Retornados (The Returned)

Síntomas: En 1981 el mundo sufrió una epidemia zombie global. Pero ahora, treinta años después, las víctimas pueden llevar vidas más o menos normales siempre y cuando se administren regularmente el antivirus que suprime los síntomas de la infección. Desafortunadamente el antivirus se está agotando, y es solo cuestión de tiempo para que la situación se salga de control.

Diagnóstico: Hacia mucho que no veía una película de Filmax, el estudio español especializado en cine de terror eficiente y barato, usualmente filmado en inglés para incrementar sus perspectivas de distribución internacional. No siempre disfruté las obras de Filmax, pero me da gusto que sigan activos, y afortunadamente se ha notado un incremento progresivo de calidad y ambición en sus producciones. Como muestra tenemos Retornados, una competente cinta de zombies que deja a un lado los clichés del sub-género para explorar las consecuencias económicas y culturales de un mundo "post-post-apocalíptico", donde la sociedad se recuperó de la crisis, aunque existe el peligro de que vuelva a suceder. Y, naturalmente, esa amenaza promueve los prejuicios e intolerancia de algunas personas que preferirían aislar a los "retornados" en campos de concentración... o, mejor aún, eliminarlos antes de que contagien a otros.
No es una idea nueva; la película francesa Les Revenants usó una premisa similar, así como la serie de televisión The Returned, y antes que ellos, el excelente pseudo-documental American Zombie. Pero quizás Retornados (la de Filmax) sea la que aborda con mayor vehemencia (para bien o para mal) las metáforas sobre racismo, paranoicas analogías con el SIDA, y las referencias al Holocausto.
Desafortunadamente la segunda mitad de la cinta abandona el enfoque global para centrarse en los problemas de una pareja desesperada por abastecerse del antivirus antes de que la población general se entere de la inminente escasez. El argumento sigue siendo interesante, pero pierde credibilidad por culpa de algunos "twists" muy forzados (uno previsible y el otro absurdo) y por el hueco sentimentalismo del desenlace, que se siente absolutamente artificial y prefabricado para obtener algún tipo de catarsis emocional antes de los créditos finales.
Aún así Retornados merece una cauta recomendación tan solo por su inusual manejo de los zombies, sus adecuadas actuaciones y la sólida dirección de Manuel Carballo. No es la mejor película de Filmax (ese título le correspondería a REC, en mi humilde opinión), pero refleja la nueva madurez de esta productora/distribuidora, y eleva mi expectativa por sus siguientes proyectos (incluyendo la inminente REC 4). Siempre he dicho que el futuro del cine de terror está en manos de los estudios independientes, particularmente los que se atreven a escapar el estereotipo para intentar cosas nuevas. O no tan nuevas, pero al menos no tan descompuestas como los zombies de la década pasada.
Calificación: 7.5

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The Town That Dreaded Sundown

Síntomas: En 1946 el pequeño pueblo sureño de Texarkana (una mitad ubicada en el estado norteamericano de Texas y la otra en Arkansas) sufrió una ola de asesinatos a manos de un misterioso hombre encapuchado, conocido como "El Fantasma". Ahora, casi setenta años después, alguien está matando jóvenes en Texarkana con los mismos métodos del Fantasma, y la joven estudiante Jami Lerner (Addison Timlin) se ve envuelta en la investigación cuando el asesino la deja vivir para que transmita un enigmático mensaje a la policía.

Diagnóstico: Recuerdo vagamente haber visto la original The Town That Dreaded Sundown hace varias décadas (en formato VHS, así que saquen cuentas), pero lo único que recuerdo es el famoso asesinato del trombón, y el absurdo sentido del humor que el director Charles B. Pierce acostumbraba usar en sus películas (mi favorita es Boggy Creek II: And the Legend Continues..., la cual recuerdo con más claridad, pues la he visto como diez veces). Entonces, pude asimilar esta nueva versión de The Town That Dreaded Sundown sin obstrucciones nostálgicas... y me gustó bastante por su sofisticada manufactura e ingenio narrativo. De hecho, no la clasificaría como "re-make", sino como una especie de re-imaginación post-moderna que no solo reconoce la existencia de la película original, sino que emplea su fama y arquetipos para enriquecer la narrativa. En algún lado leí el término "meta-secuela", y me parece una apropiada descripción.
Para explicarlo mejor, reseñaré las primeras escenas: a fines del año 2013, la protagonista Jami Lerner y su novio Corey (Spencer Treat Clark) están en un autocinema de Texarkana viendo la exhibición anual de la película The Town That Dreaded Sundown (1976), en el aniversario de los asesinatos reales cometidos en 1946. Jami se siente incómoda viendo los horrores en la pantalla pues aún sufre las consecuencias psicológicas de haber perdido violentamente a sus padres cuando era niña. Entonces Corey le sugiere ir a otro lado, y ella acepta. Desafortunadamente ese "otro lado" resulta ser un "lovers lane", donde encuentran a una siniestra figura encapuchada, exactamente como la que vieron en la película... y, bueno, las cosas empeoran rápidamente.
Esa astuta combinación de ficción, realidad y meta-ficción caracteriza el creativo libreto de Roberto Aguirre-Sacasa, y se luce aún más gracias a la increíble dirección de Alfonso Gómez-Rejón (me alegra que el productor Ryan Murphy - creador de Glee y American Horror Story - apoye tanto talento latino), quien emplea un fino estilo visual apoyado en fantástica cinematografía, exóticas composiciones visuales e inusuales ángulos de cámara para darnos la cinta slasher más atractiva que he visto hasta el momento. Cierto, en algunas ocasiones el estilo se vuelve empalagoso, y no siempre es compatible con el horror que pretende inspirarnos, pero después de haber visto tantas (¡TANTAS!) cintas de terror que tratan de ser ásperas o "grunge", fue un inesperado placer encontrar una obra tan pulida y bien filmada... y además de todo, del sub-género slasher, que tiende a ser el "patito feo" menospreciado por su falta de ambición.
Por otro lado, es posible que tanto ornamento y perifolio estilístico desagrade a los fans del horror más tradicional, que valoran los vicios y defectos de este género como parte integral de su identidad. Es un punto de vista perfectamente válido... sin embargo, en lo personal, sentí The Town That Dreaded Sundown como una refrescante alternativa que complementa sus imágenes con un inteligente argumento, construido alrededor de un sólido misterio con obligatorios sospechosos, pistas falsas y giros inesperados (no muy originales, pero bien implementados). Y además de todo, con una competente "chica final" (y también "chica inicial", ahora que lo pienso) en la forma de Addison Timlin, respaldada por un notable elenco de veteranos que incluye a Gary Cole, Veronica Cartwright, Edward Hermann y el recientemente fallecido Ed Lauter.
No sé si todos los fans del horror apreciarán esta afectada interpretación del cine slasher, pero me atrevería a recomendar The Town That Dreaded Sundown incluso para quienes no acostumbran visitar este género, pues se siente más como un thriller de alto perfil (digamos, una versión "lite" de Gone Girl o The Girl With the Dragon Tattoo) que ocasionalmente echa mano de las herramientas del horror (asesinatos sangrientos, villano enmascarado) para darle contundencia a la experiencia, sin traicionar el espíritu de ambos géneros. Mi única queja es que me hicieron pensar que veríamos al auténtico Chuck Pierce Jr. (hijo del legendario director de la cinta original), pero fue un actor distinto interpretando ese papel. Mi fanboy interno quedó decepcionado, y solo se recuperará si este mismo equipo realiza una nueva versión de Boggy Creek: And the Legend Continues... Aprovechen ahora que Sasquatch está de moda.
Calificación: 9

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Wrong Turn 6: Last Resort

Síntomas: El joven Danny (Anthony Ilott) hereda un enorme y vetusto hotel en los bosques Apalaches, y decide visitarlo en compañía de su novia Toni (Aqueela Zoll) y varios amigos. Lo que Danny no sabe es que su llegada forma parte de un siniestro plan que involucra a los caníbales endógamos pertenecientes a una distante rama de su familia.

