The Angry Black Girl and Her Monster

Síntomas: Después de perder varios miembros de su familia en incidentes de violencia callejera, la joven Vicaria (Laya DeLeon Hayes) decide erradicar la muerte como si fuera una enfermedad; pero cuando revive un cadáver descubre que no es tan fácil controlar a su creación.

Diagnóstico: Sí, The Angry Black Girl and Her Monster es una moderna versión de Frankenstein con un agudo comentario social; pero la propuesta dramática del director Bomani J. Story trasciende posturas políticas para revivir (ja, ja) el espíritu humanista de Mary Shelley y su advertencia sobre la ciencia fuera de control. Y todo eso con un poco de sangre y violencia para hacer más contundente el mensaje.
Me gustó mucho el principio y el final de The Angry Black Girl and Her Monster; el primer acto establece las contradicciones de Vicaria (Laya DeLeon Hayes), brillante alumna en una "escuela de ricos", pero con una precaria vida en un barrio sumido en crimen y drogas. Las balaceras en la calle son frecuentes... y Vicaria aprovecha la abundancia de cadáveres para estudiar la naturaleza de la muerte y la posibilidad de "curarla", como si fuera una enfermedad. Entonces revive una reciente víctima de asesinato... y descubre que la vida después de la muerte es más dolorosa de lo que imaginaba.
Desafortunadamente el segundo acto se fragmenta en sub-tramas que el director no logra unificar; el peligro cuando el "monstruo" se vuelve violento; los efectos de las drogas en la comunidad; y la transformación de la criatura cuando recobra fragmentos de su identidad humana.
Solo hasta el tercer acto la cinta consolida sus ideas y regresa al principio básico de Frankenstein: la responsabilidad del creador sobre su creación, y el debate entre ciencia y moralidad; todo lo cual conduce a un impactante final que no sé si fue trágico o feliz... aunque ciertamente respeta los temas de la cinta y el carácter de Vicaria.
Las actuaciones capturan facetas de personajes que rebasan su estereotipo cultural: el padre protector (Chad L. Coleman) no es tan altruista como parece; el violento pandillero (Denzel Whitaker) resulta tener conciencia; y la niña inocente (Amani Summer) comprende la situación mejor que los adultos. El estilo visual de Story y la directora de fotografía Daphne Qin Wu me pareció fenomenal, sobre todo para una "B-Movie" de bajo presupuesto. Finalmente, mención especial para el laboratorio casero de Vicaria, diseñado en la tradición de los "genios locos" del cine universal (digamos que es una mezcla de Darkman y Bride of Frankenstein).
Lo cual nos lleva al aspecto de The Angry Black Girl and Her Monster que menos me gustó: ojalá la película fuera un poco más "científica". No estoy pidiendo la receta exacta de la resurrección; pero un poco de pseudo-ciencia y "techno-babble" hubieran hecho más creíble el concepto de una estudiante de preparatoria reviviendo cadáveres en una bodega abandonada. Nada más para saber que el director puso un poco de esfuerzo en la "realidad" de la situación.
Por lo demás, The Angry Black Girl and Her Monster me pareció un válido replanteamiento de un libro que sigue encontrando relevancia doscientos años después de su publicación... no porque la ciencia haya resuelto el enigma de la muerte, sino porque seguimos inventando cosas que aceleran nuestra extinción. Supongo que nunca aprenderemos la lección; pero siempre habrá material para nuevos relatos de ciencia ficción.
Calificación: 7.5

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Toc Toc Toc (Cobweb)

Síntomas: Durante la noche el niño Peter (Woody Norman) escucha ruidos en la pared de su habitación, pero sus padres creen que lo está imaginando. Entonces empiezan las voces...

Diagnóstico: La primera mitad de Toc Toc Toc (normalmente me burlaría de la "traducción" mexicana, pero esta vez tiene más sentido que el título original) nos mantiene en suspenso sobre el origen de los ruidos en la pared, confundiéndonos con pistas de frustrante ambigüedad, y con escenas que podríamos interpretar según nuestra percepción de los hechos. El niño Peter (Woody Norman) lleva una vida deprimente, con "bullies" en la escuela y padres muy estrictos en casa. Entonces, cuando escucha voces en la pared de su habitación, no sabemos si son trucos de su mente para aliviar su soledad, o manifestaciones del trauma psicológico provocado por su situación doméstica... o una entidad sobrenatural tratando de comunicarse desde el más allá.
Me gustó la dirección de Samuel Bodin (Marianne) y su experto manejo del lenguaje cinematográfico para establecer la situación y carácter de los personajes sin necesidad de explicaciones ni diálogos redundantes. Desafortunadamente esto significa que el primer acto de Toc Toc Toc se siente un poco lento, pues no ocurren muchas cosas; tan solo distintos aspectos de la humillación de Peter en la escuela, y la tensión en su hogar con sus padres sobre-protectores, quizás a consecuencia de un reciente crimen en el vecindario que los volvió muy sensibles a los peligros del mundo exterior.
Pero cuando por fin se revela el gran misterio, Toc Toc Toc pierde los estribos y se transforma en una delirante pesadilla con suficiente sangre y violencia para satisfacer a los fans del género (como yo) que puedan disculpar algunos clichés reciclados de obras clásicas del Horror. Como siempre, la genialidad no está en los ingredientes, sino en la preparación.
Lo cual nos lleva al reducido reparto donde destaca el niño Woody Norman (The Last Voyage of the Demeter, C'mon C'mon) en una variedad de escenas física y emocionalmente difíciles que resuelve con gran realismo y convicción. Lizzy Caplan (Extinction, Cloverfield) tiene el papel de la madre a veces amorosa, a veces posesiva, y a veces cruel; ¿realmente está protegiendo a Peter, o alberga algún resentimiento oculto? Antony Starr (Guy Ritchie's The Covenant) es el padre distante y negligente; y Cleopatra Coleman (Infinity Pool) es la maestra preocupada por la seguridad de sus alumnos, incluso cuando va en contra de su código profesional.
En resumen: Toc Toc Toc me pareció una recomendable película de terror, ocasionalmente inverosímil, pero con sobresaliente dirección, atmósfera, y crispantes momentos que superan los blandos "sustos" de muchas cintas "de estudio". Habiendo dicho eso, no considero indispensable verla en el cine, pues funcionará igualmente bien en "streaming" debido a su austera producción, más apta para pantallas caseras. Por cierto: Toc Toc Toc es otra producción de Seth Rogen, quien está resultando más talentoso detrás de las cámaras que en sus papeles de bufón. Sería interesante ver una colaboración con Jordan Peele... dos comediantes fascinados por el horror, y con talento para respaldar su afición.
Calificación: 8

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Gran Turismo: De Jugador a Corredor (Gran Turismo)

Síntomas: Jann Mardenborough (Archie Madekwe) es uno de los mejores jugadores del videojuego Gran Turismo, pero su familia quiere que haga algo más productivo con su vida; y entonces llega la oportunidad de hacerlo.

