In Your Eyes

Síntomas: Dylan (Michael Stahl-David) es un ex-presidiario con buen corazón pero mala suerte para elegir amigos. Becky (Zoe Kazan) es la esposa de un exitoso doctor y parece llevar una vida perfecta, pero se siente sofocada por el matrimonio. Becky y Dylan son obviamente muy distintos y nunca se han conocido, pero cuando se manifiesta entre ellos una inexplicable conexión mental, se dan cuenta de la mutua influencia que podrían tener en sus respectivas vidas.

Diagnóstico: In Your Eyes es una simpática comedia romántica "indie" con buenos actores, competente dirección, y una ingeniosa premisa bien planteada y desarrollada. Pero al mismo tiempo parece demasiado ligera e intrascendente para ser realmente memorable. Por suerte la película cuenta con el venerado Joss Whedon en las funciones de escritor, productor ejecutivo, y "mastermind" detrás del sorpresivo debut de la cinta y posterior distribución digital directa (por medio de Vimeo), eliminando por completo la influencia y tradicionales procesos de los grandes estudios de Hollywood. Whedon tiene experiencia en este tipo de maniobras (algunos recordarán el excelente cortometraje musical Dr. Horrible's Sing-Along Blog), pero no deja de ser un fascinante experimento mercadológico que podría inspirar a otros cineastas a intentar algo similar. Bueno, Whedon no es el primero en saltarse a los distribuidores "oficiales"; sin embargo podría ser el productor más famoso que se ha atrevido a hacerlo; y desde luego puede arriesgarse a ello gracias a las legiones de fans que siempre apoyarán sus proyectos. Pero, haciendo todo eso a un lado, ¿fue In Your Eyes una buena película? Creo que sí. Gracias a su perfecto reparto y segura dirección, la historia fluye con gran naturalidad a pesar de la inusual premisa; su tono fantasioso nunca se siente forzado, ni requiere explicaciones complicadas para justificar su existencia; por el contrario, de inmediato se vuelve parte integral de los personajes y contribuye al crecimiento de Dylan y Becky, con quienes compartimos el misterio, curiosidad y revelaciones de su curioso vínculo mental (¿espiritual?). Esa cálida y confortable dinámica lleva el sello de Joss Whedon, y queda claro por qué tiene un "fandom" tan leal. Por otro lado también queda claro que Whedon no está exento de caer en las clásicas trampas del género; la historia va muy bien hasta la última media hora, cuando se añaden algunos giros para introducir conflicto y melodrama que, francamente, se sienten prefabricados e irrelevantes (¿o quizás la persecución automovilística tenía intención satírica?). De cualquier modo es un placer seguir las conversaciones de los personajes y explorar una narrativa graciosa, emotiva e inesperadamente fresca en un género que parecía exhausto e incapaz de producir nuevas mecánicas para el romance. Michael Stahl-David y Zoe Kazan merecen tanto elogio como el guión (Kazan es veterana del "realismo mágico" gracias a la simpática cinta Ruby Sparks), y aunque el director Brin Hill seguramente se verá opacado por su más famoso productor/guionista, realiza un excelente trabajo manejando situaciones insólitas sin perder de vista el eje humano de la historia. In Your Eyes podrá mostrar una relación "a larga distancia", pero resulta más sincera y apasionada que cualquier comedia romántica fundamentada en sentimientos empalagosos y "grandes gestos". Y además podemos verla en cualquier parte del mundo por cinco dólares. ¿Quizás Whedon se animará a hacer lo mismo con Avengers: Age of Ultron? Desde luego que no, pues no será su decisión; pero me gustaría que alguien se atreviera a intentarlo con una “película evento”.
Calificación: 8.5

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Kiss of the Damned

 

Síntomas: La joven mujer Djuna (Joséphine de La Baume) vive en una aislada casa de campo para ocultar su condición vampírica, pero la soledad se ha vuelto intolerable; por eso acepta los avances románticos de Paolo (Milo Ventimiglia), a pesar de los riesgos implícitos en la relación con un humano. Y las cosas empeoran cuando llega de visita Mimi (Roxane Mesquida), la impulsiva y caprichosa hermana de Djuna.

Diagnóstico: Me alegra que el cine de vampiros regrese gradualmente a la normalidad, dejando atrás la funesta influencia de cierta saga adolescente cuyo nombre ya no quiero repetir. Bajo la hábil y metódica mano de la directora Xan Cassavettes, Kiss of the Damned retoma la madurez narrativa del clásico vampiro trágico y melancólico, poseedor de vida eterna, pero incapaz de ser auténticamente feliz. Hace unas semanas describí la cinta Blood for Irina como un homenaje al cine vampírico de los años setentas, pero Kiss of the Damned la deja muy, muy atrás, triunfando en todo lo que aquella cinta fracasó, desde la atractiva fotografía y diseño de  producción, hasta el perfecto casting de sólidos actores que capturan la gravedad y sofisticación (y quizás locura) de vampiros con siglos de experiencia, pero aún inseguros de su lugar en el mundo. La música está  perfectamente seleccionada para acentuar el carácter de los personajes y contribuir a la delicada textura de las escenas. Y a pesar de que la historia está confinada a un par de locaciones, los diálogos pintan un fascinante retrato de la comunidad vampírica, repleta de curiosos detalles aprendidos a lo largo de los siglos, y con una ambigua jerarquía dedicada a preservar el secreto y mediar las interacciones con el mundo humano. Es obvio que Cassavettes (también guionista) no busca re-inventar el mito, sino ofrecernos una perspectiva fresca del vampiro en el contexto del mundo moderno, pero sin perder el romanticismo del folklore europeo (en otras palabras, una mezcla entre la película Byzantium y la literatura de Anne Rice). Después de tantos halagos añadiré que el final de la película titubea un poco; parecería que la directora sintió que faltaba conflicto y añadió algunas sub-tramas de dudosa función. Y, aunque yo no lo considero defecto, también debo advertir que Kiss of the Damned es una película lenta (pero no aburrida), fundamentada en emociones, atmósfera y diálogos, y casi carente de acción o efectos especiales. En resumen, fue una agradable sorpresa no solo por sus atributos, sino por revelar un incipiente talento en la forma de Xan Cassavettes, segura y precisa en su impresionante debut como directora. Ojalá decida quedarse en el género de terror pues hace falta más gente como ella, capaz de crear historias de monstruos que nos digan algo sobre la humanidad.
Calificación: 9

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Bait

Síntomas: Josh (Xavier Samuel) y Tina (Sharni Vinson) estaban listos para casarse en las playas de Australia, pero una tragedia familiar los separó. Ahora, un año después, se encuentran casualmente en una tienda de autoservicio. Pero antes de que puedan definir sus sentimientos, un inmenso tsunami azota la costa e inunda la tienda, dejándolos atrapados con media docena de personas, y pocas esperanzas de rescate. Además, por si fuera poco, el agua dentro de la tienda está infestada de tiburones acarreados por la marejada.

