La Última Profecía (Left Behind)

Síntomas: Sin previo aviso llega el día del Juicio Final, y millones de personas desaparecen en un santiamén. Entonces los pecadores que no fueron elegidos por Dios tendrán que hacer lo posible por sobrevivir el caos y destrucción desatados por ese evento divino. Entre ellos: Rayford Steele (Nicolas Cage), piloto aéreo en un vuelo a Londres, donde pensaba reunirse con su amante Hattie (Nicky Whelan); y su hija Chloe (Cassi Thomson), quien nunca tomó en serio los consejos de su devota madre Irene (Lea Thompson)... hasta que es demasiado tarde para arrepentirse.

Diagnóstico: El principal problema de La Última Profecía no es su burdo mensaje cristiano, ni su obvia intención didáctica (aunque tampoco la ayudan). El problema es la incompetencia general de su producción, empezando por el horrible libreto, carente de historia o impulso narrativo; y desde luego sus ridículos personajes, dibujados con el detalle y sutileza de una obra teatral infantil. La dirección y cinematografía parecen de cinta televisiva, absolutamente blandas y carentes de estilo o personalidad. Y las actuaciones provocan más risas que drama; de hecho, entre más gritan y lloran los pecadores y ateos que se quedaron en la Tierra, más parece que La Última Profecía es una especie de parodia o sátira del cine cristiano, como un video de Funny Or Die que accidentalmente se extendió a dos horas, pero sin el beneficio del "punchline" final que revelaría su intención humorística.
No, desafortunadamente esta película se toma demasiado en serio, y termina saboteando su cristiano propósito de darnos una lección y cambiar nuestro comportamiento, pues es obvio que solo la gente cristiana puede ser buena. Esta rígida y categórica postura religiosa añade una odiosa arrogancia a la cinta, haciéndola aún más pesada de lo que ya es. Pero, como dije, el ángulo religioso no bastaría para descartarla. El catalizador del argumento podría haber sido un arma extraterrestre (como uno de los sobrevivientes sospecha) o a un ataque terrorista (como se acusa al único tripulante musulmán del avión que pilotea Rayford), y la película sería igualmente intolerable... aunque en cierto nivel más realista, pues no nos exigiría adoptar un sistema de creencias específico para hacer creíble su inverosímil premisa.
Sin embargo no todo fue en vano: a fin de cuentas La Última Profecía logró inspirarme compasión y misericordia por los actores que aceptaron participar en este bodrio, ya fuera porque necesitaban el dinero (te estoy viendo, Nicolas Cage), o porque perdieron una apuesta, o porque simplemente querían trabajar, lo cual es perfectamente comprensible.
Habiendo dicho eso, me alegra haberme quedado hasta el final de La Última Profecía (resistí la tentación de mandarla al diablo - ahem), pues alcanza niveles de ridiculez comparables con Sharknado, junto con efectos especiales de similar categoría, haciendo esas escenas lo más divertido de la película entera. También aprecié el valor artesanal de dos stunts realizados en acción viva (el choque de una avioneta y la caída de un camión escolar), casi libres de manipulación digital, cosa rara en estos días. Y desde luego me gustó ver a la guapa actriz australiana Nicky Whelan en una ajustada blusa de azafata...
Perdón; son comentarios como ese los que evitarán mi ascenso al Cielo el día del Juicio Final. Ni hablar... más nachos y palomitas para quienes nos quedamos en la Tierra.
Calificación: 4

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Los Juegos del Hambre 3: Sinsajo, Parte 1 (The Hunger Games: Mockingjay, Part 1)

Síntomas: Tras desafiar públicamente al Presidente Snow (Donald Sutherland), la joven Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se refugia en el complejo subterráneo del Distrito 13, y gradualmente empieza a aceptar su función como imagen pública de la rebelión. Pero no será fácil, pues su amigo Peeta Mellark (Josh Hutcherson) sigue cautivo en el Capitolio, y Katniss no está dispuesta a sacrificarlo en aras de la revolución.

Diagnóstico: Parecía cuestionable la división de un libro en dos películas cuando lo hicieron en la saga de Harry Potter, y no se diga en la serie de Twilight; pero en Los Juegos del Hambre representa un auténtico insulto para los fans, y una bofetada en la cara del público que deberá pagar doble por ver las consecuencias de los eventos iniciados por Los Juegos del Hambre 3: Sinsajo, Parte 1, Inciso 3, Párrafo 5.
Pero me estoy adelantando. Conviene aclarar nuevamente que no leí las exitosas novelas de Suzanne Collins, ni planeo leerlas. Y, si algo aprendí de las dos previas películas, es que fueron diseñadas como complemento audiovisual de los libros, y no como auténticas adaptaciones cinematográficas dirigidas a contar la historia en sus propios términos. Naturalmente ahora ocurre lo mismo con la tercera película, repleta de escenas superfluas y mal explicadas; y con una abundancia de personajes irrelevantes que quizás tenían propósito y profundidad en las novelas; pero en las cintas solo gastan tiempo y nublan la narrativa, ya de por sí forzada y pobremente estructurada.
Habiendo dicho eso, me sorprendió descubrir que no odié por completo Sinsajo; tampoco puedo decir que la disfruté, pero sin duda me pareció superior a sus dos blandas predecesoras. Desafortunadamente sus contados aciertos pierden potencia cuando comete el grave error de aburrir al espectador, desaprovechando el tenue impulso dramático que logró generar a lo largo de sus dos lentas horas de duración.
El manejo de Katniss Everdeen como títere propagandístico tiene bastante mérito, y hubiera enriquecido la simplista moralidad de la película con una exploración de sus beneficios y peligros; pero, como todo en el universo de Los Juegos del Hambre, la disyuntiva ética de Katniss se maneja con frustrante frivolidad, dando énfasis a los aspectos menos interesantes del evento, como la ropa que usará, y la inútil asesoría de la experta en relaciones públicas Effie Trinket (Elizabeth Banks, horriblemente desperdiciada como fallido "comic relief"). Las escenas que funcionan son las que generan auténtica emoción (no mucha, pero algo es algo), como la revelación del devastado Distrito 12, o el bombardeo aéreo que evoca los horrores de los bunkers durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo una y otra vez el libreto se distrae con boberías que sentí fuera de lugar en un relato sobre guerra civil e insurrección política. Otro ejemplo (¿spoilers?): la subrepticia difusión de videos donde Katniss denuncia las atrocidades del Presidente Snow tienen el supuesto propósito de unificar a los distritos en su lucha contra el Capitolio; desafortunadamente nunca vemos el efecto de esos videos (con excepción de un ataque aislado que tiene incómodos tintes terroristas), de modo que cuando la Presidenta Coin (Julieanne Moore) emite un potente discurso revolucionario, no sabemos exactamente a quién está dirigido... ¿funcionó la propaganda? ¿Consiguieron unificar a los restantes distritos? ¿O nos enteraremos hasta la siguiente película? Me recordó aquel irritante asunto de los "patrocinadores" en la primera película, los cuales se usaron como excusa para propiciar el romance entre Everdeen y Mellark... aunque jamás los vimos, ni confirmamos su relevancia, a pesar de ser tan "importantes".
Repito: quizás todo esto se explicó con lujo de detalle en los libros; pero no es excusa para dejar huecos tan grandes en los libretos de las películas (aunque definitivamente hay tiempo para examinar los sentimientos de personajes incidentales que ya había olvidado por completo).
Una vez más la redentora de Los Juegos del Hambre 3: Sinsajo, Parte 1, Epístola 2, Versículo 8 es Jennifer Lawrence, empleando su considerable talento para mantener la cinta por encima del nivel mínimo de tolerancia, apoyada por excelentes actores de carácter como Julianne Moore (probablemente lo mejor de la película), el recientemente fallecido Philip Seymour Hoffman y Jeffrey Wright como Q... perdón, "Beetee", encargado de gadgets y obligatorio techno-babble.
Asumo que la siguiente película será acción de principio a fin, con ocasionales pausas para acomodar el triángulo romántico, lucir más diseños de moda, y sufrir los funestos chistes de Effie; pero sigue pareciendo una división arbitraria, dictada por la ambición y no porque la historia lo requiriera. Quizás combinando esas futuras escenas de acción junto con las mejores partes dramáticas de Sinsajo se podría hacer una película bastante pasable. Lamentablemente triunfó el Capitolio de Hollywood, usando sus propias técnicas de propaganda y persuasión. Pero funcionaron, pues después de tanta espera terminaré pagando por ver la conclusión de Los Juegos del Hambre. Por eso no merecen el silbido del "sinsajo", sino la trompetilla del desprecio.
Calificación: 6

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Super Duper Alice Cooper

Síntomas: Documental realizado para la televisión canadiense sobre la vida y obra del cantante Alice Cooper, desde su accidental origen parodiando a Los Beatles en su escuela preparatoria, hasta su monstruoso éxito como icono del "rock teatral" que reemplazó en los años setentas al "flower power" de los sesentas.

