen de las Tortugas se complica innecesariamente con grandes cantidades de ret-con que hace aún más inverosímil su existencia (lo cual ya es decir bastante). Al menos se respetaron las distintivas personalidades de los protagonistas; Raphael es serio y agresivo, Michelangelo es el payaso, Leonardo es responsable, y Donatello es el “nerd”. El problema es que no hay profundidad alguna, ni suspenso, y mucho menos sensación de peligro o dificultad. Las escenas ocurren por obligación en vez de progresión lógica. Las ocasionales instancias de drama carecen de peso y emoción. Y el humor... creo que eso fue lo peor. En vez de ser gracioso e incisivo es profundamente irritante, libre de ingenio pero, eso sí, rebosante de forzadas alusiones a Star Wars, Lost, cultura ochentera, y cualquier otra cosa que los guionistas consideraron que podría resonar con el público "milenial". Por el lado positivo tenemos los asombrosos efectos especiales del estudio ILM, no solo en la forma de las Tortugas mismas (aunque no me gustó el re-diseño de los rostros ni las animaciones faciales) sino de escenarios y secuencias enteras realizadas digitalmente (la persecución en la nieve me pareció particularmente impresionante desde el punto de vista técnico... pero como simple escena de acción terminó aburriéndome). En fin... dudo mucho que Tortugas Ninja reviva el interés en la franquicia, pero podría servir como fugaz distracción para niños que están de vacaciones, y para estudiantes de animación que aprecien las imágenes creadas por un venerable estudio que no ha perdido la capacidad de asombrar, incluso con muchos competidores aspirantes a su corona. Pero como legítima continuación del legado de las Tortugas Ninja, me pareció un fracaso creativo y un desperdicio de talento. Sí, incluso el de Megan Fox, lo cual indica claramente el nivel de esta película.
Calificación: 6

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Video Games: The Movie

Síntomas: Ameno documental sobre los video juegos: su creación, acelerado desarrollo y ocasionales tropiezos a lo largo de las décadas, así como sus perspectivas a futuro.

Diagnóstico: Hace un par de años el documental Indie Game: The Movie describió el estado actual del movimiento "indie" que está retando económica y creativamente a los grandes estudios desarrolladores de video juegos (igual que ocurre con el cine, pero eso es tema para otra ocasión). Y ahora el documental Video Games: The Movie funciona como una especie de precuela que quizás debió producirse antes, pues pinta un cuadro mucho más amplio y detallado de esta industria multi-disciplinaria, cuyos ingresos ya superan los del cine, la música, y prácticamente todas las demás ramas del entretenimiento popular. Para abarcar tanto en tan poco tiempo, el documental emplea una estructura lineal bastante simple y libre de floritura narrativa. Esto hace que se sienta un poco frío y formal, pero quizás fue el enfoque correcto para no perderse entre las incontables tangentes que acechan en el rico universo de los video juegos (en otras palabras, no esperen discusiones de "XBox vs. PlayStation" ni "Sega vs. Nintendo"). Los únicos adornos estilísticos son ocasionales montajes acompañados por excelente música donde vemos momentos icónicos de muchos famosos video juegos; estas digresiones no ofrecen mucha información, pero fueron mis momentos favoritos del documental. Por lo demás, el director Jeremy Snead toca los obligatorios puntos clave en la historia del "entretenimiento electrónico", que se han cubierto ampliamente en algunos de los muchos libros publicados sobre el tema (mis favoritos son: Phoenix: The Fall & Rise of Video Games, Supercade y Masters of Doom). Dichos puntos incluyen: la creación de Spacewar en 1962; Nolan Bushnell y el ascenso de Atari; el "crash" de 1983; la redención lograda por Nintendo; el impacto de las consolas XBox y PlayStation; los juegos en línea; y el futuro de la realidad virtual, o cualquiera que vaya a ser la tecnología que nos lleve a la inmersión absoluta, al estilo del "holodeck". Para ello Snead entrevista muchos líderes de la industria, incluyendo al mencionado Bushnell, Peter Molyneux y Hideo Kojima; así como celebridades aficionadas a los video juegos, como Zach Braff, Wil Wheaton, y Sean Astin (quien también es el narrador). Y, claro, no faltan anécdotas emotivas de fans cuyas vidas han cambiado gracias a los juegos, subrayando el valor social y terapéutico de esta forma de entretenimiento. Como asiduo "gamer" desde hace tres décadas, no encontré mucha información fresca en Video Games: The Movie, pero de cualquier modo representa una valiosa (y muy entretenida) lección de historia, y disfruté sinceramente su entusiasta retrato de una afición a veces menospreciada por la sociedad en general. La sociedad necesita buscarse un hobby.
Calificación: 8.5