Diagnóstico: Podríamos decir que Bait es la respuesta australiana a la avalancha de "B-Movies" norteamericanas que hemos "disfrutado" últimamente. Quizás las actuaciones de Bait y sus efectos especiales sean un poco mejores que los de Mega Shark Vs. Giant Octopus o la infame Sharknado, pero sin duda está presente el mismo espíritu socarrón e irreverente que nos invita a tragar un argumento ridículo y a aceptar situaciones absolutamente inverosímiles en aras del entretenimiento... y me alegra decir que, en este caso, la estrategia funciona. El guión co-escrito por el veterano Russell Mulcahy combina géneros con bastante fluidez, tomando prestados clichés de las películas sobre desastres (el obligatorio conflicto entre víctimas), de las clásicas "creature features" (¡la bestia es más inteligente de lo que creíamos!), y desde luego del cine de horror, empleando suficiente sangre y cadáveres mutilados para satisfacer a los fans del "gore" y a los enormes tiburones de la película. Por cierto, siguiendo el ejemplo de otras cintas australianas (como Rogue y The Ruins), Bait combina efectos prácticas y digitales con resultados razonablemente buenos... para estándares del cine B. Y, como se filmó originalmente en 3D, podemos esperar abundantes objetos arrojados a la cámara para "sorprendernos" con su hipotético realismo (aunque solo irritan en la versión “plana”). Los actores se esfuerzan para validar la disparatada premisa, imprimiendo las emociones necesarias para interesarnos en su supervivencia. Nadie se roba la película (con excepción del perrito Bully), pero eso no significa que sean malos actores, sino que operan bien como colección de estereotipos necesarios para mantener un sano nivel de melodrama (SPOILER: El perrito sobrevive). Obviamente Bait no puede tomarse muy en serio, y eso podría ser su mejor atributo o su mayor falla, según criterio de cada espectador. Yo me inclino por lo primero, y siento que puedo darle una cauta recomendación por cumplir lo que se propuso sin el más leve asomo de pretensión y sin insultar al público, pues asume que todos somos cómplices del chiste. Quien acepte esas condiciones, probablemente se divertirá; quien prefiera rechazarlas, mejor espérese a "Shark Week".
Calificación: 7

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The Grand Budapest Hotel

Síntomas: En 1985 un famoso autor recuerda la conversación que tuvo en 1968 con el anciano millonario Zero Moustafa (F. Murray Abraham), quien narra las extrañas circunstancias que lo llevaron a convertirse en dueño del Hotel Grand Budapest. Todo comenzó en 1932, cuando Zero (Tony Revolori) era un humilde botones en dicho hotel, trabajando bajo las órdenes del estricto pero amable conserje Monsieur Gustave (Ralph Fiennes), cuyo inusual afecto por una aristocrática dama cambió irremediablemente el curso de sus vidas.

Diagnóstico: Las películas del director Wes Anderson son inconfundibles, tanto por su afectado estilo visual, como por la caprichosa narrativa que lleva a los pintorescos personajes por absurdas rutas de drama y comedia que rara vez conducen hacia donde el público esperaba. Desde luego esta densa sopa de adjetivos no es del gusto de todas las audiencias; yo me cuento entre sus admiradores, y aun así no he logrado tragar algunas de sus más celebradas obras (como la tediosa The Darjeeling Limited). Afortunadamente The Grand Budapest Hotel nos muestra a Anderson en plena forma, invirtiendo inmenso cuidado en cada pequeño detalle para garantizar que la trama siempre sea interesante, que los personajes se sientan reales a pesar de sus excentricidades, y que cada cuadro de la película sea un deleite para la vista. De ese modo, hasta cuando alguna escena cruza la línea de la idiosincrasia a la irritación (de las cuales hay bastantes), podemos distraernos con el  extraordinario diseño de producción, la maravillosa fotografía, o la visión de un director con la rara habilidad de conjugar imágenes y emociones en una obra graciosa, melancólica y profunda. Pero, como dije antes, no todos apreciaran esta visión, y quizás encontrarán pretencioso el universo con el que Anderson enmarca (en distintos aspectos de pantalla, por cierto) una farsa tragicómica a veces confusa y artificial. O quizás les parecerán ridículos los efectos especiales "retro" y el uso de maquetas en muchas escenas exteriores (como el observatorio en los Alpes). A mi me pareció apropiado, pues incluso los sets de tamaño real parecen maquetas en las películas de Wes Anderson. Y quizás por eso nos transmite la sensación de que los personajes son juguetes controlados por un niño con demasiada imaginación para dejar que la lógica o la "realidad" interfieran con sus vivaces fantasías. Claro que no muchos niños acompañan sus juegos con perfecta música de Alexandre Desplat, ni cuentan con un ejército de actores famosos listos para llenar pequeños roles por el simple placer de participar en el juego de Anderson (¿me equivoco, o vi a George Clooney por una fracción de segundo?). A fin de cuentas creo que Moonrise Kingdom me gustó más por su variedad de personajes y temas, pero aún así considero The Grand Budapest Hotel como una de las mejores cintas de Wes Anderson, disciplinada cuando debe controlar la historia, e impredecible cuando quiere sorprendernos con sus desplantes creativos. En resumen, una experiencia muy recomendable para quien acepte pasar un par de horas en un universo extravagante, a veces violento (sigue sin hacerme gracia el "cómico" animalicidio - simulado, desde luego), pero siempre consciente de sus deberes como película. Y como juego infantil en igual medida cruel y divertido.
Calificación: 9

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Stage Fright

Síntomas: Diez años después de que su madre fuera brutalmente asesinada en un teatro, la joven Camilla Swanson (Allie MacDonald) y su hermano gemelo Buddy (Douglas Smith) trabajan en un campo de verano para niños con aspiraciones artísticas. El proyecto de este año es una puesta en escena de "Haunting of the Opera"... justamente la obra en la que murió su madre. Y por eso, cuando alguien asesina brutalmente al director, Camilla teme que la historia se está repitiendo, y que ella será la próxima víctima.

Diagnóstico: El argumento suena como una clásica cinta slasher, pero Stage Fright añade un "twist" inesperado... las canciones. En efecto, se trata de un slasher/musical, del tipo donde diálogos enteros se expresan cantando, y a nadie le parece extraño. Pero, fiel a su título, la cinta no escatima en sangre y violentos asesinatos perpetrados por el clásico asesino enmascarado (su tema es una versión kabuki del Fantasma de la Ópera). Suena como una mezcla incompatible, pero funciona maravillosamente bien... durante los primeros cuarenta y cinco minutos. El misterio del asesino se construye eficientemente; el aislamiento del campo de verano inspira una creíble atmósfera de desolación y peligro inminente; y las canciones son pegajosas e hilarantes, pues no solo satirizan el género de terror, sino algunos populares clichés teatrales (desde la feroz rivalidad entre actrices, hasta el apuesto actor principal que no pierde oportunidad de recordarnos que NO ES GAY), de modo que el humor alcanza igualmente a los fans del cine slasher y a los "theater geeks", haciendo la cinta bastante accesible a pesar de sus incongruentes elementos. Desafortunadamente las vertientes de la historia (el teatro musical y el cine slasher) tienden a separarse conforme avanza la película, y en vez de culminar en el escenario con una apoteótica fusión de sangre y música, Stage Fright pierde el rumbo y la energía para concluir en una nota floja que traiciona el potencial mostrado durante su primera mitad. No podemos culpar al elenco, pues muestra buen desempeño (musical e histriónico), además de encontrar el tono exacto para explotar el humor de la premisa; y no solo me refiero a los "profesionales" del reparto como Meat Loaf y Minnie Driver, sino también a los jóvenes Kent Nolan y Allie MacDonald, y desde luego a los niños del campo de verano, increíblemente realistas y graciosos en sus cortas participaciones. Pero bueno... aunque el final sea una decepción, hay bastantes cosas rescatables en Stage Fright, y la mera audacia de hacer un "musical slasher" bastaría para darle una recomendación, aunque fuera para satisfacer la curiosidad que inspira esa frase. Supongo que en este punto debería mencionar el musical-gore Repo! The Genetic Opera para disipar comparaciones injustas, pues es tan distinto en fondo y estilo que sería un error ubicarlo en la misma categoría que Stage Fright. Entonces, esta película hubiera sido un genuino triunfo "de culto" si mostrara un balance consistente entre música y horror; lamentablemente no fue así, y aunque pierda fuerza al final, merece la oportunidad de compartir su amalgama de dos géneros muy distintos a primera vista, pero con muchas cosas en común. Y no solo me refiero a los gritos y la confusión sexual.
Calificación: 7

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Oculus

Síntomas: Once años después de la violenta muerte de sus padres, los hermanos Kaylie (Karen Gillan) y Tim Russell (Brenton Thwaites) tratan de demostrar que el auténtico culpable fue un espejo embrujado, con una larga historia de tragedia para sus dueños. ¿Será posible que el espejo oculte una conciencia maligna, o serán simples alucinaciones de Tim y Kaylie, provocadas por el traumático evento que sufrieron en su niñez?