Diagnóstico: El cantante Alice Cooper gozó inmenso éxito durante la primera mitad de los años setentas, pero yo lo descubrí hasta su "renacimiento metalero" en los ochentas, cuando su perversa música y siniestra imagen ocupó la intersección de heavy metal y glam rock que en aquel entonces prosperaba. Hasta después aprendí que Cooper mismo estableció las bases de esos movimientos una década atrás, cuando desafió a millones de "hippies" con un nuevo estilo de rock, agresivo y discordante, que fue inicialmente rechazado en ambas costas de los Estados Unidos. Canciones como "Dead Babies" y "Reflected" resultaron demasiado "pesadas" para la cultura floral de California, y demasiado toscas para la sofisticada escena musical de Nueva York. Pero resultaron perfectas para las ciudades agrarias e industriales del centro de los Estados Unidos, donde los jóvenes de clase trabajadora encontraron un nuevo profeta musical cuya pasión y torcido sentido del humor capturaban el creciente descontento de una generación atrapada entre el consumismo post-Vietnam y la desilusión de la "Era de Acuario" que nunca llegó.
Ese es el periodo que cubre el documental Super Duper Alice Cooper, integrado por entrevistas y narración que cuentan una historia muy común en la música moderna: el humilde grupo con un nuevo concepto empieza a ganar atención; luego viene el veloz ascenso a la fama y las inevitables consecuencias: luchas internas, adicción y egomanía auto-destructiva; y posteriormente la inevitable resurrección con mayor madurez y experiencia sobre las trampas del éxito. Es una historia interesante, pero no muy original, de modo que los directores Sam Dunn, Reginald Harkema y Scot McFadyen añadieron considerable innovación en la presentación de los eventos, omitiendo las típicas "cabezas parlantes" para ofrecernos una narrativa visual increíblemente pulida y dinámica. Al principio resulta desconcertante escuchar el testimonio incorpóreo de gente como Iggy Pop, Elton John y otros contemporáneos de Cooper, sin poder asociar rostros con las voces; pero la vasta colección de fotografías (presentadas en un estilo "Ken Burns" con aderezo tridimensional), películas caseras, fragmentos de noticieros, y hasta escenas de cine mudo (en particular Dr. Jekyll and Mr. Hyde, evocando perfectamente la metamorfosis del joven Vincent Furnier al siniestro Alice Cooper), se integran con tal fluidez y elocuencia que es fácil sumergirse en el espíritu de la música, logrando una experiencia única y muy entretenida, cuya identidad es totalmente distinta a los documentales prefabricados de VH1 o Fuse.
Habiendo dicho eso, creo que Super Duper Alice Cooper está dirigida exclusivamente a los fans del cantante, o al menos a quienes tengan curiosidad histórica por el origen de canciones como "I'm Eighteen" o "School's Out". Solo ellos apreciarán el contexto cultural de discos como Killer y Welcome to My Nightmare, así como las extrañas conexiones que Cooper cultivó en aquel período (¡no sabía que había colaborado con Salvador Dalí!). Y como Super Duper Alice Cooper no es un concierto filmado, ni una colección de videos musicales, los espectadores casuales no encontrarán una apropiada introducción a la obra de Cooper.
La cobertura del documental termina aproximadamente en el año 1983, lo cual me decepcionó un poco; sin embargo esto sugiere la posibilidad de una secuela que cubriría los años restantes (incluyendo DaDa, mi disco favorito de Cooper); espero sinceramente que se vuelva realidad. Entonces, recomendaría Super Duper Alice Cooper para fans de Alice Cooper, y quizás para entusiastas del formato documental, pues sin duda admirarán la densa narrativa y riqueza visual propuesta por este trío de directores. Pero quienes solo quieran conocer la música de este cantante, harán mejor en ver el clásico concierto Welcome to My Nightmare o el reciente Road to Wacken; dejen que la delirante música se encargue de contar la historia.
Calificación: 9

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Stonehearst Asylum (Eliza Graves)

Síntomas: A fines del siglo diecinueve, el joven doctor Edward Newgate (Jim Sturgess) llega al remoto manicomio Stonehearst para completar sus estudios como "alienista" (como le llamaban a los psiquiatras en aquella época), pero descubre que los extraños métodos del Director Silas Lamb (Ben Kingsley) difieren mucho de lo que aprendió en la universidad. Y la vida de Newgate se complica aún más cuando empieza a enamorarse de la enigmática Eliza Graves (Kate Beckinsale), una de las pacientes más "normales" del asilo, aunque con un siniestro secreto en su pasado.

Diagnóstico: No sé por qué el director Brad Anderson no ha alcanzado mayor reconocimiento y popularidad en el medio cinematográfico. Creo que es un talentoso director, y películas como Session 9, The Machinist y Transsiberian lo respaldan; pero por alguna razón se ha mantenido como figura de culto, trabajando modestamente en televisión y producciones independientes de distribución limitada, que rara vez reciben la atención que merecen. Quizás así lo prefiere el mismo Anderson para conservar su libertad creativa, o tal vez no desea involucrarse en los juegos de Hollywood. Como sea, lo importante es que finalmente se estrenó su más reciente película, Stonehearst Asylum (también conocida como Eliza Graves, título del cuento corto de Edgar Allan Poe que la inspiró), y nuevamente podemos disfrutar su sobrio estilo y elegante dirección, esta vez en un entorno victoriano que explota al máximo la siniestra atmósfera de un hospital y los crueles métodos psiquiátricos del siglo diecinueve.
La trama y ejecución de Stonehearst Asylum evocan el cine de Amicus y Hammer Films realizado en los sesentas, aunque no es realmente una película de terror, sino un thriller psicológico (¿psiquiátrico?) donde compiten los enfoques clínicos de dos médicos empeñados en ayudar a sus pacientes con métodos muy distintos. El joven e idealista Newgate, egresado de Oxford, favorece las técnicas tradicionales, a veces crueles pero necesarias. Por su parte, el Dr. Lamb otorga libertad casi absoluta a los internos, incluso algunos muy peligrosos, pues cree que la curación universal consiste en restaurar la dignidad robada por las horribles condiciones del asilo. ¿Cual de los dos tiene la razón? Para bien o para mal esa interesante disyuntiva pasa a segundo plano cuando una inesperada revelación (no muy sorpresiva para quienes hayan visto cintas como Bedlam o Asylum) altera el rumbo de la trama y neutraliza la batalla ideológica que la impulsaba hasta ese momento. Desafortunadamente esta decisión reduce el potencial de la historia y frena el ritmo de la narrativa, convirtiéndola en algo mucho más previsible y tradicional.
Por esa razón Stonehearst Asylum es la película de Brad Anderson que menos me ha gustado; no la considero mala, pero lo que empezó tan bien se vuelve blando y demasiado "normal", especialmente si la comparamos con el resto de su provocativa filmografía. Aún así hay mucho que admirar, empezando por el elenco que incluye a Michael Caine, Brendan Gleeson y David Thewlis en roles secundarios pero importantes, complementando el excelente trabajo de Jim Sturgess, Kate Beckinsale y Sir Ben Kingsley (se me ocurre que Kingsley debería impartir un "seminario de locura" donde Nicolas Cage y otros actores podrían aprender a expresar absoluto delirio sin perder credibilidad ni dignidad). Los escenarios y locaciones también resaltan por su atención al detalle; y la cinematografía de Tom Yatsko obtiene cálidos colores y profundos claroscuros para evocar los extremos de lucidez y manía de los personajes, cuyo comportamiento ignora la división de "buenos" y "malos" para flotar en el ambiguo espectro de la ética médica.
A fin de cuentas Stonehearst Asylum entretiene dentro de sus rígidos límites, pero su argumento se alarga demasiado y tiende a diluir el impacto de los elementos que funcionan (por no mencionar el chasco de un final cursi y conveniente), así que la recomendaría solo para fans de Brad Anderson y para devotos de Amicus y Hammer que sepan apreciar un estilo arcaico y reposado (casi diría "flemático"), muy distinto al de los thrillers contemporáneos. Por otro lado, aún con tantas reservas, esta cinta resultó mucho más interesante que cualquier obra reciente de terror ubicada en un antiguo manicomio. Esas son auténticas torturas que ya me cansé de soportar.
Calificación: 6.5

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At the Devil's Door

Síntomas: Leigh (Catalina Sandino Moreno) es una tenaz agente de bienes raíces, y está organizando la venta de una casa sin saber que hace veinticinco años una adolescente llamada Hannah (Ashley Rickards) experimentó ahí extraños fenómenos paranormales. Y, lo que haya sido, sigue habitando el inmueble en espera de su próxima víctima.

