Malum

Síntomas: La Oficial Jessica Loren (Jessica Sula) cubre el último turno de vigilancia en una estación de policía a punto de ser clausurada; pero durante la noche encuentra siniestros fenómenos relacionados con una tragedia personal.

Diagnóstico: Podría ser un caso único en el horror contemporáneo: en el año 2016, el director Anthony DiBlasi estrenó la cinta Last Shift, un modesto thriller sobrenatural con excelentes actuaciones y un nivel de suspenso que desafiaba su minimalista premisa. No rompió récords ni se convirtió en obra de culto, pero Last Shift tuvo suficiente éxito y reconocimiento crítico para lograr que DiBlasi obtuviera mayor presupuesto en su siguiente proyecto. ¿Qué nueva historia nos contaría con esta abundancia de recursos?
Respuesta: la misma de antes.
Por alguna razón Anthony DiBlasi decidió que su nueva película, Malum, sería un remake de Last Shift, con otra actriz y mejores efectos especiales, pero básicamente con la misma historia. Desafortunadamente el resultado no fue una mejor película, en mi humilde opinión.
La primera misión de la novata policía Jessica Loren (Jessica Sula) es vigilar un precinto semi-abandonado durante la noche previa a su clausura. Pero no fue una asignación accidental... Jessica se ofreció como voluntaria porque su padre Will (Eric Olson) murió ahí en circunstancias misteriosas; y ahora la hija tiene esperanza de encontrar pistas sobre la tragedia antes de que el edificio sea demolido. Y eso es exactamente lo que Jessica encontrará durante una terrorífica noche, aunque no en la forma que ella esperaba.
No detallaré las diferencias específicas entre ambas películas, pues revelaría demasiados "spoilers"; baste decir que Last Shift me gustó más por su capacidad para generar suspenso con un tenebroso misterio no siempre lógico, pero suficientemente interesante para capturar nuestra atención y crispar los nervios. Y ahora DiBlasi intenta lo mismo en Malum... pero incrementando la frecuencia e intensidad de la actividad paranormal hasta perder la coherencia narrativa.
Esto significa que Malum tiene tremendos momentos de sangre y violencia, junto con una atmósfera surrealista que nos obliga a cuestionar fenómenos que podrían ser genuinas manifestaciones demoníacas, o alucinaciones provocadas por el moho tóxico que infesta el edificio. Hay muchas escenas individualmente sobresalientes por la convicción de los actores (además de Jessica Sula en el papel principal, también destacan Candice Coke como la madre de Jessica, y Kevin Wayne como un indigente que se introduce en la estación), los fantásticos efectos especiales del estudio RussellFX (hay una decapitación que me dejó con la boca abierta), y la sensibilidad de DiBlasi para explorar el trauma emocional de una familia destruida por el destino... ¿o fue simple casualidad?
Sin embargo, el continuo desfile de "flashbacks", pesadillas y sobresaltos terminó aburriéndome por su falta de cohesión. Sí, ya entendí que un culto satánico estuvo involucrado en la muerte del padre de Jessica... pero DiBlasi le da vueltas al asunto durante casi una hora, guardando las respuestas hasta el último minuto (literalmente), cuando mi atención casi se había extinguido.
De cualquier modo podría recomendar Malum para el público casual en busca de una historia de terror un poco confusa, pero bien actuada y bastante sangrienta. Y para los fans de Last Shift será una buena lección para recordar que lo nuevo no siempre es mejor, y que el dinero tampoco es la solución mágica de los problemas creativos.
Calificación: 6.5

IMDb

La Sirenita (The Little Mermaid)

Síntomas: Después de salvar a un príncipe en un naufragio, la sirena Ariel (Halle Bailey) hace un trato con la bruja Úrsula (Melissa McCarthy) para visitar el mundo de los humanos.

Diagnóstico: Antes que nada, la advertencia de siempre: no siento nostalgia por la original The Little Mermaid, ni recuerdo lo suficiente de su argumento para compararla con esta nueva versión de acción viva. Habiendo dicho eso, la cinta animada de 1989 se ha mantenido tan presente en la cultura popular que no hace falta conocerla de memoria para admirar los aciertos del remake... o para reconocer sus fallas.
Primero lo bueno: La Sirenita es una obra visualmente impresionante, con espectaculares paisajes submarinos y perfecta integración entre criaturas digitales y escenarios prácticos. El director Rob Marshall (Mary Poppins Returns, Into the Woods) aprendió de los errores de Disney, y encontró un óptimo balance entre el realismo de las criaturas acuáticas y su capacidad para expresar emociones, de modo que las actuaciones del cangrejo Sebastián (voz de Daveed Diggs), el pez Flounder (voz de Jacob Tremblay) y la alcatraz Scuttle (voz de Awkwafina) derrochan personalidad y elocuencia, pero sin caricaturizar a los animales. Y lo mismo podríamos decir del Rey Tritón (Javier Bardem), de la bruja Úrsula (Melissa McCarthy), y de la misma Ariel (Halle Bailey), cuyo diseño seguramente presentó grandes retos para conservar su carisma y simpatía a pesar de su biología marina.
Por el lado negativo... creo que La Sirenita no tiene grandes problemas específicos, sino una apatía general que la hizo ocasionalmente aburrida y poco memorable. En otras palabras, dudo mucho que el remake reemplace a la original en la imaginación de los niños... o de los papás que crecieron con ella.
Para empezar, La Sirenita (2023) dura casi una hora más que la versión de 1989, lo cual significa mucho relleno y poca sustancia. Marshall incorporó nuevos personajes y situaciones para elevar el drama e implementar "ajustes culturales" acordes con la ideología contemporánea, lo cual no tiene nada de malo, y hasta sugiere interesantes tangentes que me hubiera gustado explorar. Por ejemplo, en vez de enfocarse exclusivamente en el romance como motivación de Ariel para visitar el mundo de los humanos, el libreto de David Magee insinúa factores como curiosidad científica, ecología, y hasta estabilidad diplomática entre el reino marino y la humanidad que no respeta lo que no entiende. Desafortunadamente todos esos "detalles" quedan olvidados en el camino al inevitable "Final Disney" que, desde luego, tampoco sigue fielmente el amargo cuento de Hans Christian Andersen.
En la categoría de "remakes de acción viva de Disney", yo ubicaría La Sirenita al mismo nivel de Mulan y The Jungle Book: excelentes imágenes, mediocre historia, y una experiencia olvidable a largo plazo, pero con suficiente novedad para mantener la atención del público durante dos (largas) horas. A estas alturas parece ingenuo pedir más. Y además no puedo negar que Awkwafina me hizo reír.
Calificación: 7.5

