Godzilla y Kong: El Nuevo Imperio (Godzilla x Kong: The New Empire)

Síntomas: En el mundo salvaje de la "Tierra Hueca", el gorila Kong se siente solo, y además tiene un dolor de muelas. Mientras tanto, en la superficie del planeta, Godzilla combate los "titanes" que ocasionalmente amenazan a la humanidad. Sin embargo ese frágil balance podría romperse cuando la Organización Monarch recibe un mensaje de algo o alguien pidiendo ayuda...

Diagnóstico: En todas las películas del "Monsterverso" (Godzilla, Kong: Skull Island, Godzilla: King of the Monsters y Godzilla vs. Kong) lo que menos me gustó fueron los personajes humanos, siempre ocupados en tediosos e irrelevantes melodramas personales que intentaban darle profundidad al argumento, pero solo nos distraían de la acción que medianamente rescataba estas películas. Afortunadamente el director Adam Wingard por fin perdió el miedo de transformar a los monstruos en los protagonistas indiscutibles de Godzilla y Kong: El Nuevo Imperio, y el resultado es la entrada más divertida de la franquicia... aunque aún arrastra problemas narrativos que reducen su impacto y dimensión como genuino "cine kaiju".
Wingard y su comité de guionistas construyeron un libreto bien balanceado entre los "titanes" principales y los científicos de la Organización Monarch, dividiendo el gran misterio de la película en tres sub-tramas desarrolladas independientemente, pero lógicamente conectadas hasta culminar en la delirante batalla final que todos estábamos esperando.
La primera sub-trama sigue al gorila Kong en la jungla salvaje bajo la superficie de la Tierra, donde descubre un área inexplorada que oculta tremendas revelaciones para el futuro de Kong mismo y del reino subterráneo. Gracias a la expresividad de las actuaciones digitales y los excelentes efectos visuales de Double Negative y Weta Workshop, podemos "sentir" las emociones del gorila y apreciar la motivación de las criaturas que encuentra en su cruzada personal.
La segunda sub-trama, ubicada en las grandes ciudades de Europa, sigue a Godzilla mientras pelea con titanes invasores; pero el auténtico propósito de su gira europea es acumular energía con algún ambiguo fin. Casi parece que se está preparando para algo grande... ¿qué podrá ser? Esta fue la historia más floja de la película, pero también la más espectacular por las monumentales batallas que evocan el "Período Showa" de Godzilla (las clásicas películas japonesas realizadas en los sesentas y setentas), donde era el guardián de la Tierra, aunque causaba tanta destrucción como sus oponentes. En otras palabras, no conviene pensar demasiado, y simplemente dejar que nuestro niño interno disfrute las peleas por sus propios méritos.
Y así llegamos a la sub-trama humana. La Dra. Ilene Andrews (Rebecca Hall), su hija Jia (Kaylee Hottle), el Dr. Trapper (Dan Stevens), el "podcaster" Bernie Hayes (Brian Tyree Henry), y el piloto Mikael (Alex Ferns) se internan en el mundo subterráneo para buscar el origen de una misteriosa señal que está afectando los sistemas de la Organización Monarch, poniendo en peligro su precario control sobre los titanes. Tampoco es una sub-trama particularmente apasionante, pero forma una agradable simetría con la aventura de Kong, al mismo tiempo que insinúa nuevos horizontes para explorar en futuras secuelas.
Por el lado negativo... no tengo quejas específicas, sino una sensación general de ligereza (literal y metafórica) sobre todos los eventos de la película. Las peleas son ciertamente descomunales, y el "drama" de Kong y los humanos adquiere cierta resonancia emocional... pero todo se siente tan frívolo y desechable que cuesta trabajo mantener el interés durante escena tras escena de acción artificial y locaciones sintéticas. Pero, bueno... como dije al principio, no puedo negar que Godzilla y Kong: El Nuevo Imperio me pareció muy divertida (aunque no pude evitar un par de bostezos durante la batalla final), y representa una marginal mejoría sobre sus predecesoras. Habiendo dicho todo eso: definitivamente me quedo con Godzilla Minus One. Las imitaciones americanas están mejorando, pero no hay comparación con el genuino artículo japonés.
Calificación: 8.5

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Code 8: Part II

Síntomas: Después de cumplir su condena en presidio, Connor Reed (Robbie Amell) quiere reconstruir su vida sin usar los poderes eléctricos que lo metieron en problemas. Entonces conoce a la niña huérfana Pavani (Sirena Gulamgaus) y trata de protegerla de las autoridades que la persiguen... pero para lograrlo deberá formar una alianza con Garrett (Stephen Amell), el líder criminal que lo envió a la cárcel.

Diagnóstico: En el año 2020, la película Code 8 me pareció un competente relato independiente sobre "super-héroes realistas" ubicado en una ciudad donde los individuos con poderes sufrían la desconfianza de la gente y la represión de las autoridades. Y ahora, en la secuela Code 8: Part II, la situación mejoró ligeramente. Los robots humanoides diseñados para matar fueron reemplazados por perros robóticos entrenados para vigilar; y la ciudadanía se volvió más tolerante hacia la población con poderes. Por eso Connor Reed (Robbie Amell) acepta un modesto trabajo como intendente de limpieza, y rechaza las ofertas de trabajo de su antiguo jefe, Garrett (Stephen Amell), quien fundó un imperio criminal basado en la producción del narcótico "Psyke". Pero cuando Connor trata de ayudar a una niña con poderes únicos, se ve obligado a pedirle ayuda a Garrett, y comienza una persecución que podría cambiar el balance de poder en Ciudad Lincoln... y quizás en el mundo entero.
Antes que nada advierto que será conveniente ver la original Code 8 (disponible en Netflix) para apreciar la trama de Code 8: Part II (también en Netflix), ya que el director Jeff Chan no se detiene para dar explicaciones ni describir las dinámicas entre personajes previamente establecidos. Y eso fue justamente lo que más me gustó de esta secuela: la tensión entre individuos con similar motivación y metas ocultas que pondrán a prueba su lealtad y su fibra moral. En otras palabras, Code 8: Part II redujo la acción para enfocarse en el drama; pero no se preocupen... aún hay peleas entre "eléctricos", "pyros" y criminales con súper-fuerza, por no mencionar la amenaza de los perros robóticos que no son tan inofensivos como parecen.
Los efectos especiales del estudio Playfight VFX son excelentes a pesar del reducido presupuesto de la cinta (producida en Canadá); y la dirección de Chan mantiene la misma eficiencia para transmitir información sin frenar la narrativa y sin desviar la atención del conflicto principal. Desafortunadamente Code 8: Part II está recibiendo comentarios negativos sobre ese cambio de enfoque, y en cierto modo lo entiendo. Después de la acción de Code 8, el ritmo más lento de Code 8: Part II puede sentirse "aburrido"; sin embargo yo lo veo como la evolución natural de una saga que probablemente se convertirá en trilogía, de modo que estamos viendo la parte central donde se crean las condiciones para el gran desenlace. Solo espero que tenga suficiente éxito para garantizar la producción de la tercera parte. O tal vez estoy buscando excusas para justificar una secuela más madura y ambiciosa, pero menos satisfactoria como entretenimiento visceral. No sé... supongo que cada espectador tendrá su propia respuesta. Sin embargo, como fan de los relatos sobre "super-héroes realistas", entiendo el valor del carácter por encima de la acción. Y, bajo ese criterio, creo que Code 8: Part II cumplió su misión. Por cierto, el "spoiler" de siempre: el perro robot no sobrevive... aunque seguramente pueden re-conectarle la cabeza sin problema alguno.
Calificación: 7

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Road House

Síntomas: Elwood Dalton (Jake Gyllenhaal), ex-luchador de Artes Marciales Mixtas, acepta trabajar como "bouncer" de un modesto bar en los cayos de Florida, sin saber que el puesto es más peligroso de lo que parece.