Diagnóstico: Nadie hubiera imaginado que la original Wrong Turn (2003) se convertiría en una prolífica franquicia de terror. Lo que parece más predecible es la irregular calidad de las películas que la integran. Mi favorita (además de la original) fue la segunda parte, Wrong Turn 2: Dead End, la cual añadió cierta innovación narrativa, buenas dosis de humor negro, y un notable incremento en el nivel del gore. Desde entonces hemos tenido algunas cintas tolerables (Wrong Turn 4: Bloody Beginnings), y algunas malas (Wrong Turn 5: Bloodlines), pero ninguna tan decepcionante como Wrong Turn 6: Last Resort.
La trama promete cierta novedad al principio, cuando incursiona en el origen y macabras costumbres de la familia de caníbales rurales que acechan en las montañas Apalaches, así como su relación con un decrépito hotel en mitad del bosque, que podría ser el epicentro de sus rituales. Lamentablemente el libreto se descarrila rápidamente y fragmenta la trama en vertientes aburridas y pobremente conectadas, las cuales se centran en personajes tan huecos y odiosos que no inspiran la menor simpatía o interés. Cuando esto ocurre en una película de terror, significa que el director espera ponernos del lado del villano (o villanos), para aplaudir las grotescas y sangrientas muertes de las víctimas desechables. El problema es que en Wrong Turn 6: Last Resort todos son igualmente insulsos y tediosos, ya sean víctimas o villanos, con el insulto adicional de que el gore es escaso y poco realista. Cierto, hay un par de escenas sangrientas y grotescas, pero no bastan para mantener el estándar de la franquicia... y cuando la historia es tan confusa y perezosa, al menos eso hubiera mantenido la atención del espectador.
Hablando de "atención", el director Valeri Milev compensa la falta de gore con numerosos desnudos y escenas de sexo, casi siempre gratuitas e irrelevantes, aunque algunas se "justifican" por las incestuosas prácticas de los caníbales. Además de eso Milev tiene algunas buenas ideas visuales, y encontró impresionantes locaciones búlgaras (empezando por el hotel) para hacer las veces de las Montañas Apalaches, así que al menos la cinta se ve mejor que su inmediata predecesora; pero nada de eso basta para hacerla recomendable.
Finalmente, mi opinión general de Wrong Turn 6: Last Resort decayó aún más por culpa de una horrible escena con un venado, que me gustaría pensar que fue un efecto especial, aunque lo dudo (como dije antes, filmar en Europa lejos de las leyes norteamericanas fomenta este tipo de abuso). Todo esto conspira para hacer esta sexta parte la peor de la franquicia (en mi humilde opinión), aunque al parecer hay fans de la saga que la consideran aceptable; están en su derecho y respeto su opinión. Pero hay tantas películas de terror más entretenidas y coherentes que no veo razón para gastar noventa minutos en esta cruel y tediosa precuela/secuela/desastre. Si los productores pretenden continuar con la serie (supongo que no habría razón para detenerse a estas alturas), espero que regresen a las raíces de la original, en vez de desviarse cada vez del camino correcto. Con tantas "vueltas equivocada" los cineastas no encontrarán caníbales perversos, sino espectadores apáticos.
Calificación: 5

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Ghost in the Shell: Arise

Síntomas: Cuatro episodios (o "fronteras") relatando las aventuras de Motoko Kusanagi (voz de Maaya Sakamoto) mientras combate el crimen digital en el ultra-conectado Tokio del siglo veintiuno. En el episodio 1 (Ghost Pain) Kusanagi investiga el asesinato de su mentor... aunque ella es la principal sospechosa. En el segundo capítulo (Ghost Whispers), Kusanagi se integra al Sector 9, y su primera misión es capturar a los disidentes que tomaron control del vasto sistema vial en Tokio. El tercero (Ghost Tears) gira en torno al contrabando de explosivos para terroristas en el Medio Oriente, pero el énfasis real está en el romance entre Kusanagi y el técnico que da mantenimiento a su cuerpo cibernético. Finalmente, en el cuarto episodio (Ghost Stands Alone) Kusanagi investiga un masivo "ghost hack" que dejó cientos de personas muertas durante una manifestación política. ¿Logrará Kusanagi y la Sección 9 capturar al peligroso hacker conocido como "Firestarter"?

Diagnóstico: Ghost in the Shell: Arise no es una continuación de la película Ghost in the Shell (1995), ni de su secuela Ghost in the Shell: Innocence (2004), ni de la serie televisiva Ghost in the Shell: Stand Alone Complex (2004-2005). De hecho, Arise ni siquiera es una película en el sentido convencional. Se trata de cuatro "OVAs" (Original Video Animations) estrenadas individualmente a lo largo de dos años como reboot/precuela de las películas. Están inspiradas en el manga original de Masamune Shirow, pero sin la intervención de Mamoru Oshii, el brillante director que condujo la franquicia animada durante las dos décadas pasadas. El resultado de este nuevo enfoque es fantástico... siempre y cuando el espectador mantenga una mente abierta y no haga constantes comparaciones entre el pasado y el presente. Cierto, los elementos filosóficos que impulsaban la obra de Oshii se redujeron considerablemente, y la nueva música nunca alcanza la etérea belleza evocada por Kenji Kawai. Pero el estudio Production I.G. vierte inmensos recursos y cuidado a la animación, los escenarios y los detalles gráficos, logrando una perfecta integración entre los personajes animados a mano y los elementos realizados en animación digital. El diseño de producción es absolutamente espectacular, y las secuencias de acción impresionan por su dinámica coreografía y perfecta ejecución, siempre sujeta a los requerimientos del argumento.
Hablando de lo cual, los libretos de estos episodios funcionan bastante bien por sí mismos, aunque no logran "acoplarse" en un todo global. Los crímenes del hacker Firestarter funcionan como premisa recurrente que conecta vagamente las cuatro "fronteras", pero a fin de cuentas la trama divaga demasiado, y lo que parecía ser un tema central termina como uno de tantos cabos sueltos al final del cuarto capítulo. Esto probablemente significa que se producirán más episodios, lo cual me encanta... pero al mismo tiempo siento que faltó una cierta magia narrativa para incorporar todas las piezas en una experiencia unificada y satisfactoria.
Por otro lado, quizás el punto de estas OVAs no fue la persecución de Firestarter, sino la evolución de la Sección 9, el reclutamiento de sus dispares agentes, y las circunstancias sociales que hicieron (¿harán?) necesaria la existencia de una fuerza policíaca especializada en crímenes de alta tecnología, con libertad de trabajar fuera del marco legal tradicional, que los criminales ya saben manipular para su propio beneficio. Viéndolo así, Ghost in the Shell: Arise es como la contraparte social y pragmática de las películas, cuyo enfoque era más místico y filosófico. Mamoru Oshii nos preguntaba dónde termina la máquina y comienza el humano. Arise no explora esa línea divisoria porque simplemente ya no existe... pero el crimen sigue siendo crimen, sea perpetrado por silicón o carbono.
Resulta entonces que no hace falta hacer muchas comparaciones entre la versión "clásica" y moderna de Ghost in the Shell; cada una tiene su propósito específico, y me gustó mucho el tono, manufactura y estilo de estos nuevos episodios. Pero, sobre todo, quiero seguir acompañando a estos personajes en el lejano/cercano mundo del siglo veintiuno, y sin duda recomiendo la experiencia para fans de la animación, la ciencia ficción, y la tecnología en general. No sé si el futuro llegará a ser como lo pinta el estudio Production I.G., pero prefiero estar preparado. Aunque definitivamente le voy a poner tapitas de hule a las terminales digitales que me implantaré en la nuca.
Calificación: 9.5

Trailers: Ghost Pain - Ghost Whisper - Ghost Tears - Ghost Stands Alone

El Juez (The Judge)

Síntomas: El exitoso abogado Hank Palmer (Robert Downey Jr.) regresa a su pequeño pueblo natal para asistir al funeral de su madre. Sin embargo la reunión familiar no es muy cálida, pues Hank no se lleva bien con su padre Joseph (Robert Duvall), un respetado juez local; y naturalmente el reencuentro despierta antiguos rencores en ambos individuos... lo cual se complica aún más cuando el juez es acusado de un crimen y Hank es el único capacitado para actuar como defensor.