Diagnóstico: ¡Otra vez! Llevo casi un año esperando el estreno de la película Home porque me gustó mucho The Pact, la previa obra del director Nicholas McCarthy. Pero hasta ahora me enteré (casualmente) de que "Home" cambió de título, y se estrenó como At the Devil's Door. Supongo que fue un cambio justificado... el título original era vago y poco comercial; pero aun así resulta confuso para quienes seguíamos el desarrollo de la cinta. Ni hablar; parece ser un fenómeno muy común, y será mejor adaptarse y dejar de quejarse (al menos hasta la próxima vez). Pasando a lo importante: At the Devil's Door me pareció inferior a The Pact por razón de su tergiversado argumento, aunque se sigue notando el talento de McCarthy para crear suspenso y terror con eficiencia y elegancia, empleando precisa dirección y una tenebrosa atmósfera similar a la de su previa cinta. At the Devil's Door ofrece buenos sobresaltos, creciente tensión y una sensación general de ansiedad que persigue al espectador hasta en las escenas más triviales. El problema, como dije, es el fracturado libreto (escrito por el mismo director) que cambia de rumbo con demasiada frecuencia y no logra decidirse por una dirección concreta.
Todo comienza con un enigmático prólogo donde vemos a la adolescente Hannah participando en un bizarro ritual, el cual sirve para darle contexto a la historia de Leigh y sus dificultades para vender una "casa embrujada" (o lo que sea). Hasta ahí todo va bien. Pero después intervienen largos flashbacks con Hannah y las consecuencias del ritual; luego el foco de atención cambia a Vera (Naya Rivera), la hermana de Leigh; luego la historia salta ocho meses; luego seis años... y, bueno, eso basta para describir la confusa estructura de At the Devil' s Door, la cual incluye suficientes tangentes como para llenar tres películas que tal vez serían interesantes por derecho propio (estaría perfecto para una trilogía). Pero con tanto material comprimido en hora y media cuesta trabajo integrarnos a la historia y disfrutar plenamente el suspenso, los sobresaltos y la inevitable sensación de que las cosas no saldrán bien para nadie. Espero que nada de esto constituya un "spoiler". Los giros de la historia son tan abruptos y arbitrarios que no importa mucho revelar algunos detalles (eso espero).
Por el lado positivo, las actrices realizan un excelente trabajo con sus reducidas porciones del libreto, y aprovechan la oportunidad para subvertir la imagen que cultivaron en televisión (Catalina Sandino Moreno en The Bridge, Naya Rivera en Glee, y Ashley Rickards en Awkward). Ahora que lo pienso, la predominancia del punto de vista femenino viste a la película con un nivel adicional de significado que la hace más profunda... aunque no resuelve los problemas fundamentales de su narrativa.
Entonces, At the Devil's Door quedó muy lejos de The Pact, pero al menos confirma la capacidad de Nicholas McCarthy para manejar las herramientas del horror y para construir personajes realistas e interesantes; sin embargo no tuvo igual éxito como guionista, y solo queda esperar que encuentre un buen colaborador para su siguiente proyecto, pues hay muchos fans del terror (como yo) ansiosos por descubrir la siguiente "joya oculta" que compensará las decepciones sufridas a lo largo de esta frustrante búsqueda. Solo pido que esa hipotética "joya oculta" no cambie de nombre en el último momento; ya es bastante difícil encontrarlas sin que alteren su identidad por capricho de algún ejecutivo demasiado creativo para su propio bien.
Calificación: 6.5

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Autómata

Síntomas: En el año 2044 la humanidad está casi extinta debido a fuertes tormentas solares que convirtieron la Tierra en un desierto. Los pocos sobrevivientes se hacinan en una inmunda ciudad amurallada, combatiendo constantemente el avance de las arenas. Afortunadamente la población cuenta con la ayuda de robots utilitarios manufacturados por la compañía ROC, la cual incorporó en sus productos rigurosas reglas de conducta que garantizan la seguridad de los humanos y la obediencia de los robots. Sin embargo alguien está alterando peligrosamente la programación de estos autómatas, y el agente de seguros Jacq Vaucan (Antonio Banderas) deberá descubrir al culpable antes de que sea demasiado tarde.

Síntomas: Autómata es básicamente una versión sobria y reflexiva de I, Robot, desechando la acción y hueco espectáculo de aquella película para recuperar las potentes ideas que impulsaron el libro original de Isaac Asimov (aunque no es una adaptación formal). Sin embargo, el director español Gabe Ibáñez no busca copiar a ese legendario autor, sino que toma sus conceptos como punto de partida y los expande para presentarnos un mundo vivo y palpable donde el hombre está perdiendo el control de su tecnología... lo cual podría ser menos siniestro de lo que suena, en vista de las malas decisiones y egoísmo que caracterizan a la humanidad.
Antonio Banderas se aleja un poco de su heroica imagen para presentarnos un protagonista melancólico y acabado, que tiende a refugiarse en sus recuerdos de la niñez en vez de reconocer el catastrófico potencial del caso que investiga. O al menos así interpreté la frustrante ceguera del personaje, que tarda demasiado tiempo en darse cuenta de lo que está pasando, cuando el público probablemente lo adivinó media hora antes. Esto hace que las eventuales revelaciones "sorpresivas" pierdan el dramatismo que el director esperaba, y reducen considerablemente el impacto de la película. Y ya que empecé a quejarme, también mencionaré que Autómata me pareció demasiado larga, con una buena parte de su duración dedicada al flojo melodrama familiar de Vaucan y su esposa embarazada. Entiendo la utilidad de esa dinámica para añadir peso emocional, pero siento que pudo abreviarse sin sacrificar el resultado. Y tampoco me gustó la adición de genéricos villanos corporativos, simplemente para justificar un par de escenas de acción, competentemente filmadas pero superfluas dentro de la trama principal.
Afortunadamente son quejas menores (o tal vez medianas) que se ven compensadas por el inteligente libreto, sólidas actuaciones (tanto de actores orgánicos como mecánicos) y, sobre todo, por los increíbles aspectos técnicos de la cinta, desde efectos especiales (perfecta combinación de técnicas prácticas y digitales), hasta el impecable diseño de producción, todo lo cual se conjuga para crear espectaculares vistas de un futuro post-apocalíptico realista en apariencia y creíble en sus detalles (quizás demasiado creíble); los robots se llevan los aplausos, pero también me gustó el concepto de las "nubes artificiales".
Si analizamos los componentes de Autómata veremos que no son muy originales. Además de la obra de Asimov noté influencias de muy diversas fuentes (o quizás simples similitudes), incluyendo la literatura cyberpunk, comics como Magnus, Robot Fighter, y desde luego Star Trek, con sus frecuentes cuestionamientos sobre la definición de la vida y la validez de la conciencia artificial. Pero el talento del director consistió en tomar estos familiares ingredientes para preparar una receta de ciencia ficción con sabor único y personal.
Entonces, miré demasiadas veces el reloj mientras veía Autómata, y me hizo girar los ojos con sus ocasionales traspiés narrativos, pero a fin de cuentas me dejó satisfecho por el calibre de sus ideas, la ambición de su argumento, y el poder de sus imágenes, siempre complementando las necesidades del libreto. Además, como beneficio adicional, creo que eliminó para siempre mi fantasía de una "sexbot" futurista. Me la imaginaba como Galaxina, pero resultó más parecida al Crushinator.
Calificación: 8.5

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Hangar 10

Síntomas: El ex-soldado Gus (Robert Curtis) y su novia Sally (Abbie Salt) son arqueólogos aficionados que pasan su tiempo libre buscando reliquias en antiguos sitios romanos de Inglaterra. Esta vez deciden visitar el bosque Rendlesham en compañía de su amigo Jake (Danny Shayler), quien grabará video para un reportaje. Pero al caer la noche empiezan a notar extrañas luces entre los árboles, tal como ocurrió hace treinta y cinco años en el famoso caso Bentwaters, cuando un grupo de militares encontró algo inexplicable en ese mismo bosque.

Diagnóstico: Por ser una producción británica y por estar basada en un caso "real" bastante famoso (al menos entre aficionados al fenómeno OVNI), tenía esperanzas de que Hangar 10 sería más realista y consistente que otras recientes cintas de tema similar (como Alien Abduction, Dark Skies y Extraterrestrial). Y, efectivamente, se cumplió mi deseo... aunque eso no significa que sea una buena película.
El problema que tuve con las cintas antes mencionadas es que se limitaron a usar aliens como monstruos genéricos dentro de una añeja fórmula de terror. Para bien o para mal, Hangar 10 se comporta como un thriller más sutil y misterioso, incrementando gradualmente los bizarros avistamientos de luces nocturnas, siniestros sonidos en el bosque y, finalmente, la revelación de... algo al mismo tiempo vago y predecible, inspirado en las clásicas conspiraciones sobre la presencia extraterrestre en nuestro planeta (no creo que sea "spoiler" revelarlo, pues desde muy temprano podemos adivinar hacia dónde se dirige la película). Lo malo es que el director Daniel Simpson decidió usar la irritante técnica del video casero (o "found footage") para contar una historia lenta y excesivamente simple, que no gana beneficio alguno con la cámara en mano. El resultado, por consiguiente, es el que ya hemos visto demasiadas veces: interminables caminatas por el bosque para inflar la duración de la cinta; malos actores improvisando diálogos insulsos; y confusas secuencias grabadas con visión nocturna que no provocan suspenso, asombro, y mucho menos terror.
Supongo que los cineastas merecen cierto crédito por tratar de duplicar algunos detalles descritos por los soldados involucrados en el "caso Rendlesham" de 1980 (también conocido como "Bentwaters" por el nombre de la base militar cercana). Los efectos especiales son un poco irregulares pero cumplen su cometido, y al final hay algunas imágenes bastante impresionantes. Sin embargo, estimo que hubiera sido más interesante una recreación formal de aquel evento, en vez de usarlo como floja inspiración del cliché "jóvenes extraviados en el bosque".
Ni hablar... así como ocurre con criaturas criptozoológicas y conspiraciones gubernamentales, creo que el fenómeno OVNI solo funciona en documentales enfocados en describir los hechos (reales o no), sin tratar de injertar estructuras dramáticas que, al parecer, no son muy compatibles con estos exóticos temas. Es mejor dejarlos en forma de anécdotas y rumores para preservar su encanto folclórico. Dejaré entonces de buscar la película perfecta sobre aliens y OVNIS (después de todo ya tenemos Close Encounters of the Third Kind y series televisivas como The X-Files), y me limitaré a la habitual dieta de vídeos en YouTube y UFOCaseBook.com, donde no hay directores empeñados en crear melodrama artificial, ni actores sin libreto gritando durante noventa minutos. Desde luego los efectos digitales son igualmente obvios, pero no requieren largas caminatas por el bosque para descubrir que nos están engatusando.
Calificación: 6