Diagnóstico: Sin ser devoto de la original Road House (1989), puedo apreciar su valor "kitsch" como reliquia ochentera que ganó categoría "de culto" con el paso de los años. Incluso diría que Road House epitomiza el arquetipo del "rudo sensible" que estudió filosofía y está en contacto con sus emociones... pero también es capaz de arrancarle la garganta a un villano cuando la situación lo requiere.
Por eso me interesó la propuesta de un remake en el clima cultural contemporáneo: ¿Sería la nueva Road House (disponible en Prime Video) una película de acción responsable y socialmente consciente? ¿O un indulgente desfile de excesos políticamente incorrectos?
¿O por qué no las dos cosas al mismo tiempo?
El protagonista es Elwood Dalton (Jake Gyllenhaal), ex-luchador con una tragedia en su pasado que descarriló su carrera deportiva. Pero ahora tiene oportunidad de reconstruir su vida como "bouncer" en el bar "Road House", expulsando clientes indeseables y manteniendo el orden. Naturalmente Dalton es muy bueno para pelear, pero prefiere la diplomacia... cuando es posible. Desafortunadamente un cacique local y sus esbirros no entienden el mensaje, y comienza una guerra que podría ser fatal para todos los involucrados.
Hasta ahí Road House se comporta como un thriller convencional, incrementando el peligro, desarrollando un misterio que Dalton debe resolver (¿exactamente qué quiere el cacique con el bar?), y sazonando el drama con esporádica violencia para satisfacer al público sediento de sangre (como yo).
Sin embargo el libreto empieza a tomar digresiones absurdas que satirizan los clichés ochenteros (al menos esa fue mi interpretación); y entonces entra a escena Conor McGregor (un luchador real con terrible reputación) interpretando una auténtica caricatura humana, y bueno... eso confirmó mis sospechas de que el director Doug Liman (American Made, Edge of Tomorrow) decidió realizar una brutal comedia negra que no debemos tomar en serio... aunque tampoco descuidó el componente dramático que nos conecta emocionalmente con los personajes.
Y ahí es donde entra en juego el talento de Jake Gyllenhaal, excelente actor que también puede reflejar con absoluto realismo la intensidad física y mental de un luchador profesional combatiendo sus demonios internos. Gyllenhaal aporta humanidad y balance a esta exótica combinación de ingredientes, mostrando igual dedicación en sus interacciones con los habitantes de la isla (incluyendo a Billy Magnussen como un perfecto villano que se hace odiar desde su primera escena; y Daniela Melchior como la obligatoria pareja romántica con la perspectiva más racional del reparto), y en las peleas que le dan su identidad a la película.
Hablando de lo cual, Liman no se conformó con la coreografía tradicional de las escenas de acción, sino que experimentó con un vertiginoso estilo hiper-kinético que me pareció una imitación de la excelente Furies, pero con demasiada manipulación digital. No diría que me encantó este estilo, pero bueno... al menos Liman intentó algo nuevo.
A fin de cuentas Road House me pareció una entretenida modernización de un cuestionable "clásico" igualmente ridículo, aunque por distintas razones. Definitivamente podría recomendarla, pero solo para espectadores con sentido del humor que sepan apreciar la idealizada visión del rudo sensible que no teme expresar su vulnerabilidad mientras rompe huesos con una sonrisa. Espero sinceramente que Patrick Swayze se sienta orgulloso en el Más Allá.
Calificación: 7.5

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Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma (Ghostbusters: Frozen Empire)

Síntomas: La familia Spengler y Gary Grooberson (Paul Rudd) se mudaron a Nueva York para trabajar como "cazafantasmas", pero causan demasiada destrucción y el gobierno quiere clausurarlos. Entonces un terrible espectro escapa de su prisión, y amenaza con destruir la ciudad.

Diagnóstico: Hace un par de años Ghostbusters: Afterlife estableció una sólida "historia de origen" para el nuevo equipo de cazafantasmas que tomaría el lugar de sus ilustres predecesores, combinando humor y curiosidad científica con amplias dosis de "fan service" para los devotos de la franquicia (entre los cuales yo NO me cuento). Y ahora la secuela Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma hace su mejor esfuerzo por reciclar la misma receta... pero ya no se siente tan divertida por dividir su atención entre demasiados personajes, y por recurrir a la misma premisa de "entidad sobrenatural amenaza Nueva York" que ya repitieron en tres películas (estoy contando la menospreciada Ghostbusters del 2016).
Afortunadamente algunos elementos de Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma funcionan mejor que otros, y bastaron para capturar mi atención con drama personal más interesante que la actividad paranormal. Pero aún así el director Gil Kenan (escritor de Afterlife) tiene problemas para justificar tanto relleno que solo "infla" la película y nos distrae de sus mejores sub-tramas.
Entre esas sub-tramas: Phoebe Spengler (Mckenna Grace) es el cerebro del grupo, pero su juventud impide que la tomen en serio, provocando frustración y rencor que motivan algunas malas decisiones. Mientras tanto Ray Stantz (Dan Aykroyd) disfruta su retiro buscando objetos "poseídos"; y cuando investiga la procedencia de una misteriosa esfera metálica descubre que el millonario Winston Zeddemore (Ernie Hudson) fundó un laboratorio para estudiar a los fantasmas y diseñar un mejor método de captura y almacenamiento, pues el viejo depósito de la estación de bomberos está a punto de reventar. O algo así. Finalmente, Callie Spengler (Carrie Coon) y Gary Grooberson (Paul Rudd) tratan de balancear su responsabilidad como cazafantasmas y padres de familia con dos adolescentes rebeldes. Y desde luego hay más personajes y situaciones para complicar la narrativa; pero, como dije, es básicamente una repetición de los mismos errores y aciertos de la saga.
La calidad general de la producción es excelente, incluyendo efectos digitales de notable realismo, sobre todo cuando simulan eventos "prácticos" (como la bolsa de basura poseída); y aunque el diseño de los fantasmas muestra adecuada creatividad, rara vez provocan "terror" con su apariencia y conducta. Esa siempre ha sido mi queja principal sobre Ghostbusters: los fantasmas no asustan, y la comedia no es particularmente graciosa (los únicos que me hicieron reír en esta secuela fueron Patton Oswalt y Kumail Nanjiani). Entonces la única salvación son los actores, su carácter, y las dinámicas que desarrollan... y en ese aspecto, Ghostbusters siempre me ha dejado satisfecho. Pero todo lo demás se convierte en ruido y movimiento que ya vimos demasiadas veces, sin suspenso o novedad. Parece mentira que lo mejor de Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma sea la telenovela juvenil que añade un poco de emoción a un argumento inerte; y también me gustó la nostalgia de la "vieja guardia" interactuando con la nueva generación. Ojalá la acción y los fantasmas fueran capaces de inspirar el mismo interés. Pero, bueno... me conformo con las migajas de sustancia en el malvavisco Stay Puft® lleno de aire.
Calificación: 7

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Rescate Imposible (Land of Bad)

Síntomas: Cuando un operativo militar fracasa en una isla del Pacífico, los soldados sobrevivientes dependerán de un piloto de "drones" para llegar al sitio de evacuación.

Diagnóstico: A primera vista Rescate Imposible parece una típica cinta de acción directa a video (aunque se estrenó en cines de mi país). Sin embargo incluye suficientes aciertos para convertirla en un recomendable thriller militar con sólidas secuencias de acción, excelente efectos especiales (la mayoría prácticos), y competente dirección.
Hablando de lo cual: el director William Eubank realizó algunas B-Movies de inusual ambición y calidad, generalmente en el género fantástico; y ahora su primera incursión en el cine de acción confirma su talento y capacidad para sacar el máximo provecho de recursos limitados, entregando un producto que se sostiene por sus propios valores, incluso si tropieza ocasionalmente con su entusiasmo.
El protagonista de Rescate Imposible es el Sargento J.J. Kinney (Liam Hemsworth), cuya inexperiencia en combate provoca algunas burlas entre los veteranos soldados de su escuadrón. Sus órdenes son infiltrarse en una remota isla del Pacífico para liberar a un espía capturado por un traficante de armas, o algo así. Entonces la misión fracasa, y los sobrevivientes escapan en la jungla mientras los persiguen los terroristas. Mientras tanto, en una base militar de Las Vegas, el Capitán Eddie Grimm "Reaper" (Russell Crowe) opera el drone que guiará el camino y tratará de proteger a los soldados hasta que llegue el helicóptero de rescate.
Es una premisa simple, pero el guión de Eubank y David Frigerio arroja complicaciones con astuta precisión, cambiando el rumbo de la historia y cuestionando las decisiones de Kinney y sus compañeros. Y, en un nivel más profundo, Rescate Imposible ofrece un devastador contraste entre el combate "en persona" y la moderna práctica de los drones operados remotamente. Ambas formas de combate involucran vidas reales en peligro y terribles actos de violencia; pero la distancia física y emocional cambia la actitud de los pilotos y diluye la responsabilidad de una guerra que en ocasiones parece más un videojuego que un conflicto armado. Ya habíamos visto este mensaje en cintas como Good Kill y Eye in the Sky, pero creo que Eubank lo integra mejor con la tensión visceral de la acción.
Por el lado negativo... algunas escenas llevan el contraste demasiado lejos, con irritantes intentos de humor por parte de Russell Crowe (por ejemplo, quejándose del café en su base militar). Sí, entiendo la utilidad de la exageración para reforzar el mensaje, pero no hacía falta llevarlo hasta el punto de la parodia, en mi humilde opinión.
Afortunadamente son escenas breves que no interfieren demasiado con el suspenso. Además, cuando Russell Crowe por fin toma en serio su papel, se vuelve electrizante, y un perfecto balance del caos en el campo de batalla.
Finalmente, mención especial para los efectos y "stunts" en las escenas de acción, complementadas por la dirección de Eubank para mantener claridad narrativa e intensidad dramática. Liam Hemsworth, Ricky Whittle, Milo Ventimiglia y Luke Hemsworth (sí, dos Hemsworths por el precio de uno) hacen un buen trabajo distinguiendo a sus personajes en el fragor de la batalla, y realmente se comportan como soldados con entrenamiento militar, a diferencia de tantas películas de bajo presupuesto donde los actores parecen niños jugando a la guerra.
Entonces, Rescate Imposible no está al nivel de un blockbuster hollywoodense, pero me pareció entretenida y recomendable en el modesto nicho del cine B. Y sin duda seguiré con interés los proyectos de William Eubank, quien está mejorando con cada película (más o menos), y explorando nuevos géneros para ver cuál le sienta mejor. Me gustaría ver su versión de una "heist movie"; o quizás confiarle un superhéroe menor de DC Comics para ver qué puede hacer. El tiempo dirá si lo aceptan en las "grandes ligas". O si a él le interesa ingresar.
Calificación: 7.5

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Imaginario: Juguete Diabólico (Imaginary)

Síntomas: Jessica (DeWanda Wise) y su nueva familia se mudan a la casa donde creció; entonces su hijastra Alice (Pyper Braun) "adopta" un viejo oso de peluche como amigo imaginario, y la niña empieza a cambiar bajo la influencia del juguete.