Síntomas: No es un tema excesivamente popular, pero de vez en cuando se estrenan películas sobre el "hijo pródigo" (o hija) que vive en la gran ciudad y regresa a su pueblo, donde enfrenta un choque de ideologías mientras aprende algo de los valores y tradiciones que aún perduran en estas conservadoras comunidades. A veces esta fórmula se presenta como comedia, a veces como drama, y a veces como romance; y a veces todos juntos, como es el caso de El Juez, cuyo bien construido libreto ofrece algunas risas, un poco de romance y, sobre todo, el drama familiar del padre e hijo que nunca se entendieron, hasta que la tragedia los obliga a cooperar... y quizás a descubrir virtudes que no estaban dispuestos a reconocer.
¿Quién mejor que Robert Downey Jr. para mantener ese delicado balance de drama y comedia? Esa es exactamente su especialidad: expresar emociones profundas con una agradable ligereza que no contradice la sinceridad de sus sentimientos. Tan solo por él valdría la pena ver El Juez... pero hay mucho más. En el complicado papel del padre tenemos a Robert Duvall, leyenda viviente que domina sin esfuerzo alguno sus escenas, complementando el trabajo de Downey con su propia mezcla de irascible humor e inflexible dignidad. Vera Farmiga y Leighton Meester forman parte de un inusual (e incómodo) triángulo romántico con Downey; y en los demás roles secundarios tenemos un notable ensamble que incluye a Vincent D'Onofrio, Billy Bob Thornton, Jeremy Strong y Dax Shepard. Ninguno sale de su nicho habitual, lo cual presta mayor credibilidad en sus personajes.
Y creo que eso describe la película entera: cada elemento encaja en su lugar, sin aspirar a llegar más allá del mínimo requerimiento narrativo. El libreto toca las bases obligatorias de los melodramas familiares y los dramas legales; los actores navegan territorio bien conocido y se apoyan en sus mejores rutinas; y el director David Dobkin (más conocido por comedias como Fred Claus y Wedding Crashers) conduce la cinta con austera mesura, sin perder tiempo en excesivo estilo ni floritura visual (aunque podría haber cuidado más la fotografía y algunos malos compuestos digitales). En otras palabras, no hay mucha ambición ni novedad en El Juez, pero no hacen falta cuando las piezas funcionan en perfecta armonía, conjugándose en una experiencia entretenida, satisfactoria y emotiva (algunos dirían "manipuladora" - y quizás más larga de lo necesario). El aspecto legal aporta suspenso y estructura que a veces faltó en cintas similares (como la sobrevalorada August: Osage County), pero el valor real reside en el conflicto familiar y en la interacción de los actores. Por otro lado, no espero recordar El Juez por mucho tiempo; tampoco representa el punto más elevado en la filmografía de sus intérpretes; y dudo mucho que sea un gran éxito crítico o de taquilla (probablemente es demasiado cursi y ligera para los Óscares). Sin embargo puedo recomendarla como sólido melodrama familiar que inspira un poco, entretiene bastante, y nos deja con un agridulce sabor que limpia el paladar de las peripecias heroicas de Robert Downey Jr. en el Universo de Marvel, recordándonos que es un excelente actor en cualquier otro entorno, sin importar que use una camiseta de Metallica en vez de Black Sabbath.
Calificación: 8.5

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Annabelle

Síntomas: Mientras esperan el nacimiento de su primer hijo, los jóvenes esposos John (Ward Horton) y Mia (Annabelle Wallis) sufren una horrible experiencia a manos de un culto satánico. Afortunadamente la pareja sobrevive... pero cierta energía maligna parece haber poseído una muñeca que está ocasionando extraños disturbios en el departamento del matrimonio... y podría estar buscando venganza desde el más allá.

Diagnóstico: La muñeca Annabelle apareció por primera vez en The Conjuring (2013), como parte de un prólogo que no tenía mucho que ver con la película. Sin embargo parece que tuvo suficiente resonancia entre el público para darle su propia película; y ahora, en Annabelle, conocemos el origen de la muñeca y su maldición. El resultado no es malo, pero se nota de inmediato que el libreto se escribió apresuradamente, con la intención de ganar algunos dólares adicionales en lo que llega la secuela oficial de The Conjuring.
Para tal efecto, el director John R. Leonetti y el guionista Gary Dauberman echan mano de todos los clichés disponibles en el moderno cine sobrenatural: música discordante, bebé en peligro, perturbaciones eléctricas, esposo escéptico, sacerdote benevolente que subestima el peligro, experta en ocultismo que casualmente tiene el libro exacto para explicar la situación de Mia... bueno, la lista es interminable (lo único que faltó fueron enjambres de insectos). Incluso en su dirección de estos clichés Leonetti se abstiene de innovar, y prefiere copiar lo que ha visto en obras similares.
Habiendo dicho eso, Annabelle consigue algunos momentos deliciosamente tenebrosos, acentuados por una sobria atmósfera setentera que aporta credibilidad y una ilusión de "hechos reales" (la cinta no presume de ello, pero probablemente esta inspirada en la leyenda de "Robert, el muñeco encantado"). En otras palabras, se nota bastante la influencia temática y estilística de Insidious y la mencionada The Conjuring (no en balde Leonetti fue cinematógrafo en ambas), lo cual ayuda a Annabelle en cierta medida... o la perjudica, según el gusto de cada espectador.
En lo personal no esperaba mucho, y por eso quedé satisfecho con la decente manufactura y competentes (aunque esporádicos) sobresaltos de la cinta. Incluso creo que me gustó un poco más que Insidious: Chapter 2, tan solo por el enfoque y claridad de su argumento, el cual sabe lo que busca y lo obtiene de manera eficaz y libre de artífice innecesario. Sin duda hay mejores películas de terror para ver en casa durante esta temporada de Halloween/Día de Muertos, pero en el cine no hay muchas opciones, de modo que Annabelle se gana una recomendación en parte por virtudes propias y en parte por default. Además, la naturaleza de su narrativa impide la posibilidad de una secuela... a menos que los productores decidan repetir su estrategia y realicen otro "spin-off" sobre el mayor horror de los setentas: las televisiones que no tenían control remoto. ¿Levantarse del sofá para cambiar de canal? Eso es realmente terrorífico.
Calificación: 8

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See No Evil 2

Síntomas: Horas después de la matanza en el hotel Blackwell, los cadáveres del asesino Jacob Goodnight (Glenn "Kane" Jacobs) y sus víctimas son trasladados a la morgue local, donde serán examinados por los jóvenes patólogos Seth (Kaj-Erik Eriksen) y Amy (Danielle Harris)... aunque el examen se retrasará un poco, pues los amigos de Amy planean hacerle una fiesta sorpresa en la misma morgue, con motivo de su cumpleaños. Desafortunadamente, como podemos suponer, Jacob no está tan muerto como parecía, y no perderá tiempo para matar de nuevo.

Diagnóstico: Vaya... una segunda parte ligeramente mejor que la primera. Bueno, a decir verdad no es un logro tan extraordinario cuando recordamos que la original See No Evil fue una tediosa y previsible cinta slasher carente de imaginación, suspenso y emoción (lo cual es decir bastante en este subgénero). Cierto, tenía bastante gore y un estilo visual tan "grunge" que daban ganas de bañarse después de verla; fuera de eso resultó bastante olvidable. Y ahora, siendo honestos, la nueva See No Evil 2 tampoco es una obra maestra... pero bajo la hábil dirección de Jen y Sylvia Soska (cuyo breve cameo es simplemente perfecto), esta innecesaria secuela se transforma en un entretenido experimento de grotesco humor y perversidad, aproximándose al tono a la excelente American Mary (una de mis películas favoritas del año pasado) pero desafortunadamente muy distante en ingenio e integridad narrativa.
Para bien o para mal, See No Evil 2 sigue al pie de la letra la vieja receta del cine slasher ("jóvenes acechados por el asesino en una locación aislada"), y solo se distingue por la dirección de las hermanas Soska, y por el artero casting de tres "scream queens" cuya mera presencia eleva el "coeficiente geek" de la cinta, generando un poco de interés por averiguar quien será la "chica final". ¿Será Chelan Simmons, en el papel de rubia frívola y seductora? ¿O Katharine Isabelle como la mórbida aficionada a los crímenes violentos? ¿O Danielle Harris como la centrada y responsable estudiante de medicina? Mmh... quizás no sea tan difícil adivinar la conclusión. Pero, bueno... dentro de su rancia rutina, See No Evil 2 encuentra varias oportunidades para burlarse de los clichés del cine slasher (al menos creo que fue intencional) mientras derrama un poco de sangre y explota los talentos de sus actrices. Y también del implacable asesino, interpretado nuevamente por el luchador "Kane" Jacobs. No derrocha personalidad, pero consigue expresar suficiente amenaza y perturbación emocional para hacer creíble su "misión divina" (o lo que sea).
A fin de cuentas See No Evil 2 sostuvo mi interés durante su corta duración, me gustó su elenco y aprecié el esfuerzo de las directoras por añadir un poco de inspiración a las convenciones del cine slasher. Por el lado negativo, se siente como un paso atrás para las Soskas, y quiero imaginar que sacrificaron su sofisticado estilo para poder trabajar en franquicia ajena. Tal vez esto les permitirá hacer una película más personal y terrorífica en el futuro, la cual estaré esperando (hipotéticamente) con (hipotético) entusiasmo. Ya las vimos haciendo gore... ¿Que tal un relato sobrenatural para la próxima? Pero con las mismas actrices, por favor. Esa franquicia definitivamente me interesaría.
Calificación: 7

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The Pact II

Síntomas: Tras la muerte del asesino serial conocido como "Judas" empiezan a ocurrir nuevos homicidios con sus mismos métodos, y el Agente Ballard (Patrick Fischler) del FBI piensa que la joven June Abbott (Camilla Luddington) podría ser la próxima víctima. Desde luego June no toma en serio la advertencia, pero cuando empieza a experimentar tenebrosas visiones de otras víctimas, se da cuenta de que el peligro podría ser real.