Diagnóstico: La modesta cinta independiente Absentia es una de mis películas de terror favoritas en años recientes. Por eso tenía considerable interés en Oculus, la nueva obra del director Mike Flanagan, y fue una agradable sorpresa encontrarla en cines, en vez de quedar relegada al video casero. Y si bien no me gustó tanto como Absentia, Oculus representa una sólida muestra de cine sobrenatural con un intrigante argumento, buenas actuaciones y abundantes momentos de suspenso. El concepto del "espejo embrujado" no es nuevo en el género fantástico, pero Flanagan (también co-escritor del guión) encuentra una variante interesante que se presta para jugar con nuestra percepción y desorientarnos hasta que perdemos la línea divisoria entre "realidad" y fantasía. Esta mecánica requiere la implementación de algunas trampas y atajos narrativos, pero siempre ciñéndose a una lógica interna que evita desvaríos excesivos en la historia. Y, sobre todo, requiere actuaciones muy precisas, pues las reacciones de los personajes serán nuestra guía para navegar el complejo argumento, que alterna entre pasado y presente para retratar una familia en crisis, posiblemente víctima de eventos sobrenaturales, o de las malas decisiones de una pareja hastiada del matrimonio. Esta dualidad aporta el indispensable gancho emocional para lograr que los personajes cobren vida, en vez de ser simples títeres del director (o del espejo maldito). Karen Gillan deja atrás el célebre papel de Amy Pond que la hizo famosa en la serie Doctor Who (pero no se preocupen; sigue intacto su talento para balancear el cabello cuando camina), y muestra genuina madera de estrella interpretando a Kaylie, cuya pasión por demostrar la inocencia de sus padres quizás la llevará a extremos de manía patológica. En el papel de Tim, Brenton Thwaites tiene un rol más pasivo pero necesario, balanceando con su escepticismo la ciega obsesión de su hermana. Como sus contrapartes infantiles tenemos a Annalise Basso y Garrett Ryan, mostrando asombroso control como niños que ven aterrados el colapso de sus padres, sin entender las causas o cómo detenerlo. Finalmente, Rory Cochrane y Katee Sackhoff interpretan a los mencionados esposos con apropiada ambigüedad, alimentando la paranoia y resentimientos que gradualmente destruyen su relación. En lo que respecta a los elementos de terror, Flanagan se aleja de los clásicos trucos del género, minimizando los sobresaltos baratos para cultivar una atmósfera de tensión y angustia que se incrementa conforme nos sumerge en el misterio del espejo. Imagino que esta mesurada estrategia podría parecer aburrida para espectadores habituados al estilo "salto de gato" que tantas películas usan como único recurso del terror; pero confío en que las vueltas e intriga del argumento bastarán para capturar la imaginación y conducirlos hasta la satisfactoria (e impactante) conclusión. Entonces, aunque Oculus no alcanzó el ingenio y creatividad de Absentia (en mi humilde opinión), muestra la mesura y madurez de un cineasta que no está interesado en modas comerciales, sino en explorar nuevas alternativas en un género que las necesita urgentemente. Espero que continúe su carrera en el cine de terror pero, sea cual sea su decisión, Flanagan demostró que no fue "one hit wonder".
Calificación: 8.5

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El Sorprendente Hombre Araña 2: La Amenaza de Electro (The Amazing Spider-Man 2)

Síntomas: El joven estudiante Peter Parker (Andrew Garfield) ya está perfectamente adaptado a sus deberes como el Hombre Araña, pero su vida personal sigue siendo un desastre, sobre todo en lo que respecta a su relación con Gwen Stacy (Emma Stone). Y desafortunadamente las cosas se complican aun más cuando Max Dillon (Jamie Foxx), un afable empleado de Oscorp, sufre un accidente que le confiere poderes eléctricos que ponen en peligro a la ciudad entera.

Diagnóstico: La anterior cinta del Hombre Araña me pareció entretenida, pero inferior a la trilogía realizada por Sam Raimi hace diez años; y ahora la secuela The Amazing Spider-Man 2, continua más o menos en la misma línea, con buenos personajes y sólido desarrollo dramático, pero con un libreto saturado de elementos no siempre compatibles entre sí. Los guionistas Alex Kurtzman y Roberto Orci sufren un grave caso de "villanitis", introduciendo suficientes personajes, conspiraciones y misterios como para llenar tres películas, lo cual nubla considerablemente el foco narrativo y diluye el impacto de los personajes principales. La introducción de Electro me pareció absolutamente atroz; no sé si el director intentaba hacer un villano trágico, o una extraña evolución de comic relief a enemigo mortal; como sea, me pareció una desafortunada decisión creativa empeorada por la incierta actuación de Jamie Foxx como el accidental villano víctima de las circunstancias. Afortunadamente la segunda mitad de la película clarifica su motivación, y los espectaculares efectos especiales se encargan de llenar los huecos de la trama. El segundo villano de la historia llega prácticamente de la nada, y se desarrolla con demasiada rapidez para resultar creíble; pero al menos está interpretado por un buen actor que seguramente será mejor aprovechado en la siguiente película. Sin embargo, el eje de la historia es la relación entre Peter Parker y Gwen Stacy, y eso basta para rescatar la película de su propia ambición. Andrew Garfield y Emma Stone preservan la perfecta química de la película anterior, y aunque el libreto los ponga en situaciones inverosímiles, sus chispeantes diálogos y cálida interacción siempre restauran su realidad. En cuanto al director Marc Webb, sigo pensando que su preferencia se inclina más por el melodrama personal, y no tanto por la épica mitología del Hombre Araña; quizás por eso la narrativa flaquea de vez en cuando y las piezas del rompecabezas no embonan como deberían. Pero bueno, los últimos treinta minutos me parecieron realmente memorables y sirvieron para atenuar las reservas que tenía respecto al atestado libreto. Aun así, espero que algún día se reviertan los derechos del Hombre Araña a Marvel Studios (actualmente son de Columbia Pictures, lo cual impide la cooperación entre franquicias), pues aunque The Amazing Spider-Man 2 sea una experiencia recomendable, siento que aún no capturan la esencia del personaje como parte de un universo rico y variado. Hablando de franquicias, durante los créditos de la película hay un corto trailer de X-Men: Days of Future Past (cosa rara, pues los mutantes son dominio exclusivo de 20th Century Fox), pero no hay escena post-créditos, así que no esperen una probada de The Sinister Six, que es obviamente hacia donde se dirige la saga. Espero sinceramente que para entonces Marc Webb haya perfeccionado la alquímica fórmula que combine correctamente a Peter Parker, adolescente, con Peter Parker, super héroe. Puede pedirle consejo Stan Lee, ya que siempre anda por ahí, esperando su obligatorio cameo.
Calificación: 8

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Return to Nuke 'Em High, Volume 1

Síntomas: En 1986, una fuga de material radioactivo contaminó el suministro de agua en la escuela preparatoria de Tromaville, Nueva Jersey, convirtiendo a los estudiantes en monstruosos mutantes. Y ahora, casi treinta años después, la historia amenaza con repetirse, pues donde antes estaba la planta nuclear se construyó una fábrica de alimentos procesados... y su mejor cliente es la escuela preparatoria Troma High.