Diagnóstico: Obviamente el estudio Blumhouse quería repetir el éxito de M3gan con el oso Chauncey; el problema es que Imaginario: Juguete Diabólico es una película muy distinta, que en realidad no encaja en la fórmula de "muñeco maligno"... y su gran error es aparentar lo contrario durante más de una hora, hasta que revela su auténtica identidad y se transforma en algo más similar a la "fantasía oscura" de Poltergeist o Insidious. Pero entonces ya es muy tarde para corregir la decepción del público que esperaba el horror más "normal" de Chucky o Annabelle.
Es una lástima, pues Imaginario: Juguete Diabólico tiene buenas ideas, algunas notables actuaciones, y un sólido estilo visual que añade energía a la premisa más rancia del horror moderno: una familia se muda a su nueva casa, y descubre fenómenos inexplicables.
En esta ocasión la familia incluye a Jessica (DeWanda Wise), escritora de cuentos infantiles; Max (Tom Payne), su nuevo esposo recientemente divorciado y con dos hijas, la adolescente Taylor (Taegen Burns) y la niña Alice (Pyper Braun). Jessica tuvo una infancia infeliz en la casa de sus padres, pero ahora necesitan más espacio, y deciden ocuparla. Entonces Alice encuentra un viejo oso de peluche en el sótano y lo adopta como amigo imaginario para aliviar su soledad. Pero cuando la conducta de la niña empieza a cambiar, Jessica decide investigar... y descubre algo más siniestro de lo que esperaba. Ah, y desde luego tienen una excéntrica vecina llamada Gloria (Betty Buckley) que sabe más de lo que aparenta. Lo único que faltó fue una mascota como primera víctima. Y, ahora que lo pienso, también faltaron las víctimas.
Así es... cuando creemos que el oso Chauncey empezará a matar a las personas que lastiman a Alice, la película da un abrupto giro al misterio psicológico, y luego a la fantasía. Supongo que fue una estrategia intencional del director Jeff Wadlow (Fantasy Island, Truth or Dare) para confundir nuestras expectativas y sorprendernos con "twists" realmente inesperados... pero no necesariamente compatibles con el tono de la cinta.
No puedo decir más sin revelar "spoilers"; baste advertir que Imaginario: Juguete Diabólico no es la película que anuncia su publicidad. Si aceptamos eso, encontraremos una experiencia medianamente entretenida, con buenas actuaciones (la niña Pyper Braun tiene una impactante escena estilo Gollum, donde "habla" con la voz de Chauncey), personajes genéricos pero agradables (la relación de la madrastra con la hija adolescente evoluciona con inusual calidez), y una ambiciosa mitología que prepara el terreno para una secuela, y además insinúa conexiones con otros éxitos de Blumhouse, seguramente para facilitar esos "spin-offs" y "crossovers" que tanto le gustan a Jason Blum.
Sin embargo, como simple ejercicio de "muñeco maligno", Imaginario: Juguete Diabólico no cumple su potencial, ni ofrece suspenso y violencia adecuados para satisfacer a los fans del sub-género. Le voy a echar la culpa a los mercadólogos de Blumhouse que buscaban otra M3gan, y desperdiciaron la oportunidad de probar algo nuevo. El dinero rara vez es buen asesor creativo.
Calificación: 6

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Damsel

Síntomas: Para salvar a su pueblo de la ruina económica, Lord Bayford (Ray Winstone) acepta casar a su hija Elodie (Millie Bobby Brown) con el príncipe del Reino de Áurea; pero Elodie descubre que su nueva familia oculta un peligroso secreto.

Diagnóstico: La subversión de los cuentos de hadas ya no se siente tan fresca hoy como hace veinte años; pero aún puede sorprendernos con historias amenas y bien planteadas que desafían nuestras expectativas sin perder los valores del género. Damsel es una de esas historias (en mi humilde opinión), donde la proverbial princesa debe usar su habilidad e ingenio para rescatarse a sí misma, en vez de esperar la ayuda del príncipe. Sí, Damsel es similar a la reciente The Princess, pero con menos artes marciales y más dragones.
La damisela en cuestión es Elodie (Millie Bobby Brown), hija de Lord Bayford (Ray Winstone), un líder desesperado por salvar a su pueblo de la devastadora temporada invernal. Por eso acepta casar a Elodie con el Príncipe de un reino inmensamente próspero. Pero, después del matrimonio, Elodie queda atrapada en una cueva con un dragón... y no habrá príncipe valiente que la rescate.
Y así comienza una aventura que pondrá a prueba la inteligencia y habilidad de Elodie para sobrevivir en circunstancias extraordinarias, aprovechando sus escasos recursos (básicamente su vestido de bodas) y su capacidad de observación y análisis para vencer un temible enemigo que tiene sus propias razones para devorar princesas... aunque no está dispuesto a debatir el punto.
Me gustó la dirección de Juan Carlos Fresnadillo (28 Weeks Later, Intruders), relativamente libre de relleno, pero con suficiente paciencia para detenerse a contemplar detalles que enriquecen el drama y la experiencia visual de la película. Los efectos especiales son excelentes... para los estándares de una película original de Netflix, lo cual significa que cumplen su función narrativa, sin alcanzar el realismo de los grandes estudios de Hollywood. En particular me gustó el dragón diseñado por el veterano Patrick Tatopoulos, y con la voz de Shohreh Aghdashloo para darle personalidad y motivación. A este dragón le gusta jugar con su comida...
Sin embargo, el mejor elemento de la película es el libreto de Dan Mazeau. La conversión del típico cuento de hadas en una moderna aventura juvenil se siente razonablemente natural, sin forzar los temas de corrección política, y sin romper la lógica interna de la premisa... aunque desde luego encontraremos situaciones inverosímiles para elevar el suspenso y la emoción. Obviamente no es una película "realista", y no me afectaron sus exageraciones porque me estaba divirtiendo mucho.
Por el lado negativo... Damsel se siente un poco larga, con algunas digresiones que podrían haberse omitido sin perder coherencia ni fuerza dramática (por ejemplo, el fallido rescate). Y aunque Millie Bobby Brown muestra sólido desempeño físico como "mujer de acción", su presencia sigue siendo un poco blanda. Esto funcionó bien en la duología de Enola Holmes por la naturaleza del personaje, pero creo que Damsel requería una actriz más intensa y energética. Aún así Damsel me pareció un recomendable cuento de hadas que evita casi todos los errores del cine "young adult", al mismo tiempo que captura nuestra imaginación con excelentes imágenes (mención especial para las locaciones portuguesas), y remata con un perfecto final. Parece que Juan Carlos Fresnadillo encontró su nuevo nicho; ojalá Netflix sepa cómo aprovecharlo.
Calificación: 7.5

IMDb

Pobres Criaturas (Poor Things)

Síntomas: El Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe) revivió el cadáver de una joven mujer, y quiere mantenerla aislada mientras se adapta a su nueva condición. Sin embargo será muy difícil contener a la "criatura" y su curiosidad por el mundo real.