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Ironclad 2: Battle for Blood

Síntomas: Cinco años después del Sitio de Rochester y la derrota del Rey John (como vimos en la película Ironclad), Inglaterra goza un periodo de paz y estabilidad política... hasta que las tribus celtas del norte deciden atacar para recuperar las tierras que perdieron durante el reajuste de fronteras. Entonces, ante la indiferencia de la corona, los clanes afectados se ven obligados a formar su propio ejército de ex-soldados y mercenarios para proteger su territorio.

Diagnóstico: A pesar de su dudosa veracidad histórica, Ironclad (del 2011) me pareció una competente cinta de acción medieval, muy entretenida, bien actuada y repleta de sangrientas batallas. Y ahora, con la secuela Ironclad 2: Battle for Blood, el director Jonathan English intenta repetir la fórmula... con resultados bastante pobres por causa de un torpe libreto, confusa cinematografía y anémica dirección. Desde luego hay abundantes secuencias de batalla igualmente sangrientas, pero el abuso de la "cámara en mano" termina arruinándolas y convirtiéndolas en un desfile de imágenes incomprensibles con cortes cada medio segundo que nos impiden seguir el flujo de la acción, o siquiera entender quién está decapitando a quién. Los actores muestran moderado entusiasmo en sus trillados papeles, aunque insisten en declamar sus parlamentos con grandilocuencia shakespeariana, esperando que eso baste para convencernos de su nobleza y valentía. Por el lado positivo, los paisajes y castillos donde se filmó Ironclad 2: Battle for Blood son realmente impresionantes, y logran evocar el contraste entre la serenidad de la campiña y las brutales condiciones de vida en el siglo trece, cuando se estaban forjando las bases de la civilización contemporánea (empezando por la Carta Magna). Y aunque el libreto está lleno de clichés y carece de imaginación, al menos merece crédito por mostrar los dos lados del conflicto. Los héroes son los ingleses, desde luego, pero las tribus celtas no se presentan como salvajes proto-humanos (como ha ocurrido en otras películas), sino como personas racionales que usan la violencia como último recurso contra una cultura invasora... al menos hasta que las cosas se vuelven personales (sí, un personaje realmente usa la frase "Ahora es personal"). Entonces, Ironclad 2: Battle for Blood fue una decepción comparada con su predecesora, pero podría funcionar como entretenimiento desechable para quien solo busque un poco de combate sangriento con espadas, mazos y hachas, o para quien quiera poner un DVD como "atmósfera" mientras juega Dungeons & Dragons con sus amigos. Además, el final deja la puerta abierta para otra secuela que podría tomar lugar durante la Guerra de los Cien Años. Viendo esta incipiente saga al menos estoy aprendiendo un poco de historia.
Calificación: 6.5

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Guardianes de la Galaxia (Guardians of the Galaxy)

Síntomas: Peter Quill (Chris Pratt) fue secuestrado de niño por piratas espaciales, y ha pasado su vida realizando "trabajos" de dudosa legalidad para sobrevivir en un universo repleto de peligros y extraños alienígenas. Su más reciente trabajo lo puso en contacto con un misterioso objeto codiciado por los más poderosos individuos de la galaxia, incluyendo al temible Ronan (Lee Pace), quien prometió al tirano Thanos (Josh Brolin) recuperar dicho objeto, a cambio de la destrucción del pacífico planeta Xandar. Entonces Peter deberá aliarse con un inusual grupo de "perdedores" para escapar sus múltiples perseguidores, salvar al planeta Xandar y poder seguir escuchando su cassette de música setentera.