Diagnóstico: The Pact fue una de mis películas de terror favoritas del año 2012, y me dio gusto enterarme de que se realizaría una secuela... aunque preferí mantener bajas expectativas, pues las secuelas rara vez igualan (ya no digamos "superan") a la original. Desafortunadamente The Pact II no fue la excepción. Su argumento es confuso, las actuaciones no convencen, y aunque los directores Dallas Richard Hallam y Patrick Horvath se esforzaron por copiar el estilo visual y atmósfera de la original, la triste realidad es que carecen del talento necesario para generar el mismo suspenso y terror. La selección de actores fue igualmente desafortunada; Camilla Luddington realiza un trabajo decente como la nueva protagonista, pero su novio (interpretado por Scott Michael Foster) es un cero a la izquierda; y Patrick Fischler, en el papel del "profiler" del FBI, resulta absolutamente inverosímil y hasta risible por su forzada intensidad y "actitud". No es tanto que sea mal actor, sino que no encaja en el personaje; y desde luego esto arruina muchas escenas importantes que pierden convicción y credibilidad por la nula química del reparto. Caity Lotz, la protagonista de la primera película, regresa durante quince o veinte minutos pero no tiene mucho que hacer, excepto recordarnos las virtudes de la original... y enfatizar los problemas de la secuela.
Para no ser totalmente negativo, diré que hay una buena escena de terror al principio de The Pact II; y también me gustó el regreso de otro personaje, aunque su participación fue demasiado breve e irrelevante para justificar su existencia. Sin embargo estas contadas virtudes no ameritan una recomendación para The Pact II, así que solo queda esperar que la "franquicia" termine aquí mismo, y que este tropiezo no aleje al público de la original The Pact (la cual está en Netflix, por si quieren invertir mejor su tiempo en esta apropiada temporada). Claro, al final de The Pact II hay una escena que prepara el terreno para una tercera parte, pero confío en que los productores entrarán en razón y enfocarán sus recursos en alguna otra dirección, tal vez apoyando nuevos cineastas con buenas ideas y genuina visión. Ese sería el único pacto que aceptaría como espectador.
Calificación: 5

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The Signal

Síntomas: Nic (Brenton Thwaites), su novia Haley (Olivia Cooke) y su mejor amigo Jonah (Beau Knapp) viajan en automóvil a California, donde estudiarán durante un año, lo cual esta causando algunas tensiones entre la pareja. Durante el trayecto Nic y Jonah mantienen una intensa rivalidad en línea con un hacker llamado Nomad; y cuando creen haber descubierto su locación, deciden desviarse brevemente para hacerle una visita sorpresa. Pero lo que encuentran es mucho más extraño y peligroso de lo que imaginaban.

Diagnóstico: Las imágenes publicitarias de The Signal me hicieron pensar que sería un relato sobre terror biológico o algo similar, pero en realidad resultó algo mucho más complicado... y confuso. El director William Eubank tiene amplia experiencia como cinematógrafo, lo cual le permite regalarnos extraordinarias imágenes y muy competentes efectos especiales, pero no se confía en ellos para capturar nuestra atención. Por el contrario, el énfasis esta en la enigmática historia donde algunos clásicos elementos de ciencia ficción adquieren nuevas formas y perspectivas para conjugarse en algo único, no perfecto, pero rico en posibilidades y además apoyado en una sensibilidad "indie" que ayuda a mantener un sobrio balance entre acción y melodrama. Para variar, no puedo revelar demasiado sobre la trama, pues su principal virtud es la constante confrontación de inesperadas situaciones que nos mantienen en delicioso suspenso, tratando de adivinar lo que esta pasando pero con la abrumadora sensación de que será más extraño de lo que esperamos. Y en cierto modo así fue; pero cuando llega el sorpresivo final, The Signal ya hizo varias trampas y tomó ciertos atajos dramáticos que demeritan levemente sus admirables logros.
Nada de eso basta para arruinar la película, pero tampoco excusa varias inverosímiles escenas que me "sacaron" de la historia y rompieron el hechizo que tan bien conjura el director (y ni siquiera me refiero a los elementos de ciencia ficción, sino a notorias inconsistencias en el comportamiento de los personajes). Hablando de lo cual, los jóvenes Brenton Thwaites, Olivia Cooke y Beau Knapp nos hacen creer de inmediato la amistad y afines actitudes de los protagonistas, todos ellos "nerds" en mayor o menor medida, pero sin caer en clichés ni estereotipos insultantes. Y el siempre estoico Laurence Fishburne aporta imponente gravedad como el lacónico científico que sabe más de lo que aparenta... aunque se rehúsa a compartir la verdad, porque podría ser devastadora.
Entonces, The Signal me gustó bastante a pesar de ciertos caprichos narrativos, y puedo recomendarla como inteligente ciencia ficción cuyo bajo presupuesto no le impide presentar visuales impactantes por su realismo e imaginación. Quizás el final no me dejó tan satisfecho como hubiera deseado, pero la experiencia general fue tan emocionante y misteriosa que merece la oportunidad de compartir sus considerables atributos, incluso si ocasionalmente nos irrita o nos confunde. Así es a veces la ciencia ficción, pero lo hace para retar nuestras expectativas y desafiar la imaginación. Prefiero eso en vez del aburrimiento de blandas ideas que no dejan huella alguna.
Calificación: 8.5

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Coherence

Síntomas: Durante una amena cena entre amigos empiezan a ocurrir extraños eventos que distorsionan la realidad, y podrían estar relacionados con un cometa que está pasando muy cerca de la Tierra.

Diagnóstico: Este es el tipo de películas de ciencia ficción que me gusta encontrar... libres de excesos visuales, bien producidas y, sobre todo, fundamentadas en la exploración de ideas realmente interesantes, que no traicionan (demasiado) la parte "científica" de la ciencia ficción. Lo cual no significa que Coherence sea perfecta; su desarrollo es generalmente creíble, pero de vez en cuando se esfuerza demasiado por crear conflicto, cuando quizás un enfoque más sutil y racional hubiera explotado mejor su fascinante premisa.
Todo comienza con el paso del Cometa Williams a muy corta distancia de la Tierra... tan corta que su movimiento es claramente perceptible (¿en serio?). Entonces su influencia cósmica (o lo que sea) provoca una serie de fenómenos que afecta a un grupo de amigos reunidos en una plácida celebración. Obviamente durante el curso de la noche la tensión se incrementa y salen a relucir secretos del pasado, lo cual solo complica las bizarras circunstancias que súbitamente enfrentan. Esos secretos y revelaciones fue lo que menos me agradó del libreto... el evento principal es tan interesante que no sentí la necesidad de exagerar el drama con peleas sin sentido y actitudes infantiles de personajes que parecían sensatos unos minutos antes. Claro, podría ser un (flojo) comentario sobre la fragilidad de la sociedad civilizada, siempre lista para desaparecer ante la menor alteración del "status quo", despertando la agresión y bajos instintos de personas que se consideraban por encima de tales reacciones. Pero no lo trago. Las tediosas peleas y discusiones parecen simple relleno que infla la película y obstruye el inteligente análisis de la situación. Afortunadamente el melodrama se reduce durante el último tercio de la cinta, permitiendo que los amigos expongan sus teorías, elaboren posibles planes de acción, y para que presenciemos la gradual disolución de la realidad a su alrededor.
Los actores realizan un sobresaliente trabajo improvisando diálogos simpáticos y fluidos, y creando una dinámica natural (mientras no haya peleas y traicionan sin motivo aparente) que nos convence de su larga amistad y ocasionales diferencias. Casi todos los actores son desconocidos (al menos para mi), con excepción de Nicholas Brendon, quien interpreta a un actor que fue famoso por una popular serie de televisión, aunque ahora se dedica al teatro regional. Su presencia no es solo "stunt casting", sino una valiosa pista sobre las superposiciones cuánticas de la narrativa (?). No diré más.
Mis disculpas si todo esto parece muy vago, pero no quiero revelar más de lo necesario, pues fue un placer descubrir y conectar las pistas del misterio, incluso si debemos tolerar algunos momentos aburridos e irritantes. Esto resta algunos puntos a Coherence, pero sus ideas e impactante conclusión compensan la irregularidad del libreto, y ameritan una recomendación para fans de la ciencia ficción "seria" (aunque no muy precisa) que sepan apreciar un sólido "estudio de carácter" limitado en su ejecución, pero amplio en su profundidad y connotaciones. Y para fans del Gato de Schrodinger, rara vez aludido en contextos tan serios y apocalípticos.
Calificación: 8