Diagnóstico: Confieso que no soy fan del aclamado director Yorgos Lanthimos. Desde luego admiro su estilo visual y audaz manejo de ideas perturbadoras, pero siempre en un contexto muy humano. Sin embargo, con una sola excepción, sus obras me han dejado más indiferente que satisfecho, tal vez porque el mensaje termina enredándose con su visión artística. O algo así. No sé, es difícil de explicar.
Por eso no sentía gran entusiasmo por Pobres Criaturas, otro refrito de Frankenstein que llegó tarde a la fiesta, después de tantas vibrantes re-interpretaciones del mito que hemos visto recientemente en el cine independiente. ¿Qué más podría añadir Lanthimos a esta moda, además de estrellas de cine?
Respuesta: mucho.
Lo que añadió Lanthimos fue una riqueza dramática que trasciende la clásica fórmula de "creación rebelándose contra su creador", abarcando temas de feminismo, independencia y moralidad representados por complejos personajes al mismo tiempo repulsivos y entrañablemente cálidos. Las lecciones de vida que aprende la joven Bella (Emma Stone) durante su aventura por el mundo pueden parecer válidas o transgresoras según la ideología del espectador, pero de un modo u otro nos invitan a cuestionar estereotipos sociales que necesitan re-evaluarse para la era moderna.
El reparto es absolutamente brillante, y forma parte fundamental de la alquimia creativa de Lanthimos, empezando por Emma Stone en el mejor papel de su carrera (hasta el momento). Su evolución a lo largo de Pobres Criaturas representa el eje emocional de la película, y la actriz nos atrapa instantáneamente en la lucha de Bella por comprender un mundo no siempre racional ni compatible con la inflexible lógica que le inculcó su creador, el Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe). No podría decir que Dafoe también encontró el mejor papel de su vida, porque ni siquiera sabría como medirlo en una carrera tan brillante... pero ciertamente será uno de los más memorables. Mark Ruffalo interpreta un personaje que comienza como villano, y gradualmente se transforma en víctima... por culpa de sus propias decisiones; y si bien Ramy Youssef tiene un papel menos lucidor como asistente del genio loco, su presencia es indispensable para balancear la desorbitada narrativa con un punto de vista más ecuánime... aunque no exento de apetitos humanos.
Finalmente, mención especial para la exuberante cinematografía de Robbie Ryan (no entendí bien la división de color y blanco y negro, pero se ve fenomenal), el diseño de producción de Shona Heath, y los efectos especiales que nos transportan a un pasado alternativo que no quiero llamar "steampunk", aunque posee algunas cualidades retro-modernas de esta corriente artística.
Entonces, Pobres Criaturas se convirtió automáticamente en mi película favorita de Yorgos Lanthimos, en mi película favorita de Emma Stone, y en la adaptación de Frankenstein más ingeniosa en su replanteamiento de ideas clásicas en un contexto contemporáneo. Quizás me gustó más Birth/Rebirth, pero Pobres Criaturas quedó muy cerca.
Calificación: 9

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Duna: Parte Dos (Dune: Part Two)

Síntomas: La Casa Harkonnen recobró el control del planeta Arrakis y exterminó a la Casa Atreides, sus eternos rivales (como vimos en Dune: Part One); pero Paul Atreides (Timothée Chalamet) y su madre Jessica (Rebecca Ferguson) escaparon al desierto, donde intentarán formar una alianza con el pueblo fremen para recuperar su legado... y quizás cambiar el balance de poder en el Universo.

Diagnóstico: Primero lo fácil: Duna: Parte Dos es aún más opulenta que su predecesora, lo cual ya es decir bastante. La cinematografía, diseño de producción y efectos especiales conjuran extraordinarias imágenes de épica escala y pasmosa atención al detalle, ya sean los paisajes desérticos del planeta Arrakis, o la elegante simpleza de una cámara imperial donde de decide el destino del Universo. Pero eso no es todo; el director Denis Villeneuve también crea momentos visualmente impactantes que no son simples adornos, sino piezas fundamentales de una compleja narrativa que se vuelve accesible gracias al talento del cineasta para condensar información y transmitirla de la manera más eficiente posible. En mi crítica de Dune: Part One mencioné el diluvio de palabrería que nadie se detiene a explicar; pero todo era parte de un plan para entrenar al público y sentar las bases del "world building" más rico en la ciencia ficción contemporánea (Zack Snyder, pon atención por favor).
En Dune: Part One presenciamos la trágica caída de la Casa Atreides a manos de sus rivales, la Casa Harkonnen, con un poco de ayuda del Emperador (Christopher Walken, tal como predijo el profeta Fatboy Slim). Y ahora Paul Atreides (Timothée Chalamet) y su madre Jessica (Rebecca Ferguson) se refugian en la tribu fremen de Stilgar (Javier Bardem), donde aprenderán a usar el "poder del desierto" que podría liberar al planeta de sus opresores.
El libreto de Villeneuve y Jon Spaihts conserva los múltiples temas de la novela original, pero dedica más tiempo al aspecto religioso que nos muestra el ascenso de un "mesías" anunciado por la profecía, aunque no necesariamente benéfico para sus seguidores. Indudablemente es uno de los aspectos más importantes del libro, y quizás el principal mensaje que expresó el novelista Frank Herbert allá por 1965; pero siento que Villeneuve lo extendió más de la cuenta, repitiendo una y otra vez el mismo debate ideológico sin llegar a una respuesta concreta. Claro, los distintos puntos de vista ilustran las partes buenas y malas de un movimiento espiritual; pero siento que le robó tiempo a los demás temas que añadían dimensión cósmica a la historia (como la "terraformación" de Arrakis), trascendiendo el simple conflicto humano y la intriga política.
De cualquier modo el final de Duna: Parte Dos implica la intención de continuar la historia, donde seguramente Villeneuve rescatará los elementos que dejó pendientes en esta fenomenal introducción. Entonces, baste decir que Duna: Parte Dos me pareció mejor que la primera película en todos los niveles posibles, desde su abrumador despliegue artístico hasta el trabajo de los actores que toman contundente posesión de sus personajes, lo cual fue una de las principales fallas de la cinta anterior. Finalmente, creo que los siguientes libros (Dune Messiah y Children of Dune) no son tan buenos como el original (en mi humilde opinión); pero tengo confianza en que Denis Villeneuve encontrará la manera de resolver sus problemas y conformar una saga que podría convertirse en el Star Wars de las próximas generaciones. Y si por alguna razón no le interesa hacer eso (no lo culparía si no quiere ver arena por el resto de su vida), al menos tenemos la mejor adaptación de Dune que se ha realizado jamás. Ah, y aunque no se cumplió mi deseo de ver a Thanos cantando, al menos tocó algunas notas de su baliset.
Calificación: 9.5

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Monolith

Síntomas: Después de un error profesional que casi arruinó su carrera, una reportera (Lily Sullivan) inicia un podcast sobre temas extraños, y descubre el caso del "ladrillo negro".

Diagnóstico: Tal vez no ubicaría Monolith al mismo nivel de Primer o The Man from Earth, pero me pareció una recomendable muestra de "ciencia ficción minimalista" que eleva los valores del género sin necesidad de espectáculo visual, examinando un enigmático misterio que cambia de forma conforme nos sumergimos en la investigación de la protagonista.
Al principio de Monolith nos enteramos de la mala decisión que arruinó la carrera de una reportera (Lily Sullivan). Entonces recibe la oportunidad de participar en un podcast sobre temas extraños, empezando por el caso de un objeto que provoca perturbadores síntomas en sus dueños. Y así, con el paso de los días, el escepticismo de la reportera se transforma en curiosidad, luego en duda... y eventualmente en horror cuando descubre más de lo que esperaba.
El director Matt Vesely desarrolla la historia con admirable eficiencia, aprovechando cada encuadre, diálogo y detalle visual para expresar mucho con el menor esfuerzo. Monolith es una obra realmente minimalista, confinada a una locación y con una sola actriz en pantalla, lo cual siempre corre el riesgo de caer en la monotonía o el aburrimiento. Afortunadamente el talento de Lily Sullivan (Evil Dead Rise), la fantástica cinematografía de Michael Tessari, y los sorprendentes giros de la trama nos mantienen en suspenso, contagiándonos la paranoia de la anónima protagonista, e invitándonos a sacar nuestras propias conclusiones sobre el "ladrillo negro" que algunos individuos reciben en momentos críticos de sus vidas. ¿Será un mensaje de otro lugar, una manifestación física de traumas reprimidos, o un engaño de incierto propósito? El libreto de Lucy Campbell abre la puerta a todas las posibilidades... incluyendo algunas que nunca hubiéramos imaginado.
Irónicamente, mi única queja sobre Monolith sería que las "respuestas" del tercer acto no fueron tan satisfactorias como la evolución del misterio mismo. Su propuesta es indudablemente fascinante... pero al mismo tiempo me dejó una leve sensación de "meh" por evadir las grandes preguntas que la cinta planteó a lo largo del camino. Por otro lado, esa ambigüedad nos obliga a buscar respuestas en nuestra ideología personal... lo cual siempre ha sido una característica del arte mismo. Pero, bueno... de vez en cuando no me molestaría un poco más de certeza como aderezo de la especulación.
De cualquier modo Monolith me pareció una cinta creativa e impecablemente realizada a pesar de su austeridad técnica, a la par de otras excelente muestras de ciencia ficción independiente orientadas al público más interesado en ideas que en efectos especiales (algunas de mis favoritas: Cosmos, The Artifice Girl y UFO). Las distracciones digitales divierten por un momento, pero los cuestionamientos de la realidad pueden cambiarnos para siempre.
Calificación: 8

IMDb

Madame Web

Síntomas: Después de un accidente, la paramédica Cassie Webb (Dakota Johnson) tiene visiones proféticas que la conectan con el asesino de su madre... y con tres mujeres que podrían ser sus próximas víctimas.