Diagnóstico: Habiendo explotado al máximo la franquicia de The Toxic Avenger (con cuatro secuelas, una serie animada, comics, y un prometido "reboot"), el siempre creativo Lloyd Kaufman (fundador de Troma Films) buscó en el amplio catálogo de su estudio otro título que pudiera resucitarse para audiencias contemporáneas, y el resultado es Return to Nuke 'Em High, Volume 1 (secuela/reboot de la semi clásica Class of Nuke 'Em High), cuya similar premisa incluye suficientes innovaciones para distinguirla de su predecesora y traerla a la época actual; todo ello, claro, sin perder los elementos "tromáticos" que tanto disfrutan los seguidores de este estudio (como yo). Esta vez las protagonistas son Chrissy (Asta Paredes) y Lauren (Catherine Corcoran), quienes no solo enfrentan el reto de los estudiantes mutantes, sino de aceptar las confusas emociones que surgen entre ellas. Obviamente Kaufman explota el ángulo lésbico para lucir los atributos de sus guapas actrices, pero Paredes y Corcoran confieren inusitado sentimiento a su relación y logran trascender la vulgaridad para formar una sólida pareja que realmente nos envuelve en la narrativa... a pesar de ser tan caótica como requiere el estilo Troma. Y el hecho de que Return to Nuke 'Em High, Volume 1 termine en un "cliffhanger" subraya la importancia de contar con sólidos personajes que despierten suficiente interés en el espectador para buscar la segunda parte. O quizás Kaufman simplemente tomó el ejemplo de las sagas juveniles de moda para estirar la historia y sacar dos películas por el precio de una... para él. Nosotros tendremos que pagar doble para ver cómo termina la historia. Esta estrategia naturalmente conduce a varias sub-tramas de cuestionable importancia (como la de Kevin, “el pato maravilla”) , así como personajes irrelevantes que llegan y se van sin contribuir a la trama, excepto como fáciles víctimas o forzados bufones. Aún así la cinta es bastante corta, y aunque no ganará premios artísticos, avanza con suficiente agilidad para divertirnos consistentemente sin sentirse lenta o pesada. Por lo demás, es una típica cinta de Troma... vulgar, ruidosa y de manufactura semi-amateur; pero aún así más entretenida que muchas obras de terror producidas con más dinero y profesionalismo. Digan lo que digan, Lloyd Kaufman encontró su nicho y ha prosperado porque sabe satisfacer a sus fans. Solo espero que el Volumen 2 no traicione esa confianza. Y que se valide la existencia del pato.
Calificación: 8 (solo en la escala tromática)

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Tidal Wave (Haeundae)

Síntomas: La región costera de Haeundae, en Corea del Sur, está llena de contrastes, con elegantes hoteles al lado de humildes comercios manejados por las mismas familias desde hace generaciones. Pero, sin importar clase social o ideología política, todos los habitantes de la zona corren igual peligro cuando un terremoto en alta mar desprende una parte de la isla Tsushima, provocando un mega-tsunami de inmenso poder destructor, tal como lo predijo Kim Hwi (Joong-Hoon Park), el geólogo marino al que todos ignoraron.

Diagnóstico: Supongo que por haber visto recientemente The Flu, The Berlin File y Chinese Zodiac, ahora los servicios de Video on Demand me están ofreciendo muchas películas orientales... y yo las sigo aceptando. Esta vez mi exploración de las imitaciones coreanas me condujo a Tidal Wave, una típica cinta sobre desastres naturales que sigue puntillosamente la fórmula perfeccionada por Roland Emmerich... lo cual, desafortunadamente, denota tantas fallas como aciertos. Para empezar, tenemos un vasto elenco con dos docenas de personajes enfrascados en sus particulares melodramas: los hermanos que tratan de sobrevivir tras perder el negocio de sus padres; la chica de alta sociedad enamorada del humilde salvavidas que sus amigas no aprueban; la joven pescadora independiente que debe elegir entre su oficio o el matrimonio; el pragmático empresario que quiere desplazar a los comerciantes locales para construir otro hotel de lujo: el científico divorciado que ansía pasar más tiempo con su hija... y muchos más en situaciones similarmente previsibles. El problema es que NINGUNA de estas historias resulta interesante, pero tenemos que soportarlas como relleno durante una hora y cuarto hasta que por fin ocurre el desastre y empiezan los efectos especiales... que ni siquiera me parecieron tan buenos. Cierto, hay momentos impresionantes y bien realizadas, así como secuencias ingeniosamente planeadas y ejecutadas, pero las variaciones de calidad son muy evidentes, quizás como consecuencia de emplear múltiples estudios de animación en la realización de esta compleja producción. Entonces, francamente, la única razón para recomendar Tidal Wave sería el espectáculo visual de los últimos cuarenta y cinco minutos, con la advertencia de que no está a la altura de las genuinas obras de Roland Emmerich. El melodrama es demasiado burdo, las actuaciones rara vez provocan emoción, y del "humor" mejor ni hablar... baste decir que el "comic relief" de Emmerich es mejor, lo cual dará idea de lo mal que Tidal Wave funciona en ese aspecto. Pero bueno, no me arrepiento de haberla visto, y estoy dispuesto a enfrentar las nuevas recomendaciones que me arrojen los servicios de vídeo. ¿Comedia romántica coreana? ¿Documental político? ¿Chefs en conflicto? Mmh... quizás no estoy listo para eso. Mejor me quedó en la acción y el suspenso.
Calificación: 6.5

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Patrick: Evil Awakens

Síntomas: La joven enfermera Kathy Jacqard (Sharni Vinson) es contratada para trabajar en la exclusiva clínica del Dr. Roget (Charles Dance), especialista en pacientes con daño cerebral irreparable... que el doctor pretende reparar empleando técnicas bastante extremas. Y quizás lo está logrando con un paciente llamado Patrick (Jackson Gallagher), cuyo estado catatónico no le impide mostrar cierta predilección por su nueva y atractiva enfermera.

Diagnóstico: Me interesaba bastante este remake, pues la producción australiana setentera Patrick fue una de las primeras películas de terror que vi en el cine (quizás la segunda después de Without Warning), y tenía gratos recuerdos de aquella experiencia (me pregunto si habrá influido en mi posterior obsesión con el "Cine B"). Afortunadamente Patrick: Evil Awakens resultó ser una cinta muy entretenida por derecho propio, así que no necesité usar "filtro nostálgico" para disfrutarla y recomendarla, incluso para quienes nunca vieron la versión de 1978 (lo cual será  probablemente el resto del mundo). Lo primero que debo advertir, sin embargo, es que Patrick: Evil Awakens no debe tomarse muy en serio, pues su impulsiva narrativa fluye libremente entre la solemnidad y la sátira, emulando el cine de terror de los años setentas con todo y preciosa cinematografía, siniestra arquitectura y bombástica música (¡de Pino Donaggio, nada menos!), por no mencionar el exagerado dramatismo de los veinte minutos finales, donde se revelan grandes secretos y se toman graves decisiones en medio de violentos asesinatos y experimentos de científico loco. En resumen: una película difícil de clasificar pero fácil de apreciar por su entusiasmo y dedicación. Además de la fotografía, el principal acierto del director Mark Hartley fue reunir un reparto muy creíble y capaz, empezando por Sharni Vinson, quien demostró ser una perfecta "chica final" en You're Next. En esta ocasión su papel requiere más niveles de expresión, e inflexible convicción para sacar a flote algunas de las más absurdas escenas (lo digo como un cumplido). Apoyándola tenemos al respetado Charles Dance como uno de los mejores genios torcidos que he visto en el género de terror, fríamente calculador durante sus atroces experimentos, pero con un subtexto de inestabilidad emocional que lo hace más temible que cualquier prosaico villano impulsado por mera maldad. El punto débil del elenco es Damon Gameau como el galán en turno y obligatorio rival en el bizarro triángulo romántico entre la enfermera y su paciente vegetativo. Y tampoco me gustó la implementación de algunas escenas totalmente digitales que se sienten fuera de lugar en una obra tan respetuosa de la estética setentera; seguramente lo hicieron para economizar, pero no sé si valió la pena el ahorro. En fin... no todo el público compartirá esta indulgente opinión de Patrick: Evil Awakens, lo cual es perfectamente lógico; pero en vista de la mediocridad general que caracteriza a los modernos remakes, me dio gusto encontrar uno bastante decente, que supo divertirse con el material original sin traicionar los temas que lo sustentan. Me pregunto qué pensaría un niño actual si ésta fuera su primera película de terror... ¿quedaría traumatizado, o se aburriría porque no hay animales animados?
Calificación: 7.5

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Justice League: War

Síntomas: A lo largo y ancho del mundo están surgiendo individuos con habilidades especiales y poderes extraordinarios. Entre ellos: Superman (voz de Alan Tudyk), Batman (voz de Jason O'Mara), Green Lantern (voz de Justin Kirk), Wonder Woman (voz de Michelle Monaghan), Flash (voz de Christopher Gorham), y un tal "Billy". Cuando se conocen por primera vez solo tienen desconfianza mutua; pero deberán resolver sus diferencias y aprender a trabajar juntos para combatir una invasión extraterrestre que amenaza al planeta entero.