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Dead Snow 2: Red Vs. Dead (Død snø 2)

Síntomas: Martin (Vegar Hoel), el único sobreviviente del ataque de zombies nazis, despierta en el hospital... donde es arrestado como sospechoso por la muerte de sus amigos en las montañas de Noruega. Mientras tanto Herzog (Ørjan Gamst), el líder de los zombies, se dedica a reclutar "voluntarios" para formar un ejército y completar la misión que le encomendó el Führer hace sesenta años.

Diagnóstico: Entre la multitud de películas sobre zombies realizadas en años recientes, la original Dead Snow (2009) destacó por su fantástico dinamismo, extremo gore, y travieso sentido del humor. Y ahora la secuela Dead Snow 2 (con el subtítulo "Red Vs. Dead" añadido por el distribuidor norteamericano) enfrenta la difícil tarea de superar a su predecesora en un período aún más saturado de mediocres cintas de zombies. ¿Lo logrará? SPOILER: Definitivamente. FIN DEL SPOILER.
Para empezar, Dead Snow 2 incrementa espectacularmente la escala de la acción. En vez de jugar con seis jóvenes en una remota cabaña, el director Tommy Wirkola despliega sus ejércitos de zombies por todo el norte de Noruega, lo cual permite violentas batallas campales, abundante destrucción de casas y vehículos (¿mencioné que los nazis tienen un tanque?), y un enorme número de muertes, deliciosamente sangrientas y con lujo de "incorrección política" (traducción: Wirkola no teme "matar" hombres, mujeres, ancianos o bebés... un auténtico "gorehound" equitativo).
Los actores se divierten de lo lindo con sus absurdos personajes. Además de Vegar Hoel en el papel de Martin, y Stig Frode Henriksen como un inesperado (y a veces renuente) aliado, me gustó mucho la adición de Martin Starr, Jocelyn DeBoer e Ingrid Haas como el "Zombie Squad", un grupo de nerds norteamericanos que se une a la batalla con inusual entusiasmo. Además de aportar buenas dosis de humor, funcionan como coro griego, señalando los clichés e inconsistencias de las películas de zombies al mismo tiempo que satirizan la arrogancia y violencia de la cultura norteamericana.
Entonces, Dead Snow 2 fue una experiencia enormemente divertida y satisfactoria, digna sucesora de la sobresaliente original, y al mismo tiempo accesible para quienes no hayan tenido oportunidad de verla (aunque los primeros quince minutos podrían confundirlos un poco). Quizás no desbancará a la trilogía de George A. Romero en mi lista de películas favoritas sobre zombies, pero la ubicaría muy cerca de Shaun of the Dead y Dead Alive (en mi humilde opinión). Finalmente, un pequeño detalle: a pesar del título, casi no hay nieve en Dead Snow 2; incluso uno de los personajes dice: "Yo esperaba algo como Hoth, pero es más como Endor" (sí, también los chistes y alusiones a la cultura pop son más numerosos que antes). Fuera de eso, no veo defecto alguno, y recomiendo con entusiasmo Dead Snow 2 para fans del horror, de la comedia... y de Bonnie Tyler.
Calificación: 10

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7500

Síntomas: Durante el viaje nocturno de Los Ángeles a Tokio los pasajeros del vuelo 7500 empiezan a experimentar eventos inexplicables, quizás desencadenados por el inesperado fallecimiento de un hombre en la clase turista.

Diagnóstico: El nombre de Takashi Shimizu no es muy famoso, pero con películas como Ju-On y The Grudge 2 contribuyó a la resurrección del horror sobrenatural (claro, con ayuda de otros colegas como Hideo Nakata y Takashi Miike), por no mencionar que inició la moda de los vengativos fantasmas femeninos de larga cabellera negra, tan populares durante la primera década de este siglo. Ahora, con su segunda película en inglés, Shimizu continua en la línea paranormal, pero introduciendo nuevos elementos (no tan nuevos, en realidad), y apoyándose más en atmósfera que en argumento para provocar escalofríos a bordo de un avión, locación ideal para mantener atrapados a los personajes mientras empiezan a morir en circunstancias misteriosas.
Desafortunadamente la fórmula no funcionó en esta ocasión. En vez de generar terror y suspenso, 7500 solo produce confusión y bostezos. La trama se desarrolla arbitrariamente, con algunos fallidos sobresaltos distribuidos al azar para reducir el aburrimiento provocado por las insulsas discusiones entre pasajeros, el melodrama romántico de las azafatas, y la inepta investigación de los jóvenes Brad (Ryan Kwanten) y Pia (Amy Smart), quienes tratan de descubrir (sin método o lógica alguna) la causa de los extraños fenómenos a bordo del vuelo 7500. Esta tediosa rutina se mantiene durante gran parte de la película, sumándose a sus demás problemas: pobres actuaciones, irritante edición y plana cinematografía.
En resumen, 7500 parece una mediocre producción televisiva, y ni el "sorpresivo" final consigue rescatarla; no necesariamente "sorpresivo" porque sea inesperado, sino porque no tiene nada que ver con el resto de la película, y parece un truco de último minuto para justificar los desvaríos e incongruencias del libreto. Creo que no hay excusas para Takashi Shimizu; su dirección desganada y falta de interés arruinan la película tanto como el pésimo guión de Craig Rosenberg, y ubican a 7500 en la misma categoría de Dario Argento's Dracula: películas inexplicablemente malas de otrora buenos directores que se confiaron demasiado en su fama y arruinaron su reputación. Creo que se reúnen una vez al mes en el "Club George Lucas".
Calificación: 4

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The Scribbler

Síntomas: La psicóloga Jennifer Silk (Eliza Dushku) y el Detective Moss (Michael Imperioli) entrevistan a la desequilibrada joven Suki (Katie Cassidy), sospechosa de las numerosas muertes ocurridas en el edificio Juniper, apodado "Jumper" por la cantidad de personas que se han "suicidado" saltando desde los pisos más altos. Sin embargo Suki sufre de múltiples personalidades y no tiene memoria alguna de los incidentes; aunque sabe que el asesino podría ser una de sus identidades alternas.