Diagnóstico: Gran Turismo: De Jugador a Corredor podría ser la primera película basada en un videojuego que no inventa una narrativa ficticia dentro del juego, sino que cuenta la historia real de uno de sus mejores jugadores (algunos dirían que The Last Starfighter hizo lo mismo, pero esa no era una historia real) (hasta donde sabemos).
Esto significa que Gran Turismo: De Jugador a Corredor no debería compararse con otras adaptaciones de videojuegos (entre mis favoritas: <FILE NOT FOUND>), sino con dramas automovilísticos como Days of Thunder, Rush, o Ford v Ferrari, todos los cuales comparten similares ingredientes: el sueño de una meta imposible; el avance contra la adversidad; la crisis que podría destruirlo todo, y el esfuerzo sobrehumano por alcanzar el triunfo... o al menos la redención espiritual. Y, dentro de ese nicho específico, Gran Turismo: De Jugador a Corredor cumplió plenamente su misión de entretener, inspirar... y promover las marcas involucradas (Nissan®, Gran Turismo®, Polyphony Digital®, PlayStation®, etc.)
Todo empieza con la obsesión del joven inglés Jann Mardenborough (Archie Madekwe) con el videojuego Gran Turismo, el más popular "simulador automovilístico" gracias a su precisa reproducción de vehículos exóticos, pistas internacionales, y reglas físicas tan estrictas como las del mundo real. Mientras tanto, al otro lado del mundo, el mercadólogo Danny Moore (Orlando Bloom) propone a Nissan la descabellada idea de reclutar a los mejores jugadores de Gran Turismo y entrenarlos para que compitan en carreras reales... donde no hay botón de "Reset", y cualquier error puede ser fatal. Nissan acepta y, con ayuda del entrenador Jack Salter (David Harbour), organizan un concurso para encontrar candidatos viables. ¿Será Jann uno de ellos?
Tenía curiosidad por averiguar exactamente qué tan "real" es el argumento de Gran Turismo: De Jugador a Corredor, pero decidí aceptar la película en sus propios términos, reconociendo que "la verdad no debe interferir con una buena historia"  (parafraseando a Mark Twain). Y, bajo esa perspectiva, Gran Turismo: De Jugador a Corredor me pareció un recomendable melodrama deportivo basado en una situación única en su origen... pero perfectamente genérica en su desarrollo. El director Neill Blomkamp (recuperando la credibilidad que perdió con la atroz Demonic) emplea su pericia técnica para compensar los clichés del melodrama, filmando las carreras con extraordinario dinamismo, y creando escenas donde "stunts" prácticos y efectos digitales se fusionan para transmitir el vértigo de la velocidad, los nervios de los pilotos, y el "crunch" visceral de los inevitables accidentes.
Por el lado humano, Gran Turismo: De Jugador a Corredor se sostiene gracias a la excelente química entre Archie Madekwe (Midsommar) como el novato piloto que necesita aprender disciplina, y David Harbour (Violent Night) como el entrenador que oculta su vulnerabilidad bajo su tosca actitud. Son extremos opuestos (¡uno escucha a Kenny G y el otro a Black Sabbath!), pero... ¿podrán volverse amigos y aprender uno del otro?
Además de su premisa, Gran Turismo: De Jugador a Corredor no aporta algo nuevo al cine automovilístico; pero tampoco necesita innovar para satisfacernos con emocionantes competencias, excepcional cinematografía, y actuaciones que forman una sólida base emocional. El juego Gran Turismo venera los automóviles; pero la película Gran Turismo sabe que lo importante son las personas.
Calificación: 7.5

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Drácula: Mar de Sangre (The Last Voyage of the Demeter)

Síntomas: En 1897, el buque de vela Demeter transporta una misteriosa carga de Rumania a Inglaterra, sin saber que lleva a bordo un polizonte. O tal vez más.

Diagnóstico: ¡Es el Año de Drácula! Bueno, tal vez dos películas (incluyendo Renfield) no bastan para bautizar 2023 con ese nombre, pero definitivamente constituye una mejoría después de su larga ausencia del entretenimiento popular.
Y, al igual que ocurrió con Renfield, la nueva cinta Drácula: Mar de Sangre (uf) no se enfoca en el famoso vampiro, sino en personajes secundarios de la novela original que ahora comparten su versión de los hechos.
Drácula: Mar de Sangre expande el capítulo del libro dedicado al barco Demeter, cuya tripulación enfrenta los ataques de Drácula durante la travesía de Rumania a Londres. Esto significa que el director noruego André Øvredal (Troll Hunter, The Autopsy of Jane Doe) y sus guionistas Bragi F. Schut y Zak Olkewicz introdujeron nuevos personajes, situaciones y un poco de "ret-con" para darle forma a la película y crear una narrativa auto-suficiente. Y, para bien o para mal, su inspiración fue Alien.
El resultado, sobra decir, no es tan bueno como Alien, pero puede disfrutarse como un elegante thriller con buenas actuaciones, excelentes imágenes y un sano balance entre sangre y suspenso. En vez de nave espacial tenemos el barco Demeter; y en vez del xenomorfo tenemos a Drácula, viajando en secreto dentro de una caja de madera. Y, como necesita alimentarse durante la travesía, empieza a matar a la tripulación (SPOILER: incluyendo al perro del capitán), lo cual genera conflicto y tensión entre los marinos. Algunos acusan al Dr. Clemens (Corey Hawkins) por el color de su piel; pero otros creen que hay un monstruo a bordo del Demeter. Y desde luego tienen razón.
Øvredal dirige Drácula: Mar de Sangre con metódico ritmo, permitiendo el desarrollo orgánico de los personajes y su transformación cuando crece el peligro (en más de un sentido). Clemens representa el pensamiento racional que contrasta con las supersticiones de los marinos, mientras el Capitán Eliot (Liam Cunningham) y el Primer Oficial Wojchek (David Dastmalchian) tratan de mantener la disciplina y resolver el misterio. La rutina se vuelve monótona durante el segundo acto, pero mejora cuando aparece un Drácula salvaje y feral, muy distinto del pálido aristócrata generalmente asociado a la leyenda. Los ataques son rápidos y brutales, con algunos momentos "gore" más jugosos de lo normal para una película "mainstream"; pero lo mejor de Drácula: Mar de Sangre (en mi humilde opinión) fue la tétrica atmósfera de aislamiento y paranoia en alta mar, con las obligatorias tormentas de la literatura gótica, realizados con los más modernos efectos especiales. Ya no sé ni me interesa averiguar qué es real, qué es maqueta, y qué es animación; todo se ve increíble, y nos atrapa en el horror de la travesía.
Por el lado negativo... creo que Drácula: Mar de Sangre fue menor a la suma de sus partes. La dirección de Øvredal; el fantástico diseño de producción (incluyendo a Drácula mismo, interpretado por Javier Botet); y el legado de una novela muy influyente en la Literatura Universal prometían algo más ambicioso que un simple "slasher" victoriano. Aún así disfruté Drácula: Mar de Sangre como un relato de horror clásico con sensibilidad contemporánea, más interesante que otro genérico fantasma vengativo o casa embrujada. Al menos este Drácula tiene más personalidad y "colmillo" que muchos villanos del género. Lo que quiero ver ahora es una adaptación de Frankenstein desde la perspectiva del Capitán Walton.
Calificación: 8

