Grand Piano

Síntomas: Tom Selznick (Elijah Wood) era un famoso pianista hasta que una crisis nerviosa en el escenario terminó su carrera. Ahora, cinco años después, Tom tiene la oportunidad de redimirse con un concierto en el que interpretará una pieza "imposible". Y, por si eso no fuera presión suficiente, un maniático acecha entre las sombras del auditorio...

Diagnóstico: Grand Piano es una producción española filmada en inglés y con algunos famosos actores norteamericanos, seguramente para ampliar sus perspectivas comerciales. De vez en cuando se nota el choque de culturas, pero por lo demás me pareció un competente thriller, ingeniosamente construido y muy bien actuado, aunque cruza la línea de lo inverosímil con demasiada frecuencia. El director Eugenio Mira maneja con igual destreza los momentos sutiles de introspección dramática, y los pasajes de trémula tensión, acentuados por sorprendentes movimientos de cámara y complicadas escenas realizadas en una sola toma. Esa pericia técnica, junto con el uso de color, luz y sombra, me recordó las películas de Dario Argento... las buenas que realizó en los ochentas, antes de perder su creatividad (y su vergüenza). A pesar de esa comparación conviene señalar que Grand Piano no es una cinta de terror, sino de suspenso... y quizás con tintes de otro género que no revelaré, pues constituiría un spoiler. Entre el elenco resalta Elijah Wood, ideal para interpretar al artista atormentado, muy talentoso pero inseguro de su capacidad para tocar nuevamente en público. Alex Winter tiene un corto pero jugoso papel como un asistente que sabe más de lo que aparenta; y Kerry Bishé logra inyectar un poco de vida a la esposa de Tom, escrita como simple damisela en peligro, pero no exenta de humanidad (aunque dudo que su personaje, descrito como una de las actrices más famosas del mundo, fuera tan cálido y amable en la vida real). Hablando de incredulidad, imagino que algunos espectadores encontrarán difícil tragar los extremos giros y rimbombantes revelaciones de Grand Piano (empezando por el ridículamente complejo plan del villano). Sin embargo creo que el director encontró el preciso tono sardónico para incorporar esa exageración al encanto de la película, así que no podría calificarla como falla, sino como elemento indispensable de su polifacético código narrativo... otra similitud con las absurdas pero fascinantes obras de Argento. Pero basta de comparaciones. Grand Piano me pareció una cinta recomendable por su audacia y creatividad, lo cual siempre aprecio en el cine independiente, donde el arte cinematográfico realmente tiene oportunidad de florecer. Quizás tenga algunos problemas de credibilidad y un par de agujeros lógicos, pero su ágil ritmo y corta duración impiden un excesivo análisis, y nos ayudan a disfrutarla por méritos propios. Además, como puede esperarse, la música es bastante buena, y quizás ofrezca valor adicional para conocedores del tema, pues aparentemente la "pieza imposible" es real. Y si no lo es, por favor no me digan; prefiero quedarme con la ilusión y no arruinar la experiencia de ver juntos a Bill S. Preston Esq. (de Bill & Ted) junto al mismísimo Frodo.
Calificación: 8

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No One Lives

Síntomas: Una pareja con problemas maritales (Luke Evans y Laura Ramsey) se muda a otra ciudad en busca de un nuevo comienzo. Pero en el camino son secuestrados por una familia de violentos criminales que ven la oportunidad de hacer dinero fácil. Sin embargo el plan cambia cuando se dan cuenta de que la pareja no es lo que aparenta...

Diagnóstico: Después de una exitosa carrera en Asia que incluyó cintas tan diversas como Godzilla: Final Wars y Versus, el director Ryûhei Kitamura probó suerte en América con The Midnight Meat Train, una sólida (y muy sangrienta) adaptación del memorable cuento corto de Clive Barker. Y ahora, para su segunda película en inglés, Kitamura trabaja con material original, obteniendo resultados igualmente interesantes... y sangrientos (parecería que su contrato incluye una cláusula de "estallamiento de cráneo obligatorio" en todas sus películas). La historia de No One Lives comienza como muchas otras cintas de terror, pero dentro de los primeros veinte minutos se revela algo que replantea la situación y transforma la típica dinámica de "villanos y víctimas" en algo mucho más provocativo e impredecible. Y aunque no sea particularmente novedoso, representa un inusual despliegue de ingenio y celo artístico en el contexto del cine de terror, reflejando el compromiso del director y su intención de trascender las básicas reglas del género, pero sin perder los simples "placeres" viscerales de sangre y violencia. Por el lado negativo, esta elevada ambición dramática se queda un poco corta debido a la superficialidad de los personajes y la breve duración de la cinta, que impide explorar con mayor detalle las relaciones y torcida psicología que impulsa a los caracteres. O tal vez el director tomó la decisión intencional de no empañar las emociones y suspenso con pretensiones intelectuales que quizás se sentirían fuera de lugar en un relato tan ágil y directo. No sé... supongo que dependerá de cada espectador. Lo que sí puedo afirmar es que No One Lives fue una experiencia entretenida e interesante que superó mis expectativas (las cuales tampoco eran demasiado elevadas), y sin duda amerita una recomendación para el público audaz que no tema un poco de sangre (y otros fluidos) mezclados con una dosis de catártico entretenimiento que funciona en varios niveles narrativos. Me gustaría ver otra cinta kaiju de Kitamura, o alguna otra incursión en el cine fantástico de su país, pero aprecio que siga trabajando de este lado del mundo, y sin duda estaré al pendiente de su siguiente proyecto. ¿Puedo sugerir una adaptación del cuento corto de Clive Barker "In the Hills, the Cities"? Combina monstruos gigantes, drama y mucha sangre; y estoy seguro de que Kitamura encontrará oportunidad para estallar una que otra cabeza.
Calificación: 8.5