Diagnóstico: The Scribbler está basada en un comic creado por Daniel Shaffer, lo cual probablemente explica la estilización visual de la película, sus exageradas actuaciones, y el desorbitado melodrama que nos hace pensar en asimétricos paneles de comic con diálogos escritos en tipografías "grunge" para reflejar la perturbación de los personajes. Esa sensibilidad hiper-gráfica está bastante bien implementada por el director John Suits, pero podría ser difícil de asimilar para espectadores menos habituados a los trucos del arte secuencial, lo cual explicaría la respuesta negativa que ha generado esta película. Sin embargo a mi me gustó por su ingeniosa historia, y por las entusiastas actuaciones de un elenco comprometido con la audaz visión del director. Como he dicho antes, prefiero una película que falla por excesiva ambición, en vez de una que ni siquiera se atreve a intentarlo.
La sinopsis que escribí arriba no hace justicia a las complejidades narrativas de The Scribbler. A riesgo de caer en SPOILERS, mencionaré que Suki está sometiéndose a un bizarro tratamiento electro-químico que elimina una por una sus múltiples personalidades. El problema es que una de esas personalidades podría no ser humana y, peor aún, está modificando secretamente el tratamiento con un propósito desconocido. Me pareció una premisa fascinante por los contradictorios conceptos que maneja y por su creatividad para plasmarlos en la pantalla (gracias a la surrealista cinematografía bañada en inverosímiles colores y texturas), lo cual invita a sumergirnos en la impredecible historia sin prestar demasiada atención a sus ocasionales incongruencias y agujeros lógicos. Desafortunadamente el final tropieza un poco cuando llega el momento de resolver la investigación policíaca y aclarar su conexión con las múltiples personalidades de Suki. La fusión de sub-tramas no resulta muy exitosa, y además culmina con una secuencia de acción forzada y poco convincente (claramente funcionaba mejor en las páginas del comic, donde las hazañas super-heroicas están en su elemento). Aún así admiré la convicción de los actores, todos ellos veteranos de algún culto televisivo (Katie Cassidy: Arrow; Eliza Dushku y Michelle Trachtenberg: Buffy the Vampire Slayer; Michael Imperioli: The Sopranos, etc.), lo cual aporta suficiente credibilidad "geek" para atraer al público objetivo... en otras palabras, fanboys como yo (excusando lo de "boy"... no muy consistente con mi edad).
Podría justificar mi recomendación diciendo que The Scribbler es "tan mala que es buena", pero no sería justo; creo que es una película competente y muy imaginativa, aunque no para todos los gustos; y espero que eventualmente sea apreciada por su diestra combinación de ciencia ficción, psicología y arquetipos de comic. ¿Quién sabe? Hasta podría crear su propio culto, en cuyo caso me apunto como el primer acólito.
Calificación: 8.5

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Empezar Otra Vez (Begin Again)

Síntomas: Dan Mulligan (Mark Ruffalo) es un irresponsable y semi-alcohólico productor musical a quien despidieron de la compañía disquera que él mismo fundó. Gretta James (Keira Knightley) es una compositora con poca experiencia y mucho talento, quizás inspirado por la traición de su ex-novio Dave (Adam Levine), incipiente cantante de rock. Entonces, en su momento de mayor depresión, Dan y Gretta se conocen casualmente en un bar de Nueva York y deciden grabar un disco juntos. Pero lo importante no será el éxito potencial de la música, sino su función terapéutica para sanar las múltiples heridas emocionales de estos melancólicos individuos.

Diagnóstico: El principal riesgo de una película sobre el proceso de creación musical es que la música no sea tan buena como supone el libreto. Lamentablemente ese es el caso de Empezar Otra Vez. Las canciones de Gretta y Dan son agradables y honestas, pero no alcanzan el grado de genialidad necesario para convencernos del talento de la compositora, o de la mágica visión del productor. Pero a fin de cuentas no importa tanto, pues Empezar Otra Vez funciona razonablemente bien por virtud propia de su narrativa; y aún si la música no resulta particularmente memorable, es un atractivo acompañamiento (y a veces catalizador) del melodrama humano. Para eso tenemos un brillante elenco que compensa las limitaciones del argumento, empezando por Keira Knightley y Mark Ruffalo como "almas perdidas" en la gran ciudad en busca de un nuevo sentido para sus vidas, el cual tal vez encuentren compartiendo un proyecto creativo. Su relación se siente natural y balanceada, y me alegra que el director John Carney se haya abstenido de forzar un romance artificial entre ambos. Los papeles secundarios enriquecen la historia con atisbos a las desastrosas vidas personales de los protagonistas: Catherine Keener y Hailee Steinfeld interpretan a la esposa e hija de Dan (respectivamente), y aunque se trata de una familia dividida, apreciamos el afecto que los une en un nivel casi subconsciente. Adam Levine (del grupo Maroon 5) tiene el dudoso papel del novio infiel de Gretta, pero tampoco queda como un monstruo, sino como típica estrella de rock que fue víctima de su éxito. Y, por cierto, no resultó tan malo como otros músicos que prueban suerte frente a las cámaras. No me gusta su grupo musical, pero tiene futuro como actor.
Y desde luego tenemos a la ciudad de Nueva York como vibrante escenario de esta amable fábula musical, entretenida y vagamente inspiradora, pero olvidable y superficial. Podría recomendar Empezar Otra Vez como inocua distracción de fin de semana, entendiendo que jamás estará al mismo nivel de cintas sobre creación musical auténticamente geniales como Once (¡del mismo director!), Phantom of the Paradise o Glitter (recordemos que el gusto musical es altamente subjetivo).
Calificación: 8

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El Aprendiz (The November Man)

Síntomas: El ex-espía Peter Devereaux (Pierce Brosnan) sale del retiro para cumplir una última misión, la cual involucra a una trabajadora social y a un peligroso político ruso empeñado en borrar las huellas de sus crímenes pasados. Pero desde luego las cosas no son lo que parecen, y casi de inmediato Devereaux se encuentra en la mira de sus antiguos jefes y del político ruso. ¿Logrará sobrevivir? ¿O será simplemente cuestión de quién lo matará primero?

Diagnóstico: Me pareció una lástima el desperdicio de un sólido actor como Pierce Brosnan durante su periodo como James Bond. Las películas en las que participó (GoldenEye, The World is Not Enough, Die Another Day) estuvieron entre las peores de la franquicia (en mi humilde opinión), no por culpa del actor, sino por la rutinaria dirección y pobres libretos que no mostraban esfuerzo alguno por rescatar al personaje de la auto-parodia en la que había caído (eso le tocó a Daniel Craig, y solo después de varios intentos). Afortunadamente desde entonces Brosnan se redimió en varias notables cintas de espías (como The Tailor of Panama y The Ghost Writer) donde por fin lo vimos tomando en serio el oficio que Bond tradicionalmente trivializa. Y ahora la nueva cinta El Aprendiz se incorpora a esa filmografía y aprovecha perfectamente a Brosnan en su modalidad de rudo anti-héroe... aunque el libreto tiende a decaer conforme avanza la película, demeritando el esfuerzo del elenco, pero sin arruinar por completo la experiencia.
El Aprendiz empieza muy bien, con una enigmática mujer que sabe demasiado, un poco de intriga internacional y un taimado villano ruso con amplia motivación para borrar su turbio pasado. La premisa, basada en la novela "There Are No Spies" de Bill Granger, parece creíble y realista (por no mencionar bastante tópica, tomando en cuenta los rumores sobre Vladimir Putin). Sin embargo después de la primera media hora las cosas se tornan inverosímiles con cada nueva escena, y eventualmente degeneran en un desfile de clichés que se alejan del interesante mundo del espionaje para recetarnos trilladas secuencias de acción y giros absurdos que no estarían fuera de lugar en alguna de aquellas malas cintas de James Bond que mencioné al principio. Aunque al menos aquí no hay automóviles invisibles.
Lo que mantiene a flote la película es el desempeño de Pierce Brosnan y el diligente elenco secundario que toma en serio sus papeles a pesar de las progresivamente ridículas decisiones del libreto. En particular me gustó la participación del veterano Bill Smitrovich como antiguo colega de Devereaux, cuyo análisis del espionaje moderno es al mismo tiempo trágico y gracioso. Amila Terzimehic tiene un breve pero lucidor papel como implacable asesina rusa sin el menor atisbo de remordimiento; me hubiera gustado que ella fuera la oponente principal de Devereaux, en vez del blando Luke Bracey, cuya interpretación del joven agente Mason (el "aprendiz" del título) no logra generar la intensidad y amenaza que el director esperaba. Su relación con el protagonista ofrece cierto interés como mentor y estudiante en lados opuestos de la ley, pero en todos sus intercambios es Brosnan quien resalta... lo cual desinfla un poco la supuesta rivalidad y mutuo respeto que existe entre ambos.
Pero, bueno, tan solo el hecho de introducir tantas variables y ambigua moralidad basta para hacer El Aprendiz marginalmente entretenida, con la profundidad suficiente para distinguirse de cintas menos ambiciosas (aunque será mejor no compararla con relatos más realistas sobre espionaje, como Tinker, Tailor, Soldier Spy o la serie televisiva Homeland). James Bond traicionó a Pierce Brosnan, pero eso hace la venganza más dulce, aunque no del todo satisfactoria. Supongo que la supervivencia es victoria suficiente para cualquier espía.
Calificación: 7

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Space Station 76

Síntomas: En el lejano futuro, la Teniente Comandante Jessica Marlowe (Liv Tyler) llega a la Estación Espacial 76 para reemplazar al Segundo Oficial que abandonó su puesto en circunstancias misteriosas. Jessica se empeña en realizar un buen trabajo, pero solo encuentra desdén y rechazo pasivo-agresivo por parte de los disfuncionales habitantes de la base, desde el machista Capitán Glenn (Patrick Wilson), hasta la astuta Misty (Marisa Coughlan), quien ve a la recién llegada como rival que podría arruinar sus intrigas románticas. Solo la sufrida niña Sunshine (Kylie Rogers) parece apreciar la inteligencia y sensibilidad de Jessica, lo cual solo enfurece más a Misty.