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Blue Beetle

Síntomas: Jaime Reyes (Xolo Maridueña) recibe un artefacto extraterrestre que le da extraordinarios poderes... los cuales serán muy útiles para proteger a su familia de los individuos que lo persiguen

Diagnóstico: Llegamos tarde a la fiesta, pero al menos llegamos.
Después de varias películas de superhéroes con distintivo sabor étnico (como Black Panther, Shang Chi and the Legend of the Ten Rings, y hasta Gundala), por fin llegó el turno de la cultura latina (especialmente mexicana) con Blue Beetle, una nueva adaptación de DC Comics que revive un héroe de segunda división, frecuentemente relegado a papeles de "sidekick" o "comic relief" (lo cual no es necesariamente malo, como podemos ver en sus recientes colaboraciones con Booster Gold). Y aunque no me pareció una gran película, Blue Beetle incluye suficiente acción, humor y emoción para crear una sólida historia de origen con un discreto mensaje sobre la experiencia de los inmigrantes, y los obligatorios temas de familia y responsabilidad para completar la receta.
Específicamente... la receta de Marvel. Lo cual no es un insulto. Hasta los más devotos fans de DC Comics reconocerán que Blue Beetle es muy similar a Marvel en tono y estructura. Gracias a eso Blue Beetle será accesible para el público que desconoce el legado de un personaje creado en 1939 (¡el mismo año de Superman!), que ya pasó por múltiples identidades, "crossovers" y re-lanzamientos.
Los detalles de Blue Beetle pueden variar, pero el concepto básico es el mismo: un joven obtiene poderes extraordinarios por accidente, y comienza la transformación que lo obligará a madurar, creer en sí mismo, y aprender a usar su fuerza para defender a los débiles, al mismo tiempo que combate villanos de funestas intenciones. A lo largo del camino habrá sacrificios, triunfos, y duras lecciones de vida; y al final, si sobrevive, el héroe estará listo para enfrentar su destino. Enjuague y repita.
Afortunadamente en esta ocasión los detalles fueron lo mejor de la película.
El tema familiar de Blue Beetle no es tan solo un cliché sentimental (como en Fast and the Furious), sino un componente fundamental del carácter del protagonista. La relación de Jaime Reyes (Xolo Maridueña) con sus padres (Damián Alcázar y Elpidia Carrillo), su hermana (Belissa Escobedo), su tío (George Lopez) y hasta su abuela (Adriana Barraza) no solo define su conducta en situaciones de peligro, sino que refleja los valores de los hogares mexicanos con una fidelidad que trasciende los chistes obvios y las referencias culturales. Habiendo dicho eso, encontré el humor ocasionalmente burdo y las emociones empalagosas... pero no por ello deshonestas.
La villana corporativa interpretada por Susan Sarandon representa el espectro del imperialismo y la ambición capitalista. Y la joven Jenny Kord (Bruna Marquezine) es la aliada que guiará a Jaime en su misión, al mismo tiempo que genera un poco de tensión romántica porque, bueno, así son estas historias.
Los efectos especiales son de buena calidad (me gustó mucho el "Bug" que tomaron directamente de los comics); la acción es simple pero bien realizada (aunque degenera en excesos digitales); y, a pesar de durar dos horas, Blue Beetle fluye con buen ritmo gracias a la dirección de Angel Manuel Soto y al óptimo balance de seriedad y ligereza del reparto entero.
No sé si esta versión de Blue Beetle seguirá vigente en el Universo de DC concebido por James Gunn; pero me gustaría que así fuera, ya que Blue Beetle fue un auspicioso debut que podría continuar por sí mismo, o como parte de una mitología más amplia y diversa, no solo en contenido cultural, sino en visión artística. Tan solo con eso superarían a Marvel.
Calificación: 8

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Heart of Stone

Síntomas: Rachel Stone (Gal Gadot) usa su talento como "hacker" para ayudar a la CIA en diversos operativos alrededor del mundo; pero su más reciente misión la obliga a alejarse del teclado para pelear en el mundo real... y afortunadamente no es tan indefensa como parece.