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Magic Magic

Síntomas: Una joven norteamericana viaja a Chile para pasar unos días con su prima y sus amigos. Pero lo que debería ser una estancia placentera en el campo se convierte en fuente constante de angustia y desesperación.

Diagnóstico: ¿A qué se debe esa angustia? ¿Acaso los acecha un maniático asesino? ¿O un monstruo sanguinario? ¿O quizás sea una presencia sobrenatural? Nada de eso. La angustia y desesperación son provocadas por el simple hecho de que los anfitriones de la joven Alicia (Juno Temple) son individuos estúpidos y absolutamente odiosos, empeñados en tomar las peores decisiones posibles para alienar a la recién llegada, y hacer tan difícil como sea posible el choque cultural que experimenta en su primer viaje fuera de los Estados Unidos. Claro, al final se revela un detalle que pone la película en un contexto ligeramente distinto, pero es demasiado tarde... para entonces ya nos obligaron a pasar hora y media en compañía de estos antipáticos personajes, y lograron que me arrepintiera por no haber quitado la película durante los primeros veinte minutos, como recomendó mi instinto (tan solo las escenas de crueldad animal me hubieran convencido). "Voy a darle una oportunidad", me dije. "Quizás mejore más adelante ". Bendita racionalización. Tendré que hacerle más caso al instinto en el futuro. A pesar de esta amarga diatriba, no voy a decir que Magic Magic sea una mala película. Por el contrario, las actuaciones, dirección y cinematografía me parecieron sobresalientes; y en particular me sorprendió el diestro manejo de emociones obtenido por el cineasta chileno Sebastián Silva. La creciente incomodidad que sufrí durante la cinta se genera con sutiles detalles narrativos y una omnipresente opresión difícil de describir, y aun más difícil de obtener sin echar mano de los clichés que vemos en otras películas donde el "drama" nunca se siente tan orgánico y realista. La joven actriz Juno Temple confirma su enorme talento y potencial para destacar en papeles difíciles que no encajan en los habituales estereotipos del cine moderno. Basta con recordarla en Killer Joe para apreciar el rango y audacia en su selección de proyectos complejos y poco convencionales; espero sinceramente que no se convierta en otra víctima de las comedias románticas (aunque podría decirse que ya incursionó en ese territorio con The Brass Teapot). Entonces, Magic Magic me repugnó de principio a fin, y fue una de las experiencias fílmicas más perturbadoras y desagradables que he tenido este año. Pero, para variar, esta vez no fue por la incompetencia de su director o elenco, sino por su notable talento para evocar intencionalmente esas emociones, lo cual consigue con impecable precisión. Obviamente me cuesta trabajo recomendar Magic Magic, pero es un claro caso de "incompatibilidad de personalidades" que no puedo atribuirle exclusivamente a la película, sino a mi percepción de la misma. Después de todo, la marca del buen arte consiste en obtener una reacción basada por igual en sus valores intrínsecos, y en lo que el espectador aporta a la experiencia.
Calificación: 7

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The Sacrament

Síntomas: En busca de su hermana Caroline (Amy Seimetz), un fotógrafo y sus amigos reporteros viajan a una comunidad religiosa llamada Eden Parish, dirigida por un misterioso "Padre" (Gene Jones). Y cuando la encuentran, Caroline parece ser feliz como parte de una utópica sociedad autosuficiente. Pero hay algo raro en las enseñanzas del benevolente líder, y los reporteros no descansarán hasta descubrirlo.