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Exists

Síntomas: Cinco amigos se disponen a pasar unos días en una remota cabaña, grabando videos de "paintball" y ciclismo extremo para subir a YouTube. Pero una criatura los acecha en el bosque, y quizás los jóvenes tendrán oportunidad de grabar un video más asombroso de lo que esperaban.

Diagnóstico: No sé si sea triste o irónico, o las dos cosas. Eduardo Sánchez co-dirigió The Blair Witch Project, iniciando la moda de las películas de "found footage". Y ahora, quince años después, regresa al género... pero se limita a copiar lo que hacen hoy sus imitadores. Y lo peor es que el resultado ni siquiera fue tan bueno.
Para empezar, Exists usa como personajes a los mismos estereotipos del moderno cine de terror: jóvenes estúpidos y arrogantes ("bros") que no despiertan la menor simpatía o interés. La técnica del "video casero" funciona durante un rato, pero cuando comienza la violencia y las muertes, no parece haber excusa para seguir grabando; y además la edición hace trampa en muchas ocasiones, rompiendo la ilusión pseudo-documental y revelando las inconsistencias de un libreto que quizás requería una técnica de filmación más tradicional.
Por lo demás, Exists es exactamente como esperamos: mucho relleno, discusiones innecesarias, y tomas nocturnas con los (malos) actores improvisando insulsos diálogos: "¿Qué fue eso?", "¡Algo se está moviendo!". Y cuando llega el terror, tenemos las obligatorias corretizas por el bosque con tomas frenéticas y confusas que a estas alturas no provocan suspenso ni sugieren realismo, sino simplemente denuncian la pereza y falta de imaginación de los cineastas.
Algunos sitios en Internet criticaron la cinta Willow Creek por copiar a Exists (Willow Creek se estrenó comercialmente primero, pero Exists se produjo antes). Sin embargo lo único que tienen en común es el tema general de Sasquatch y la técnica de cámara en mano. Fuera de eso, Willow Creek tiene mejor dirección, auténtico suspenso, y personajes agradables, que podemos acompañar durante noventa minutos sin que parezca una intolerable penitencia. También hay otra diferencia importante (Semi-SPOILER): Willow Creek nunca nos muestra a las criaturas, mientras que Exists no pierde oportunidad de lucirlas... y aunque el maquillaje es bueno, su comportamiento no me pareció muy convincente.
Basta de comparaciones. Por derecho propio Exists es una mediocre pero pasable cinta de terror (admito que mejora un poco al final, aunque no lo suficiente para elevar mi entusiasmo); sin embargo resulta una decepción cuando incluimos a Eduardo Sánchez en la ecuación; el co-director de muy celebrada The Blair Witch Project (y director de la excelente Lovely Molly) crea expectativas que Exists es incapaz de cumplir, y parece una estrategia desesperada por revivir los éxitos del pasado cometiendo los errores del presente. Espero sinceramente que encuentre un mejor libreto para su siguiente proyecto, pues de otro modo podría caer en un ciclo destructivo de "creature features" para el canal SyFy. Eso sería más terrorífico que un sasquatch enfurecido (no, probablemente el sasquatch sería peor; afortunadamente no existen... ¿o sí?)
Calificación: 7

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Obvious Child

Síntomas: Donna Stern (Jenny Slate) atraviesa un momento difícil en su vida: su incipiente carrera como comediante no parece avanzar; acaba de perder su trabajo "real" en una de las últimas librerías independientes de Nueva York; su novio la abandonó por su ex-mejor amiga; y, para colmo, Donna acaba de descubrir que está embarazada. Su reacción inmediata es solicitar un aborto en la clínica local, pero por razones médicas debe esperar dos semanas, durante las cuales tendrá oportunidad de decidir si quiere continuar con su disipada existencia, o si lo que necesita es un poco de responsabilidad para enfocar su vida.

Diagnóstico: Recuerdo que odié a Jenny Slate cuando se integró al elenco de Saturday Night Live en el 2009. Bueno, no la "odié" realmente, pero me desagradó su estilo y actitud, así que ni cuenta me di cuando abandonó el programa un año después (algunos dicen que Lorne Michaels nunca la perdonó por decir accidentalmente "fuck" durante su primer sketch). Sin embargo, durante los siguientes años mi opinión sobre esta comediante cambió diametralmente, tras haberla visto florecer en papeles secundarios/actriz invitada en series televisivas como Married y Parks and Recreation, donde frecuentemente robó sus escenas y me dejó con ganas de verla como estelar en algún proyecto que supiera aprovechar su talento. Y, bueno, finalmente llegó ese proyecto en la forma de Obvious Child, la mejor comedia romántica que he visto sobre el aborto (quizás sea la única en esa categoría, pero eso no demerita sus aciertos).
Parecería difícil y hasta de mal gusto encontrar humor en este tema, pero el notable libreto de la directora Gillian Robespierre toma en serio la premisa y no la trivializa en aras del humor; por el contrario, la comedia fluye naturalmente a partir de las contradictorias emociones que genera la inesperada situación de Donna, quien decide analizarlas públicamente en rutinas de "stand up" que se sienten más como catárticas terapias de grupo que como simples chistes desechables.
Apoyando el brillante desempeño de Slate tenemos a Gaby Hoffman en el obligatorio papel de "mejor amiga", siempre lista con el comentario mordaz o consejo oportuno que requiere la escena para trascender su simple receta humorística (y, claro, Hoffman es la persona ideal para declamar diatribas feministas sin convertirlas en un barato cliché político). También las acompañan algunos veteranos como David Cross y Richard Kind, pero la cinta descansa sobre los hombros de Jenny Slate, y me complace decir que superó mis expectativas, no solo en el aspecto humorístico sino también en el dramático, que en este caso pesa tanto como la comedia.
Quizás la televisión en vivo no era el fuerte de esta actriz, pero bueno... no todas pueden ser Kristen Wiig; afortunadamente Obvious Child demuestra que Jenny Slate tiene talento de sobra para abordar otros géneros, y solo queda recomendar esta incisiva comedia (quizás sería más exacto llamarla "melodrama"), con la advertencia de que su delicado tema no será para todos los gustos, lo cual es perfectamente valido... aunque eso no hace la película menos simpática o relevante. Confío en que encontrará a su audiencia, y que sabrán aceptarla como sólido entretenimiento libre de propaganda y repleto de sinceras emociones. Afortunadamente el aborto no es un tema que invita a la controversia. Las groserías en televisión, por otro lado...
Calificación: 9

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The ABCs of Death 2

Síntomas: Otras veintiséis historias cortas (una por cada letra del alfabeto) de muy diversos directores, con el tema común de la muerte: a veces trágica, a veces cómica, frecuentemente sangrienta... pero siempre inevitable.