Diagnóstico: Heart of Stone es otro genérico thriller de Netflix con una carismática protagonista, sólidos efectos especiales, y secuencias de acción recicladas de otras películas, pero razonablemente entretenidas por derecho propio. Desafortunadamente Heart of Stone exuda un aire general de apatía que sabotea sus frágiles virtudes y las vuelve instantáneamente olvidables, incluso en su modesto nicho cultural. En resumen: otro ejemplo de "cine chatarra" que luce bien en el carrusel de estrenos, pero que olvidaremos al día siguiente. Es una lástima, pues Gal Gadot merecía algo mejor en su primer proyecto de acción post-DC Comics.
El libreto de Greg Rucka y Allison Schroeder sigue a un equipo de la CIA dedicado a perseguir criminales fuera del alcance de la Ley. Parker (Jamie Dornan) es el líder; Yang (Jing Lusi) se encarga de espionaje e infiltración; Bailey (Paul Ready) es el "comic relief" (¡Tiene un gato! ¡Ja, ja!); y Rachel Stone (Gal Gadot) desactiva sistemas de seguridad. Pero su más reciente misión en los Alpes italianos la obliga a "salir de la camioneta" y enfrentar los peligros del mundo real.
Y, bueno, eventualmente llegan varios "twists" que alteran la dinámica de los personajes y revelan el auténtico "mcguffin" de la película: una computadora capaz de penetrar cualquier sistema informático (sí, otra de esas). Pero... ¡un momento! Esta vez el "mcguffin" tiene una aplicación distinta que nos invita a cuestionar valores "obsoletos" como justicia y privacidad, por no mencionar la ambivalencia moral de los héroes. ¿Quién necesita libertades individuales cuando las máquinas piensan por nosotros? Por cierto, la tecnología de la película es absolutamente inverosímil, reduciendo aún más la credibilidad de la trama y el suspenso que deberíamos sentir en momentos de peligro.
Fuera de eso el concepto me pareció interesante; desafortunadamente el director Tom Harper (Wild Rose) lo desarrolla con escasa convicción, reduciendo el impacto del drama y las secuencias de acción. Y lo peor es que Gal Gadot contribuye al problema con una actuación pasiva que rara vez expresa el conflicto interno de Rachel y su dualidad en un entorno traicionero. Tampoco estoy pidiendo la intensidad de Tom Cruise o Charlize Theron; pero incluso en el contexto de las B-Movies, Gadot no alcanza la energía de actrices como Veronica Ngo, Olga Kurylenko o Maggie Q.
De igual modo, el director Tom Harper no tuvo suficiente afinidad por el cine de acción, ni el talento necesario para capturar "stunts" con la visión de titanes como Chris McQuarrie o James Wan... o siquiera de luminarias del Cine B como John Hyams o James Nunn.
Por el lado positivo, todo lo que dije al principio: Gal Gadot es perfectamente capaz de sostener una película por sí sola; y Heart of Stone se ve muy bien gracias a sus altos valores de producción. Pero ni los mejores ingredientes pueden salvar a un mal cocinero. Solo queda esperar que Gadot no se desanime y permanezca en este género para confirmar lo que ya sabemos: incluso sin espada ni brazaletes, es una apta mujer de acción.
Calificación: 7 (solo por Gal Gadot y los efectos especiales)

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Háblame (Talk To Me)

Síntomas: Varios jóvenes usan una mano momificada para comunicarse con el mundo de los espíritus, y al principio parece divertido... hasta que deja de serlo.

Diagnóstico: Es muy raro encontrar una película de terror con un concepto original, buenos actores, y elegante estilo visual. Sin embargo los "youtubers" australianos Danny y Michael Philippou lo lograron en su primer largometraje, reconfigurando una clásica receta que gana un nuevo sabor bajo su particular visión creativa.
La sinopsis sugiere otra de tantas películas sobre un grupo de amigos enfrentando un espíritu maligno, y en cierto modo Háblame empieza así; pero casi de inmediato los Hermanos Philippou se desvían por territorio inexplorado, absolutamente fascinante por sus implicaciones metafísicas, y perfectamente sustentado por las dinámicas de personajes demasiado jóvenes para medir las consecuencias de sus actos.
La protagonista es Mia (Sophie Wilde), aún recuperándose de una tragedia que fortaleció su relación con la familia de su mejor amiga Jade (Alexandra Jensen), incluyendo al hermano menor Riley (Joe Bird) y la madre Sue (Miranda Otto). Entonces, durante una fiesta, Mia, Jade y Riley presencian un inquietante "juego de salón" donde alguien usa una mano momificada para comunicarse con los espíritus. Mia participa en el juego y queda obsesionada hasta el punto de organizar otra reunión para repetir la experiencia. Y, obviamente, lo que antes parecía divertido se vuelve terrorífico.
Los fans del "horror elevado" podrían tomar la premisa como metáfora de las drogas ("parece divertido hasta que deja de serlo"), o como denuncia de la presión entre jóvenes que harán cualquier cosa para ganar popularidad (sobra decir que los experimentos paranormales quedan registrados en las redes sociales, creando situaciones incómodas y hasta humillantes). Pero incluso sin prestar atención al (hipotético) mensaje, Háblame me pareció una excelente cinta de terror con un angustiante misterio que la protagonista debe resolver para salvar su vida... y las de sus amigos.
Y, bueno, aquí es donde entran en juego algunos clichés del género, como la obligatoria tragedia del pasado (Mia perdió a su madre... ¿tratará de contactarla con la mano maldita?), un poco de melodrama romántico, y ambiguas reglas de una mitología que nunca se explica adecuadamente, causando un poco de confusión en el tercer acto, cuando los directores juegan con nuestra percepción para llevarnos a un tremendo final. Por otro lado, la confusión intensifica el impacto emocional del gran "twist", y prepara el camino para una secuela que podría responder muchas preguntas que quedaron en el aire.
Después de tantos halagos conviene señalar que Háblame no se apoya en "gore" ni sobresaltos para crispar los nervios (aunque ofrece buenas escenas en ambas categorías), sino en las perturbadoras consecuencias del contacto con el "más allá", y los extremos de la obsesión que puede consumir a una persona. En ese aspecto Háblame podría decepcionar al público que esperaba un genérico relato de "casa embrujada" o "fantasma vengativo"... lo cual no tiene nada malo (a mi también me gustan cuando están bien hechos). Sin embargo Háblame llega más lejos en su exploración de lo desconocido. ¿Aceptaremos la invitación? Claro que sí, pero sólo durante noventa minutos.
Calificación: 9

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Tortugas Ninja: Caos Mutante (Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem)

Síntomas: La rata mutante Splinter (voz de Jackie Chan) crió a las Tortugas Ninja en el drenaje de Nueva York para mantenerlas a salvo de la humanidad que siempre ataca lo que no comprende. Pero las tortugas añoran la vida normal de la superficie, y deciden capturar al misterioso criminal Superfly (voz de Ice Cube) para convertirse en héroes de la ciudad. Sin embargo, lo que descubren con ayuda de la reportera April O'Neil (voz de Ayo Edebiri) es más peligroso de lo que imaginaron.