IMDb

Sisu

Síntomas: Durante los días finales de la Segunda Guerra Mundial, un viejo minero encuentra oro en los ríos de Laponia, al norte de Finlandia; pero un pelotón de soldados nazis quiere apoderarse del tesoro.

Diagnóstico: No veo mucho cine de Finlandia, pero cuando una película escapa sus fronteras y adquiere distribución internacional, generalmente hay una buena razón. Y, en el caso de Sisu, la razón es su perfecta mezcla de sangre, acción, y un negrísimo sentido del humor que hace más tolerable la crueldad de los villanos... y las inverosímiles proezas del héroe. O anti-héroe.
Todo empieza con el anciano Aatami Korpi (Jorma Tommila) buscando pepitas de oro en la solitaria región de Laponia mientras escucha los estertores de la Segunda Guerra Mundial. Para ese momento los invasores nazis habían sido derrotados, pero aun causaban estragos en su escape de Finlandia hacia países vecinos. Entonces una caravana de soldados alemanes detiene a Korpi y descubre su cargamento de oro... pero afortunadamente el viejo no es tan indefenso como parece.
Y así comienza la batalla entre el minero y la banda de nazis codiciosos y desmoralizados. La acción es brutal, sorpresiva, y deliciosamente sangrienta (punto menos por lo que le ocurre al caballo) (no diré si el perro sobrevive, porque es un factor importante del argumento), empezando con un aceptable nivel de realismo que eventualmente se transforma en hilarante exageración. Y ahí es donde interviene el sentido del humor que mencioné al principio, indicando que no debemos tomar en serio los excesos de Sisu, pero sin diluir la intensidad de una batalla que no es solo por riqueza material, sino por el legado cultural de una nación, por el sufrimiento de una guerra en la que no querían participar, y por el triunfo de la libertad frente a la opresión. En otras palabras, una jugosa dosis de simbolismo ideológico acompañado por tremendas peleas y secuencias de acción que me mantuvieron entretenido de principio a fin (punto extra por la breve duración de la película: noventa minutos plenamente aprovechados, sin rastro alguno de relleno).
En el papel principal, Jorma Tommila (aparentemente una institución en Finlandia) encarna con inflexible convicción al minero que habla poco pero dice mucho con gestos y miradas que cuentan una trágica historia de dolor. Por el lado de los nazis, Aksel Hennie, Jack Doolan y Onni Tommila revelan diferentes aspectos de la deshumanización en el campo de batalla, dirigiendo su odio y frustración contra víctimas indefensas, contra sus propios líderes, y hasta contra la naturaleza misma.
La dirección de Jalmari Helander es fantástica, creando secuencias de grotesca belleza visual y gran impacto visceral (mención especial para el director de fotografía Kjell Lagerroos). Y los efectos especiales son igualmente impresionantes, combinando toda clase de técnicas para crear escenas realistas... pero con un un tenue barniz de surrealismo para complementar las hazañas del protagonista.
Podríamos decir que Sisu es "John Wick geriátrico" (incluyendo al perro en peligro), pero eso no describe adecuadamente el sabor cultural de la película, sus espectaculares escenarios naturales, y el peso de un momento histórico rara vez explorado en el cine bélico tradicional. Solo espero que Sisu gane mayor difusión en su versión original, antes de que algún genio trate de hacer un remake con Liam Neeson o Sylvester Stallone. Aunque no estaría mal uno con Danny Trejo...
Calificación: 9

IMDb

Polite Society

Síntomas: Para salvar a su hermana de un matrimonio por conveniencia, la joven Ria Khan (Priya Kansara) decide sabotear la boda utilizando sus conocimientos de artes marciales y películas de acción.