Diagnóstico: Cada vez que considero extinto el cine pseudo-documental, surge otra (y otra, y otra) película realizada con esa técnica. La mayor parte son bastante mediocres e intercambiables, pero cuando aparece una dirigida por un cineasta reconocido, se renueva mi interés. En esta ocasión le tocó el turno a Ti West, quien ha ganado una merecida reputación en el género de terror gracias a cintas como House of the Devil, The Innkeepers, y la menospreciada Cabin Fever 2: Spring Fever. Ahora, con The Sacrament, West aplica su particular sensibilidad al "faux verité", y el resultado es bastante bueno, aunque empañado por una falta de originalidad que resta impacto a la narrativa. Esto se debe a que The Sacrament es una dramatización semi-ficticia de los eventos que transcurrieron en Jonestown allá por 1978; y espero que no sea " spoiler" revelar este detalle, pues la cinta no es particularmente sutil, ni trata de ocultarlo. Pero incluso si podemos predecir el curso que tomará la historia, hay mucho que recomendar en esta película gracias a las intensas actuaciones y exacta dirección que no pretenden darnos una simple lección de historia (o pseudo-historia), sino envolvernos en las personalidades y circunstancias que condujeron a un evento tan devastador. En otras palabras, The Sacrament no busca explotar el efecto, sino explorar la causa. Y lo consigue con un libreto finamente balanceado que juega con la expectativa del público y reta nuestra interpretación de los valores sociales y morales que dábamos por sentados. Sin embargo, por mucho que aprecie la madurez y audacia del argumento, creo que la técnica documental no aporta mucho a la experiencia. O, mejor dicho, ayuda bastante al principio, cuando nos revela orgánicamente a los personajes y sus particulares situaciones. Pero al final comete el clásico error de forzar la presencia de la cámara más allá de lo que sería aceptable o creíble; y todo el realismo que había obtenido hasta el momento se desmorona bajo el peso de sus inverosímiles excusas para seguir grabando. No es una falla fatal, pero me "sacó" varias veces de la historia, y contribuyó a diluir el impacto emocional de la trama, que de otro modo hubiera sido satisfactorio. En lo que respecta a las actuaciones, Gene Jones se roba la película con su interpretación del "Padre" afectuoso, visionario, y sobre todo inescrutable. Perfecto "casting" y perfecto manejo de un personaje ambiguo y complicado. Entonces, tuvo algunos tropiezos, pero creo que The Sacrament funciona como thriller, como historia disfrazada de ficción, y como estudio de carácter honesto y detallado. Habiendo dicho eso, creo que es la película de Ti West que menos me ha gustado... Y aun así puedo recomendarla con confianza pues, a pesar de sus defectos, es una historia que merece contarse una y otra vez, para reducir aunque sea un poco la probabilidad de que ocurra de nuevo. Y desafortunadamente es muy probable que ocurrirá de nuevo.
Calificación: 8

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X-Men: Días del Futuro Pasado (X-Men: Days of Future Past)

Síntomas: En el futuro cercano, la guerra entre humanos y mutantes ha alcanzado niveles catastróficos, amenazando con la extinción de ambas especies. Entonces, en un desesperado esfuerzo por evitarlo, el Profesor Xavier (Patrick Stewart) y Magneto (Ian McKellen) deciden usar los poderes de Kitty Pryde (Ellen Page) para enviar a Wolverine (Hugh Jackman) al año 1973, con el fin de detener la guerra iniciada por el empresario Bolivar Trask (Peter Dinklage). Pero no será fácil, pues Wolverine deberá obtener la cooperación de las versiones pasadas de Magneto (Michael Fassbender) y Charles Xavier (James McAvoy), quienes se odian por los eventos ocurridos en 1963.

Diagnóstico: Como toda película sobre viaje en el tiempo, la trama de X-Men: Días del Futuro Pasado se tropieza de vez en cuando con sus propias reglas. Además, tenemos que lidiar con las incongruencias en la continuidad que esta saga viene arrastrando prácticamente desde su inicio, por no mencionar que el libreto tiene muy poca similitud con el clásico comic Days of Future Past (ejemplo: en el libro es Kitty Pryde quien viaja al pasado). Todos estos factores contribuyen a que la narrativa se sienta un poco dispersa, pues hay tantos personajes y tanta historia que las escenas no siempre fluyen naturalmente, y se nota cuando los guionistas tuvieron que darles algún empujón. Afortunadamente todo eso se vuelve irrelevante frente a los abundantes aciertos de la película. Los personajes continúan su evolución y aprendizaje, considerando invariablemente su carácter por encima de sus poderes mutantes, de modo que la película no se disfruta necesariamente por las épicas batallas entre humanos y mutantes, sino por el conflicto emocional que atraviesan Erik Lehnsherr, Charles Xavier, Logan y demás, tanto héroes como villanos. En otras palabras, como las mejores películas de superhéroes, X-Men: Días del Futuro Pasado no espera ser rescatada por sus efectos especiales, sino que se preocupa por lograr que los diálogos y conflictos humanos sean suficientemente interesantes para capturar la atención del espectador. Lo cual no significa que las batallas y efectos sean malos; por el contrario, X-Men: Días del Futuro Pasado tiene algunos de los más impresionantes despliegues de poderes mutantes que hemos visto en cualquier cinta de Marvel. Entre mis favoritos: la demasiado breve aparición de Quicksilver (Evan Peters); Mystique (Jennifer Lawrence) en París; y desde luego el espectacular final que no solo impacta por sus imágenes, sino por su significado dentro del argumento. En cuanto a los actores, todos realizan un excelente trabajo, destacando James McAvoy como el joven Profesor Xavier; Peter Dinklage como el empresario Bolívar Trask; y desde luego Hugh Jackman deleitándonos con otra perfecta interpretación de Wolverine, uno de los mejores "rudos sensibles" del cine moderno. Honestamente me hubiera gustado ver a Ellen Page como la protagonista, pero es obvio que Wolverine es un personaje más popular, y con razón. Entonces, creo que X-Men: Días del Futuro Pasado no me gustó tanto como First Class, pero sin duda la considero superior a todas las demás entradas de X-Men (incluyendo las de Wolverine, y con la posible excepción de X2... aunque probablemente cambiaré de opinión luego de ver Días un par de veces más). Lo único que no me gustó fue que las escenas en el "futuro" con Patrick Stewart, Ian McKellen y Ellen Page se ven "raras", como si hubieran salido de X-Men: Last Stand. Y también merecían un desarrollo más sustancioso para conocer mejor a los nuevos héroes (incluyendo Bishop, uno de mis favoritos); por otro lado, quizás eso hubiera “inflado” la película, perjudicando su ágil ritmo y sano balance entre drama y acción, así que probablemente no debería quejarme. X-Men: Días del Futuro Pasado amerita una justa recomendación; y les recuerdo quedarse hasta el final de los créditos para la obligatoria escena que oblicuamente sugiere la trama de la siguiente película. No va a ser God Loves, Man Kills, como siempre he deseado, pero bueno... mientras sea tan buena como ésta, no tengo objeción.
Calificación: 9