Diagnóstico: Tortugas Ninja: Caos Mutante confirma lo que ya sabíamos: las mejores películas de las Tortugas Ninja son animadas. Claro, en su momento disfruté la original Teenage Mutant Ninja Turtles (1990), pero ni sus dos secuelas ni las dos películas modernas producidas por Michael Bay podrían considerarse "buenas" (algunas ni siquiera "tolerables"); mientras que las cintas animadas TMNT, Rise of the Teenage Mutant Ninja Turtles: The Movie, y hasta Batman vs. Teenage Mutant Ninja Turtles fueron las que mejor capturaron la esencia de las Tortugas y su bizarro universo ubicado entre las fantasías de un comic y la sucia realidad del entorno urbano.
Y ahora Tortugas Ninja: Caos Mutante se perfila como la mejor película de las Tortugas realizada hasta el momento (en mi humilde opinión)... aunque no necesariamente la más fiel, lo cual podría contrariar a los fans "old school" de los comics ochenteros. Sin embargo, a estas alturas las Tortugas Ninja ya trascendieron su origen para convertirse en fenómenos culturales que cada generación adapta y replantea según sus valores, lo cual no tiene nada de malo. Incluso diría que esa flexibilidad las mantuvo vigentes durante cuatro décadas, a diferencia de otras franquicias que no crecieron con su público.
En fin, regresando al tema, Tortugas Ninja: Caos Mutante recuenta el origen del equipo enfocándose en la dinámica familiar y el aislamiento impuesto por Splinter (voz de Jackie Chan) para proteger a sus "hijos" del público intolerante. Entonces, desafiando sus órdenes, Donatello (voz de Micah Abbey), Michelangelo (voz de Shamon Brown Jr.), Leonardo (voz de Nicolás Cantú) y Raphael (Brady Noon) deciden ayudar a la reportera April O'Neil (voz de Ayo Edebiri) para encontrar a Superfly (voz de Ice Cube), un ladrón que ha estado robando material científico con algún siniestro fin. Y lo que descubren es un gran peligro para la ciudad... y para el mundo entero.
Lo primero que llama la atención en Tortugas Ninja: Caos Mutante es el espectacular estilo visual que podríamos describir como "animación tridimensional dibujada a mano". En cierto modo es similar a la fusión de arte análogo y digital que vimos en Spider-Man: Across the Spiderverse; pero Tortugas Ninja: Caos Mutante se inclina más por la estética rústica del "stop-motion", adornada con detalles de trazo libre que le dan una increíble personalidad. Un auténtico triunfo artístico de los directores Jeff Rowe y Kyler Spears, y los estudios que contribuyeron a esta innovadora visión "retro" realizada con la más moderna tecnología.
Las voces son excelentes de principio a fin, con múltiples celebridades en roles secundarios (incluyendo a John Cena, Rose Byrne, Paul Rudd, Post Malone y Seth Rogen, el co-productor y co-escritor de la película) que nunca distraen de los protagonistas ni la historia principal. La acción es clara y fluida; el diseño es fantástico (mención especial para el "final boss"); y la música de Trent Reznor y Atticus Ross (¡nada menos!) apoya los vaivenes de la historia y la transformación de los personajes.
En resumen: una divertida aventura para toda la familia; un relato "coming of age" con sólido respaldo emocional; y un auspicioso renacimiento de una franquicia que sigue encontrando maneras de re-inventarse sin perder las virtudes que la hicieron popular. Ojalá alguien hiciera lo mismo con Thundarr the Barbarian.
Calificación: 9

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Shin Kamen Rider (Shin Kamen Raidâ)

Síntomas: La Organización S.H.O.C.K.E.R. creó híbridos genéticos para usar como soldados invencibles. Pero uno de los soldados y la hija del fundador se rebelan para evitar que S.H.O.C.K.E.R. cumpla su meta final: la "felicidad" absoluta de la Humanidad... lo cual no es tan benigno como suena.

Diagnóstico: Dentro de la trilogía del "Shinverso", el personaje que menos conocía era Kamen Rider (también conocido como "Masked Rider"). Mi único contacto fueron un par de episodios de la serie clásica que vi en YouTube, y la película Kamen Raider Reiwa (2019), la cual me pareció una frívola aventura juvenil al estilo de Power Rangers. Sin embargo, el fenomenal resultado de Shin Godzilla y Shin Ultraman despertó mi interés por Shin Kamen Rider... y me gustó casi tanto como sus predecesoras. Sólo tengo reservas sobre algunas decisiones estilísticas que parecen incompatibles con el "realismo" de la saga.
El "jinete enmascarado" es Takeshi Hongo (Sôsuke Ikematsu), víctima involuntaria de la Organización S.H.O.C.K.E.R. (Sustainable Happiness Organization with Computational Knowledge Embedded Remodeling) y los experimentos del Dr. Midorikawa (Shinya Tsukamoto) para crear poderosos híbridos alimentados por la fuerza universal del "prana" (?). Pero Ruriko (Minami Hamabe), la hija del Doctor, sabe que una inteligencia artificial llamada "K" (Tôri Matsuzaka) quiere usar a los soldados para recrear el mundo en su propia imagen (es más complicado, pero vamos a dejarlo así). Entonces Ruriko y Takeshi forman una alianza con una agencia gubernamental secreta... y comienza la batalla.
Los antagonistas de Kamen Rider son pintorescos villanos con habilidades de los animales que comparten su perfil genético. Así tenemos (entre otros) a Spider-Aug (Nao Omori) con su telaraña irrompible; Scorpion-Ang (Masami Nagasawa) y sus ponzoñosas emisiones; y Butterfly-Aug (Mirai Moriyama), el hermano de Ruriko que controla a K... ¿o tal vez K lo controla a él? Como sea, las batallas de fuerza bruta se transforman gradualmente en una lucha de intelectos, donde la solución no siempre es pelear, sino invocar la humanidad de los "Augs" (Augments) y recordarles las emociones de su vida anterior. Al mismo tiempo, Kamen Rider trata de adaptarse a la brutalidad de su misión, encontrando un balance entre su compasión natural y la agresión del "animal interno".
Hablando de agresión: el director Hideaki Anno (Shin Godzilla) mantiene el ritmo de las cintas anteriores, pero esta vez lo exagera en peleas y secuencias de acción que solo podría describir como "espasmódicas"... no solo rápidas, sino aceleradas hasta el punto de la artificialidad. Creo que Anno quiso mostrar el lado animal de los personajes; por ejemplo, "Bat-Aug" (Toru Tezuka) tiene el errático vuelo de un murciélago... y se ve un poco ridículo, pero al mismo tiempo consistente con la aerodinámica del animal. Y cuando Kamen Rider pelea contra "Mantis-Aug" (Kanata Hongo), los movimientos son como dos insectos con sistemas nerviosos más veloces que cualquier humano. Repito, se ve raro, pero crea una estética única que reemplaza la arcaica apariencia de los actores disfrazados. El problema es que podría interpretarse como malos efectos especiales porque no son "realistas" en el sentido convencional.
Pero, bueno... son momentos breves en una épica historia sobre redención, responsabilidad, y adaptación a situaciones fuera de nuestro control. Kamen Rider nunca pidió tener los poderes de un saltamontes; pero sería irresponsable no aprovecharlos para proteger a los demás. Y además es buena excusa para manejar una de las motocicletas mejor amaestradas del cine moderno.
Calificación: 8.5