Diagnóstico: Una de mis series favoritas del año pasado fue We Are Lady Parts (disponible en el catálogo canadiense de Apple+), acerca de varias mujeres musulmanas tratando de iniciar una banda punk en Londres. Y ahora Nida Manzoor, la creadora de la serie, traslada su visión al cine con la película Polite Society, una simpática fantasía juvenil que utiliza los arquetipos del cine de acción para contar una historia "coming of age" con un estilo muy específico (Bollywood), pero con un mensaje universal para cualquier adolescente que está buscando su lugar en el mundo.
En este caso la adolescente es Ria Khan (Priya Kansara), una joven estudiante que aspira a convertirse en doble de cine, para lo cual practica artes marciales y publica videos acrobáticos en YouTube, esperando que los vea su heroína, Eunice Huthart (auténtica doble y coordinadora de stunts en películas como Eternals y Zack Snyder's Justice League). Entonces Ria descubre que su hermana mayor Lena (Ritu Arya) abandonó sus estudios de pintura para casarse con Salim (Akshay Khanna), heredero de una poderosa familia... y Ria decide sabotear la relación para evitar que Lena sacrifique sus sueños artísticos.
Esto conduce a varios planes y "misiones" que terminan en desastre; sin embargo, también revelan una verdad que Ria no quiere aceptar... ¿será posible que Lena sea realmente feliz, y no necesite "rescate"?
Es una historia relativamente simple, pero contada con gran sentido del humor y honestidad emocional. Los personajes están bien construidos, desafiando estereotipos en ciertos aspectos, pero también aprovechando los clichés de las culturas que ponen mayor importancia en la tradición que en los deseos de las mujeres (o de los hombres, para el caso). Pero lo que realmente separa a Polite Society de otras cintas "anglo-bollywoodenses" (como Bend It Like Beckham, Bride and Prejudice y Blinded by the Light) es el travieso surrealismo que Nida Manzoor incorpora a las secuencias de acción, transformando las peleas y "stunts" en representaciones alegóricas del conflicto entre los personajes. ¿Realmente Lena arroja a Ria con suficiente fuerza para destrozar la puerta de su habitación? ¿O solo fue la imaginación de Ria que convierte la discusión en una escena de acción hollywoodense? Es un truco indudablemente creativo y visualmente estimulante en el contexto de una comedia juvenil; y aunque a veces se siente forzado (como en la escena de la depilación... no pregunten), creo que las risas compensan las fisuras resultantes en el tapiz dramático de la película (hablando de tapices, aplausos para los vestuarios de PC Williams y el diseño de producción de Simon Walker).
Finalmente, la dirección de Nida Manzoor conjuga las florituras visuales con el trabajo de los actores, incluyendo a Priya Kansara en el papel principal, Ritu Arya y Akshay Khanna como Lena y su novio Salim, y Seraphina Beh y Ella Bruccoleri como las mejores amigas (y cómplices) de Ria. Mención especial para Nimra Bucha como Raheela, la futura suegra con gran talento para manipular situaciones sociales... y para manipular a su hijo.
A fin de cuentas Polite Society funciona mejor como historia "coming of age" que como sátira "geek"; pero en ambos niveles me dejó con una sonrisa, y con sinceros deseos de que Nida Manzoor trascienda su nicho cultural para añadir genuina diversidad al cine de Hollywood, no solo en lo que respecta al color de la piel, sino en la escala de las ideas.
Calificación: 8

IMDb

Rápidos y Furiosos X (Fast X)

Síntomas: Hace diez años, Dominic Toretto (Vin Diesel) y su equipo robaron la fortuna de un narcotraficante brasileño; y ahora, el hijo del criminal regresa para ejecutar una venganza que podría destruir para siempre a la "Familia" de Toretto.

Diagnóstico: Para entender y apreciar Rápidos y Furiosos X no hay que verla como la décima parte de la serie, sino como el comienzo de la trilogía que conducirá al Gran Final (a menos que cambien de opinión). Esto significa que Rápidos y Furiosos X es al mismo tiempo una reflexión del pasado y un preámbulo del futuro; por eso el director Louis Leterrier diseñó un desfile de "grandes éxitos" que nos recuerdan momentos clásicos de la saga, y al mismo tiempo aportan la estructura necesaria para acomodar las sub-tramas de un reparto que, aunque parezca mentira, sigue creciendo. Francamente, es un milagro que Rápidos y Furiosos X mantenga una aceptable coherencia dramática a lo largo de dos horas y media, en vez de degenerar en caos y confusión.
Lo cual, desde luego, no significa que sea perfecta. La "reflexión del pasado" podría interpretarse como falta de imaginación que les hizo reciclar muchas escenas de las cintas anteriores; por ejemplo, la secuencia inicial que evoca el robo de la bóveda bancaria en Fast Five, o los arpones de The Fate of the Furious. Sin embargo, yo preferí ver esas repeticiones como tributo a los fans, y como símbolo de la evolución que la serie tuvo a lo largo de veinte años, empezando como un simple thriller automovilístico sobre ladrones de televisiones, y terminando como épicos "blockbusters" de espionaje internacional donde el mundo está en peligro. Además, ese nostálgico paseo nos prepara emocionalmente para los cataclísmicos eventos que sufrirá la "Familia" Toretto a manos del villano en turno, interpretado por Jason Momoa.
La bombástica actuación de Momoa ciertamente lo hizo más memorable que cualquier otro villano de la serie. Y, aunque a veces se vuelve antipático (¿intencionalmente?), mantiene una fuerte presencia que nos hace odiarlo más, al mismo tiempo que comprendemos su motivación. El resto del reparto conoce sus papeles, y no intenta cambiar las cosas a estas alturas del partido (para bien o para mal); y los recién llegados (como Brie Larson y Alan Ritchson) encajan bien en el mecanismo de la trama porque a fin de cuentas es más importante su desempeño físico que su talento histriónico.
Lo cual nos lleva a lo más importante de la película: la acción. Personalmente encontré Rápidos y Furiosos X menos ridícula que F9... aunque de ningún modo podría considerarse "realista". Por el contrario, los "stunts" son tan inverosímiles que me hicieron reír... pero casi siempre mantienen una conexión simbólica con las leyes de física (me refiero a la física hollywoodense) que no me hizo cuestionar demasiado su existencia. Lo que me gustó menos fue la notoria separación entre "stunts" reales y manipulación digital. Aún así, las acrobacias son siempre espectaculares, y ocasionalmente creativas.
Entonces, Rápidos y Furiosos X es lo mismo de siempre... literalmente. Pero la repetición está justificada por los temas de la cinta; y además conduce a no uno, ni dos, sino tres fenomenales "cliffhangers" que inspirarán numerosas teorías para ocupar el tiempo mientras llega la segunda parte de la trilogía (¿aparentemente en el año 2025?) Finalmente, mención especial para el director Louis Leterrier (The Transporter, The Incredible Hulk), quien resultó ser el mejor de los "protegidos" de Luc Besson, y logró establecer su propia reputación a base de talento y visión. Yo hubiera preferido que Justin Lin siguiera al frente de la saga... pero Leterrier no fue un mal reemplazo. Solo espero que no suelte el volante a la mitad de la carrera.
Calificación: 8