Diagnóstico: Creo que Madame Web no es tan mala como todos afirman, pero tampoco puedo defenderla como una buena película. Cuando mucho diría que fue un mediano experimento en el "universo extendido" creado por Sony Pictures para explotar las licencias de personajes asociados con Spider-Man, pero sin incluir directamente a Spider-Man. Bajo ese criterio, Madame Web me pareció una "historia de origen" ridícula en muchos aspectos, pero ocasionalmente redimida por personajes que merecían un mejor libreto para realizar su potencial. En resumen: no tan mala como Morbius, pero sin llegar a la aceptable mediocridad de Venom.
Por cierto, es buen momento para advertir que la versión cinematográfica de Cassandra Webb difiere notablemente de los comics de Marvel, lo cual no debería sorprendernos a estas alturas. La directora S.J. Clarkson y su comité de guionistas tomaron los rasgos básicos del personaje para crear su propia historia con obvia intención de convertirla en franquicia... aunque dudo mucho que se vuelva realidad, en vista del fracaso económico de la cinta.
Madame Web comienza en el año 1973, cuando la investigadora Constance Webb (Kerry Bishé) busca una araña muy especial en la jungla del Amazonas, supuestamente capaz de curar enfermedades con su exótico veneno. Las cosas salen mal, naturalmente, y Constance fallece... pero la mordida de la araña salva al bebé que lleva en su vientre.
Treinta años después (sí, Madame Web se ubica en el año 2003 para encajar cronológicamente en el "universo extendido", como si a Sony le preocupara mucho la continuidad) aquel bebé se convirtió en la paramédica Cassandra Webb (Dakota Johnson), una solitaria mujer que aún resiente las extrañas circunstancias de su nacimiento. Entonces Cassie sufre un trauma que despierta sus poderes proféticos, y empieza a tener visiones de tres estudiantes que morirán a manos de un hombre disfrazado de araña. ¿Podrá Cassie salvarlas? ¿Y qué conexión tendrá el asesino con su propio pasado?
El argumento de Madame Web es un desastre sin pies ni cabeza, repleto de situaciones ilógicas, conductas irracionales, y una mitología no solo confusa, sino innecesaria para sustentar los "poderes" de la protagonista. La excusa de la araña mutante (o lo que sea) es indudablemente absurda, pero consistente con el espíritu de los comics, de modo que no requería explicaciones místicas sobre tribus perdidas y dimensiones alternas. Y, bueno, entre menos se diga sobre el billonario Ezekiel Sims (Tahar Rahim), mejor. Supongo que sus razones para asesinar a tres mujeres son "válidas" desde el punto de vista de un psicópata... ¿pero no podría haber encontrado un método más discreto, considerando su riqueza y recursos tecnológicos?
Por el lado positivo, lo que más me gustó de Madame Web fue el desarrollo de los personajes femeninos, con suficiente carácter y diversidad para crear un rico balance dramático. Además, la dirección de S.J. Clarkson me pareció ágil y vistosa, con un interesante estilo que complementa la "hiper-realidad" de un comic viviente. Los efectos especiales no son perfectos, pero funcionan en beneficio de la historia; y las actuaciones de Dakota Johnson, Sydney Sweeney, Isabel Merced y Celeste O'Connor exudan suficiente energía para distraernos de las tonterías que el libreto les endilga para acelerar la trama.
Creo que Madame Web tiene sólidos ingredientes humanos desperdiciados en una mala receta creativa. Sin embargo, como dije al principio, tampoco es tan terrible como todos la acusan; y hasta me gustaría ver una continuación directa a video, donde las expectativas económicas serían menores, y los errores más tolerables en el contexto de una B-Movie. Tal vez ese fue el nicho que debió ocupar desde el principio el "universo extendido" de Sony, en vez de imitar los blockbusters de Marvel, pero sin el talento necesario para duplicar su éxito. Valiosa lección para los ejecutivos... que probablemente olvidarán de inmediato.
Calificación: 7

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Secretos de un Escándalo (May December)

Síntomas: Como preparación para su nueva película, la actriz Elizabeth Berry (Natalie Portman) pasa unos días con Gracie Atherton (Julianne Moore) y Joe Yoo (Charles Melton), una pareja de diferentes edades cuyo "romance prohibido" fue un escándalo nacional en los noventas; pero la presencia de la actriz empieza a afectar la estabilidad de la familia.

Diagnóstico: Tan solo por la dirección de Todd Haynes (Carol) y las actuaciones de Natalie Portman, Julianne Moore y Charles Melton podría recomendar Secretos de un Escándalo como un drama "de prestigio" que explora los complejos niveles psicológicos de un sórdido escándalo mediático. Sin embargo, al final de la película quedé frustrado por su incierto propósito y difuso mensaje, como si Haynes mismo no supiera qué opinar sobre los eventos de la cinta: ¿será una lección de empatía para enseñarnos la realidad humana detrás de los encabezados amarillistas? ¿O tal vez una apología de las relaciones románticas que contradicen la tradición? ¿O una crítica contra la manipulación de Hollywood al transformar "historias reales" en entretenimiento popular? No estoy seguro. Podría ser todo lo anterior, o cualquier otra "explicación" que el espectador quiera encontrar en este enigmático e insatisfactorio relato.
Los personajes de Gracie Atherthon (Julianne Moore) y Joe Yoo (Charles Melton) están basados en Mary Kay Letourneau y Vili Fualaau. Mary era maestra de secundaria cuando tuvo un romance con Vili, su estudiante de doce años; la pareja tuvo dos hijos durante la condena penitenciaria de Mary, y cuando fue liberada en el año 2004 se casaron y vivieron felices para siempre. O al menos durante algunos años.
El libreto de Secretos de un Escándalo cambia los nombres y los detalles, pero utiliza los mismos ingredientes para examinar las consecuencias del escándalo, junto con ciertos secretos que nunca se revelaron, pero que aún persiguen a la familia Yoo. Y la excusa para escarbar en el pasado es la actriz Elizabeth Berry (Natalie Portman), quien interpretará a Gracie en una película, y por eso quiere pasar tiempo con ella para entenderla mejor y representarla de manera realista. Lo que Elizabeth encuentra al principio es una familia normal y aparentemente estable, a pesar de su controversial origen; pero cuando gana la confianza de Gracie y plantea preguntas incómodas, empezamos a dudar de la honestidad de todos... incluyendo de Elizabeth.
Desafortunadamente Haynes fragmenta la trama en escenas que, por un lado, ayudan a armar el rompecabezas de una extraña situación; pero por otro lado empañan la narrativa y nos obligan a saltar de un personaje a otro sin entender cómo encaja en el mensaje global. Hay muchas metáforas interesantes y ostensiblemente profundas (las mariposas monarca, la cacería del zorro) (no vemos lo que le pasa al zorro), pero hasta cierto punto huecas por su ambiguo significado. Y todo eso conduce a un final que intencionalmente nos niega las respuestas que estuvimos esperando a lo largo de dos horas.
No sé... Secretos de un Escándalo podría ser un drama intelectual demasiado sofisticado para mi primitivo cerebro cinéfilo; o podría ser otro ejemplo del embrujo hollywoodense que nos captura con su atractiva apariencia sin ofrecer algo sustancial bajo la superficie. Sin duda hay aspectos recomendables en Secretos de un Escándalo; pero no explica mucho sobre el escándalo. Tal vez ese fue exactamente el punto de Haynes.
Calificación: 7

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Vidas Pasadas (Past Lives)

Síntomas: Nora Young (Greta Lee) y Hae Sung (Teo Yoo) tuvieron una entrañable amistad durante su infancia en Corea del Sur, pero se separaron cuando la familia de Nora emigró a Canadá. Veinticuatro años después se encuentran en la ciudad de Nueva York, y reflexionan sobre lo que pudo haber sido...

Diagnóstico: Vidas Pasadas no es una película romántica, sino una reflexión del "espacio negativo" producido por la ausencia del romance; dos personas conectadas por las posibilidades de una relación que nunca se concretó, aunque definitivamente afectó sus vidas. En resumen: un fascinante experimento rebosante de carácter y emoción... aunque, francamente, demasiado pasivo para hacer justicia a la intensidad del concepto.
Afortunadamente las actuaciones de Greta Lee y Teo Yoo compensan la difusa narrativa, y nos atrapan en los detalles de sus expresiones y lenguaje corporal, más elocuentes que cualquier monólogo sentimental.
Greta Lee captura la incertidumbre de una complicada situación que no puede tener final feliz. Cualquiera que sea su decisión, alguien terminará sufriendo; y, aunque hay un poco de suspenso a lo largo del camino, la directora Celine Song deja perfectamente claro que el punto de la película no es la catarsis emocional, sino el conflicto entre nostalgia y razón. O cualquier otro valor que el espectador quiera adjudicar a los vectores del triángulo romántico. Excepto que, como dije, "romántico" no es el adjetivo correcto.
La dirección de Song me recordó la mezcla de distanciamiento e intimidad de Sofia Coppola. Utilizando astutos encuadres y edición, Song enriquece cada escena más allá de su contenido textual, a veces confundiendo nuestras expectativas, y a veces tomando el camino más obvio porque, bueno, así sucede en la vida real.
Habiendo dicho eso, la sensación de "vida real" puede ser contraproducente en ausencia de una estructura más convencional. Sin duda admiro la convicción de la directora para contar la historia en sus propios términos (aparentemente inspirada en eventos auto-biográficos)... pero tampoco puedo negar el cansancio de los largos silencios y momentos de contemplación que repiten ideas previamente establecidas. Incluso podría imaginar Vidas Pasadas como un brillante cortometraje destilado hasta obtener la máxima concentración de sus ingredientes dramáticos; pero en forma de largometraje se siente largo y redundante, sobre todo para cínicos (como yo) que no siempre encuentran interesantes los vaivenes del corazón. Me gustan las películas que me obligan a pensar; pero no siento igual tolerancia por las que me hacen bostezar.
Como sea, Vidas Pasadas ofrece una innovadora perspectiva de un tema popular en el cine comercial, aunque rara vez examinado desde un punto de vista tan profundo y racional. Solo faltó un ritmo más ágil para evitar que la historia se diluya por su excesiva indulgencia. Una cosa es dejar que las escenas "respiren"... y otra es permitir que se duerman.
Calificación: 7.5

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Argylle: Agente Secreto (Argylle)

Síntomas: La escritora Elly Conway (Bryce Dallas Howard) se mete en problemas cuando su más reciente novela de espías se acerca demasiado a la realidad.