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The Venture Bros.: Radiant is the Blood of the Baboon Heart

Síntomas: El Dr. Venture (voz de James Urbaniak) está preocupado por el lanzamiento de su más reciente invento; su hijo Dean (voz de Michael Sinterniklaas) busca a su hermano Hank (voz de Christopher McCulloch), quien huyó de casa después de una decepción romántica; y la Dra. Girlfriend (voz de Doc Hammer) y su esposo Monarch (voz de Christopher McCulloch) se encuentran en lados opuestos de ARCH, una nueva organización criminal.

Diagnóstico: La serie animada The Venture Bros. empezó como sátira de Jonny Quest, pero gradualmente desarrolló una compleja mitología que incluyó parodias de múltiples super-héroes, junto con un estilo visual "retro-cool" que la convirtió en uno de los programas más populares y críticamente aclamados de Adult Swim, la barra de programación adulta de Cartoon Network. Desafortunadamente las larguísimas pausas entre temporadas y la creciente confusión de los libretos ahuyentaron al público (incluyéndome), y condujeron a la cancelación que dejó muchas dudas en el aire.
Y ahora la película The Venture Bros.: Radiant is the Blood of the Baboon Heart hace un sincero esfuerzo por simplificar la historia, unificar cronologías, y regresar a la esencia básica de la serie: la exploración de individuos ridículos pero muy humanos, con los mismos traumas y aspiraciones de la gente común, a pesar de existir en una desorbitada realidad superheroica.
Parecía una misión imposible, pero me alegra decir que The Venture Bros.: Radiant is the Blood of the Baboon Heart cumplió generalmente sus metas, resolviendo dudas importantes (¿cuál es la conexión entre Monarch y el Dr. Venture?), completando arcos dramáticos interrumpidos (¿quién es la madre de Hank y Dean?), y estableciendo las bases de futuras secuelas que no requieran conocimientos adicionales para disfrutar el subversivo humor del director "Jackson Publick" (Christopher McCulloch) y su traviesa visión de los arquetipos comiqueros que inspiraron su creación (básicamente el período setentero de Marvel Comics).
No voy a profundizar en la trama de The Venture Bros.: Radiant is the Blood of the Baboon Heart porque no tendría sentido fuera de contexto. Baste decir que las voces clásicas (James Urbaniak, Patrick Warburton, Doc Hammer, Christopher McCulloch) y las estrellas invitadas (Clancy Brown, J.K. Simmons, Jane Lynch, John Hodgman) se combinan armoniosamente para recrear las dinámicas de la serie original, pero dejando margen para que los personajes crezcan y se transformen conforme aprenden cosas nuevas sobre sí mismos y sus rivales.
Y todo eso envuelto en una historia bastante divertida, que comienza con las aventuras individuales de la familia Venture, para luego consolidarse en una épica batalla entre el bien y el mal. O entre diversos niveles de ineptitud. En el Ventureverso no siempre gana el más fuerte ni el más inteligente, sino el que menos pifias comete.
Por el lado negativo... creo que estos párrafos dejan bastante claro que The Venture Bros.: Radiant is the Blood of the Baboon Heart se hizo exclusivamente para fans de The Venture Bros. El director Jackson Publick no hace el menor esfuerzo por explicar las relaciones de los personajes, y ya no digamos su origen, motivación o lealtad. El marco emocional podría ser accesible para el público casual... pero el humor se esconde en los detalles que solo los fans entenderán.
Calificación: 8 (muy subjetiva)

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Locas en Apuros (Joy Ride)

Síntomas: La abogada Audrey Sullivan (Ashley Park) viaja a China por un asunto de negocios, pero sus amigas la convencen de buscar a la madre biológica que la dio en adopción cuando era un bebé.