Diagnóstico: La segunda entrega de esta inusual antología reúne nuevamente una ecléctica colección de cineastas, estilos y técnicas. Creo que me gustó más que la primera, pero no encontré los mismos extremos de grotesca subversión o, para el caso, los mismos abismos de pereza o mediocridad. En otras palabras, The ABCs of Death 2 me pareció mejor en general pero más blanda en sus detalles, lo cual no es del todo malo.
Tomaría demasiado espacio recontar cada uno de los veintiséis cortometrajes, cuya duración de cinco minutos o menos resulta en una película de dos horas que nunca se siente cansada ni lenta por la gran variedad de alternativas y enfoques. Además, si algún segmento no nos está gustando, sabemos que en un par de minutos terminará y será reemplazado por otro, quizás con mejor suerte. Ojalá pudiéramos decir eso de Transformers.
Entonces, me limitaré a mencionar las "letras" que más me gustaron, en orden alfabético.
"B is for Badger", de Julian Barrat: Una acertada sátira de los reportajes que pretenden reflejar la realidad, aunque sea manipulándola a su gusto y conveniencia.
"D is for Deloused", de Robert Morgan: Delirante imaginación y visuales hermosos/repulsivos en este corto animado imposible de describir, excepto como una febril pesadilla surrealista... y al mismo tiempo perfectamente lógica.
"L is for Legacy", de Lancelot Imasuen: la trama de venganza tribal no es muy novedosa, pero representa un nicho cultural que nunca hacia visto en una película de terror (al menos tomado en serio).
"N is for Nexus", de Larry Fessenden: Excelente ejemplo de un cineasta establecido que aprovecha el formato corto para experimentar con formas y estilos que nunca había empleado en su filmografía.
"O is for Ochlocracy", de Hajime Ohata: Ingenioso corto japonés que ignora el típico gore para sorprendernos con una fresca interpretación de la invasión zombie; a estas alturas no creía posible encontrar una nueva faceta de ese rancio monstruo, pero parece que aún existen aspectos inexplorados.
"T is for Torture Porn", de Jen y Sylvia Soska: Exactamente lo que describe el título, pero no como acostumbramos entenderlo.
"U is for Utopia", de Vincenzo Natali: Mordaz sátira sobre la obsesión por la perfección física; me sentí identificado con el trágico protagonista.
"W is for Wish", de Steve Kostanski: Alucinante despliegue de violencia y encanto retro, tal como acostumbra el colectivo canadiense Astron-6. Me gustaría ver este corto expandido a largometraje formal.
"Z is for Zygote", de Chris Nash: Lo mejor al final; increíblemente grotesco, perturbador y sangriento, pero sin perder una firme base emocional. Es mejor no describirlo.
Hay muchos otros segmentos buenos o al menos entretenidos, y afortunadamente muy pocas decepciones (incluso los "malos" no son realmente malos, sino un poco flojos o previsibles). Dentro del marco del terror contemporáneo creo que me gusta más la serie V/H/S por su innovador lenguaje visual, pero sin duda hay lugar para ambas franquicias, y me gustaría mucho ver una tercera entrega de The ABCs of Death, siempre y cuando mantenga el mismo dinamismo, variedad y, sobre todo, el enfoque global que incrementa el potencial de descubrir al siguiente "amo del terror". O simplemente a nuevos cineastas talentosos que no han tenido oportunidad de lucir su talento en la comunidad mundial.
Calificación: 8.5

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Birdman

Síntomas: Hace veinte años el veterano actor Riggan Thomson (Michael Keaton) ganó inmensa fama gracias a su interpretación del superhéroe Birdman en varias exitosas películas. Pero ahora, en su edad madura, siente la necesidad de hacer algo más artístico o relevante, y para ello prepara una obra teatral en Broadway con ayuda de su amigo Jake (Zach Galifianakis). Pero la intolerable presión de la puesta en escena y las dudas internas de Riggan amenazan con sabotear la producción... e incluso podrían destruir al actor.

Diagnóstico: Creo que el director mexicano Alejandro González Iñárritu posee enorme talento y una potente visión artística que le da una identidad única a sus películas... las cuales nunca me han gustado. Indudablemente son obras de gran calidad, pero siempre he notado una cierta afectación o arrogancia que sugiere mayor énfasis en asombrarnos con sus malabares narrativos que en contar una historia interesante, y eso me distrae lo suficiente para impedir que logre sumergirme en la trama.
Birdman me produjo exactamente esa impresión... pero sus elementos individuales son tan extraordinarios que en esta ocasión no me costó trabajo aceptar la historia y seguir a los tortuosos personajes, muy humanos y creíbles a pesar de su profunda disfunción, y de algunas incursiones en el realismo mágico que no siempre parecen justificadas o benéficas para la trama.
El elenco es impresionante por su versatilidad y realismo emocional. Desde luego Michael Keaton recibirá gran parte de los aplausos, y con justa razón; ya sabíamos que es un excelente actor, pero Iñárritu lo conduce a insospechados territorios de revelación interna y desesperación. Emma Stone (como su frágil pero inteligente hija), Naomi Watts (como actriz principal de la obra teatral), y Amy Ryan (comprensiva ex esposa y ocasional confidente de Riggan), merecerían párrafos de elogio por su conmovedor trabajo, pero baste decir que no hay un solo eslabón débil en el reparto. Sin embargo, el que más me impresionó fue Edward Norton en el papel de Mike Shiner, celebrado actor teatral que se integra tardíamente a la obra y, a pesar de su errático comportamiento, logra que Riggan comprenda finalmente el espíritu del teatro, tan distinto al rimbombante y hueco Hollywood al que estaba acostumbrado.
Todo eso bastaría para hacer una excelente película, pero además Birdman nos deleita con un espectacular derroche de estilo y virtuosismo técnico, simulando que la cinta está realizada en una larga toma continua, con la cámara en constante movimiento y al mismo tiempo precisamente controlada para complementar el tono de las escenas y las emociones de los personajes. Y, más aún, me impresionó mucho la re-definición del close up que consiguió el director de fotografía Emmanuel Lubezki, acercando la cámara peligrosamente al rostro de los actores para capturar cada detalle, cada elocuente rasgo expresivo, pero logrando que se sienta íntimo y natural el vez de claustrofóbico, como ocurre en tantas otras películas. Parecería imposible que a estas alturas alguien pudiera innovar en algo tan básico como el close up, pero la evidencia está en la pantalla. O quizás fueron tan solo mis anteojos nuevos.
Habiendo dicho eso, algún cínico amargado podría alegar que resulta irónico el uso de compleja tecnología y extensa manipulación digital en una película dedicada a exaltar la pureza y genuina pasión del teatro. O quizás ese contraste entre fondo y forma (junto con algunas mordaces críticas sobre la superficialidad de Hollywood) debe tomarse como traviesa contradicción satírica de ambos medios.
Como sea, Birdman fue una fascinante experiencia, altamente recomendada como carta de amor de Iñárritu al teatro, al cine, al arte histriónico y, sobre todo, a Iñárritu mismo, cuya vanidad creativa encontró finalmente el vehículo perfecto para trascender su motivación y convertirse en una brillante expresión artística, hermosa para los sentidos y satisfactoria para el intelecto. Los extremos a los que llegan algunos para ahorrarse el sueldo de un editor...
Calificación: 9

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Life After Beth

Síntomas: El joven Zach Orfman (Dane DeHaan) queda devastado tras la muerte de su novia Beth (Aubrey Plaza), y por eso experimenta una mezcla de gozo y terror cuando la joven regresa inexplicablemente a la vida. Sin embargo la relación entre ambos se complica cuando Beth manifiesta ciertos cambios, al principio sutiles y luego obvios, significando que quizás no es la misma de antes.

Diagnóstico: Life After Beth parece a primera vista una comedia de terror, pero sería más preciso describirla como un melodrama romántico honesto y realista, a pesar de sus inverosímiles circunstancias. Por eso no hay que esperar grandes risas ni absurdos excesos, sino un discreto acompañamiento de humor negro para acentuar el colapso de un romance juvenil aparentemente perfecto, pero saboteado por un macabro destino.
Cierto, en algunas ocasiones ese frágil balance de tonos y emociones se acerca peligrosamente a la farsa, pero el director Jeff Baena y su capaz elenco no pierden de vista la humanidad de los personajes como fundamento de Life After Beth, y resulta notable ver que el elenco (integrado por algunos famosos comediantes) nunca traiciona los requerimientos de la escena por buscar la risa fácil o la simpatía del espectador. Paul Reiser (¡ya pasaron muchos años desde Mad About You!) y Cheryl Hines interpretan a los padres de Zach como adultos benevolentes pero más interesados en sus compromisos sociales que en los perturbadores eventos que atormentan a su hijo. Por el contrario, John C. Reilly y Molly Shannon son padres tan posesivos y preocupados por su hija Beth que no están dispuestos a abandonarla por algo tan trivial como la muerte. Y lo mejor de la película, desde luego, son Dane DeHaan y Aubrey Plaza como la pareja más trágica desde Romeo y Julieta. Su amor es sincero pero no empalagoso, y lo mismo puede decirse de sus reacciones ante la gradual descomposición (ja, ja) de su relación.
Con tanta mención de "romance adolescente" conviene aclarar que Life After Beth no pretende atraer al mismo público que Twilight o sus imitadoras. Su tono es más travieso, sus personajes son más realistas y, a fin de cuentas, su intención no es hacernos suspirar, sino compartir la angustia de "la vida después de la muerte", cuando no es una hueca expresión poética, sino una cruda y grotesca realidad. O una metáfora del amor. Como sea, es igualmente terrorífica.
Calificación: 8.5

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Extraterrestrial

 

Síntomas: La joven April (Brittany Allen), su novio Kyle (Freddie Stroma) y varios amigos se disponen a pasar un fin de semana en una remota cabaña, pero su fiesta se interrumpe cuando algo cae del cielo y se estrella en el bosque cercano. Naturalmente deciden investigar, y encuentran un extraño vehículo circular semi-destruido... junto con huellas inhumanas que se alejan en dirección de su cabaña.