Diagnóstico: El director Matthew Vaughn se especializa en películas que podríamos describir como "comics vivientes", donde la violencia hiper-estilizada y los exuberantes personajes se conjugan en relatos ostensiblemente absurdos, pero con firmes bases dramáticas y emociones sinceras para balancear su fantasía. Y aunque los resultados de esta fórmula pueden variar en calidad, podemos confiar en que Vaughn siempre ofrecerá experiencias únicas en el cine de acción.
Desafortunadamente Argylle: Agente Secreto podría ser su primer gran fracaso por culpa de un libreto torpemente construido, donde el misterio se complica hasta el punto de la incoherencia. Como fan de Matthew Vaughn, admiré su irrefrenable visión artística; pero como devoto del cine de espías, Argylle: Agente Secreto me pareció un desastre sin pies ni cabeza.
La premisa tiene potencial, al menos al principio: Elly Conway (Bryce Dallas Howard) es la exitosa escritora de las novelas del Agente Argylle, un invencible espía capaz de realizar extraordinarias proezas, evadir cualquier amenaza, y seducir a todas las mujeres que encuentra. Sin embargo, el más reciente libro de la serie menciona una organización criminal que resulta ser real, lo cual pone a Elly en peligro porque todos creen que sabe más de lo que aparenta. Y así, con ayuda del agente Aidan Wilde (Sam Rockwell), Elly trata de sobrevivir mientras descubre que el espionaje real es muy distinto del que imaginó en sus libros.
Hasta ahí todo va razonablemente bien. El "gimmick" de la película es que Elly imagina al ficticio Agente Argylle (interpretado por Henry Cavill) en las mismas situaciones de peligro que comparte con el Agente Wilde, un patán arrogante y desaliñado que es totalmente lo opuesto de Argylle. La yuxtaposición de realidad y fantasía nunca es tan graciosa como el director supone, pero genera ocasionales momentos satíricos que aluden las exageraciones del cine de espías moderno, al estilo de Mission: Impossible o The Bourne Identity.
Y así transcurre la mitad de la película, con Elly y Aidan siguiendo la pista de los villanos en glamorosos escenarios europeos. Entonces llega el obligatorio "twist" donde Nada Es Lo Que Parece®, y la película empieza a desmoronarse bajo el peso de incongruentes conspiraciones, ridículas sorpresas, y una confusa mitología que me desconectó por completo de Elly y su crisis existencial. Lo único que me preocupaba es que el gato Alfie (Chip) saliera vivo de las surrealistas situaciones que son la especialidad de Vaughn.
Lo cual nos lleva a los mejores elementos de la cinta: creo que Argylle: Agente Secreto tiene las secuencias más espectaculares en la filmografía de Matthew Vaughn. Sí, parece difícil superar aquella masacre en la iglesia de Kingsman: The Secret Service; pero Argylle: Agente Secreto ofrece rutinas más ambiciosas, complicadas, y visualmente estimulantes... por no mencionar inverosímiles. Pero, bueno, es obvio que no debemos tomarla en serio.
¿Bastan esas excusas para recomendar Argylle: Agente Secreto? No estoy seguro. Otro obstáculo es la falta de química entre Bryce Dallas Howard y Sam Rockwell, sólidos actores por derecho propio, pero no necesariamente compatibles como extremos opuestos con mutua atracción. Y hasta los fans de Henry Cavill quedarán decepcionados por su breve e intrascendente participación. En resumen: Argylle: Agente Secreto me pareció una mala película de espías, pero un excelente muestrario del talento visual de Matthew Vaughn. Por eso recomiendo esperar unos meses, y disfrutar las mejores escenas en YouTube.
Calificación: 6

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The Moon (Deo Mun)

Síntomas: La primera misión lunar de Corea del Sur terminó en catástrofe; y ahora, cinco años después, tres astronautas hacen un nuevo intento por llegar a la Luna; pero una tormenta solar podría arruinar sus planes.

Diagnóstico: Quería un antídoto para "limpiar el paladar" de la cinta coreana Concrete Utopia (no porque sea mala, sino deprimente), y así encontré The Moon, una entretenida fusión de Apollo 13 y The Martian realizada con los altos valores de producción del cine coreano, pero con un libreto plagado de clichés y barato melodrama. Y aunque nadie calificaría The Moon como "ciencia ficción seria", ciertamente ofrece suficiente suspenso y acción espacial para satisfacer mi apetito de fantasía "pulp" cocinada al estilo de EC Comics. En resumen: pudo ser mejor, pero me conformo con lo que logró.
The Moon emplea una clásica premisa de exploración planetaria para capturar nuestra imaginación: tras el fracaso de la primera misión lunar de Corea del Sur, el gobierno quiere restaurar el orgullo nacional y demostrarle al mundo que poseen la capacidad científica para alcanzar la proeza que muy pocos países han logrado. Desafortunadamente, cuando el módulo Wooh-ri se acerca a su destino, una tormenta solar afecta los sistemas de la nave, y pone en peligro las vidas de los astronautas. Entonces el Director de Vuelo (Kim Jae-guk) de la previa misión debe salir del retiro para salvar la situación... y tal vez restaurar su honor.
Primero lo bueno: la producción de The Moon es absolutamente espectacular, con efectos especiales de primera línea y diseño impecablemente realista... incluso cuando los eventos de la película se vuelven absurdos, lo cual ocurre con creciente frecuencia conforme se acumulan los problemas que el Director de Vuelo deben resolver para completar la misión.
No voy a inventar apologías ni negar las pifias de The Moon: hay muchas escenas que me hicieron reír, no solo porque desafían las leyes físicas, sino porque muestran peligros catastróficos que nadie podría sobrevivir... y sin embargo el frágil módulo lunar se mantiene entero, y el espectáculo continúa.
Una vez que aceptamos eso, podremos reconocer el ingenio del director y guionista Yong-hwa Kim para crear retos imposibles que incrementan el suspenso y abordan temas que le dan profundidad a la película; entre ellos, los impredecibles vaivenes de la diplomacia internacional entre naciones rivales. Baste decir que los villanos de la película son los clásicos burócratas más preocupados por la imagen pública que por las vidas humanas. Desde luego la "acción espacial" es la principal atracción de The Moon, pero también disfruté las discusiones sobre política exterior ubicadas en prosaicas oficinas y salas de control. Casi nunca vimos eso en Weird Science Fantasy.
Entonces, The Moon tiene momentos extremadamente inverosímiles, y pierde demasiado tiempo en tedioso melodrama personal. Sin embargo las fantásticas imágenes, la tensión del rescate, y el inesperado contenido político fue suficiente para mantener mi atención y dejarme satisfecho como fan de la ciencia ficción "pulp". Desde luego prefiero la ciencia ficción "seria", pero no la necesito cuando me estoy divirtiendo tanto.
Calificación: 7.5 (para Neil deGrasse Tyson sería probablemente 5)

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Sobrevivientes Después del Terremoto (Concrete Utopia - Konkeuriteu Yutopia)

Síntomas: Los sobrevivientes de un devastador terremoto tratan de forjar una nueva vida en el único edificio de Seúl que no se derrumbó.