Diagnóstico: En el lejano futuro... la vida es exactamente como en los años setentas, no solo en lo que respecta al diseño de interiores y vestuario, sino a la ideología de la tripulación de la Estación Espacial 76. El director Jack Plotnick (más conocido como actor y comediante) construye una aguda y agridulce sátira donde los elementos "futuristas" contrastan con las arcaicas actitudes de los personajes: uso excesivo de tabaco, incorrección política, y la casual discriminación contra el sexo femenino, que desde luego se considera inferior al masculino (¿una mujer capitán? ¡Ja, ja, ja! ¿Quien pensaría tal cosa?)
Este incómodo y bizarro sentido del humor se extiende a la interacción de los tripulantes, dando como resultado una especie de Desperate Housewives en el espacio con sabor setentero (quizás debería decir "Knots Landing en el espacio", pero poca gente entendería la referencia... por no mencionar que revela demasiado sobre mi edad).
La primera mitad de Space Station 76 se divierte con esta incongruente yuxtaposición de elementos, pero por debajo del humor va sembrando semillas de drama que eventualmente desarrollan genuina tensión emocional, dándole inesperada fuerza al desenlace que hace a un lado el travieso humor para expresar algunas duras verdades sobre los vicios y vulnerabilidades de las relaciones humanas (en otras palabras, pasa de Knots Landing a thirtysomething). Este gradual cambio de tono podría contrariar a quienes prefieren la simple comedia "retro", repleta de guiños y detalles ideales para los fans de la ciencia ficción; pero al mismo tiempo el aspecto dramático aprovecha mejor el talento de los hábiles actores, empezando por Liv Tyler como la oficial recién llegada, cuya eficiencia y disciplina ocultan la conmovedora melancolía de un oscuro secreto. Patrick Wilson interpreta al Capitán Glenn como un alcohólico al borde del colapso nervioso por el peso de sus propios problemas; pero el mejor papel es el de Marisa Coughlan como la manipuladora Misty, al mismo tiempo graciosa por su atolondrada frivolidad, y trágica por su negligencia como madre y esposa.
Entonces, Space Station 76 no es perfecta como comedia ni como drama, y tengo algunas reservas sobre su inestable combinación de ingredientes, pero a pesar de todo me gustó bastante y amerita una entusiasta recomendación tan solo por su ambición y espíritu experimental. Me da mucho gusto que haya lugar para obras como ésta, cuya única sensibilidad refleja la intención de llegar más allá del chiste superficial, la risa fácil o la referencia "cool". No siempre serán exitosas, pero merecen el apoyo del público para liberar a la ciencia ficción de los mismos clichés y rutinas. Además, ¿mencioné las minifaldas de rayón? Típicas mujeres en el espacio...
Calificación: 8.5

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Gut

Síntomas: Tom (Jason Vail) y Dan (Nicholas Wilder) son amigos desde niños, pero los años y las presiones familiares los están distanciando. Entonces, en un intento por revivir su amistad, Dan compra una nueva película de terror e invita a Tom para verla juntos y pasar una sana velada "geek", como cuando eran adolescentes. Sin embargo la película resulta ser tan perturbadora que Tom no puede sacarla de su cabeza, y empieza a afectar la amistad entre ambos... lo cual se extenderá a otros aspectos de sus vidas.

Diagnóstico: Sobra decir que me sentí altamente identificado con los personajes de Gut, al menos en lo que respecta al distanciamiento con amigos que compartían mi obsesión por el cine de terror. Afortunadamente esa identificación terminó en los primeros quince minutos de la película, pues cuando se revelan los auténticos horrores de Gut, entramos a temas turbios e inquietantes no solo por la crueldad que implican, sino por la enfermiza fascinación que ejercen sobre sus víctimas.
El pausado ritmo de Gut hace que se sienta un poco cansada y repetitiva, pero creo que fue una estrategia necesaria para introducirnos orgánicamente a las complejas dinámicas de los protagonistas. En ese aspecto el director "Elias" (?) realiza un excelente trabajo dejando que la personalidad y pasado de Dan y Tom afloren en su diaria interacción, a veces amistosa y a veces un poco tensa, sobre todo cuando el choque de ideologías revela las diferencias que el tiempo forjó entre ellos (uno logró adaptarse a las responsabilidades de la vida familiar, mientras el otro cultivó una perenne adolescencia que irremediablemente frenó su madurez emocional). Ese trasfondo dramático hace más impactantes los eventos desatados por el fatídico DVD "indie" que Dan compra para congraciarse con su amigo, con resultados totalmente opuestos a lo que imaginaba. No me atrevo a decir más, pues resulta fascinante (y al mismo tiempo repulsivo) seguir el desarrollo del misterio hasta su ambigua resolución, que no ofrece respuestas concretas sino posibles alternativas, cada una más inquietante que la anterior.
Por el lado negativo, Elias y su director de cinematografía no logran ocultar el bajo presupuesto de la cinta. Las imágenes son bastante profesionales y la dirección mantiene una clínica frialdad que complementa perfectamente el argumento, pero nada de eso disimula los escenarios prácticamente caseros y el inexistente diseño de producción que demerita un poco las virtudes narrativas de la cinta (mientras veía Gut estuve imaginando qué tan impactante hubiera sido con el refinado estilo visual de una obra como Excision).
De cualquier manera Gut me pareció un interesante experimento de "horror a fuego lento", respaldado por un concepto escalofriante, buenas actuaciones y sólida dirección. Hay algunas intensas escenas sangrientas, pero están perfectamente integradas a la trama; rara vez había encontrado gore tan bien justificado por el libreto, en vez de ser un mero adorno estilístico. Entonces, podrá carecer de apellido, pero Elias tiene obvio talento y sensibilidad para el género de terror, y será interesante ver el rumbo futuro de su carrera. Ojalá tenga más dinero para trabajar, pero ya demostró que no es indispensable para ofrecer una buena experiencia cinematográfica. Lo que no haré es compartir sus películas con mis viejos amigos; no me voy a arriesgar a que la fantasía invada mi realidad.
Calificación: 8

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Cockneys Vs. Zombies

Síntomas: Durante la construcción de un complejo habitacional en el East End de Londres, los trabajadores descubren una bóveda sellada desde el siglo diecisiete, y la abren esperando encontrar algún tesoro. Pero lo que descubren es un decrépito zombie que procede a morderlos... y así comienza una epidemia que amenaza con destruir la ciudad entera.