Diagnóstico: Si algo bueno tuvo el "reboot" global de DC Comics (conocido como "The New 52") fue que dio a los escritores modernos la oportunidad de replantear las antiguas relaciones entre los superhéroes de ese universo, y crear dinámicas completamente nuevas, pero influenciadas por décadas de continuidad establecida. En otras palabras, recrearon el universo de DC para una nueva generación, estudiando los aciertos (y errores) de las generaciones pasadas. Y ahora la película Justice League: War pretende hacer lo mismo con el Universo Animado de DC, iniciando una nueva continuidad separada de cintas previas (como Justice League: Doom y Justice League: Crisis on Two Earths). El resultado me pareció generalmente bueno, pero pienso que fue un error empezar la nueva fase con esta cinta. La trama esta basada en la historia "Origin", escrita por Geoff Johns y dibujada por Jim Lee (nada menos), y aunque se desvía un poco del material original, respeta la personalidad de los héroes y la naturalidad de sus interacciones (Zach Snyder, por favor tomar nota). Las voces son adecuadas, aunque se sienten un poco "verdes". Ninguno de los actores "clásicos" regresó, y supongo que tomará un par de películas para que los nuevos intérpretes encuentren el ritmo y carácter de sus personajes. La animación es normal (meh), y las escenas de acción compensan su falta de emoción con gran escala y espectacularidad visual (considerando los estándares de la animación "low budget" coreana). Sin embargo, mi principal queja es que no hay tiempo para introducir propiamente a tantos personajes. Creo que hubiera sido mejor producir primero dos o tres películas dedicadas a héroes individuales (o quizás por parejas), donde se invirtiera el tiempo necesario para familiarizarnos con sus diferencias y atributos en este nuevo Universo, antes de aglutinarlos en una película colectiva donde apenas pueden dedicar cinco minutos o menos a cada uno. Y no lo digo como "fanboy" (aunque sin duda lo soy), sino como espectador casual de estas películas. En ese nivel, Justice League: War me pareció entretenida y razonablemente bien hecha; un sólido punto de partida en esta nueva evolución de la venerable editorial DC Comics. A fin de cuentas no sé si el "reboot" fue buena o mala idea, pero me alegra que no haya perjudicado demasiado al Universo Animado; aunque esto probablemente significa que nunca realizarán la película Justice League: New World Order, mi historia favorita de este equipo. Mala suerte. Quizás para el próximo reboot en cincuenta años. Para entonces yo tendré... uf... mejor ni pensarlo.
Calificación: 7.5

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Dark Touch

Síntomas: La niña Niamh (Missy Keating) cree que su casa está embrujada, pero sus padres desde luego la ignoran... hasta que un devastador accidente destruye su hogar. Entonces Niamh se muda temporalmente con Nat (Marcella Plunkett) y Lucas (Padraic Delaney), sus afables vecinos... y empiezan a ocurrir cosas raras en su nueva casa. ¿Será posible que la haya seguido una presencia sobrenatural? ¿O se trata simplemente de una niña perturbada con demasiada imaginación?

Diagnóstico: Allá por el año 2002 quedé muy sorprendido con la película Dans Ma Peu, un perturbador relato de trastorno mental y colapso emocional dirigido por la artista francesa Marina de Van, quien fue comparada en aquel entonces con luminarias como David Lynch y David Cronenberg. Ahora, en su tercer largometraje, De Van incursiona de lleno en el género de terror, y aunque su premisa parece poco original, la cinta funciona gracias a la tensa atmósfera que evoca y a las fuertes emociones que mueven a sus personajes. Me abstendré de revelar los detalles de esa añeja premisa para no arruinar las pocas sorpresas que oculta Dark Touch (pensé compararla con otra reciente cinta de horror adolescente, pero hasta eso constituiría un "spoiler"). Sin embargo nada impide aplaudir la lúgubre cinematografía que retrata las agrestes locaciones irlandesas con un sombrío subtexto, perfecto para borrar la línea entre fenómenos sobrenaturales y disfunción familiar. Entre los actores (también irlandeses en su mayoría) destaca la pequeña Missy Keating, quien sostiene la película sin dificultad alguna. Su complejo papel requiere una combinación de vulnerabilidad y amenaza que pocos actores podrían expresar, especialmente a tan corta edad. El elenco adulto también hace lo suyo, aunque el libreto los obliga a parecer idiotas, rehusándose a aceptar la evidencia que tienen enfrente. Y, bueno, al final la historia toma un rumbo inesperado que me pareció difícil de aceptar, no solo porque replantea la premisa, sino por el torpe "mensaje" que intenta dejarnos. Aún así considero que Dark Touch posee una narrativa metódica y elegante que rara vez encontramos en el género de terror, con buen balance entre horror visceral y suspenso que gradualmente se incrementa hasta una resolución sorpresiva (lo cual no es necesariamente bueno). Entonces, no fue del todo satisfactoria, pero creo que Dark Touch merece una recomendación al mismo tiempo que confirma el enorme talento de Marina De Van como directora. Sin embargo, como escritora le vendría bien una colaboración con un guionista más objetivo y experimentado en estos menesteres. ¿Quizás David Cronenberg?
Calificación: 7.5

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The Machine

Síntomas: Una crisis económica y social en el futuro cercano presagia un conflicto bélico entre Europa y China. El ingeniero Vincent MacCarthy (Toby Stephens) trabaja para el Ministerio de Defensa británico en la creación de máquinas inteligentes de uso militar, y contrata a la joven programadora Ava (Caity Lotz), cuyo algoritmo de inteligencia artificial supera todo lo establecido hasta el momento. Pero cuando el proyecto es atacado por agentes enemigos, Vincent se ve obligado a acelerar su investigación y construye una máquina que no será fácil de controlar.

Diagnóstico: Me gusta mucho la ciencia ficción, pero la mayor parte de las películas que se adjudican esa descripción están más interesadas en efectos especiales que en la genuina especulación científica, social y cultural que debería fundamentar el género. Por eso me entusiasma el estreno de películas como The Machine, cuyo argumento explora interesantes ideas al mismo tiempo que nos cuenta una historia emotiva y consistente. Habiendo dicho eso, las ideas expuestas no son nuevas, ni están particularmente bien planteadas; pero la dirección, actuaciones y excelente estilo visual compensan en cierta medida los tropiezos del libreto. Sobra decir que The Machine se filmó con un presupuesto reducido y, como a veces ocurre, esta limitación estimuló la creatividad de los cineastas para lograr mucho con muy poco. El director Caradog James y el cinematógrafo Nicolai Brüel aplican tenues trazos estilísticos para esbozar el gris y desolador mundo del futuro, de modo que no necesitamos las épicas vistas urbanas de Total Recall (el remake) para sentir el peso de la sociedad al borde del colapso. Esto no significa que The Machine carezca de efectos especiales; por el contrario, la creación y apariencia de "la máquina" me parecieron asombrosas, con sutiles detalles de impresionante belleza visual que además complementan el desempeño de la actriz y bailarina Caity Lotz, cuyo notable dominio físico presta realismo a un personaje ubicado en la delgada línea entre orgánico e inorgánico. Y, redondeando el elenco, tenemos al veterano Denis Lawson (más conocido como Wedge Antilles, el único "redshirt" sobreviviente en la trilogía original de Star Wars) interpretando al obligatorio villano gubernamental que no se interesa en el avance de la inteligencia artificial, sino en determinar cuántos soldados puede eliminar con su "juguete nuevo". Por el lado de las fallas mencionaría un libreto al mismo tiempo ambicioso y negligente, que establece muchos conceptos interesantes para luego abandonarlos sin explicación alguna. Y aunque siempre disfruto el debate de "¿qué significa ser humano?", me decepcionó que la postura de The Machine se sienta ingenua y elemental en comparación con obras más maduras donde se examinó ese tema (desde Blade Runner hasta algunos de los mejores episodios de Star Trek: The Next Generation). Por otro lado, quizás el director está guardando esas respuestas para una hipotética secuela, lo cual apoyo por completo. Entonces, The Machine no siempre hace justicia a las ideas que propone, pero su pulida producción y perfecto elenco la ayudan a superar el promedio de calidad en la ciencia ficción contemporánea, así que solo queda recomendarla y aplaudir su distribución en múltiples plataformas digitales para llegar fácilmente a los fans del género (como yo). Otro paso que nos acerca al futuro soñado por los fundadores de la ciencia ficción; si resulta bueno o malo, dependerá de nuestra respuesta, y no de la tecnología misma, como bien señala The Machine.
Calificación: 8.5

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The Berlin File

Síntomas: Un agente de Corea del Norte opera secretamente en Berlín para negociar una importante compra de armamento; pero cuando es descubierto por un agente de Corea del Sur, se desata una persecución que llamará la atención de organizaciones muy peligrosas, al mismo tiempo que revela una vasta conspiración multi-nacional que podría alterar el balance del poder en Asia.