Diagnóstico: Los "Hermanos Vicious" (Colin Minihan y Stuart Ortiz) se dieron a conocer con la película Grave Encounters (2011), cuya modesta producción semi-amateur y clichés de "found footage" no les impidieron ganar cierto éxito comercial y bastantes fans (yo no me cuento entre ellos). Y ahora con su nueva película, Extraterrestrial, nos ofrecen una producción mucho más "seria" y profesional... aunque siguen ausentes las ideas originales y el supuesto suspenso que debería generar.
Para bien o para mal los directores tomaron una premisa de ciencia ficción y la encajaron a golpes en un genérico molde de terror, lo cual parece estar de moda, como demuestran las cintas Dark Skies, Alien Abduction y Almost Human. Quizás si Extraterrestrial fuera la primera en intentarlo ganaría puntos por originalidad, pero a estas alturas se siente como un refrito carente de ideas frescas o de una ejecución suficientemente tenebrosa para compensar su árida imaginación. O tal vez debieron mantener en secreto la presencia de los alienígenas, y aprovechar el clásico contexto de terror para desorientarnos y luego sorprendernos con la inesperada revelación. Pero no... los hermanos Vicious nos muestran sus cartas desde el principio, lo cual disipa todo misterio y nos obliga a recorrer el mismo camino de siempre... pero esta vez con aliens "grises" en vez de algún monstruo o asesino enmascarado.
Otro problema de Extraterrestrial es el inconsistente comportamiento de esos aliens: a veces son simples monstruos acechando a los humanos; a veces son invencibles asesinos estilo Jason; y de vez en cuando muestran impredecibles poderes sobrenaturales (¿por qué no los usan más seguido? Se hubieran ahorrado mucho tiempo y dificultades). Creo que el motivo de tantas irregularidades es que los directores tienen un repertorio de trucos muy limitado, y prefieren la comodidad del terreno conocido en vez de intentar algo nuevo, o al menos más apropiado para el tipo de narrativa que sugiere el título. Y cuando finalmente deciden incursionar en territorio de ciencia ficción, se limitan a copiar escenas, conceptos e imágenes de mejores películas, como Fire in the Sky, The X-Files, y hasta Independence Day. Tampoco puede faltar un obligatorio "twist" final, al mismo tiempo cruel, cursi e innecesario, que solo funcionaria si tuviéramos el más vago interés por la pareja protagónica... pero yo no lo tuve, de modo que el final me produjo apatía en vez del sentimiento que los directores esperaban evocar.
Habiendo dicho eso... supongo que tan solo por su sólida manufactura, competentes efectos especiales y accesible fórmula, Extraterrestrial podría dejar satisfecho al público que sepa apreciarla como modesta obra de terror, sin importar las incompatibilidades con su premisa de ciencia ficción. Debido a eso no merece descartarse por completo, e incluso amerita una débil recomendación como mediano thriller, predecible y prefabricado pero suficientemente entretenido. Quizás mi decepción personal fue mayor porque estaba esperando una película fiel al folclore popular de los OVNIs, más terrorífico por su fondo que por su forma (hay tantas anécdotas sobre el tema que parece absurdo reducirse a algo tan elemental como "slasher con aliens"). Quizás la cinta Hangar 10, próxima a estrenarse (basada en el célebre incidente del bosque Redlesham), finalmente lo logrará... pero no guardaré esperanzas irreales. Creo que es más fácil avistar un OVNI que una buena película sobre aliens.
Calificación: 7

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Donde Se Esconde el Diablo (The Devil's Hand - Where the Devil Hides)

Síntomas: En la pequeña comunidad religiosa de New Bethlehem nacen seis niñas el sexto día del sexto mes, lo cual estaba anunciado en una antigua profecía... pero solo cinco sobreviven. Dieciocho años después, esas cinco niñas son buenas amigas, y planean celebrar su mayoría de edad con una fiesta. Pero antes de la celebración empiezan a desatarse extraños fenómenos a su alrededor, y quizás no todas llegarán con vida a su cumpleaños.

Diagnóstico: A pesar del título, su tema religioso y las flojas manifestaciones sobrenaturales que nos presenta, Donde Se Esconde el Diablo es en realidad una mediocre cinta slasher con un par de buenas ideas, pero demasiado tímida y blanda para aprovecharlas. Para empezar, tenemos el clásico pueblo ultra-religioso dominado por un siniestro predicador (interpretado por el siempre entretenido Colm "O'Brien" Meaney) que disfraza su perversión con citas bíblicas y golpes de pecho. Pero, ¿podrá tener razón sobre la profecía? Me pareció interesante esa dualidad moral, en la que el obvio villano quizás no sea la peor amenaza que acecha a los devotos habitantes de New Bethlehem. Y tampoco es común encontrar en una película la inestable combinación de asesino encapuchado y fenómenos sobrenaturales; no sé si sean del todo compatibles, pero su interacción acentúa el misterio, y contribuyó a mantenerme más o menos interesando en el desenlace a pesar de la anemia general que sufre esta película.
Interesado, pero no muy entretenido. Esa falta de energía y creatividad arruina la experiencia al no ofrecer suspenso, terror, y ni siquiera gore (el último recurso del cineasta desesperado). En otras palabras, Donde Se Esconde el Diablo resulta tan inofensiva como los thrillers televisivos de Lifetime y Hallmark (no es que acostumbre verlos... al menos no muy seguido... solo si aparecen Victoria Pratt o Julie Benz), y sentí que perdía mi tiempo viéndola en el cine, aunque quizás en televisión podría funcionar como ruido de fondo mientras el espectador hace otra cosa, como responder correo o leer tiras cómicas en GoComics.
Pero bueno, para no divagar más terminaré diciendo que Donde Se Esconde el Diablo no merece recomendación alguna, excepto para fans irredentos del Jefe O'Brien (si es que desean verlo como sacerdote pervertido) y para familiares de las jóvenes actrices que interpretan a las niñas malditas (o lo que sean). Admito que su trabajo me pareció bueno para estándares del cine B directo a video, pero nada de eso reduce la mediocridad global de la película y su apática interpretación del género de terror. Bueno, ni con Victoria Pratt podría recomendarla. Con Victoria Pratt y Julie Benz... tal vez lo consideraría.
Calificación: 5

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Primicia Mortal (Nightcrawler)

Síntomas: Un improvisado reportero gráfico llamado Louis Bloom (Jake Gyllenhaal) recorre las calles de Los Ángeles durante la noche en busca de accidentes y delitos (entre más sangrientos, mejor) para grabar video y venderlo a las televisoras locales. Pero la competencia es difícil, y el emprendedor Louis se ve obligado a llegar cada vez más lejos en su búsqueda de noticias.

Diagnóstico: El término "psicópata" se usa frecuentemente para describir asesinos y criminales peligrosos, pero en realidad denota un desorden emocional que limita o elimina los sentimientos hacia otras personas. A pesar del estigma que conlleva la palabra, hay millones de psicópatas perfectamente funcionales llevando vidas normales, pues su carencia de compasión, remordimientos o afecto no los convierten automáticamente en asesinos. De hecho, muchos empresarios y políticos exitosos son probablemente psicópatas cuyo ascenso se debe a que  nunca se detuvieron a pensar en los demás.
El protagonista de Primicia Mortal es uno de esos psicópatas. El argumento y dirección de la película son muy buenos y bastarían para recomendarla, pero la principal razón para ver Primicia Mortal es la increíble actuación de Jake Gyllenhaal, que nos deja ver de cerca a un perfecto psicópata, inteligente y organizado, avanzando rápidamente en un negocio poco ético pero legal (la mayor parte del tiempo), y diseñado para personas con nula empatía por sus semejantes. Es una de esas actuaciones que re-definen carreras, y merecería todo tipo de premios (o al menos nominaciones); sin embargo el bajo perfil de la película y su modesta (pero muy competente) producción probablemente la relegarán al olvido.
Además de la actuación de Gyllenhaal, Primicia Mortal ofrece una fascinante mirada al "nightcrawling" real, y revela los factores que la fomentan, empezando por la encarnizada competencia entre canales de televisión y la pelea por los "ratings" en los noticieros, cada vez más desplazados por el Internet y las redes sociales.
Pero el guionista Dan Gilroy (en un impresionante debut como director) no se limita a buscar culpables corporativos, sino que humaniza la lucha por la audiencia en la forma de Nina, interpretada por Rene Russo como directora de noticias que ya dejó atrás sus mejores años y ahora debe hacer lo que sea por mantener su empleo y relevancia en el medio. Es otra actuación magistral, aunque se ve opacada por el demoledor trabajo de Gyllenhaal.
El cine donde vi Primicia Mortal estaba prácticamente vacío en viernes por la noche... mala señal; pero confío en que una película tan buena encontrará a su público tarde o temprano, así que no queda más que recomendarla como un excelente thriller, genuinamente "noir" aunque no emplea los clichés asociados comúnmente con el género; y como marco de memorables actuaciones por parte del elenco entero (el cual incluye notables participaciones de Bill Paxton y Rick García). Espero que Primicia Mortal no termine siendo una "joya oculta", pues merece ser apreciada y disfrutada... aunque nos deje incómodos y paranoicos al salir del cine.
Calificación: 9

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Interestelar (Interstellar)

Síntomas: Una indefinida catástrofe ecológica deja a la humanidad en peligro de extinción, y la única esperanza es una última misión espacial en busca de un nuevo hogar para los sobrevivientes. Pero para encontrar ese nuevo planeta, el piloto Cooper (Matthew McConaughey) deberá abandonar a su familia durante largo tiempo... o quizás para siempre.