IMDb

The Mother

Síntomas: Una mujer (Jennifer Lopez) dio en adopción a su hija para protegerla de los enemigos que acumuló durante su larga carrera criminal. Pero ahora, doce años después, la mujer debe salir del retiro para proteger a la niña de una amenaza mortal.

Diagnóstico: Ni siquiera la presencia de Jennifer Lopez en el papel principal despertó mi entusiasmo por The Mother (disponible en Netflix), la más reciente cinta en la categoría de "asesina retirada protege a una niña". No tengo nada en contra de la premisa, y de hecho he disfrutado varias películas con argumentos similares (como Kate y Gunpowder Milkshake); pero tanta repetición ya agotó mi paciencia, y además corre el riesgo de aburrir al público y provocar los típicos comentarios de "nadie quiere ver películas de acción con mujeres".
Afortunadamente todo parece indicar que The Mother fue un gran éxito para Netflix (al menos en su primera semana), y la razón (además de Jennifer Lopez) podría ser que no es exactamente una película de acción, sino un drama con un poco de violencia, pero enfocado en la relación de la anónima Mujer (Jennifer Lopez) y su hija Zoe (Lucy Paez), a quien dio en adopción cuando era un bebé para protegerla del pasado que nunca dejaría de perseguirlas. Entonces, lo que comienza como un desfile de clichés, se transforma gradualmente en... bueno, más clichés, pero de una variedad distinta y bien implementados por la directora neozelandesa Niki Caro, de nuevo probando suerte en Hollywood tras la mala experiencia de Mulan. Obviamente The Mother no es el tipo de película que gana aclamación crítica, pero podría gustarle al público más exigente (traducción: snobs) (es broma) que no acostumbra ver películas sobre asesinos retirados buscando redención. A menos que las dirija Martin Scorsese, o algo así.
El lado negativo de esta estrategia es que las secuencias de acción son esporádicas y genéricas, con aceptable calidad visual, pero sin el vigor y creatividad para satisfacer a los fans del género (como yo). En fin... una cosa por otra.
Lo cual nos lleva a las actuaciones de Jennifer Lopez en el papel de La Madre; Lucy Paez como Zoe; y Omari Hardwick (Army of the Dead) como el agente que ayudó a ocultar la identidad de la niña. Su participación es relativamente corta, pero esencial para establecer el tono emocional de The Mother.
Por el lado de los villanos tenemos a Gael García Bernal y Joseph Fiennes con adecuado nivel de intensidad, pero sin la definición necesaria para trascender su función antagónica; simples obstáculos para motivar a las protagonistas.
Y eso fue (como dije antes) la mejor parte de The Mother: la dinámica de la implacable asesina y la adolescente confusa que no entiende lo que está pasando, pero tiene el sentido común de escuchar a la enigmática mujer que la protege. En ese aspecto heredó a su madre.
Calificación: 7.5

IMDb

Crater

Síntomas: Para cumplir el último deseo de su padre, Caleb (Isaiah Russell-Bailey) y sus amigos emprenden un viaje por la superficie lunar en busca de un misterioso cráter con incierto significado.