Diagnóstico: Con frecuencia me quejo de las películas de espías que sacrifican intriga y suspenso a favor de la acción. Por eso me complace decir que la cinta coreana The Berlín File logra conciliar ambos aspectos con notable pericia, ofreciéndonos un argumento interesante y complejo, acompañado por sólidas escenas de acción rebosantes de energía, aunque un poco modestas para los estándares de Hollywood. Además, la atmósfera cosmopolita de los escenarios europeos incrementa el realismo de una historia que se complica más y más con cada escena. Y también merece aplauso la subversión política de la cinta, financiada por el estudio CJ Entertainment (el más grande de Corea del Sur), pero con un protagonista de Corea del Norte. No sé si habrá sido mera corrección política, o un genuino llamado a la cooperación entre ambas naciones...  a fin de cuentas lo que importa es la riqueza dramática que ese "pequeño" detalle aporta a la narrativa. Algunas personas están comparando The Berlin File con The Bourne Identity, pero a mi me recordó más la serie de televisión The Americans (aunque con más balazos y artes marciales), ya que igualmente maneja una interesante disyuntiva moral, poniéndonos de parte de "los malos" para señalar que "los buenos" quizás no lo sean tanto como pensábamos. Y también tienen en común la tensa dinámica familiar entre espías que, además de todo, deben lidiar con las dificultades del matrimonio. Algunas parejas discuten sobre cuestiones financieras; los esposos espías en The Berlín File discuten sobre golpes de estado y traiciones a la madre patria. Como sea, la combinación es muy afortunada. Mi única queja es que el inteligente libreto ocasionalmente se apoya en clichés que se sienten fuera de lugar, como el villano con tendencia a los monólogos inútiles, y el conveniente "no lo maten aún", cuando no existiría razón válida para esperar... excepto crear oportunidad para que el héroe escape. Pero, bueno, son fallas minúsculas que de ninguna manera evitan darle una entusiasta recomendación a esta película; quizás no está al nivel de Tinker, Tailor, Soldier, Spy, pero definitivamente me gustó más que la saga de Jason Bourne, o las últimas diez películas de James Bond (exceptuando Skyfall, desde luego). No cabe duda que el cine coreano esta experimentando un  renacimiento, y me da mucho gusto que la distribución digital nos permita disfrutarlo casi en tiempo real, a diferencia del "boom" del cine de Hong Kong de los ochentas, que tardó casi una década en llegar al resto del mundo. Ojalá no sea el único país que aproveche esta circunstancia (te estoy viendo, Indonesia).
Calificación: 8.5

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In the Blood

Síntomas: Los recién casados Ava (Gina Carano) y Derek (Cam Gigandet) deciden pasar su luna de miel en una pequeña isla del caribe. Pero cuando Derek desparece y las autoridades no hacen nada para encontrarlo, Ava decide emprender su propia investigación, que la pondrá igualmente en conflicto con la ley y con los criminales de la isla.

Diagnóstico: Pues sí, In the Blood es básicamente Taken, pero con una mujer en el papel protagónico, y con la historia ubicada en el Caribe, en vez de Europa. Por lo demás, ambas comparten un nivel similar de calidad narrativa (mediano), credibilidad (bajo), y acción (alto), por no mencionar que las dos se ven rescatadas por su carismática estrella principal. Honestamente yo pensé que la carrera de Gina Carano explotaría después de Haywire (aquella notable "B-Movie" de acción dirigida por un cineasta "A-List"). Desafortunadamente no fue así. Con excepción de una excelente (pero demasiado breve) participación en Furious 6, Carano no ha logrado escapar el estrato del cine directo a DVD (o Video on Demand, en este caso). ¿Será por culpa del legendario machismo hollywoodense, o por simple economía? Es cierto que Carano aún no acarrea mucho público; pero ciertamente tiene fans (incluyéndome), no solo por sus películas, sino por su distinguida trayectoria en el circuito de MMA (Mixed Martial Arts). Creo que la opción de "machismo" es más probable en este caso. Las heroínas de acción han prosperado en televisión (desde Xena hasta Sidney Bristow) pero por alguna razón siguen topándose con el "techo de cristal" en lo que respecta a cine. Y si alguien merece romperlo es Gina Carano, no solo por su desempeñó físico, sino porque es una buena actriz, capaz de satisfacer los requerimientos dramáticos de este nicho cinematográfico. Claro, tal vez no funcionaria en un drama romántico de época, pero lo mismo podríamos decir de Stallone, Schwarzenegger y Statham, y eso no les ha impedido encontrar trabajo. Para bien o para mal, el público de las películas de acción es predominantemente masculino, y los ejecutivos de Hollywood no creen que aceptarán una protagonista que desafíe los tradicionales roles femeninos de novia/esposa o víctima indefensa. Yo creo que el público está listo para apoyar ese paso evolutivo en el cine de acción, pero Hollywood es demasiado lento en lo que respecta a cambios de paradigma (solo vean lo que tardó en aceptar la distribución digital), así que quizás será la hija o nieta de Carano quien encuentre un terreno más equitativo para combatir terroristas, narcotraficantes y mafiosos rusos (o cualquiera que vaya a ser el enemigo de moda en veinte años...  probablemente ejecutivos de Google). Bueno, pues parece que la diatriba feminista no me dejó espacio para comentar sobre la película. Entonces, solo diré que el libreto es bastante mediocre, las peleas son buenas, y el final es ridículo por su obvia intención de restaurar la buena imagen del turismo en el Caribe. In the Blood no es una película particularmente buena, y creo que Carano merece un mejor proyecto para lucir sus habilidades, pero a fin de cuentas me da gusto verla en la pantalla, así que no debería quejarme tanto. Ni escribir sobre política sexual en un humilde blog de cine.
Calificación: 7.5

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The Conspiracy

Síntomas: Los cineastas Aaron Poole y Jim Gilbert están interesados en el sub-mundo de las teorías sobre conspiraciones, y pretenden realizar un documental sobre un obsesivo "investigador" llamado Terrance G. Pero cuando el excéntrico individuo desparece, Aaron y Jim sospechan que había algo de cierto en sus bizarras teorías, y deciden indagar por su cuenta... lo cual desde luego acarreará inesperadas consecuencias.