Diagnóstico: Es difícil encontrar comedias realmente graciosas con un buen argumento, personajes creíbles y emociones sinceras. Por eso he aprendido a apreciar las comedias pobremente escritas, pero con suficientes risas para compensar su mediocridad. Incluso diría que los clichés de cintas como Sisters, Bad Moms y Wine Country aportaron un marco adecuado para el flujo espontáneo del humor, sin preocuparse por la integridad estructural ni por el ritmo de la trama. No es necesario pensar en el desarrollo de la historia cuando ya la conocemos de memoria.
Todo lo cual aplica a Locas en Apuros, una "road movie" sobre cuatro amigas que enfrentan dificultades jocosas, conflictos internos, y secretos que las obligan a examinar sus vidas. El libreto está tejido con retazos de mejores películas (como las que mencioné hace un momento); pero el talento del reparto y su irreverente actitud rescatan la película de su blanda manufactura. En otras palabras, el recorrido por el mismo camino de siempre no se siente tan cansado si lo hacemos riendo. Y eso fue lo que logró Locas en Apuros... hasta cierto punto.
La protagonista es Audrey Sullivan (Ashley Park), una ambiciosa abogada que ha luchado toda su vida por superar estereotipos de raza y género. Entonces su jefe la manda a Beijing para cerrar un importante trato; y, por razones que no conviene analizar, la acompañan sus mejores amigas: Lolo Chen (Sherry Cola), una indolente artista sin rumbo en la vida; Kat Huang (Stephanie Hsu), una famosa actriz sexualmente reprimida; y Deadeye (Sabrina Wu), la obligatoria "geek" socialmente inepta y fanática del K-Pop. Una vez en China, Audrey decide buscar a la madre biológica que la dio en adopción cuando era pequeña; y sobra decir que las consecuencias de la búsqueda cambiarán las vidas de las cuatro amigas.
Como siempre, las aparatosas secuencias cómicas rara vez son tan graciosas como los detalles que revelan el carácter de los personajes y su potencial de transformación. Algunas sub-tramas son más interesantes que otras; pero todas conducen a inevitables lecciones sobre tolerancia, amistad, y la importancia de encontrar nuestra identidad.
La perspectiva asiática de Locas en Apuros (inspirada por las experiencias de la directora y co-guionista Adele Lim) la distingue de otras "comedias vulgares feministas" estrenadas en años recientes; y desde luego su mensaje será más relevante para individuos que comparten la ambivalencia de Audrey, atrapada entre la cultura occidental de sus padres adoptivos, y un legado familiar que nunca conoció
Ashley Park (Girls5eva), Sherry Cola (Turning Red), Sabrina Wu y Stephanie Hsu (Everything Everywhere All at Once) hacen un sólido trabajo representando diversas facetas del espectro cultural; y aunque el reparto secundario es desechable, me gustó la inclusión de Lori Tan Chinn (Awkwafina is Nora From Queens) y Daniel Dae Kim (Stowaway) en roles breves pero memorables.
Ese tipo de detalles hicieron tolerables las flojas rutinas de Locas en Apuros (medalla creativa para el Maestro Traductor). El viaje a China fue un gran "meh"; pero la dinámica del grupo me hizo reír con suficiente frecuencia para darle una recomendación. Es alarmante la cantidad de comedias que olvidan su más básica función.
Calificación: 7

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Megalodón 2: El Gran Abismo (Meg 2: The Trench)

Síntomas: El Instituto Oceánico de China capturó un megalodón para estudiar los secretos de la fosa marina que podrían beneficiar a la Humanidad. Pero el escualo tiene otros planes...

Diagnóstico: ¿Cuales son los planes del tiburón? Salir lo menos posible en la película más ridícula del año. Lo cual no es tan malo como suena.
Tengo la teoría de que Megalodón 2: El Gran Abismo pertenece a la misma categoría de Shoot 'Em Up, Charlie's Angels (la de McG), y Crank: astutas sátiras del cine de acción y los excesos de Hollywood que convirtieron al género en una parodia de sí mismo. Pero al mismo tiempo Megalodón 2: El Gran Abismo cuenta una historia razonablemente interesante y bien estructurada, a diferencia de la original The Meg.
La base de esa teoría es la presencia del director británico Ben Wheatley, cuya ecléctica filmografía muestra un peculiar sentido del humor y una sensibilidad independiente muy distinta de los "blockbusters" contemporáneos. Con esos antecedentes es lógico asumir que las exageraciones de Megalodón 2: El Gran Abismo, sus risibles actuaciones e ignorancia científica fueron intencionales, como parte de una broma que podría sabotear la franquicia... o transformarla en una joya de culto y acertada crítica de los problemas que llevaron a la ruina de Hollywood.
Claro que también podría ser el caso de un "director a sueldo" que aceptó el dinero de los inversionistas chinos sin cuestionar el terrible libreto, resultando en un bodrio de proporciones épicas. Estoy dispuesto a aceptar esa opción; pero prefiero mi teoría original.
Como sea, el asunto del megalodón en cautiverio es tan solo el preludio de la historia principal: la exploración de la fosa a siete kilómetros de profundidad, separada del océano por una capa de agua helada que mantiene atrapada a la fauna prehistórica, la cual no solo incluye megalodones, sino otras criaturas que ya tendrán oportunidad de amenazar a la Humanidad. Jiuming Zhang (Jing Wu), el nuevo director del Instituto Oceánico de China, tiene grandes planes para aprovechar los secretos del fondo marino en beneficio de la humanidad; pero una expedición rutinaria encuentra algo increíble que provoca una catástrofe marítima y pone en peligro a miles de personas... y un simpático perrito (sí, el mismo de la película anterior).
Hasta ahí Megalodón 2: El Gran Abismo es una sólida aventura acuática donde Jonas Taylor (Jason Statham) y su equipo de exploradores enfrentan múltiples crisis que resuelven con aplomo e ingenio... porque los guionistas las copiaron de otras películas. Megalodón 2: El Gran Abismo toma prestadas ideas (y a veces escenas completas) de cintas como The Abyss, Deep Blue Sea, y la reciente Underwater, con la cual tiene sospechoso parecido. Pero no lo tomaría como un defecto, sino como "homenaje" a los thrillers marinos del pasado que establecieron las bases del género que tanto me gusta.
Además de Jason Statham reciclando sus rutinas habituales (la cinta empieza con una secuencia digna de James Bond), destacan Cliff Curtis, Page Kennedy y Sophia Cai repitiendo sus roles de la película anterior (mejor amigo, "comic relief" y niña genio, respectivamente). La estrella de acción china Jing Wu (The Wandering Earth) interpreta un raro "héroe corporativo" que realmente quiere hacer algo bueno por el planeta; y Sienna Guillory, Skyler Samuels y Melissanthi Mahut son diversos empleados del Instituto... y posibles víctimas de la fauna marina.
Hablando de lo cual... ¿dónde quedó el megalodón? Como dije, el tiburón gigante está ausente durante la mayor parte de la película... pero lo compensa con un delirante tercer acto repleto de extraordinarios efectos especiales y violencia PG-13 que me dejó plenamente satisfecho... bajo el criterio satírico que mencioné al principio. Sin embargo, el público que espere un thriller serio quedará decepcionado con los personajes de cartón y las ridículas secuencias de acción que insultan nuestra inteligencia. Todo es cuestión de perspectiva... ¿somos víctimas o cómplices de Ben Wheatley? Yo me inclino por la opción más divertida.
Calificación: 8 (podría ser 5 sin sentido del humor)

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Shin Ultraman

Síntomas: La agencia encargada de combatir monstruos "kaiju" en Japón encuentra un nuevo aliado: un humanoide gigante de origen posiblemente extraterrestre. Pero, ¿será realmente un aliado, o una amenaza disfrazada?