Diagnóstico: Crater, la nueva película de Disney+, casi me hizo llorar... pero no por las razones que quería el director Kyle Patrick Álvarez.
El argumento de Crater es un pastiche de "road movie" y "coming of age" en el estilo de Stand By Me, The Journey of Natty Gann o Huckleberry Finn... pero ubicado en la Luna. En el año 2257, el satélite de la Tierra mantiene un enorme complejo minero dedicado a extraer helio como combustible para las naves que se dirigen a Omega, una nueva colonia espacial. Y ahí es donde el joven Caleb (Isaiah Russell-Bailey) será enviado después de perder a su padre en un accidente industrial. Pero antes del viaje que los separará para siempre, sus amigos organizan una expedición a un lejano cráter que el padre de Caleb siempre quiso visitar. Entonces, aprovechando una lluvia de meteoritos como distracción, Caleb, Dylan (Billy Barratt), Addison (Mckenna Grace), Borney (Orson Hong) y Marcus (Thomas Boyce) toman "prestado" un "rover" lunar e inician su aventura, donde encontrarán peligros inesperados, conflictos personales, y grandes verdades sobre el futuro.
¿Por qué Crater se ubica en la Luna? No sé. Realmente no hay razón dramática para trasladar esta simple premisa juvenil a un entorno de ciencia ficción. Y eso fue lo que encontré enormemente frustrante.
Por sí misma Crater no es una mala película; solo es genérica y poco ambiciosa. Las actuaciones son buenas, la dirección es adecuada para el blando propósito de la cinta, y la producción es de excelente calidad. El problema es que Crater pudo ser MUCHO MÁS. Con esos recursos, esos efectos especiales, y el talentoso reparto infantil, yo esperaba como mínimo una especie de The Martian Jr... un tributo a la disciplina científica y al espíritu emprendedor que les permite a los niños sobrevivir cuando empiezan las dificultades en un ambiente hostil. Y el "world building" ya estaba listo para ese tipo de historia, con temas como lucha de clases, una nueva economía "cis-lunar", y la emoción de explorar la nueva frontera.
Pero no... en vez de eso, tenemos otro desfile de clichés sobre amistad, responsabilidad, y el valor de forjar nuestro propio destino. Mensajes sin duda importantes... pero comparativamente decepcionantes frente al fascinante contexto de una colonia lunar. En fin... esa fue mi perspectiva como "sci-fi geek". Y, para ser justos, el final de Crater ofrece audaces ideas sobre la carrera espacial y el riesgo de permitir que el capitalismo escape los límites de la Tierra para contagiar al resto del Universo, como una infección que carga la Humanidad.
Entonces, Crater me decepcionó como ciencia ficción, pero incluye valiosos mensajes envueltos en atractivas imágenes, y aderezados con humor que no ofenderá a nadie. Además, Crater podría contribuir al descubrimiento de la "auténtica" ciencia ficción para niños que solo conocen las inocuas fantasías de Marvel o Star Wars; lo mismo que me ocurrió con aquellas cintas en blanco y negro que veía en televisión los sábados en la mañana. La diferencia es que ahora llegan en forma de datos por una red global de información. Pensándolo bien, los niños ya viven en la auténtica ciencia ficción de la vida cotidiana.
Calificación: 6.5

IMDb

How to Blow Up a Pipeline

Síntomas: Varios activistas planean el sabotaje de un oleoducto en el desierto, como venganza contra la industria petrolera que arruinó sus vidas.

Diagnóstico: Cam (2018), la previa película del director Daniel Goldhaber, se adelantó a su tiempo explorando el potencial de la inteligencia artificial autónoma, y la explosión del trabajo sexual remoto como consecuencia de una mala economía (incluso antes de la pandemia de Covid-19). Espero que no ocurra lo mismo con su nueva película, How to Blow Up a Pipeline. ¿O tal vez sí? No estoy seguro. El mensaje de How to Blow Up a Pipeline parece claro, pero el tono de la cinta mantiene suficiente ambigüedad para acomodar la opinión de cada espectador: ¿Son los protagonistas héroes revolucionarios luchando contra la inacción del gobierno frente al cambio climático? ¿O son violentos terroristas poniendo vidas en peligro para satisfacer su hambre de gloria?
Supongo que ambas respuestas pueden ser correctas. Pero, para evitar problemas, será mejor atenernos a los hechos: How to Blow Up a Pipeline sigue el meticuloso plan de ocho individuos para destruir una sección de oleoducto en el desierto, lo cual paralizará la venta de gasolina en una enorme región de los Estados Unidos y afectará a las empresas petroleras donde realmente les duele: en el bolsillo. Y, mientras construyen las bombas, vemos por medio de "flashbacks" las historias de cada cómplice, revelando sus motivos para participar en una misión tan peligrosa.
Inspirada en un libro del académico sueco Andreas Malm, la película How to Blow Up a Pipeline captura el ritmo y tensión de un "gran golpe" con todos los trucos y complicaciones que hemos visto antes, desde accidentes imprevistos hasta traiciones internas. Sin embargo, a diferencia de todas aquellas películas sobre robos bancarios, el gran golpe de How to Blow Up a Pipeline no está motivado por el dinero, sino por la convicción de una generación atrapada entre la apatía de la clase media y la hipocresía de la elite económica cuya codicia es la causa fundamental del problema. Por eso How to Blow Up a Pipeline sugiere una solución extrema a un problema imposible, y deja que la historia hable por sí misma. Y, como dije, cada quién escuchará lo que mejor se ajuste a su opinión personal.
En el aspecto práctico, el director Daniel Goldhaber muestra gran visión y sobrio estilo, dibujando eficientemente a los personajes con una o dos escenas que nos dicen todo lo que necesitamos saber sobre su carácter; y así podemos adivinar quién será el "alma" del grupo, quién tendrá remordimientos que pondrán en peligro la misión, y quién es el mejor candidato para arruinar el plan por su ignorante actitud. Claro, todos podrían morir o terminar en presidio... pero, si tienen suerte, sembrarán una pequeña semilla ideológica que crecerá hasta crear un cambio global. ¿Será posible efectuar una transformación tan radical por medio de la violencia? ¿O es una catártica fantasía para aliviar la impotencia de la Generación Z? Como dije, no estoy seguro. Pero recomiendo ver How to Blow Up a Pipeline para decidir la respuesta.
Calificación: 8.5

IMDb

The Tank

Síntomas: En 1978, Ben Adams (Matt Whelan) y su familia viajan a la costa de Oregon para visitar la propiedad que heredó de su madre; pero encuentran un misterio en un viejo tanque de agua que pondrá sus vidas en peligro.