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Picture Day

Síntomas: Claire (Tatiana Maslany) es una estudiante inteligente, pero demasiado rebelde e indisciplinada, por lo cual está repitiendo el último año de escuela preparatoria. Su vida casera tampoco es muy agradable; y por todo eso Claire se siente alienada e incierta de su posición en el mundo. Entonces entabla amistad con dos hombres muy distintos: Jim (Steven McCarthy) es el maduro y sofisticado cantante de un grupo de rock local; y Henry (Spencer Van Wyck) es un amigo de la infancia, que apenas entra a la adolescencia. ¿Le ayudarán a Claire a encontrarse a sí misma, o solo complicarán su situación?

Diagnóstico: No lo voy a negar; mi interés primario por Picture Day se debía a la participación de la actriz Tatiana Maslany, cuyo extraordinario trabajo en la serie Orphan Black no deja de asombrarme semana a semana (bueno, con pausas de muchos meses entre temporadas). Y no debería sorprenderme, pues Maslany dejó muy buena impresión desde que la vi hace diez años en Ginger Snaps 2: Unleashed. Sin embargo Picture Day resultó tener muchos otros elementos positivos (al menos en mi opinión), como un inteligente libreto, buen sentido del humor, y una interpretación muy canadiense de la clásica fórmula "coming of age". En otras palabras, es como un episodio vulgar y extra-largo de Degrassi, con clasificación "R" (más que nada por lenguaje y drogas, así que no se emocionen demasiado). Sobra decir que la actuación de Maslany es impecable, revelando gradualmente las inseguridades que oculta tras su actitud irreverente y desafiante. Las relaciones con un hombre mayor y uno menor son una obvia manifestación de la ambivalencia de Claire, atrapada entre la ligereza de la juventud y las responsabilidades de la vida adulta; y en un nivel más inmediato, están sensiblemente manejadas, sin caer en el morbo, pero sin ocultar la disfunción que representan. Los diálogos brillan por su eficiente balance de humor, naturalidad y conmovedora honestidad. De hecho, ahora que lo pienso, Picture Day contiene los clásicos temas de la comedia juvenil (entorno escolar, triángulo romántico, y las dificultades inherentes de la transición a la vida adulta), pero los presenta con el realismo e intensidad del mejor cine independiente, libre de artífice y con memorables personajes que nos atrapan en sus experiencias, aparentemente frívolas pero rebosantes de emoción y significado. Dentro de lo negativo podría señalar algunas vueltas innecesarias de la trama, que no siempre conducen a algo relevante; pero por otro lado, así es la vida real: no siempre tiene sentido, y no todas las situaciones se resuelven mágicamente con una moraleja edificante. Entonces, siendo honestos, creo que no me hubiera interesado Picture Day si no fuera por Tatiana Maslany; pero me alegra haberla visto, pues ofrece mucho por sí misma, sobre todo para fans del cine "indie" que sepan apreciar una buena historia sin actores famosos, excesivo melodrama, o un final concreto. A veces la simplicidad de la vida resulta más entretenida que los trucos del melodrama. Especialmente si viene de Canadá, ¿eh?
Calificación: 8

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Alien Abduction

Síntomas: En los bosques de Carolina del Norte, al noreste de los Estados Unidos, se encuentra la "Montaña Café", donde se reportan desde hace siglos todo tipo de fenómenos paranormales, incluyendo la aparición de misteriosas luces nocturnas, famosas en el folklore de la región. Ahí decide vacacionar una típica familia norteamericana, pero en vez de descanso y diversión, lo que encontrarán es un misterio que cambiará por completo su concepto del universo.