Diagnóstico: Hace cuarenta años la clásica serie Ultraman tuvo gran influencia en mi primitiva mente infantil; pero la nostalgia no me impide reconocer sus limitaciones técnicas y narrativas. Afortunadamente la nueva película Shin Ultraman tomó los elementos básicos de aquel programa y replanteó al personaje en el mismo universo realista de Shin Godzilla, resultando en una fenomenal fusión de "tokusatsu" y ciencia ficción que toma en serio las consecuencias geopolíticas de la plaga "kaiju", pero sin sacrificar el placer visceral de las peleas entre monstruos gigantes y un humanoide plateado. En resumen: una experiencia satisfactoria para este viejo "geek" y su niño interno.
La historia es simple en su forma, pero compleja en sus detalles: la proliferación de monstruos "kaiju" en Japón inspiró la creación de la agencia SSSP (S-Class Species Supression Protocol), especializada en analizar el comportamiento de las criaturas y diseñar estrategias para eliminarlas. Entonces, durante el ataque del monstruo invisible Neronga, aparece Ultraman, un gigante plateado con capacidad de volar y emitir rayos de inmenso poder destructivo. Pero cuando vence a Neronga, desaparece en la estratósfera, dejando intrigados a los agentes de SSSP. Y así, con el paso de los días, buscan pistas sobre el origen de Ultraman... y de otros extraterrestres interesados en él.
Al igual que hicieron en Shin Godzilla, Shinji Higuchi y Hideaki Anno dirigen Shin Ultraman con vertiginoso ritmo e hiper-kinética edición, obligándonos a poner atención para no perder detalle en la compleja secuencia de eventos que podría asegurar el futuro del planeta, o llevar a su destrucción. Por eso Shin Ultraman se desarrolla principalmente en oficinas y salas de junta, donde los agentes discuten los pasos a seguir, analizan información, y debaten sobre entidades alienígenas que parecen amistosas... aunque su intención podría ser diferente. Esto también significa que las escenas de acción son breves y esporádicas (repito, igual que en Shin Godzilla); pero Shin Ultraman nunca se siente lenta por ese ritmo y dirección que capturan nuestra atención de principio a fin.
Otra cosa que me gustó fue el uso de avanzados conceptos científicos para explicar fenómenos ostensiblemente absurdos... empezando por el enorme tamaño de Ultraman, la fuente de sus rayos de energía, y el delirante final que nos lleva a lugares nunca vistos en la ciencia ficción contemporánea. Bueno, algunos lo intentaron... pero Shin Ultraman lo consigue.
Por el lado negativo... algunos momentos de incierto tono parecen fallidos intentos de humor en una historia que no los necesita (como el asunto del olor, o la mujer gigante). Afortunadamente son escenas breves que no rompieron el hechizo de Shin Ultraman, ni empañaron la visión del equipo creativo que está reviviendo estos hitos de la cultura japonesa en un contexto congruente con la ciencia ficción contemporáneo. Habiendo dicho eso, es posible que algunas personas tomen a broma estas versiones "serias" de franquicias consideradas "para niños". Pero yo creo que el "Shinverso" es un fantástico experimento que combina lo mejor de dos mundos: la desbordante imaginación de la infancia con la lógica de la ciencia ficción. Las ideas podrán ser absurdas, pero se sienten reales; y eso basta para complacer a mi niño interno.
Calificación: 9 (muy subjetiva)

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Justice League: Warworld

Síntomas: Una enigmática mujer combate una banda de forajidos en un pueblo del Viejo Oeste. Un mercenario con casco de murciélago lleva una horda de bárbaros al castillo de un hechicero. Y dos agentes de la CIA investigan un meteorito en los alrededores de Nueva Jersey.

Diagnóstico: Tan solo por el título los fans de DC Comics reconocerán al villano que manipula los extraños eventos de Justice League: Warworld; pero la trama funciona igualmente bien si no sabemos lo que está pasando. Es como un desfile de mini-Elseworlds donde los miembros de la Liga de la Justicia participan en diversos escenarios históricos que exploran la psicología del humano detrás del héroe y ponen a prueba su carácter, sus convicciones, y su fibra moral. Y cuando se revela la conexión entre las viñetas, tenemos una clásica colaboración de "World's Finest" que me dejó con una sonrisa y renovada esperanza por el futuro del Universo Animado de DC Comics después de varios tropiezos que empañaron su legado.
Lo cual, por cierto, fue una doble sorpresa considerando que Justice League: Warworld fue dirigida por Jeff Wamester. En años recientes me he quejado bastante de su ineptitud narrativa y errática dirección; y aunque no diré que Justice League: Warworld lo redimió por completo, sin duda fue un paso en la dirección correcta que incrementó mis expectativas por sus futuras obras. Solo espero que Warworld no haya sido la excepción que confirma la regla.
Pero, bueno... regresando al punto, Justice League: Warworld me gustó por su manejo de un viejo concepto (arena de combate) que tradicionalmente se expresaba de manera más literal, y por lo tanto más predecible. Pero la innovación de una estructura antológica fomenta una estimulante diversidad temática, al mismo tiempo que esboza un misterio ingenioso pero accesible. Mis disculpas si esto suena demasiado vago, pero no quiero arruinar las sorpresas que la cinta le depara al público sin conocimiento previo de su mitología.
Por el lado artístico la animación es excelente (para estándares de una cinta directa a video); los escenarios ponen gran atención al detalle histórico (en particular me gustó el segmento en blanco y negro), y las voces de Jensen Ackles, Darren Criss, y Stana Katic (entre otros) complementan la personalidad de los héroes... sobre todo cuando no se presentan como "héroes", sino como personas normales atrapadas en situaciones extraordinarias.
Por el lado negativo señalaría que el tercer acto frena el ritmo de la película con demasiadas explicaciones y monólogos villanescos; y tampoco me gustó que el libreto asigna roles antagónicos a dos de mis anti-héroes favoritos de DC Comics; aunque, para ser justos, su actitud es consistente con la ambigua moralidad que los identifica, así que no debería quejarme.
En resumen, Justice League: Warworld me pareció una de las mejores adiciones recientes al Universo Animado de DC Comics, con una historia inusualmente ambiciosa que dejará satisfechos a los fans "old school" (como yo), y al público casual en busca de una historia de superhéroes que aún respeta el espíritu de los comics. Cada vez son menos frecuentes, y por lo tanto más valiosas.
Calificación: 8.5

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