Diagnóstico: Desde hace algún tiempo decidí eliminar los zombies de mi dieta cinematográfica debido a la saturación y consiguiente descenso en calidad de las películas sobre ese tema (y además engordan). Sin embargo me animé a ver Cockneys Vs. Zombies por algunas entusiastas recomendaciones; y me alegra haberlo hecho, pues aunque no contiene un ápice de originalidad, está realizada con abundante humor, energía e ingenio.
Supongo que la comparación obvia sería con Shaun of the Dead, pero el estilo de Cockneys Vs. Zombies me pareció más similar al de Lesbian Vampire Killers y Doghouse, por sus pintorescos personajes, satírico tono y énfasis en la cultura "cockney" (término semi-peyorativo aplicado a la clase trabajadora de Londres, particularmente los habitantes del barrio industrial East End) (Por cierto, recomiendo verla con subtítulos, pues el acento y jerga "cockney" es bastante impenetrable). Esta desafiante e irreverente actitud se extiende a los personajes, todos ellos simpáticos y memorables. Rasmus Hardiker y Harry Treadaway encarnan a los ineptos hermanos que deciden robar un banco con ayuda de su ruda prima Katy (Michelle Ryan) justamente el día de la epidemia zombie. Mientras tanto Ray (Alan Ford), el abuelo de los hermanos, organiza a los ancianos del asilo donde vive para rechazar la marea de zombies que amenazan con robar los años de vida que les quedan. Y así, en compañía de irascibles pensionados y jóvenes delincuentes, recorremos el East End entre violentas/humorísticas secuencias de acción, abundante incorrección política (la crueldad hacia un bebé rivaliza aquella memorable escena en Feast 2), y tantos "headshots" (prácticos y digitales) como puede justificar el director Matthias Hoene; las armas de fuego están prohibidas en Londres, pero eso no detiene al industrioso bajo mundo de la ciudad.
Como dije, no hay mucha innovación en Cockneys Vs. Zombies, pero lo que intenta hacer le sale muy bien, y puedo recomendarla como una de las escasas películas de zombies que vale la pena ver, resaltando notablemente entre la aglomeración de genéricas bazofias realizadas sin talento ni imaginación que han surgido en años recientes. Y si eso no fuera suficiente, Cockneys Vs. Zombies también resucita (ahem) algunas leyendas de la pantalla británica como Alan Ford y Honor Blackman, quien aún recuerda cómo manejar una ametralladora. James Bond y Mr. Steed estarían orgullosos.
Calificación: 9

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Perdida (Gone Girl)

 

Síntomas: Una mañana Nick Dunne (Ben Affleck) descubre que su esposa Amy (Rosamund Pike) desapareció de su casa, y de inmediato contacta a la policía. La Detective Boney (Kim Dickens) se encarga del caso, y gradualmente empieza a sospechar que Amy fue asesinada por su esposo, quien trató de ocultar el crimen disfrazándolo de secuestro... pero cometió demasiados errores que podrían llevarlo a la silla eléctrica.

Diagnóstico: Muchos cinéfilos modernos consideran motivo de celebración el estreno de una nueva película de David Fincher... pero debo confesar que no me cuento entre ellos. Me gustan varias de sus películas, pero la última década de su filmografía me ha dejado más o menos indiferente (con la excepción de Zodiac, la cual aprecié más por su asombrosa manufactura que por su valor dramático). Claro, ninguna ha sido mala, y todas lucen el impecable talento narrativo y calidad estética de Fincher, pero rara vez encuentro la conexión emocional que distingue a una genuina gran película. Por eso me complace decir que Perdida se acerca mucho a ese calificativo, pues además de su refinado estilo y competentes actuaciones, nos cuenta una historia deliciosamente torcida y perversa, donde no hay buenos o malos, sino distintos niveles de víctimas.
La primera hora de Perdida no me estaba entusiasmando mucho... el tema de "marido sospechoso de homicidio" se siente un poco trillado, como un episodio genérico de Law and Order; y el desarrollo del misterio no fue tan ágil o estimulante como yo esperaba. Entonces llega el obligatorio "twist" y la película cobra vida, cargándose de energía que no decae hasta el incierto final.
Nunca he sido fan de Ben Affleck como actor, pero su característica rigidez funciona muy bien para el papel de Nick, un hombre lacónico y opaco que se encuentra atrapado en un matrimonio infeliz del que no sabe cómo escapar. Pero, ¿es capaz de asesinar? Esa es la incógnita que Affleck maneja con inusual talento durante la película entera, apoyado por Carrie Coon en el papel de su hermana gemela Margo; Tyler Perry, irreconocible como el astuto y oportunista abogado que se encarga de la defensa; y Kim Dickens, trascendiendo el cliché del "policía de pueblo pequeño" para transformarse en una persona real que enfrenta una difícil disyuntiva moral. Rosamund Pike encarna a la esposa desaparecida en flashbacks que revelan gradualmente las tensiones de su matrimonio y su curiosa actitud para sobrellevarlas. Su actuación es buena, pero un poco irregular; hay momentos demasiado fingidos, mientras que en otros alcanza niveles devastadores de melancolía y desesperanza.
En general me gustó que Fincher recurriera a actores semi-desconocidos para los roles secundarios. Seguramente muchas estrellas de Hollywood estuvieron presionando a sus agentes para conseguirles un lugar en la película, pero hubieran sido distracciones innecesarias cuando la atención debe mantenerse en el perfectamente construido libreto, basado en una novela de Gillian Flynn y adaptado a cine por la misma escritora.
Finalmente, merece mención la tensa música de Trent Reznor y Atticus Ross como marco ideal de la sórdida investigación. O quizás sería mejor decir "banda sonora", pues más que “música”, los compositores crearon "paisajes aurales" con percusiones, ruidos y cadencias electrónicas que crispan los nervios y nos hacen partícipes de la angustia e inquietud que todos los personajes sufren en mayor o menor medida.
Entonces, aunque la primera mitad parezca un poco convencional, Perdida se recupera rápidamente para entregarnos una experiencia cinematográfica intensa y satisfactoria, como Fincher acostumbraba en su mejor época. Y lo hace con una simplicidad y elegancia que pocos cineastas podrían duplicar. Además, desde un punto de vista personal, Perdida fue otro inciso en la larga lista de razones por las que prefiero la soltería. Ahora sí es para siempre.
Calificación: 9

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Honeymoon

Síntomas: Los recién casados Paul (Harry Treadaway) y Bea (Rose Leslie) deciden pasar su luna de miel en una aislada cabaña a orillas de un idílico lago. Todo va bien al principio, pero una noche Bea desaparece, y Paul la encuentra en el bosque, en un extraño trance que atribuyen a simple sonambulismo. A partir de entonces la actitud de la joven empieza a cambiar, y su esposo deberá descubrir lo que realmente ocurrió aquella noche.

Diagnóstico: No esperaba mucho de Honeymoon, y terminó siendo una grata sorpresa. La trama suena como una típica película de terror: jóvenes en una cabaña en el bosque enfrentando fenómenos inexplicables. Afortunadamente la directora/guionista Leigh Janiak (haciendo un magnífico debut) conoce bien la fórmula y sabe evitar los clichés, empezando por alterar fundamentalmente el tono de la narrativa. En vez de darnos forzado melodrama y conflictos constantes, Honeymoon se desarrolla lenta y metódicamente, construyendo con cada escena un fascinante misterio que nos mantiene a la expectativa, mientras genera momentos de elevado suspenso e intensa angustia. Los personajes se desarrollan orgánicamente, tomando el tiempo necesario para conocerlos e integrarnos a su rutina. Además, para variar, Paul y Bea son simpáticos y naturales, libres de excesiva "actitud", y con excelente química que hace convincente la genuina amistad y afecto que los une. Este fue un punto clave para el éxito de Honeymoon, pues pasamos el noventa por ciento del tiempo en exclusiva compañía de estos dos actores, y si su interacción no fuera creíble, la película se hundiría. Pero Harry Treadaway y Rose Leslie realizan un trabajo sobresaliente, enfrentando con igual aplomo las alegres escenas del principio, y los devastadores cambios que el destino depara en la relación de la pareja.
En cuanto al mencionado misterio... obviamente no lo revelaré. De hecho, ni siquiera estoy seguro de poder describirlo. Cierto, es fácil sacar conclusiones conforme avanza la cinta, pero la directora nos mantiene en la oscuridad (literalmente) hasta el final, y aun así se rehúsa a darnos la pista final para confirmar nuestras sospechas... lo cual tal vez irritará a algunos espectadores, después de noventa minutos de suspenso y especulación. Sin embargo me pareció un final apropiado, que no rebasa los límites de la credibilidad, y tampoco traiciona la premisa.
Entonces, Honeymoon me pareció un thriller excepcional, cuya intriga esta perfectamente balanceada con personajes bien dibujados y sobria dirección que no necesita adornos superfluos para mantener cautiva nuestra atención. La recomiendo con entusiasmo (aunque con una modesta reserva sobre el ambiguo/claro final), y muy probablemente la contaré entre mis películas favoritas del año. Otro orgulloso triunfo del cine de terror "indie", mientras el cine de estudio sigue regurtitando los éxitos del pasado. Por favor contraten a Leigh Janiak y déjenla hacer lo que quiera, sin interferencia ni cuestionamiento. Se lo ha ganado con creces, ¡y tan solo es su primera película!
Calificación: 9

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