Diagnóstico: Debido a las experiencias telúricas que hemos vivido en mi país, siempre siento un poco de ansiedad cuando veo películas sobre terremotos. Sin embargo, el catastrófico evento que destruye la ciudad de Seúl en la película Sobrevivientes Después del Terremoto trasciende cualquier definición que tenemos del concepto. Y además ocurre en una brevísima escena en los primeros segundos de la cinta, así que no hay tiempo para preocuparse. Esto significa que Sobrevivientes Después del Terremoto no es una típica "película de desastre" enfocada en destrucción y efectos especiales, sino en lo que ocurre después: la lucha por sobrevivir cuando cae la Civilización y despiertan los peores instintos de la Humanidad. Y eso fue más terrorífico que los terremotos digitales de San Andreas o The Quake.
Incluso me atrevería a clasificar Sobrevivientes Después del Terremoto como un drama político, debido a la representación de una micro-sociedad que debe tomar difíciles decisiones (no siempre correctas) para proteger la integridad del enorme edificio Hwang Gung, el único que permanece en pie después del terremoto. Los retos inmediatos son agua, alimento y refugio (el terremoto ocurre en invierno); pero eventualmente surgen los inevitables problemas de la convivencia forzada, incluyendo luchas de poder y la creación de una jerarquía que beneficia a unos y perjudica a otros. En resumen, Sobrevivientes Después del Terremoto es un fascinante experimento sociopolítico en el estilo de la venerable novela Lord of the Flies (1954), virtual fundadora de este sub-género.
Hace un momento mencioné que Sobrevivientes Después del Terremoto no es una película enfocada en efectos especiales, pero eso no significa que no los tenga. Por el contrario, las vistas de la ciudad destruida son espectaculares y sobrecogedoras, sobre todo porque forman parte integral de la narrativa y definen las "misiones" de los sobrevivientes, desde la búsqueda de alimento hasta los conflictos con "invasores" que solo quieren protegerse del frío.
El director Tae-hwa Eom conduce la cinta con mesurado ritmo, complementando la tragedia del presente con "flashbacks" del pasado que nos muestran a los personajes en sus vidas anteriores. En particular destacan Park Seo-joon y Park Bo-young como una joven pareja con una perspectiva más flexible de la situación; y Lee Byung-hun (Ashfall) como el "delegado" elegido por la turba para hacer que se cumplan las reglas. Pero, naturalmente, el poder no siempre es buen consejero.
Por el lado negativo... Sobrevivientes Después del Terremoto fue una experiencia pesada y deprimente, debido a su cruda exploración de una comunidad desesperada por sobrevivir. Yo esperaba una aventura post-apocalíptica emocionante y entretenida, y lo que encontré fue una amarga dosis de realidad sobre la naturaleza humana sin el tenue barniz de civilización que hace tolerable la vida diaria. Es una lección sin duda valiosa... pero no necesariamente agradable en un formato de entretenimiento popular. Y ahora necesito ver un par de episodios de MST3K para recuperar el optimismo.
Calificación: 7.5

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Destroy All Neighbors

Síntomas: El ingeniero de sonido William Brown (Jonah Ray Rodrigues) tiene problemas con su novia, problemas en el trabajo, y además su vecino Vlad (Alex Winter) hace ruido todo el día. Entonces William decide confrontar a Vlad, y las cosas se complican.

Diagnóstico: No me entusiasmaba la premisa de "vecinos en guerra", pero Destroy All Neighbors la utiliza como base de una pesadilla ontológica que combina elementos de David Lynch, George Romero y Groucho Marx... una grotesca fábula con lecciones sobre perseverancia y responsabilidad personal, presentada con sangrientos efectos especiales y un irreverente sentido del humor que subraya las ideas del director Josh Forbes y su equipo de guionistas.
Como siempre, habrá quien prefiera ignorar el mensaje para enfocarse en el horror (o la comedia), pero al final me sorprendió el fino equilibrio entre drama existencial y los aspectos más "psicodélicos" de la película, realizados con perversa creatividad y pericia técnica por el veterano de efectos especiales Gabe Bartalos (From Beyond, Guyver) y su estudio Atlantic West Effects.
Sin embargo, a pesar del "gore" y los excesos, Destroy All Neighbors nunca descuida el subtexto filosófico. Las atrocidades que cometen los personajes podrían existir únicamente en la mente de William Brown (Jonah Ray Rodrigues), un ingeniero de sonido obsesionado con el rock progresivo que quiere grabar su propio álbum a pesar de las burlas de sus compañeros de trabajo y el escepticismo de su novia Emily (Kiran Deol). Incluso podríamos decir que la obsesión musical de William es un mecanismo de defensa para evadir sus problemas en el mundo real y crear excusas para su estancamiento emocional. Entonces, cuando William por fin se atreve a pedirle a su vecino Vlad (Alex Winter) que no haga tanto ruido, se desata una cadena de tragedias que podrían arruinar la vida del joven... o darle la confianza necesaria para seguir sus sueños. Claro, asumiendo que sobreviva las consecuencias de sus actos.
No negaré que Destroy All Neighbors tropieza ocasionalmente con sus abruptos cambios de tono. El desfile de catástrofes que se acumulan sobre la conciencia de William mantienen cierta lógica, pero a veces se nota la manipulación del director para resolver situaciones imposibles. Sin embargo las emociones del libreto, la exuberante dirección de Forbes (mención especial para la cinematografía de Will Stone) y la simpatía de Jonah Ray Rodrigues (Satanic Hispanics, Christmas Bloody Christmas) nos ayudan a navegar los altibajos del libreto, sobre todo cuando la línea entre fantasía y realidad se borra por completo y quedamos atrapados en la pesadilla viviente de William, compartiendo su locura... pero también su entusiasmo por enderezar su vida y superar los obstáculos que frenaron su crecimiento personal. O algo así.
Entonces, Destroy All Neighbors me pareció una recomendable combinación de temas serios y surrealista ejecución. Su caótica presentación podría desorientar al público que esperaba una "comedia de terror" convencional, pero Destroy All Neighbors desafía nuestras expectativas con una historia simultáneamente absurda y reflexiva, donde el horror siempre tiene algo que decir. Depende de nosotros si queremos escuchar, o tan solo reír con las decapitaciones, mutaciones orgánicas, y pretensiones del "prog rock".
Calificación: 8

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One More Shot

Síntomas: El Teniente Jake Harris (Scott Adkins) salvó a Amin Mansur (Waleed Elgadi) de los mercenarios contratados para silenciarlo (como vimos en One Shot); pero aún no aparece la "bomba sucia" que los terroristas quieren detonar en la ciudad de Washington. Entonces Harris comprende que su misión no ha terminado...

Diagnóstico: One Shot fue una de mis películas favoritas del 2021 (categoría: acción directa a video) por la asombrosa ejecución técnica que elevó una típica historia de "estado de sitio". Lo que no sabía en aquel entonces es que el director británico James Nunn estaba planeando una trilogía; y ahora la segunda parte, One More Shot, nos ofrece otra frenética dosis de acción en tiempo real sobre la cacería de un prisionero con información sobre un posible ataque terrorista. Y el único que puede evitarlo es un Marine empeñado en completar su misión por cualquier medio necesario.
Antes que nada, no creo que sea indispensable haber visto One Shot para apreciar las virtudes de One More Shot. La trama no es particularmente complicada (básicamente "Die Hard en un aeropuerto"); y aunque el libreto incluye vagas referencias a una conspiración, creo que serán más relevantes para la conclusión de la trilogía (por cierto, espero sinceramente que el gran Michael Jai White tenga más escenas en la tercera parte). Fuera de eso, One More Shot puede disfrutarse como una sólida B-Movie con virtuosa dirección, ingeniosas rutinas de artes marciales, y el carisma de Scott Adkins, quien ya merece ser "descubierto" por los grandes estudios de Hollywood. Sí, su participación en John Wick: Chapter 4 fue un buen comienzo (ni siquiera voy a contar su cameo en Doctor Strange), pero lo que necesita es un proyecto individual que lo mande a las "grandes ligas".
En fin... regresando al punto, One More Shot se filmó en un aeropuerto real, donde Nunn y su equipo de stunts encontraron nuevas oportunidades para coreografiar acción creativa y visceral. Escaleras, túneles de servicio, y hasta pistas de aterrizaje se convierten en escenario de peleas y balaceras que me dejaron doblemente impresionado... primero por su brutalidad, y después por la coordinación requerida para mantener la ilusión del "plano secuencia". Desde luego One More Shot no se filmó realmente en una toma continua, pero las "costuras" de la edición están bien disimuladas, y las escenas fluyen con mayor naturalidad, favoreciendo actuaciones más creíbles y espontáneas... dentro de los estándares del cine B directo a video.
Habiendo dicho eso, la monotonía del aeropuerto hace la acción un poco confusa, con un laberinto de locaciones tan genéricas que me costó trabajo seguir los movimientos de los personajes, o entender sus estrategias. Bajo cualquier criterio One More Shot es una película más grande y ambiciosa... pero creo que la reducida escala de One Shot la hizo más clara y accesible para el público general.
Afortunadamente es una queja menor que no me impide recomendar One More Shot como competente secuela, y como entretenida experiencia de acción para fanáticos del género que sepan apreciar lo mucho que James Nunn logró con muy poco. Esperaré con impaciencia la tercera parte (¿"Last Shot"?), así como nuevas obras de este cineasta con genuina afinidad por el género. Finalmente, un pequeño detalle "geek": One More Shot se filmó en el aeropuerto Stansted de Londres, el cual tiene su propio misterio ufológico... pero nada tan famoso como el Parque Bentwaters en la película anterior. Ni hablar... tal vez para la próxima.
Calificación: 8

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Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One

Síntomas: Barry Allen (voz de Matt Bomer) salta incontrolablemente entre dimensiones paralelas, donde versiones alternas de la Liga de la Justicia enfrentan una amenaza que podría destruir el Multiverso.