Diagnóstico: El director Christopher Nolan despertó un día y pensó: "El siglo veintiuno necesita su propia versión de 2001: A Space Odyssey". Y entonces procedió a filmar Interestelar.
Bueno, quizás estoy exagerando. Después de todo, 2001 A Space Odyssey fue un fracaso en el momento de su estreno, y solo con el paso de los años se reconoció su enorme ambición e influencia sobre la ciencia ficción de las últimas cuatro décadas. Entonces, el tiempo dirá si Interestelar merece ocupar ese mismo nicho cultural. Mientras tanto, en lo que a mi respecta, Nolan creó una obra monumental que permanecerá en mi memoria durante largo tiempo, y se convirtió de inmediato en mi película favorita de este director... a pesar de que no me gustaron algunas decisiones que rompen el flujo de su impresionante libreto.
Primero, lo bueno. Las ideas expuestas en Interestelar son fantásticas, audaces, y pertenecen al nivel de ciencia ficción "seria" que rara vez encontramos en el cine realizada a esta escala. Y además las ideas están planteadas con una cierta sutileza que las hace más universales, expandiendo el marco intelectual de la película hasta rebasar modas pasajeras y fáciles esquemas. Por ejemplo, la catástrofe que azota a la humanidad es ambigua en su forma, pero clara en sus efectos; de ese modo, Nolan logra filtrar un mensaje ecológico que no se siente como tal, sino como parte integral de una vasta historia, dejando que el espectador se encargue de asimilarlo para enriquecer la experiencia, o ignorarlo como simple "mcguffin" catalizador del argumento. De igual manera, muchos de los temas de Interestelar residen en la periferia del drama, obligándonos a buscarlos en vez de restregarlos en nuestras caras, lo cual muestra el respeto de Nolan por su audiencia, y la confianza (no arrogancia) que siempre lo ha distinguido como cineasta.
Los actores están a la altura del proyecto, desde Matthew McConaughey como "everyman" protagonista (claro, si el "everyman" fuera piloto retirado de la NASA) hasta la niña Mackenzie Foy como su inteligente hija y eje emocional de la película. Mi única decepción fue la corta participación de Michael Caine y John Lithgow (dos de mis actores favoritos). Ambos realizan una labor sobresaliente, y se me antojaba mucho verlos en un "duelo de actuación"... pero solo tienen una breve escena juntos, y apenas intercambian unas palabras. Ni hablar. Por lo demás, fue un placer ver al ensamble de intérpretes que reclutó el director.
Como apéndice de lo bueno es obligatorio mencionar las imágenes y vistas espaciales que nos ofrece el estudio Double Negative. Los efectos especiales comparten esa mencionada sutileza, descartando el "space porn" de Star Trek y Guardians of the Galaxy para implementar una visión más realista, centrada en la experiencia de los astronautas, donde vemos lo mínimo necesario para entender lo que esta pasando sin distraemos del drama humano que siempre conduce la película. ¡Y esos robots!
Ya me estoy extendiendo demasiado para una "cápsula", así que dentro de lo malo solo mencionaré tres cosas: el ocasionalmente forzado sentimentalismo de la película, que en más de una ocasión frena y hasta descarrila la fascinante historia principal. Estimo que este será el punto clave que dividirá a los espectadores, y con razón. Tampoco aprecié la introducción tardía de un villano innecesario, pero al mismo tiempo indispensable para obligar un cambio de rumbo en la trama, dirigiéndola hacia donde el director quería llegar, sin saber exactamente como lograrlo. Y tampoco me gustó la escasez de "ciencia" en esta excelente cinta de ciencia ficción. Imagino que Nolan no quiso perder tiempo con cada pequeño detalle "realista" de un viaje espacial, lo cual es perfectamente valido; pero son muy notorias las grandes licencias que toma como atajo o truco para atar cabos sueltos y encontrar motivación en ciertos personajes (no puedo revelar demasiado sin caer en spoilers, pero el asunto de la ecuación gravitacional y su relación con un fenómeno espacial me irritó más de lo necesario).
Sin embargo, por cada momento que sentí de frustración, Nolan contraataca con descomunal virtuosismo narrativo que neutraliza cualquier queja, y logra que Interestelar termine siendo una experiencia cinematográfica memorable y satisfactoria a pesar de sus deslices. Entonces, no sé si realmente encontramos un parteaguas que re-definirá la ciencia ficción fílmica en las década siguientes, pero sin duda Interestelar será una de mis películas favoritas del año, y quizás la mejor muestra de la madurez y talento de Christopher Nolan como fuerza cultural contemporánea (y no olvidemos a su hermano y co-guionista Jonathan Nolan). Me gusta la ciencia ficción con énfasis en la ciencia, pero a veces las emociones resultan más apropiadas para contar historias sobre humanidad y esperanza. Para ciencia, ya tendré The Martian el año siguiente. Pero en el 2014 me quedo con Interestelar.
Calificación: 9.5

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Sin City 2: Una Dama por la Cual Mataría (Sin City: A Dame to Kill For)

Síntomas: Cuatro historias tenuemente interconectadas acerca de los trágicos habitantes de la inmunda y peligrosa "Ciudad del Pecado". La trama principal relata la obsesiva relación entre el cínico detective Dwight McCarthy (Josh Brolin) y Ava (Eva Green), una seductora mujer de su pasado que ahora quiere escapar de su esposo Damien (Marton Csokas) y su cruel guardaespaldas Manute (Dennis Haysbert). Rescatarla no será fácil, pero afortunadamente Dwight cuenta con la ayuda del invencible Marv (Mickey Rourke).

Diagnóstico: La original Sin City (2005) me gustó mucho por emular con increíble precisión y belleza las imágenes del icónico comic de Frank Miller, y por respetar su tono melodramático, perfectamente balanceado entre un sincero homenaje al género "noir" y una cálida parodia que no debía tomarse muy en serio, a pesar de sus sórdidos temas y estilizada violencia. Y ahora en la secuela/precuela Sin City: A Dame to Kill For, los directores Robert Rodríguez y Frank Miller repiten la fórmula, pero por alguna razón su trabajo no logra el mismo impacto y emoción.
Quizás se deba a que el estilo visual de la cinta ya no parece tan novedoso como antes (aunque los nueve años transcurridos desde la primera película mejoraron las técnicas y herramientas de los efectos especiales); o a la ineficiente distribución de las historias cortas, menos entrelazadas que antes y con un clímax emocional que llega media hora antes del final de la película, dejando el resto como simple relleno que no alcanza la catarsis necesaria para sentirse como una conclusión satisfactoria. O tal vez sea que Miller escribió dos nuevas historias especialmente para la película, las cuales no se habían publicado en forma de comic, y por lo tanto no encajan del todo en la narrativa impresionista que hizo esas novelas gráficas tan populares en los noventas.
En fin... por la razón que sea, el total parece menor a la suma de sus partes; y son buenas partes, empezando por el notable reparto, integrado por veteranos y nuevas adiciones a la franquicia (y una que otra sustitución). Mickey Rourke, Powers Boothe y Jessica Alba regresan (entre otros), tomando posesión de sus viejos papeles con suficiente aplomo para convencernos de su larga historia en Basin City. Dentro de los recién llegados destacan Joseph Gordon-Levitt como un audaz jugador con inmensa suerte en los naipes, pero no tanta en su búsqueda de venganza; Eva Green (en su segunda secuela de una adaptación de un comic de Frank Miller, en este año) (?), absolutamente ideal como la arquetípica "femme fatale" que brilló por su ausencia en la primera película; y Josh Brolin como el torturado detective Dwight, tratando inútilmente de mantener bajo control sus vicios e intensas pasiones. Brolin se siente un poco fuera de lugar en algunas escenas (quizás no está habituado a la filmación en sets virtuales), pero tiene buena química con Rourke y Rosario Dawson (de nuevo interpretando a Gail), lo cual me hizo desear una tercera secuela donde se adapten sus previas aventuras, detalladas en las novelas gráficas Family Values y Lost, Lonely and Lethal. Pero el pobre desempeño económico de Sin City: A Dame to Kill For probablemente impedirá la continuación de la saga. Finalmente, quienes tuvieran curiosidad por la aparición de Lady Gaga, mejor ahórrense el esfuerzo; es un irrelevante cameo de unos segundos, y ni siquiera es buena actriz.
Sin City: A Dame to Kill For tiene suficientes aspectos positivos para ganarse una escueta recomendación, pero perdió gran parte de la magia de la original, y se siente como un esfuerzo menor que desaprovechó el potencial de su inspiración literaria. Afortunadamente no es tan mala como The Spirit; yo la ubicaría en el mismo nivel de 300: Rise of an Empire... ambas secuelas realizadas por dinero en vez de genuina pasión artística. Hasta Marv notaría la diferencia.
Calificación: 7.5

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A Good Marriage

Síntomas: Bob (Anthony LaPaglia) y Darcy (Joan Allen) llevan veinticinco años de feliz matrimonio, y están preparando la boda de su hija mayor. Pero la felicidad termina para Darcy cuando descubre accidentalmente que su afable esposo es en realidad un asesino serial conocido como "Beadie", quien lleva décadas matando mujeres en diversas ciudades de los Estados Unidos. Entonces la aterrada mujer deberá evaluar con mucho cuidado su siguiente paso, pues podría fácilmente convertirse en la próxima víctima de su esposo.