Diagnóstico: Aunque no soy muy aficionado a los elementos "cósmicos" del universo Marvel (prefiero las historias más mundanas y "realistas"), me gustó bastante el reciente reboot del comic Guardians of the Galaxy, gracias a la diestra pluma de Brian Michael Bendis, quien aplicó su clásico humor y perfecta caracterización para renovar el título, convirtiéndolo en una "ópera espacial" muy divertida, bastante ambiciosa y con libertad de jugar bajo sus propias reglas, sin perder el respeto por la continuidad establecida. Sin embargo, no sabía qué esperar de la película Guardianes de la Galaxia. A primera vista se siente como una anomalía en la filmografía de Marvel, libre de "superhéroes" en el sentido convencional, y con un director conocido (al menos entre fans del cine B) por su torcido sentido del humor y contradictorios orígenes (James Gunn inició su carrera en Troma Films al mismo tiempo que escribía la primera cinta de Scooby-Doo). Afortunadamente esta exótica mezcla de sensibilidades dio como resultado una película muy entretenida, quizás demasiado ligera, pero con sólido contenido emocional, interesantes personajes y un triunfal regreso al cine de ciencia ficción ubicado en el espacio, con abundantes naves, razas alienígenas y épicos conflictos que abarcan sistemas planetarios enteros. Pero no hay que tomarla muy en serio (vamos, uno de los personajes principales es un mapache mutante, y otro es un árbol con cara; si eso no es pista suficiente, nada lo será). El competente elenco asimila de inmediato este travieso tono y entregan actuaciones perfectamente apropiadas para sus abigarrados personajes. Chris Pratt se apoya por igual en su instinto humorístico y capacidad dramática (bueno, no muy dramática) para crear un protagonista simpático e irreverente que nos sirve como embajador al extraño universo de la cinta; Zoe Saldaña mantiene la mezcla justa de rudeza y sensibilidad como Gamora, la letal hija(stra) de Thanos; Bradley Cooper y Vin Diesel imprimen amplia personalidad a sus personajes animados digitalmente; y el luchador Dave Bautista muestra inesperada gravedad como el musculoso y filosófico Drax. También me alegra decir que los villanos se sienten más profundos que en otras cintas de Marvel, empezando por Lee Pace, irreconocible como el kree Ronan. Y fue un placer tener un breve atisbo a Thanos, ahora sí formalmente interpretado por Josh Brolin. Y, hablando de placer, podemos contar con el habitual cameo de Stan Lee, pero al que realmente me dio gusto ver (durante medio segundo) fue a Lloyd Kaufman... ¡en una película de Marvel! ¿Qué sigue; Ron Jeremy en Avengers: Age of Ultron (por favor, por favor, por favor)? En fin... Guardianes de la Galaxia fue una experiencia muy satisfactoria y, a pesar de no sentirse tan grandiosa e "importante" como otras cintas de Marvel, fue quizás la que mejor capturó el espíritu de los comics, con ese guiño que nos revela su propósito primordial de entretener, aunque haya millones de vidas en juego y el final sea un poco agridulce. Mi única queja sería que la edición titubea en algunos momentos, obstruyendo la narrativa con escenas y secuencias que no siempre "pegan" correctamente. Por lo demás, salí muy contento del cine... sobre todo después de esa escena post-créditos. Pero no quiero guardar falsas esperanzas; sé que solo fue un chiste, y no un presagio de futuros proyectos. Hablando de lo cual, me permito nominar desde ahora a James Gunn como hipotético director de Deadpool, siempre y cuando le den permiso de hacer una película con clasificación "R". De otro modo, ni lo intenten, por favor.
Calificación: 9.5