Diagnóstico: Otra película fabricada con videos caseros "recuperados" tras la desaparición de varias personas que no sabían en lo que se metían. Qué original. Sin embargo, a decir verdad, esta técnica le sienta bien al tema de Alien Abduction, pues aunque no logra superar el inevitable desfile de tomas borrosas, gritos y vagos terrores, al menos cumple su propósito de hacerlos más inmediatos y creíbles cuando los presenta desde el punto de vista de una de las víctimas (¿o sería más apropiado llamarles "contactados"?) Lo que la cámara en mano no arregla es un libreto que empieza y termina bien, pero se arrastra penosamente durante la parte media, saturada de flojo relleno con ocasionales sobresaltos para dar la impresión de actividad, aunque es evidente que la trama está "en punto muerto" desde hace rato, esperando pacientemente la "inesperada" conclusión (que nos revelaron desde el principio, así que no queda mucha sorpresa para el final). De cualquier modo merecen mención algunos creativos replanteamientos del "secuestro extraterrestre", cuyos bien conocidos clichés se vuelven más terroríficos cuando están tenuemente iluminados por el foco de una cámara de video, permitiendo que nuestra imaginación complete los enigmáticos detalles. Además, el artero uso del fenómeno real de las luces de Brown Mountain establece una atmósfera pseudo-realista que facilita la digestión de las exageradas teorías propuestas por la película (al decir "fenómeno real" no quiero decir que sean genuinos OVNIs o aliens, sino que realmente ocurre un extraño fenómeno atmosférico en aquella región, bien documentado en la prensa local; y aunque no exista solución definitiva, imagino que probablemente será algo prosaico y decepcionante). Y también me gustó la participación en cámara del célebre Joshua P. Warren, uno de los pocos investigadores relativamente serios en asuntos paranormales (y frecuente invitado en Coast to Coast AM). Por lo demás, Alien Abduction cuenta con los valores de producción típicos del sub-género; las actuaciones son adecuadas, la cinematografía y espasmódica edición son consistentes con la premisa, y los ocasionales efectos especiales funcionan en virtud de su austeridad y minimalismo. En el contexto del "terror alienígena" yo ubicaría Alien Abduction por debajo de The Fourth Kind, al mismo nivel de Dark Skies, y muy arriba de Skinwalker Ranch (otro pseudo documental basado en un sitio real, pero filmado sin conocimiento alguno de su mitología). En resumen, Alien Abduction me pareció una cinta pasable, cuyo mejor atributo es la difusión de un fascinante misterio que podría inspirar una investigación formal sobre su origen. Claro que esto le robaría todo su encanto a las luces de Brown Mountain; a veces es mejor quedarse con la incógnita, y no enterarnos de que fue simple "gas de pantano".
Calificación: 6.5

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Pasión Inocente (Breathe In)

Síntomas: Keith (Guy Pearce), su esposa Megan (Amy Ryan) y su hija adolescente Lauren (Mackenzie Davis) llevan una vida simple y apacible, hasta que deciden acoger a Sophie (Felicity Jones), una enigmática estudiante británica de intercambio que empieza a ejercer influencia sobre cada uno de ellos de distintas maneras, cambiando la dinámica familiar y revelando sus oscuros secretos.

Diagnóstico: Quizás esa sinopsis sugiere algo más melodramático e impactante pero, para bien o para mal, el director Drake Doremus prefiere contar la historia con mesura y sutileza, hasta que llega al final y se da cuenta de que no han ocurrido suficientes cosas. Solo entonces libera a sus personajes para manifestar las explosivas emociones que se cocinaron a fuego lento desde el principio de la cinta. Sin embargo ya es demasiado tarde para salvar esta predecible película, cuyas buenas actuaciones y elegante dirección no compensan la falta de energía y de un libreto más interesante, que no se limite a repetir los clichés de similares tragedias familiares. Prácticamente desde la primera escena podemos imaginar el rumbo que tomará el argumento. Keith es feliz con su esposa e hija, trabajando como profesor de música en una exclusiva academia local; pero al mismo tiempo añora su juventud, cuando pertenecía a un grupo de rock, y se pregunta si su vida podría haber seguido un camino distinto. Entonces llega la atractiva Sophie, madura para su edad, llena de vida y pasión... y el resto de la Pasión Inocente prácticamente se escribe solo. Por el lado positivo las actuaciones son muy buenas, así como la química entre el elenco. Y no solo me refiero a Guy Pearce y Felicity Jones como el reprimido Keith y la seductora Sophie, respectivamente, sino también a Amy Ryan como la esposa alegre y comprensiva, incapaz de imaginar que algo inapropiado pueda estar ocurriendo en su hogar; y Mackenzie Davis como la obediente hija cuya típica inseguridad adolescente se exacerba cuando debe competir con la sofisticada visitante. El único punto levemente novedoso de la trama es que Doremus mantiene ambigua la intención real de Sophie; ¿se trata de una maliciosa "mujer fatal", o fue tan solo una víctima del apuesto profesor que no supo controlar sus instintos? Cada espectador deberá sacar sus propias conclusiones. Por lo demás, las cosas transcurren más o menos como esperamos, y si bien el final trata de arrojar algunas curvas, no se sienten como parte integral de la historia, sino como una estrategia desesperada para simular complejidad donde nunca la hubo. Siempre es difícil evaluar películas como Pasión Inocente, con muchos aciertos técnicos y artísticos, pero con un resultado menor que la suma de sus partes. A fin de cuentas la experiencia general me pareció cansada y decepcionante; aunque, por otro lado, me puso a pensar: ¿qué harían los guionistas modernos sin el recurso del "accidente autovilístico"? Probablemente tendrían que usar a Sasquatch o la caída de un meteorito para añadir forzada tragedia a sus monótonos argumentos.
Calificación: 6

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Ninfomanía, Primera Parte (Nymphomaniac, Volume I)

Síntomas: El humilde Seligman (Stellan Skarsgård) encuentra a Joe (Charlotte Gainsbourg) en la calle, inconsciente y lastimada. Entonces el afable anciano decide llevarla a su casa para que se recupere, y durante su convalescencia Joe le cuenta su larga historia de manía sexual, dividida convenientemente en capítulos que ofrecen coloridas metáforas con cosas tan dispares como la pesca fluvial o la secuencia de Fibonacci. Continuará.