Síntomas: Aunque el nombre de Stephen King se usa frecuentemente como herramienta mercadológica, podría resultar perjudicial en el caso de Stephen King's A Good Marriage, ya que la referencia al "Amo del Terror" crea expectativas muy distintas a lo que esta película ofrece. Para empezar, ni siquiera la clasificaría como terror, sino como un lento thriller "lite" con una premisa original (al menos para este siglo), pero carente de energía, suspenso o atmósfera. Esto nos deja tan solo con las actuaciones de Joan Allen y Anthony LaPaglia para rescatar la película... y no estoy seguro de que lo logren. Aún así A Good Marriage no me desagradó del todo; simplemente necesitaba más... algo. Lo que sea. Más gore, más suspenso, más "twists". Cualquier cosa que la hiciera memorable o interesante.
Para ser justos, no he leído el cuento corto en el que se basa A Good Marriage (el cual forma parte de la antología Full Black, No Stars, publicada en el 2010), así que no estoy seguro si el problema viene "de origen", o si el director Peter Askin no encontró el ángulo apropiado para adaptar la historia en una forma más atractiva. Pero, bueno... como fan (esporádico) de Stephen King desde hace más de treinta años, sé que su prosa es particularmente difícil de traducir a cine, pues su característica "voz" literaria es lo primero que se elimina al escribir un libreto, lo cual nos deja una destilación de personajes y conceptos que no siempre bastan para sostener una película, a menos que el director añada los ingredientes necesarios (estilo, atmósfera, casting) para compensar aquello que se perdió durante la transición.
Desafortunadamente A Good Marriage no cumple esas condiciones, aunque podría resultar tolerable para fans completistas de Stephen King, para los curiosos que abandonamos el culto hace años, y para quienes estaban esperando la llegada de un thriller con protagonistas de edad madura que sirviera como balance en el entorno cinematográfico actual, obsesionado con juventud y artificialidad. Desde luego no todas las películas necesitan sangre o "twists" para ser buenas, pero tampoco deberían omitirse cuando es lo único que salvaría la experiencia. Por otro lado, lo que sí podríamos omitir para siempre es el prefijo “Stephen King's...”, pues tras cuarenta años de frecuentes decepciones fílmicas dejó de ser recomendación para convertirse en advertencia. Algo así como “Michael Bay's...”
Calificación: 6

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V/H/S: Viral

Síntomas: Durante una persecución policíaca en las calles de Los Ángeles, muchos jóvenes salen a la calle con sus teléfonos y cámaras para tratar de capturar un "video viral" que les dará fama instantánea en YouTube. Mientras tanto, vemos varias historias grabadas en video, o algo así.

Diagnóstico: Como ocurre con muchas antologías, las películas V/H/S y V/H/S/2 son un poco irregulares debido a los eclécticos temas y variable calidad de sus segmentos. Y desde luego lo mismo ocurre con la tercera parte, V/H/S: Viral, aunque probablemente tiene el balance general menos positivo de la serie.
Esto no significa que todas sus historias sean malas; solo que el promedio de terror/entretenimiento se siente menor que en las dos primeras películas. Además, V/H/S: Viral tiende a ignorar las reglas y estructura que le habían dado consistencia e identidad a sus predecesoras, lo cual revela "fatiga de concepto" (quizás contagiada por tantos mediocres pseudo-documentales de reciente manufactura).
Para empezar, la historia envolvente (titulada "Vicious Circles") no tiene relación alguna con los segmentos individuales. La persecución callejera es confusa; la introducción de elementos sobrenaturales no tiene sentido, y la resolución es frustrantemente vaga e insatisfactoria. Supongo que el director Marcel Sarmiento quería darnos una lección sobre los peligros de la cultura obsesionada con el video, pero debió plantear mejor su mensaje.
De los segmentos cortos, mi favorito fue el primero, "The Great Dante", donde vemos la investigación de los posibles crímenes cometidos por un famoso mago cuyos trucos son más reales de lo que sospecha el público. El director Gregg Bishop (responsable por dos de mis cintas "indie" de terror favoritas: The Other Side y Dance of the Dead) se divierte con la premisa, e implementa creativos trucos visuales junto con buenas actuaciones que le dan inusual suspenso y peso narrativo a la historia, a pesar de su corta duración.
El segundo corto, "Parallel Monsters", es del aclamado director español Nacho Vigalondo... y fue el que menos me gustó. El comienzo es excelente: un científico amateur logra crear el primer portal a una dimensión paralela, la cual parece muy similar a la nuestra, salvo por algunas mortales diferencias. Sin embargo la trama se vuelve rápidamente absurda y termina con un débil "twist" que decepciona en vez de sorprender. El último segmento (antes de regresar a la mencionada historia envolvente) es "Bonestorm", de Justin Benson y Aaron Moorhead, donde seguimos a un grupo de "skaters" que viajan a la ciudad de Tijuana en busca de una pista abandonada donde puedan grabar sin interrupciones sus acrobacias y caídas; pero casualmente se encuentran en mitad de un extraño ritual que los necesita como sacrificio. Este segmento es increíblemente frenético, superficial e inverosímil, pero terminó gustándome tan solo por la audacia y dinamismo de los directores, que prefirieron ahorrarse la historia para enfocarse en la hilarante hiper-violencia con brutales efectos especiales que me dejaron sonriendo por su ingenio e irreverencia.
Como dije, V/H/S: Viral me pareció la entrada menos lograda de la serie, pero aun así merece una recomendación por su energía y ocasionales momentos de ingenio. No sé si existen planes de producir más películas, o si se quedará como trilogía... ambos caminos parecen viables a estas alturas, aunque personalmente preferiría el primero. Quizás la calidad siga declinando, pero no se puede negar la fascinación que ejercen estos breves e "improvisados" vídeos donde atisbamos los horrores ocultos en la periferia de la prosaica vida cotidiana. Tal vez ese era el mensaje del primer segmento. O tal vez no hay mensaje y simplemente estamos obsesionados con la espontaneidad del video "amateur". Aunque esté repleto de efectos digitales invisibles.
Calificación: 7.5

Trailer (incluye escenas de un segmento ausente en la versión que vi)

Furia Implacable (Rage)

Síntomas: El ex-mafioso Paul Maguire (Nicolas Cage) abandonó el crimen hace quince años, y desde entonces ha llevado una vida honesta administrando su exitosa compañía constructora. Pero cuando alguien secuestra a su hija adolescente, Paul se ve obligado a solicitar ayuda de sus antiguos "socios" para encontrar al culpable.

Diagnóstico: Con ese argumento yo esperaba una versión "lite" de Taken, aderezada con la habitual energía de Nicolas Cage (algunos la llamarían "locura"), pero lamentablemente Furia Implacable ni siquiera cumplió esa baja expectativa. Claro, la película incluye varias peleas, balaceras y persecuciones, pero no hay suspenso ni emoción alguna. Y si bien Cage nos regala un par de exabruptos y ataques semi-psicóticos, su actuación se siente gris y apática, lo cual se extiende al genérico libreto y desganada dirección de Paco Cabezas. La supuesta cruzada del protagonista consiste en monótonas conversaciones que repiten una y otra vez los mismos puntos sin avanzar en una dirección concreta, interrumpidas de vez en cuando por secuencias de acción anémicas y olvidables, todo ello filmado sin el menor atisbo de estilo o visión creativa. Los personajes carecen de profundidad, y aunque los actores no son malos, tampoco alcanzan el mínimo estándar dramático para atraparnos en sus escenas.
En resumen, Furia Implacable (otra víctima del cambio de título a última hora, estrenada como Rage, pero previamente conocida como Tokarev) podría confundirse con una película hecha para televisión producida por Hallmark o Lifetime (de hecho, quizás hubiera funcionado mejor como thriller feminista si Rachel Nichols fuera la heroína, en vez de quedar relegada al ingrato papel de madrastra compungida), y estimo que solo llegó a cines por la presencia de Nicolas Cage, y por la moda de los relatos sobre venganza paterna (instituida por la mencionada Taken y sus imitadoras). Los fans de ese género tienen mejores alternativas para pasar su tiempo (Death Sentence es una buena opción, con Kevin Bacon en el papel del padre de familia justiciero), y lo mismo aplica para fans de Nicolas Cage, ya sea que prefieran su etapa de actor serio (Moonstruck, Raising Arizona) o su renacimiento como rey de la exageración y la excentricidad histriónica (Kick-Ass, Drive Angry), lo cual suena como insulto, pero puede ser admirable cuando forma parte del proyecto adecuado (la mejor en esa categoría sigue siendo The Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans, en mi humilde opinión). Desafortunadamente Furia Implacable no es uno de esos proyectos, y ni siquiera se hubiera salvado si Cage se entregara de lleno a su papel. Aunque tendría esperanzas si se convirtiera en un esqueleto motociclista en llamas.
Calificación: 5

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