Diagnóstico: Me gustó mucho la primera mitad de The Conspiracy, en parte por el desfile de teorías conspiratorias que expone (con inusitada precisión), y en parte porque me sentí identificado con el "lunático" personaje de Terrance. No, yo no tengo cientos de artículos de periódico pegados a la pared, ni salgo a la calle a pregonar con mi altavoz; sin embargo me gusta estudiar estos temas y especular sobre posibles "conexiones" entre eventos que sugieren verdades (o fantasías) más vastas de lo que imaginábamos. No sé si sean ciertas (francamente lo dudo); lo importante, en mi humilde opinión, es no descartar la información solo porque contradice la versión oficial. Pero bueno... eso es discusión para otro día. Regresando al tema, The Conspiracy se desinfla un poco durante su segunda mitad, cuando se aleja del material "auténtico" e inventa su propia conspiración para continuar la trama en un terreno más seguro y controlable, que no requiera correlación con el mundo real. De este modo la investigación de los protagonistas puede encontrar el ritmo y giros necesarios para incrementar la tensión y preservar el "gran misterio" hasta el final (lástima que no provoque mucha sorpresa). Casi lo olvido: The Conspiracy esta realizada en un formato pseudo-documental que en esta ocasión funciona bien, pues realmente apoya el tema investigador, y además resuelve el común problema de "¿por qué siguen filmando en vez de huir?" Los actores compartan buena química y aborden con aplomo el gradual desarrollo de sus personajes, incluso cuando carece de fundamento. Por ejemplo, en cierto momento de la cinta uno de ellos pasa abruptamente del escepticismo a la firme convicción; y aunque no sea una actitud muy realista, podemos aceptarla gracias a que se expresa sin palabras la desolación interna del personaje, sugiriendo que las conspiraciones podrían servir como nueva motivación para llenar su hueca existencia (me abstendré de decir si me sentí identificado). Claro que no todo es introspección y análisis; a fin de cuentas The Conspiracy se convierte en un thriller ágil e interesante con un "twist" predecible pero bien ganado; la técnica pseudo-documental se siente justificada, y su manufactura supera la de cintas similares que sacrifican claridad por "realismo". Finalmente, el director/guionista Christopher MacBride muestra genuino conocimiento sobre los "grandes éxitos" de la cultura conspiratoria, usando una perfecta selección de videos, imágenes y entrevistas tomadas del mundo real para apoyar su argumento. Entonces, aunque la premisa se tambalea un poco al final, tengo que darle una recomendación a The Conspiracy porque entretiene en un nivel superficial y nos pone a pensar en otro más profundo. Y si alguien se inicia en este dudoso hobby como consecuencia de la película, mejor aún; no crean todo lo que ven, pero tampoco ignoren lo que parece ridículo, porque la realidad tiene un absurdo sentido del humor.
Calificación: 8

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Divergente (Divergent)

Síntomas: Cien años después de una guerra que devastó al mundo, la ciudad norteamericana de Chicago está protegida del exterior por una inmensa barrera metálica; y en su interior, la humanidad ha prosperado gracias a su división en cinco facciones, cada una dedicada a mantener un aspecto distinto de la sociedad: investigación científica, producción de alimentos, leyes, fuerza publica y gobierno. Los miembros de dichas facciones se eligen según sus aptitudes... pero de vez en cuando aparecen individuos que son aptos para cualquier actividad. Estos individuos son llamados "divergentes" y, como pronto descubre la joven Beatrice Prior (Shailene Woodley), el gobierno no puede tolerar su existencia.

Diagnóstico: Esa larga sinopsis señala el principal problema de Divergent; la premisa es demasiado rebuscada, inverosímil e ilógica. Si la trama fuera suficientemente ingeniosa para justificar tantas condiciones e improbables circunstancias, no habría problema. Pero no... se trata simplemente de otro cuento juvenil sobre la típica protagonista que debe superar su inseguridad cuando descubre que es "especial", y sus acciones van escalando hasta que prácticamente salva al mundo... sin faltar, desde luego, el "inesperado" romance en el camino hacia su destino. Bueno, estoy especulando sobre el asunto de salvar al mundo. Divergent está basada en una serie de novelas "young adult" que no he leído (ni leeré), y resulta obvio que los productores esperan filmar varias secuelas, de modo que esta primera película sirve tan solo para establecer el (absurdo) mundo post-apocalíptico, los blandos personajes, y la obligatoria conspiración en la que NADA ES LO QUE APARENTA (traducción: todo es exactamente lo que aparenta, desde el previsible villano hasta el galán que empieza como odioso patán, hasta que se suaviza y nos deja ver su lado romántico). En otras palabras: una simplona e inocua fantasía adolescente dirigida al público femenino; y otro intento por crear la saga que heredará la corona de The Hunger Games... lo cual no tiene nada de malo. La cinta está realizada para un público muy específico, y espero sinceramente que las fans de las novelas queden satisfechas con las decisiones del director Neil Burger, y con la interpretación de Shailene Woodley en el papel protagónico (trabajando nuevamente con el actor Miles Teller; parece que Burger es fan de The Spectacular Now). Como puede esperarse de un "blockbuster" hollywoodense, los valores de producción son bastante elevados, los efectos visuales resultan competentes, y podemos contar con algunos famosos actores adultos (Kate Winslet, Ashley Judd, Maggie Q) para balancear el resto del elenco, integrado por atractivos jóvenes multi-culturales que parecen salir de un catálogo de Urban Outfitters (que suerte para el mundo post-apocalíptico). No sé que tan entretenida pueda ser Divergent para el espectador casual; yo me aburrí bastante (sobre todo durante el "emocionante" desenlace lleno de acción), pero estoy muy lejos de pertenecer al público objetivo de la cinta. Cada quien conocerá su postura (y tolerancia) frente a este tipo de historias, y tomará la decisión adecuada. Por mi parte, me arrepentí de gastar el tiempo en Divergent cuando pude haber visto de nuevo Captain America: The Winter Soldier. También es una simplona fantasía adolescente, pero afortunadamente está hecha a mi medida. Conclusión: que la suerte esté siempre de su lado. O cualquiera que sea la frase "cool" de Divergent. Me da lo mismo.
Calificación de viejito amargado: 6
Calificación hipotética de las niñas que estaban sentadas atrás de mi: 11

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The Flu

Síntomas: Un embarque ilegal de inmigrantes chinos llega a Corea del Sur, y trae consigo una infección de gripe aviar altamente contagiosa y mortal que rápidamente se transforma en epidemia. Entonces, conforme la ciudad de Seúl cae en el caos y la paranoia, el paramédico Ji-goo (Jang Hyuk) emprende la casi imposible misión de encontrar y rescatar a la Dra. Kim (Soo Ae), quien podría ser la única persona capaz de detener la epidemia y salvar al país... o incluso al mundo.

Diagnóstico: Para no andar con rodeos, voy a decir desde el principio que The Flu parece la versión coreana de Contagion, aquel estremecedor thriller de Steven Soderbergh que mostró con impactante realismo el desarrollo de una epidemia en los Estados Unidos. Afortunadamente The Flu no es una simple copia, sino una adaptación (no oficial) competentemente realizada, apoyada por buenos actores, y dirigida con fluidez y energía, empleando un estilo semi-documental (pero no "found footage") que nos pone en medio de la acción, el drama y las camillas, de modo que no hay que sorprendernos si empezamos a sentir un poco de fiebre durante la película... uf, mejor no bromear con eso. En años recientes hemos visto cintas coreanas que emulan con bastante éxito las fórmulas norteamericanas;  por ejemplo Sector 7 (copia de Alien/Leviathan), The Tower (copia de The Towering Inferno) y Tidal Wave (desastres naturales). Ahora The Flu se integra a ese nicho con resultados similarmente recomendables, y aunque no añade mucho a la fórmula, cumple su misión de mantenemos en suspenso centrándose en un grupo de personajes representativos del género; la noble doctora que tiene una poderosa motivación personal para encontrar la curación; el héroe altruista dispuesto a sacrificarlo todo por la gente que quiere; los políticos ineficientes que discuten interminablemente sobre el sacrificio de cientos de miles de personas para salvar a millones; en fin, todos los ingredientes necesarios para alcanzar satisfactorios niveles de drama, tensión y devastación urbana. Sin olvidar, claro, un poco de comentario político relativo a la difícil posición internacional de Corea del Sur; no debe ser coincidencia que los más despiadados personajes sean norteamericanos, siempre dispuestos a pisotear los derechos humanos en aras de la "seguridad nacional". Por el lado negativo The Flu se siente un poco larga (dura más de dos horas), y tiende a duplicar escenas que pierden fuerza narrativa con cada repetición. Y quizás el final sea demasiado empalagoso; pero al mismo tiempo se siente apropiado para el tono general de la cinta. Finalmente merecen mención los efectos especiales empleados para mostrar el caos y destrucción acarreados por el pánico de la población, la policía fuera de control, y las devastadoras consecuencias de una pandemia como nunca hemos visto (y que, con suerte, nunca veremos en la vida real). Entonces, The Flu será una copia de Contagion, pero es una buena copia, con altos valores de producción y narrativa merecedora de una recomendación por derecho propio. Lo malo es que ya casi se me quitaba la "paranoia aviar", y creo que The Flu me la volvió a contagiar. Ni modo... a comprar gel sanitario.
Calificación: 8.5

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Blood for Irina

Síntomas: Irina (Shauna Henry) es una solitaria mujer que recorre las calles de la cuidad durante la noche, en busca de víctimas para matar y beber su sangre. Pero quizás llegó el momento en que la soledad es más insoportable que la necesidad de alimentarse.