Diagnostico: Con Ninfomanía, Primera Parte, el director sueco Lars Von Trier continúa su desfile de películas profundas, cuyas provocativas ideas florecen desafiantes en una rica y densa narrativa repleta de grandes verdades y sobrias observaciones sobre la contradictoria naturaleza humana. O también podríamos decir que Von Trier insiste en continuar su elaborada broma a costa del público, realizando intencionalmente películas aburridas y pretenciosas para burlarse en secreto cuando lo califican como excelso genio y le dan la razón sobre su auto-nominación como el mejor director del mundo. Francamente, ya no me importa saber cual de las dos alternativas es la correcta. O tal vez ninguna lo sea. Me da lo mismo. Prefiero evaluar la obra de Von Trier por sus virtudes intrínsecas, e ignorar la inescrutable intención del director. Bajo ese criterio, Ninfomanía, Primera Parte me pareció lenta, tediosa e hilarantemente "transgresora", usando gráficas escenas de sexo como "gimmick" comercial, pero disfrazado de falsa rebeldía contra el puritano cine norteamericano (o algo así). Por el lado positivo me gustó la brutal honestidad de los diálogos, la fría actitud de los personajes, y muchos de los perspicaces conceptos que ocasionalmente se asoman entre la espesa palabrería (ejemplo: "el amor es simplemente lujuria acompañada de celos"). Claro, muchos de estos conceptos parecen tomados de un manifiesto existencial escrito por algún adolescente reprimido (yo no escribía cosas como esa..  ¿por qué lo preguntan?), pero aún así los encontré interesantes. Las actuaciones también me parecieron buenas, y aunque no trago estos caprichos de Von Trier, creo que sigue siendo un director notable, con un excelente manejo de tono y lenguaje cinematográfico que ya quisieran tener muchos jóvenes directores egresados de videos musicales y comerciales televisivos. Por eso es doblemente frustrante encontrarlo sumido en esta cuestionable racha de obtuso "cine de autor" que desperdicia su considerable talento en nombre del "arte" (o del humor, como ustedes prefieran). En resumen, no sé si pueda recomendar Ninfomanía, Primera Parte. Me pareció una película mediocre con algunos admirables elementos; pero no los suficientes para redimirla; y tampoco fue una experiencia particularmente reveladora o memorable. Nunca pensé decir esto, pero creo que me gustó más Melancholía, la obra previa de Von Trier; era igualmente tediosa, pero al menos tenía colisiones cósmicas en vez de Shia LaBeouf.
Calificación: 6.5

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Godzilla

Síntomas: En 1999, un accidente en una planta nuclear japonesa revela la existencia de extraños fósiles en un sistema de cavernas subterráneas. Quince años después, el científico Joe Brody (Bryan Cranston) investiga obsesivamente aquel accidente, en el que falleció su esposa, y convence a su hijo Ford (Aaron Taylor-Johnson) para que lo acompañe a la "zona de cuarentena", donde descubren una conspiración que oculta algo aún más terrible y devastador.