Diagnóstico: A pesar de su duración relativamente breve (1 hora y 40 minutos), The Tank se siente larga por todo el tiempo que dedica a establecer una situación trillada y menos interesante de lo que supone el director, productor y escritor Scott Walker (The Frozen Ground). Incluso diría que The Tank es una buena lección sobre los peligros del "cine de autor"; definitivamente hay talento en todos los aspectos de la producción, pero faltó disciplina para optimizar la historia y eliminar el relleno (en mi humilde opinión).
La premisa no es exactamente novedosa: una familia en apuros económicos recibe una herencia que podría resolver su situación, y se mudan a su nueva propiedad para evaluar las posibilidades de venderla; pero encuentran fenómenos inexplicables relacionados con el legado familiar.
Hubiera sido útil mantener el suspenso sobre el origen de dichos fenómenos... ¿serán fantasmas, demonios, o algo más tangible? Desafortunadamente The Tank (ubicada en el año 1978 por alguna razón) comienza con un prólogo en el año 1946 que revela la amenaza oculta en el epónimo tanque de agua. Entonces ya sabemos de antemano que The Tank será una "creature feature", y se invalida la intriga sobre el pasado de la casa.
Por el lado positivo, The Tank mejora en el tercer acto, cuando por fin llegamos a "lo bueno": los ataques de la criatura que van subiendo en intensidad hasta la inevitable confrontación final, un poco predecible, pero divertida gracias al trabajo del diseñador Richard Taylor y el estudio de efectos prácticos Weta Workshop. La criatura es una combinación de Alien y el mutante de Forbidden World (1982), una de mis "creature features" favoritas de los ochentas, lo cual podría explicar mi excesiva indulgencia con los dudosos placeres de The Tank; pero, bueno, mejor no pensar en eso.
Y desde luego "lo bueno" viene acompañado con los típicos clichés del género, incluyendo "esposo incrédulo que no le cree a su esposa hasta que es demasiado tarde", "niña en peligro" y "en vez de escapar mientras podemos, vamos a explorar las cavernas donde se esconde el monstruo". La única innovación es que el perro sobrevive (creo).
Poniendo más esmero en el libreto, y con una juiciosa edición para acelerar la primera mitad, The Tank podría haber sido una decente "creature feature" con un excelente monstruo y adecuado nivel de violencia; pero en su forma actual es difícil recomendarla tan solo por veinte minutos de "horror acuático" (¿horror anfibio?) que nos esperan al final como recompensa a nuestra paciencia. Nunca he podido resistir el hechizo de un buen monstruo, pero todo tiene un límite.
Calificación: 6

IMDb

Peter Pan & Wendy

Síntomas: Wendy Darling (Ever Anderson) y sus hermanos comparten una increíble aventura con Peter Pan (Alexander Molony), el niño que se rehúsa a crecer.

Diagnóstico: Normalmente no me interesaría otro refrito de acción viva de Disney (y mucho menos de un estreno directo en Disney+, lo cual refleja las bajas expectativas del estudio); pero la participación del director David Lowery (A Ghost Story, The Green Knight) fue suficiente para despertar mi curiosidad. Y, aunque me gustó el resultado de esa colaboración, tal vez Peter Pan & Wendy es demasiado ambiciosa para satisfacer al público al que está dirigida.
Desde luego no es la primera visita de David Lowery al catálogo de Disney. En el 2016 Lowery dirigió el remake de Pete's Dragon, el cual me pareció superior a la original en muchos aspectos; y ni siquiera me refiero a los efectos especiales, sino a la integridad de la historia y la bendita ausencia de números musicales.
Y ahora Lowery intentó algo similar en Peter Pan & Wendy. La historia sigue los puntos básicos de la cinta animada de 1953, pero también incorpora rasgos olvidados de la novela "Peter and Wendy" (1911), no solo en lo referente a la dinámica entre Peter y el Capitán Garfio, sino al subtexto cultural del Imperio Británico en franca decadencia, cuando los valores de la era victoriana se marchitaban bajo la luz artificial del siglo veinte.
Peter Pan & Wendy es un poco anticuada en su forma, pero relevante en su exploración de la transición a la adolescencia y las responsabilidades de la vida adulta. Wendy Darling (Ever Anderson) está nerviosa por su próximo ingreso a un internado, donde aprenderá a ser una perfecta ama de casa. Pero Wendy no quiere abandonar a sus hermanos John (Joshua Pickering) y Michael (Jacobi Jupe), y ni siquiera aspira a la misma vida de sus padres. Entonces, en la víspera de su partida, Peter Pan (Alexander Molony) irrumpe en su habitación buscando su sombra perdida. Y así comienza una aventura que los llevará a la Tierra de Nunca Jamás, donde acecha el Capitán Garfio (Jude Law) y su tripulación de piratas... por no mencionar un enorme cocodrilo hambriento de carne humana.
El libreto co-escrito por Lowery y Toby Halbrooks intenta balancear los ingredientes de una fantasía infantil con el subtexto psicológico del libro original escrito por Sir James M. Barrie. Peter representa la seducción de una vida eterna libre de responsabilidades; pero incluso sus aliados, los Niños Perdidos y la joven guerrera Tiger Lily (Alyssa Wapanatâhk) saben que es una situación insostenible, y que eventualmente será inevitable crecer. Y eso es lo que representa el Capitán Garfio (Jude Law), obsesionado con exterminar a Peter por alguna misteriosa ofensa del pasado...
Y así transcurre Peter Pan & Wendy, a veces complaciendo a los niños con dinámicas secuencias de acción (las escenas de vuelo son espectaculares), y a veces aburriéndolos con graves monólogos sobre juventud perdida y honor entre enemigos. En resumen: un obtuso contraste de fondo y forma que no dejará satisfecho a nadie. Y aunque personalmente admiré el respeto de Lowery por los temas de la novela, tampoco puedo negar que su sensibilidad "de autor" resultó incompatible con la visión comercial de Disney. Por eso Peter Pan & Wendy me gustó más como cine de arte que como cine infantil. Tal vez los fans de A Ghost Story entenderán la situación.
Calificación: 6.5

IMDb

Guardianes de la Galaxia Vol. 3 (Guardians of the Galaxy Vol. 3)

Síntomas: Para salvar la vida de Rocket (voz de Bradley Cooper), los Guardianes de la Galaxia deben encontrar al científico que lo creó, al mismo tiempo que se defienden de un enemigo genéticamente diseñado para destruirlos.