Diagnóstico: Sí, otra historia de superhéroes sobre los problemas del Multiverso. Sin embargo, para ser justos, la mini-serie original Crisis on Infinite Earths se publicó en 1985, convirtiéndola no solo en pionera del género, sino en la guía que han seguido prácticamente todos los relatos sobre dimensiones paralelas.
Y ahora el director James Wamester (Justice League: Warworld, Legion of Super-Heroes) afronta la ingrata labor de adaptar Crisis on Infinite Earths al Universo Animado de DC Comics, tratando de hacer que lo viejo parezca nuevo, y que los mismos clichés de siempre capturen el interés de un público agotado por las repeticiones de la misma premisa.
Y creo que lo logró, al menos para fans de DC Comics suficientemente indulgentes para aceptar los cambios en la trama original, así como algunos ajustes para integrarla a la continuidad actual. ¿Es pedir demasiado? No sé, pero en lo personal me gustó.
La nueva película animada Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One recurre nuevamente al poder de Barry Allen (voz de Matt Bomer) para viajar entre mundos paralelos... aunque alguien más está controlando sus saltos interdimensionales. Entonces Allen encuentra distintas versiones de la Liga de la Justicia enfrentando una catástrofe que podría destruir al Multiverso. Pero... ¿logrará Flash convencerlos para cooperar antes de que sea demasiado tarde?
La respuesta es obvia, pero razonablemente bien desarrollada por Wamester y el guionista James Krieg, quien merece aplauso por resumir la magna obra de Marv Wolfman y George Pérez (a quien está dedicada la película) en noventa densos minutos con buen balance entre drama y acción. Tal vez hay demasiadas escenas dedicadas al romance de Isis West (voz de Ashleigh LaThrop) y Barry Allen, pero en retrospectiva sirven para humanizar la crisis cósmica, y para delinear un marco cronológico que puede volverse confuso.
Por lo demás, Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One ofrece ingredientes rancios pero aún apetecibles, incluyendo versiones alternas de héroes y villanos, batallas entre aliados que se convierten en rivales (y viceversa), y una saludable selección de personajes olvidados para deleitar a los "geeks" (como yo) que crecieron con estos comics. La dirección de Wamester arrastra sus típicos problemas de edición, pero reconozco que ha mejorado bastante desde sus primeros chascos. Y aunque la animación no es tan detallada como en otras recientes cintas del Universo Animado, cumple su misión de reflejar la escala del Multiverso, así como el abrumador concepto de las "Terras Infinitas" aludidas en el título.
Hablando de lo cual, Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One es tan solo la primera parte, lo cual significa que tendremos que esperar varios meses para ver cómo se resuelve el tremendo "cliffhanger" del final; sin embargo la Primera Parte cuenta una historia satisfactoria por sí misma, y ese es el mejor halago que puedo darle.
En resumen: Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One llegó muy tarde a la moda del Multiverso, pero me pareció una sólida adaptación de los comics que sentaron las bases de este popular sub-género. Y aunque está orientada primariamente a los fans que apreciarán los "deep cuts" de la trama, creo que también podría disfrutarla el público con curiosidad sobre este clásico tema. Claro que, en ese caso, también podrían leer la novela gráfica, más filosófica en su fondo y más nostálgica en su forma.
Calificación: 8.5

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Maestro

Síntomas: Biografía del compositor Leonard Bernstein (Bradley Cooper), enfocada en su matrimonio con la actriz chilena Felicia Montealegre (Carey Mulligan).

Diagnóstico: Creo que Maestro es una excelente biografía que captura al hombre detrás de la leyenda, poniendo en segundo plano la carrera musical de Leonard Bernstein (compositor, pianista y conductor de orquesta) para explorar los contrastes de su vida personal, empezando por su notoria bisexualidad, su irrefrenable creatividad, y las consecuencias que ambas tuvieron en su matrimonio.
El desempeño de Bradley Cooper me pareció fantástico enfrente y detrás de la cámara. Como actor desarrolla un personaje profundo y complicado, pero siempre accesible por su pasión en todas las facetas de su vida, ya sea que esté seduciendo colegas deslumbrados por su talento, o discutiendo teoría musical. Su transformación física también es impresionante, apoyada por el maquillaje prostético de Kazu Hiro (discípulo de Rick Baker, nada menos). Y en los breves momentos cuando el látex no es cien por ciento convincente, la actuación de Cooper se encarga de completar la ilusión. Lo mismo podemos decir de Carey Mulligan en el papel de Felicia Montealegre, compañera inseparable que aceptó a Bernstein a pesar de sus deslices, aún sabiendo que conducirían a momentos difíciles.
Como director, Bradley Cooper emplea una narrativa espontánea y natural (mención especial para la extraordinaria cinematografía de Matthew Libatique), sumergiéndonos en complejas discusiones sin explicaciones ni contexto. Tal vez algunas personas entenderán quiénes son "Jerry" (Jerome Robbins) y "Stevie" (Stephen Sondheim), sus colaboradores en la puesta teatral original de West Side Story (Bernstein compuso la música); pero como no es información necesaria para entender las emociones de la escena, Cooper deja los detalles en el aire... porque sabe que podemos leerlos en cualquier enciclopedia.
Lo cual me lleva a la única gran queja que tengo sobre Maestro: en vista del tremendo compromiso que Cooper mostró en A Star is Born (su debut como director), yo tenía la esperanza de que Maestro abordaría el aspecto musical con igual fervor artístico. Maestro (disponible en Netflix) dura más de dos horas, pero solo vemos a Bernstein dirigir una orquesta durante cinco minutos. Creo que Maestro hubiera sido una perfecta oportunidad para introducir la música clásica a una nueva generación, y también para definir el papel del conductor en una interpretación sinfónica. Hay una maravillosa escena casi al final de la película donde Bernstein está dando clase, y sus consejos nos permiten un fugaz atisbo a los misterios de la conducción musical. Con más escenas como esa, y menos discusiones con su esposa, Maestro sería una biografía auténticamente integral, asignando igual importancia al hombre y a su obra. Pero, bueno... Cooper tomó un camino distinto, y aunque realizó una recomendable biografía de un hombre excepcional, siento que pudo llegar más lejos como celebración de la música misma. Incluso nos hubiera ayudado a entender mejor la genialidad de Bernstein.
Calificación: 8.5

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Beekeeper: Sentencia de Muerte (The Beekeper)

Síntomas: El apicultor Adam Clay (Jason Statham) quiere vengar la muerte de una amiga, sin saber que los culpables están conectados con más altos niveles de la burocracia norteamericana. O algo así.

Diagnóstico: Parece otra típica película de venganza con Jason Statham, pero Beekeeper: Sentencia de Muerte tiene el valor agregado del director David Ayer (End of Watch, Fury) y el guionista Kurt Wimmer (Equilibrium, Ultraviolet), asegurando una visión artística más sofisticada de la que generalmente encontramos en el cine B. Entonces... ¿por qué Beekeeper: Sentencia de Muerte no me dejó tan satisfecho como otras cintas menores del género "Jason Statham"?
La respuesta, en mi humilde opinión, es que Beekeeper: Sentencia de Muerte complica la trama con dos elementos que no siempre "conectan" armoniosamente.
El primero es la obtusa mitología de una organización secreta conocida como "Los Apicultores", quienes protegen la "colmena humana" (la sociedad) de los peligros que amenazan su estabilidad... o algo así. Es un poco confuso, pero sirve para justificar la destreza sobre-humana del ex-agente Adam Clay (Jason Statham), "apicultor" retirado que ahora pasa su tiempo atendiendo sus panales de abejas. Sí, el apicultor metafórico es ahora apicultor literal. ¡Qué creativo!
El segundo elemento es la denuncia de los más grandes villanos del siglo veintiuno: los defraudadores por Internet. Claramente David Ayer leyó artículos de Wired y The Verge sobre el riesgo que presentan estos criminales, sobre todo entre individuos de cierta edad que no han escuchado términos como "phishing", "ingeniería social", y "ransomware". Es una denuncia indudablemente merecida, pero torpemente implementada porque el guión intenta conectarla con el gobierno, con los "tech bros" de Silicon Valley y, bueno, con cualquier otro villano de moda en los blogs políticos. David Ayer quiere educar al público y entretenerlo al mismo tiempo, lo cual me parece admirable; pero el resultado fue una revoltura de géneros insuficiente en ambos niveles. Aprecio el mensaje, pero no sé si la mejor manera de expresarlo fue entre peleas de Jason Statham.
Por el lado positivo tenemos esas mismas peleas de Jason Statham, tan brutales y creativas como siempre, con el beneficio adicional de estar dirigidas contra villanos repulsivos que representan los peores aspectos de la codicia corporativa y la impunidad política. Y todo eso con el socarrón humor de Statham que nunca se toma completamente en serio.
Entonces, Beekeeper: Sentencia de Muerte es una película indecisa sobre su intención: podría haber sido un thriller "hi-tech" sobre el peligro de los "scammers" en Internet; o una cinta de venganza orgullosa de sus clichés, sin contaminar el placer visceral de la violencia. La combinación de dos estilos tan distintos no fue mala... pero tampoco particularmente recomendable para invertir nuestro tiempo en el cine. Sería mejor esperar su estreno en Netflix, y mientras tanto divertirnos con Homefront, Wrath of Man, o alguna otra cinta del género "Jason Statham" con menos delirios de grandeza.
Calificación: 7

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