Diagnóstico: Sentía cierto optimismo por esta nueva versión norteamericana de Godzilla gracias a que su director, Gareth Edwards, realizó en el 2010 la sobresaliente cinta Monsters, donde demostró increíble ingenio y talento para conjugar una historia interesante con sorprendentes imágenes, trabajando con un minúsculo presupuesto. Y ahora, con cientos de millones de dólares a su disposición, Edwards se esfuerza por crear una experiencia visualmente impresionante y narrativamente atractiva. Y hasta cierto punto lo consigue, pero no lo suficiente para evitar una leve decepción por muchos aspectos de su película. Entre lo bueno puedo señalar todo lo referente a Godzilla y (¿SPOILER?) los demás monstruos. Edwards tuvo el acierto de mantener el punto de vista a nivel humano, de modo que las batallas y destrucción abruman al espectador con su épica escala y vasta envergadura. Pero lo más importante es que las criaturas tienen personalidad, y se sienten como auténticos personajes relevantes a la historia, en vez de ser anónimos instrumentos de devastación. Y, bueno, los efectos especiales me parecieron asombrosos, sobre todo para quienes crecimos viendo las películas de Toho Pictures con hombres disfrazados aplastando maquetas de Tokio. Por el lado negativo, los monstruos tienen más personalidad que los humanos. A lo largo de la cinta Edwards mantiene el énfasis en las personas, y por eso varias veces nos niega el placer de ver a los monstruos en acción (incluso en una ocasión nos cierra la puerta en la cara, como para hacer más evidente su propósito). Esto sería bastante loable si los humanos fueran más interesantes, o si cumplieran su propósito como eje emocional de la historia; desafortunadamente no fue así, y terminé sintiendo que perdía el tiempo mientras veía al héroe tratando de comunicarse con su esposa, o a los soldados luchando por alcanzar el "mcguffin" tecnológico que resolverá todos sus problemas. En vez de retomar el conflicto intelectual de la original Gojira (como yo esperaba), la trama degenera en los clichés del cine de desastres, incluyendo la obligatoria familia separada por la catástrofe; el héroe con inevitables "daddy issues" que debe resolver antes de salvar al mundo; los militares en el bunker con rostros preocupados; el científico al que nadie escucha; el sabio japonés que recita máximas sobre el balance de la naturaleza y la arrogancia de la humanidad; y, desde luego, el perrito en peligro. El reparto está integrado por sólidos actores, pero no encontré sus actuaciones particularmente buenas, quizás por culpa del libreto que nos satura de información, rellenando las escenas con demasiados personajes, locaciones y situaciones que terminan confundiéndose sin avanzar la historia. Pero esos monstruos... casi salvan todo por sí mismos. A fin de cuentas Godzilla me pareció entretenida, visualmente espectacular, y con la mínima sustancia para convertirla en una aceptable "película evento"; pero como heredera de un enorme legado cultural fue un poco decepcionante, pues si bien captura el espíritu del cine "kaiju", no muestra la evolución que yo esperaba con el cambio de productores y los inmensos recursos que la respaldaron. En otras palabras, no me arrepiento de verla, pero sé que hoy en la noche voy a disfrutar más una doble función de la original Gojira seguida por Godzilla, Mothra and King Gidorah: Giant Monsters All-Out Attack. Nada como maquetas destruidas para limpiar el paladar y elevar mi espíritu.
Calificación: 7.5

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Las Novias de Mis Amigos (That Awkward Moment)

Síntomas: Jason (Zac Efron) y Daniel (Miles Teller) están en constante búsqueda de chicas atractivas para divertirse temporalmente, y siempre las abandonan cuando la relación amenaza con volverse seria. Mientras tanto, su amigo Mikey (Michael B. Jordan) no logra olvidar a su esposa infiel, lo cual le impide gozar su nueva soltería. Pero quizás estos tres individuos descubrirán que la felicidad no está en el sexo casual, sino en el genuino amor, o algo así.

Diagnóstico: ¿Por qué demonios fui a ver esta rebanada de excremento cinematográfico? Me pareció buena idea cuando no alcancé boleto para Godzilla, y aunque consideré varias veces salirme del cine, no lo hice para poder evaluar Las Novias de Mis Amigos con pleno conocimiento de todo lo que hizo mal. O, mejor dicho, de todo lo que ni siquiera intentó hacer bien. Se nota claramente que el director Tom Gormican trató de hacer una comedia romántica para hombres, combinando las francas discusiones sexuales de Sex and the City, la vulgaridad de American Pie; y el pintoresco entorno neoyorquino de Friends. Sin embargo el resultado es una antipática y tediosa colección de clichés absolutamente exenta de risas, romance o el más tenue comentario sobre las relaciones modernas. Parecería que Gormican aprendió de memoria las rutinas, pero no comprendió su significado. Es penoso ver a los actores tratando inútilmente de inyectar vida en sus "chispeantes" diálogos, o buscando risas con sus grotescas peripecias (¡El pene artificial cayó en la copa de champaña! ¡Jo, jo, jo!) Pero lo peor viene cuando enfrentan los inevitables momentos dramáticos que los obligan a madurar y cuestionar su disipado estilo de vida... sólo ahí logre reírme un poco, viendo a Zac Efron tratando de "actuar" y demostrarnos que ahora es un intérprete serio, ajeno a su pasado Disney, y dispuesto a mostrar el trasero y decir "fuck" la cantidad de veces necesaria para validar su rango dramático. Mis disculpas para sus fanáticas (y fanáticos); Efron será muy atractivo, pero su hueca personalidad le impide transmitir emociones realistas, o convencernos de que no es simplemente un perico recitando líneas que alguien más le escribió. En vista de las brillantes deconstrucciones del cine romántico que hemos visto recientemente, como About Time, Don Jon y The Spectacular Now, me parece inaceptable la existencia de bazofias como Las Novias de Mis Amigos, la cual prefiere ignorar la evolución del género para tratar al público como si fueran idiotas; como si los chistes sobre masturbación y Viagra fueran nuevos o relevantes. Lo único que puedo recomendar sobre esta película es evitarla a toda costa; y lo único que me conforta es que ya cumplí mi cuota de comedia romántica para el año entero. Fue como una vacuna, dolorosa pero necesaria para protegerme a largo plazo.
Calificación: 2

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Labor Day

Síntomas: Un fugitivo llamado Frank (Josh Brolin) se infiltra a la fuerza en el hogar de Adele (Kate Winslet) y su hijo Henry (Gattlin Griffith), buscando refugio temporal para evadir a la policía. Al principio la situación es muy tensa, pero con el paso del tiempo se transforma en una curiosa dinámica familiar que Adele no había experimentado desde su divorcio. Pero, ¿cual será la intención real del misterioso Frank?