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12 Horas Para Sobrevivir (The Purge 2: Anarchy)

Síntomas: Ya pasó un año desde la última "Purga" (como vimos en la cinta The Purge), y nuevamente la población se prepara para enfrentar la única noche del año donde se suspenden las leyes y todo está permitido. Esta vez seguimos a un grupo de individuos que por variadas circunstancias se encuentran  en las calles cuando comienza la Purga, y tratan desesperadamente de encontrar un lugar seguro... o de cumplir la venganza que secretamente prepararon.

Diagnóstico: A pesar de los halagos y buenos comentarios que recibió, no me gustó la original cinta The Purge por dos razones: la primera es que ya estoy cansado del sub-género de "invasión doméstica"; y la segunda es que me fue imposible tragar la ridículamente absurda premisa de una noche al año donde se suspenden las leyes, y el gobierno autoriza a la gente para que haga lo que quiera, robe o mate a quien se le antoje, sin repercusiones legales. Todo esto porque, aparentemente, la "noche de Purga" reduce el crimen y el desempleo durante el resto del año, fortalece la economía, y deja la ropa con un agradable olor a limón, o algo así. Como sea, me pareció una idea demasiado inverosímil y, además de todo, solo sirvió como punto de partida para recetarnos otra trillada historia sobre un grupo de delincuentes que invade la casa de un hombre normal, quien se ve obligado a defender a su familia, bla, bla, bla. Pero bueno, eso fue en The Purge, y obviamente tuvo suficiente éxito crítico y comercial para justificar una secuela ¿Habrán encontrado un ángulo fresco y más creíble para esta segunda parte? Sí y no. Esta vez la acción se desarrolla a lo largo y ancho de la ciudad, con numerosos personajes (traducción: víctimas potenciales) cuyas contradictorias motivaciones impulsan la trama en distintas direcciones; y desde luego con una provisión casi infinita de coloridos villanos tan desechables como los supuestos héroes. Gracias a eso la película se siente más rica y dinámica, pero no por ello más creíble. A pesar de sus deseos por sobrevivir, los personajes toman malas decisiones, crean conflictos innecesarios para forzar el drama, y eligen los peores momentos para hacer sorpresivas revelaciones o cambiar radicalmente de actitud. Y mejor ni hablar del débil “comentario social” sobre la intolerancia de los ricos hacia los pobres. Quizás sería un mensaje válido y encomiable si la cinta se mantuviera consistente con sus ideales, o si los personajes mostraran convicción para interesarnos en su futuro. Pero eso representaría demasiado esfuerzo, así que la cinta simplemente se limita a pasar de una escena de violencia a otra con la mínima creatividad posible. Parecería que los productores de 12 Horas Para Sobrevivir quieren tomar el lugar que dejó vacío la saga de Saw, endilgándonos anualmente otra secuela barata de producir y por lo tanto redituable, sin necesidad de contratar grandes estrellas ni elaborar complicados efectos especiales. Hablando de lo cual, 12 Horas Para Sobrevivir ni siquiera cumple en ese aspecto. Hay mucha violencia, balazos y explosiones, pero muy poca sangre. Quizás si el director James DeMonaco hubiera exagerado los efectos tanto como el melodrama, tendríamos una hueca pero divertida experiencia gore, al estilo de Final Destination. Pero no hay tal suerte. En vez de eso tenemos un tedioso desfile de escenas sin suspenso, personajes aburridos, e insípida acción que no despierta emoción alguna. 12 Horas Para Sobrevivir me hubiera parecido apenas tolerable como mala secuela directa a video; pero en el cine se convierte en una lenta tortura que no puedo recomendar en nivel alguno. Hasta las interminables secuelas de Friday the 13th tenían más sustancia que esta bazofia.
Calificación: 4

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