Diagnóstico: A pesar de las críticas negativas que ha recibido Blood for Irina (al momento de escribir esto su calificación en IMDb es 3.5), tenía interés en verla por tratarse del debut como director de Chris Alexander, editor actual de la revista Fangoria (la cual leo desde hace veintisiete años) y ex-editor de Rue Morgue (en algunos aspectos mejor que Fangoria, en mi humilde opinión). Y después de haberla visto, entiendo perfectamente la razón de esa calificación tan baja... aunque no estoy seguro de compartir tal opinión. El problema de Blood for Irina es que parece prometer una sangrienta historia de vampiros modernos, cuando en realidad se trata de un homenaje/imitación del cine vampírico europeo realizado en los años sesentas y setentas por cineastas como Jess Franco y Jean Rollin. Cintas como Female Vampire, The Living Dead Girl y She Killed in Ecstasy ofrecían abundante atmósfera, estilizada cinematografía y sensuales protagonistas para capturar la imaginación de aficionados al terror capaces de ignorar el parsimonioso desarrollo y obtusos argumentos (o ausencia de los mismos) de estas exóticas obras, más sofisticadas y artísticas que sus contrapartes británicas (aunque, aceptémoslo, lo más importante eran probablemente las sensuales protagonistas). Blood for Irina captura a la perfección ese lánguido ritmo y surreal narrativa, con largas tomas y crípticos diálogos que no pretenden "explicarnos" la película, sino atraparnos en su hipnótica cadencia. En ese aspecto, la película es un éxito. Lamentablemente Alexander no consiguió imitar los mejores elementos de aquellas películas. Grabada en vídeo de mediocre calidad (supuestamente algunas escenas se capturaron con un iPhone), y con plana iluminación natural, Blood for Irina carece de atmósfera y estilo visual. Ocasionalmente encontramos algún ángulo de cámara inesperado, o una composición creativa, pero la mayor parte del tiempo parece que estamos viendo vídeos caseros de un adolescente deprimido que se sintió profundo y filosófico después de escuchar veinte veces los grandes éxitos de Morrisey. Por el lado positivo, la trama incluye algunos interesantes giros que nos invitan a cuestionar la naturaleza de Irina. ¿Es realmente un vampiro, o una maniática homicida viviendo una enfermiza fantasía para aliviar sus sentimientos de culpa? La banda sonora (escrita y ejecutada por el mismo Alexander) tiene una función importante, complementando las febriles escenas con caóticos sonidos electrónicos y discordantes notas que refuerzan la inestable condición mental de Irina. Finalmente, las actuaciones son adecuadas para este estilo narrativo, aunque no resultan particularmente memorables. Y mejor ni hablar del ausente "factor sensual", que era tan importante en aquellas cintas de Jess Franco y Jean Rollin. Entonces, Blood for Irina es una película incomprendida, con atributos que se manifiestan solo cuando conocemos la intención del director. Sin embargo esto no la hace necesariamente buena; solo "menos mala" de lo que sugiere la crítica. No sé que dirección tomará la carrera de Chris Alexander como director; quizás con el apoyo de un buen productor y más dinero, podría sorprendernos con una auténtica re-invención del estilo Franco/Rollin; pero mientras siga filmando con su teléfono, necesitará un mejor libreto y una visión más firme para atraer a los lectores de su revista. Afortunadamente no importará si fracasa, pues ya tiene un trabajo real bastante envidiable. Y, ¿quién sabe? Tal vez las luminarias del género que entrevista para Fangoria lograrán inspirarlo para desarrollar un estilo propio, en vez de copiar imperfectamente a sus ídolos. ¿Y mencioné que también edita la revista oficial de Kiss? Hay tipos con demasiada suerte...
Calificación: 6

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Chinese Zodiac

Síntomas: El famoso aventurero JC (Jackie Chan), también conocido como "Halcón Asiático", es contratado por el enigmático millonario Lawrence Morgan (Oliver Platt) para recobrar las cabezas de doce estatuas que representaban el zodiaco chino en un antiguo templo saqueado por colonizadores británicos en el siglo XIX. Entonces, con ayuda de su equipo y con varios rivales persiguiéndolo, JC deberá enfrentar incontables obstáculos para restaurar el legado cultural de su nación.

Diagnóstico: Desde niño me gustan las películas de Jackie Chan... lo cual significa que ya lleva casi cuarenta años trabajando en el género de acción... lo cual significa que ya tiene casi sesenta años de edad (de hecho los cumple el 7 de Abril). Por eso resulta comprensible que su más reciente película, Chinese Zodiac, no esté a la altura de obras clásicas como Armour of God y Operation Condor, aunque se trata de una secuela que retoma las aventuras del "Halcón Asiático" (también conocido como "Cóndor"), una mezcla de James Bond e Indiana Jones que emplea su increíble habilidad física, "gadgets" de alta tecnología, y grandes dosis de humor para encontrar reliquias históricas de gran valor monetario y cultural. En esta ocasión, la búsqueda de las cabezas de bronce llevarán al Halcón desde los elegantes palacios de Europa hasta las profundidades de la jungla, y lo pondrán en conflicto con falsificadores profesionales, piratas (incluyendo la versión oriental del Capitán Jack), y estudiantes que protestan la subasta ilegal de artefactos históricos pertenecientes al pueblo chino. Demasiadas sub-tramas para una película relativamente corta, lo cual provoca inevitable confusión, un desfile de personajes que entran y salen de la película sin mucha explicación, y momentos dramáticos que deberían causar gran impacto... si tan solo entendiéramos lo que está pasando. Pero bueno, nadie ve las películas de Jackie Chan por la historia, sino por la acción; y aunque Chinese Zodiac sea un poco modesta en ese aspecto, no deja de tener intensas peleas y sorprendentes stunts para distraernos del sobrecargado libreto. Para facilitarse un poco la vida, Chan delega la mayor parte de las peleas a sus co-estrellas, y emplea ayuda digital para realizar muchos de los stunts; sin embargo podemos verlo en sorprendente buena forma durante el desenlace de la película, en una de sus tradicionales peleas con una complicadísima coreografía, y en una pasmosa secuencia de acción en la ladera de un volcán, la cual parece una versión modernizada de aquel famoso stunt que casi le costó la vida en Operation Condor. A fin de cuentas recomendaría Chinese Zodiac para fans de Jackie Chan que necesiten confirmación del increíble talento de este artista (conste que no dije "actor"), y de su indomable compromiso con el público, a una edad en la que debería estar descansando y produciendo películas, en vez de seguir arriesgando la vida enfrente de las cámaras. Pero no la recomendaría para neófitos en la materia; para ellos sería mejor abordar la obra de Jackie Chan con alguna de sus películas ochenteras (en particular me gusta la trilogía de Police Story). Y, como siempre, no olviden esperarse a los créditos de Chinese Zodiac, donde se muestran "bloopers", algunos detalles detrás de las cámaras (como la filmación de una notable pelea en paracaídas) y hasta una retrospectiva de la carrera de Chan. Podrá parecer un poco arrogante y auto indulgente, pero si alguien ha ganado el derecho de decir "Estoy orgulloso de mí mismo" es Jackie Chan. Después de todo, ha pagado con sangre la admiración de sus fans.
Calificación: 8 (tan solo por esa increíble media hora final)

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