Diagnóstico: Me gustan las películas del director James Gunn, pero me preocupa su obsesión con elevar el drama por encima de la historia. Gunn adora a sus personajes y no quiere que nadie se quede afuera; por eso manipula el libreto para darle a cada uno su propio arco dramático, transformación emocional, y momentos de lucimiento personal... lo cual es bueno en algunos aspectos. El problema viene cuando todas esas tangentes interrumpen el flujo de la historia y frenan el ritmo de la película.
Ese fue el gran error del Volumen 2 (en mi humilde opinión); afortunadamente Guardianes de la Galaxia Vol. 3 rectifica la situación, reduciendo el número de personajes y logrando una mejor integración entre su melodrama individual y el argumento general.
Al principio de Guardianes de la Galaxia Vol. 3 Peter Quill (Chris Pratt) sigue traumatizado por la pérdida de varias personas cercanas a él (como Yondu y Gamora), lo cual podría repetirse cuando una emboscada deja a Rocket (voz de Bradley Cooper) gravemente herido y con pocas probabilidades de sobrevivir, a menos que los Guardianes obtengan cierta información del científico que lo creó. Y así es como Quill, Nebula (Karen Gillan), Groot (voz de Vin Diesel), Mantis (Pom Klementieff) y Drax (Dave Bautista) emprenden una misión que cambiará sus vidas.
Paralelamente exploramos por medio de "flashbacks" el origen de Rocket y su conexión con el "Alto Evolucionario" (Chukwudi Iwuji), un científico dedicado a perfeccionar el Universo por medio de crueles experimentos genéticos... y Rocket fue solo el principio.
El mayor acierto de Guardianes de la Galaxia Vol. 3 fue regresar a las raíces de la saga, utilizando los talentos del equipo para ejecutar un "gran golpe" que revive su simpática interacción y extiende su carácter. En particular me gustó el manejo de Mantis y Drax, trascendiendo el ingrato papel de "comic relief" para descubrir un nuevo propósito en sus vidas (asumiendo que sobrevivan). Y, aunque su intervención es breve, también me gustó la dinámica de Kraglin (Sean Gunn) y Cosmo (voz de Maria Bakalova), miembros "junior" del equipo con sus propios deberes como protectores de Knowhere, el nuevo cuartel general de los Guardianes (como vimos en el Especial de Navidad transmitido en Disney+).
Por parte de los villanos destacan Adam Warlock (Will Poulter), creado por la Reina Ayesha (Elizabeth Debicki) para saldar una cuenta pendiente con los Guardianes (como vimos en el Vol. 2); y desde luego el Alto Evolucionario, interpretado por Chukwudi Iwuji (Daniel Isn't Real) con toda la arrogancia de un "genio loco" convencido del beneficio de sus acciones, aunque la evidencia indique lo contrario. Por el lado negativo señalaría una larga y tediosa visita a "Contra-Tierra", un concepto que tenía sentido en los comics, donde el Alto Evolucionario era un profesor de Oxford; pero en el contexto cósmico de la cinta se vuelve una idea incongruente, y solo sirve para introducir flojos chistes y mostrar criaturas que provocarían la envidia del Dr. Moreau.
A pesar de todo, Guardianes de la Galaxia Vol. 3 me pareció una sólida conclusión de la trilogía, dándole a los Guardianes "clásicos" una resolución satisfactoria, al mismo tiempo que prepara el terreno para futuras aventuras con nuevos miembros del equipo, y con el mismo sentido del humor que siempre distinguió esta irreverente esquina del Universo de Marvel. Por cierto, sigo irritado por no incluir a Kiss en la banda sonora; pero casi se compensa con la adición de The Flaming Lips, Spacehog y Beastie Boys.
Calificación: 8.5

IMDb

The Artifice Girl

Síntomas: Dos agentes interrogan a un individuo aparentemente involucrado con los "chat rooms" ilegales del Internet... pero la situación no es tan simple como parece.

Diagnóstico: En el fondo The Artifice Girl es otra película de ciencia ficción sobre el futuro de la Inteligencia Artificial, sus posibles consecuencias para la sociedad, y la línea cada vez más difusa entre conciencia orgánica y sintética. Sin embargo, el gran acierto del director/escritor/actor Franklin Ritch fue trasladar esa clásica discusión a un entorno muy concreto (la explotación sexual infantil), transformando The Artifice Girl en una fascinante exploración del mismo debate de siempre, pero desde un punto de vista más pragmático y urgente porque hay vidas en peligro. Las abstractas reflexiones de cintas como After Yang, Marjorie Prime o I'm Your Man están muy bien para una velada filosófica, pero no se comparan con el impacto emocional de la tecnología como solución de problemas reales, en vez de ser los caprichos personales de millonarios elitistas.
Y lo más impresionante es que Ritch logró todo eso (y más) con un minúsculo reparto, un par de locaciones, y sin efectos especiales. Por eso The Artifice Girl es una de las mejores obras de ciencia ficción minimalista que he visto en años recientes, comparable con modestas joyas semi-caseras como The Man From Earth, Primer y Sound of My Voice.
La mayor parte de The Artifice Girl consiste en conversaciones entre tres personas en una pequeña oficina: Deena Helms (Sinda Nichols) y Amos McCullough (David Girard) son agentes de una organización privada dedicada a identificar y capturar a los traficantes de pornografía infantil. Y la tercera persona es Gareth (Franklin Ritch), un nervioso hombre que frecuenta los "chat rooms" donde se cometen esos crímenes. ¿Será Gareth uno de esos traficantes? ¿Y cómo está relacionado con la niña Cherry (Tatum Matthews)?
Las respuestas a esas preguntas son un poco predecibles, pero Ritch no necesita sorprendernos para capturar nuestra atención. En vez de eso construye una historia inicialmente simple para conocer el carácter de los personajes, y progresivamente más compleja conforme intervienen nuevos factores en el drama, desde el respeto a la privacidad hasta los hipotéticos derechos de entidades digitales. Y así vemos cómo los eventos en esta pequeña oficina podrían cambiar el curso de la Humanidad. O tal vez extinguirla. O tal vez conducir a un nuevo escalón evolutivo que ni siquiera podemos comprender.
Los actores son excelentes, destacando el director Franklin Ritch en el papel más ambiguo de la cinta, que además le exige inesperadas transformaciones físicas y temperamentales. También me gustó la intervención del veterano Lance Henriksen en un cameo que aprovecha al máximo su considerable expresividad. Pero Tatum Matthews se roba la película en el papel de Cherry, la inocente niña que no es lo que parece. No hacen falta efectos especiales cuando las actuaciones son tan buenas.
Mi única queja ni siquiera es culpa de la película misma, sino de una desafortunada coincidencia con otro reciente relato sobre Inteligencia Artificial (inferior, pero más popular), lo cual podría restar gravedad a la conclusión de The Artifice Girl. Sin embargo con el tiempo se olvidarán esas similitudes, y solo quedarán las lecciones que The Artifice Girl nos imparte sobre nuestro futuro y su conexión con la tecnología. ¿Seremos los héroes de la historia, los villanos... o las víctimas? El tiempo dirá. Una razón más para alegrarme de estar viejo.
Calificación: 9

IMDb

Los Caballeros del Zodiaco: Saint Seiya - El Inicio (Knights of the Zodiac)

Síntomas: Bajo la guía de un misterioso mentor, el joven Seiya (Mackenyu) aprende a usar su legado cósmico para proteger a Sienna (Madison Iseman), la encarnación humana de la diosa Athena.

Diagnóstico: Advertencia importante: desconozco por completo la mitología de Los Caballeros del Zodiaco. Nunca vi el anime, nunca compré los juguetes, y solo recuerdo el nombre por su insistente presencia en la cultura popular. Sin embargo me dio curiosidad la película Los Caballeros del Zodiaco: Saint Seiya - El Inicio tan solo como fantasía de artes marciales en la misma línea de Mortal Kombat, Fistful of Vengeance, y otros post-modernos herederos de la tradición "wuxia". Y, para bien o para mal, eso fue exactamente lo que encontré.
La historia comienza con Seiya (Mackenyu), un joven huérfano que compite en brutales peleas ilegales. Entonces, durante un momento crítico, Seiya manifiesta extraños poderes que atraen la atención de dos rivales en lados opuestos de una guerra mística. Y así es como Seiya termina bajo el cuidado de Alman Kido (Sean Bean), quien se ofrece a entrenarlo para la inevitable confrontación con Guraad (Famke Janssen).
Posteriormente el director Tomasz Baginski complica la trama con traiciones, secretos y explicaciones que solo consumen tiempo y confunden más las cosas. Pero al menos las secuencias de acción están bien realizadas (para estándares del cine B), con sólidas coreografías (me decepcionó que Mark Dacascos solo tuviera una pelea), vistosos efectos especiales y toda clase de clichés, desde el entrenamiento del aprendiz, hasta la dualidad del villano (o villana) con una conciencia oculta. No sé si entendí bien: se supone que Athena protegió a la humanidad de los dioses que querían destruirla; pero Guraad quiere eliminar a los dioses, o algo así. ¿No están parcialmente alineadas sus misiones? Repito, sólo estoy hablando de lo que ocurre en esta película. Por favor no me digan que necesito ver doscientos episodios de un anime, o leer un manga de tres tomos para entender lo que está pasando.
Habiendo dicho eso, los comentarios negativos que está recibiendo Los Caballeros del Zodiaco: Saint Seiya - El Inicio sugieren que no hay mucha conexión entre la película y los animes originales. Incluso diría que los auténticos fans de Los Caballeros del Zodiaco tendrán la misma reacción que tuvieron los fans de Dragon Ball, Death Note y Cowboy Bebop ante sus respectivas adaptaciones "live action". O, para el caso, la misma reacción que yo tuve con Ghost in the Shell en el 2017.
Pero, bueno... tratando de evaluarla en sus propios términos, terminaré diciendo que Los Caballeros del Zodiaco: Saint Seiya - El Inicio me mantuvo entretenido con sus dinámicas peleas, reciclado melodrama y ambiciosos efectos especiales (imperfectos, pero bastante creativos). Algunos espectadores saldrán enojados; otros quedarán satisfechos porque no esperaban mucho (como yo); pero dudo que la cinta inspire nuevos fans de esta venerable franquicia. Y ese es el peor pecado que puede cometer una adaptación que intentaba introducir un anime a un público más amplio.
Calificación: 6

IMDb