Diagnóstico: Hasta el momento me han gustado mucho las películas del director Jason Reitman, no solo por su cálido y preciso estilo narrativo, sino porque tiende a elegir historias originales, difíciles de clasificar, pero muy accesibles y entretenidas gracias a la humanidad de sus personajes y a la vehemencia de sus emociones. Y, además de todo, aprecio la pasión que muestra al realizar proyectos personales que no buscan necesariamente éxito económico, ni cumplir con arbitrarios lineamientos mercadológicos de Hollywood. Esa larga lista de atributos sirve para describir su nueva cinta, Labor Day; y aunque fue la que menos me ha gustado en la filmografía de Reitman, no deja de ser un eficiente thriller apoyado por excelentes actuaciones y sutil suspenso que se incrementa gradualmente hasta la satisfactoria conclusión. Al principio me costó trabajo aceptar la facilidad con la que el fugitivo se acomoda en la casa de Adele, pero el perfecto trabajo de Josh Brolin y Kate Winslet se encarga de enriquecer la trama, haciéndola más creíble conforme se revelan secretos del pasado, y nos damos cuenta de los factores que contribuyeron a que dos personas tan distintas logren encontrar amparo en su mutua desesperación. También merece mención el niño Gattlin Griffith, mostrándose a la altura del elenco adulto y cargando con facilidad su propia sub-trama de incipiente romance pre-adolescente y "coming of age". Y un sincero aplauso para el departamento de "casting" por haber encontrado a Tom Lipinksi, el actor ideal para interpretar a Brolin de joven, durante los "flashbacks" donde vemos el crimen que lo hizo fugitivo de la justicia; su parecido es extraordinario y la película se beneficia por ello. Pasando a cosas más abstractas, me desconcertó un poco la inusual percepción del tiempo que maneja la película. Estrictamente hablando, los eventos que retrata transcurren a lo largo de cinco días (durante el fin de semana del Día del Trabajo, como anuncia el título), pero el pausado ritmo y metódica evolución de los personajes hacen que se sienta como si hubieran pasado semanas. Quizás sea porque el libreto es adaptación de una novela, y naturalmente la densidad de una obra literaria puede dar extraños resultados cuando se expresa como película. Como sea, no lo clasificaría como falla; simplemente como detalle curioso que me llamó la atención. Entonces, como dije antes, Labor Day no me pareció una película esencial, y creo que me gustó menos que Thank You for Smoking, Juno, Up in the Air o Young Adult; pero aun así amerita una recomendación para quien sepa apreciar historias lentas y sustanciosas que no buscan una fácil catarsis ni el obligatorio final feliz, sino las honestas alegrías y tragedias de la vida real. Claro, un poco exageradas para hacerlas más dramáticas; y con mejor música.
Calificación: 8.5

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Black Water Vampire

Síntomas: La tenaz reportera Danielle Mason (Danielle Lozeau) recluta a varios amigos y colaboradores para realizar un documental sobre los asesinatos de Black Water, que abarcaron casi cuatro décadas. Un individuo llamado Raymond Banks (Bill Oberst Jr.) fue recientemente encontrado culpable de los homicidios, pero Danielle está segura de que la ley cometió un error, y quiere encontrar evidencia de ello antes de que el prisionero sea ejecutado.

Diagnóstico: Otra semana, otro pseudo-documental de terror. Aunque, a decir verdad, no recuerdo que el tema vampírico se haya usado en este formato, así que podemos darle puntos al director Evan Tramel por mostrar cierta originalidad. También me gustó que Black Water Vampire se base en una premisa vagamente sobria y creíble. Claro, a fin de cuentas todo termina en la conocida rutina de jóvenes vagando por el bosque, gritando "¿Qué fue eso? ¿Escuchaste algo?"; pero la intención humanitaria de la protagonista y el ángulo jurídico parecen más válidos que la típica investigación paranormal que impulsa casi todas las películas de este estilo. Los actores que interpretan al equipo de producción mantienen un buen nivel de energía que ayuda a sobrellevar las obligatorias peleas, disputas y recriminaciones que toman el lugar de auténtico drama. Por otro lado, las entrevistas que conducen con "testigos" y residentes locales se sienten bastante reales, y casi nos convencen de que estamos viendo genuinos videos "recuperados" de un documental inconcluso. Desafortunadamente el resto de la historia es tan predecible como puede suponerse. Hay un par de escenas bastante tensas, y aunque el título de la cinta ya nos anticipó el final, el director crea algunos momentos de tenebrosa incertidumbre que casi compensan los demás elementos prefabricados (por ejemplo, la enigmática mujer en la nieve). Las gélidas locaciones canadienses evocan una lúgubre solemnidad que acentúa el suspenso y transmite claramente el aislamiento de los personajes; no debe haber sido fácil grabar la película entre tanta nieve, pero valió la pena por la atmósfera que se obtuvo con muy poco dinero (aunque seguramente a costa del sufrimiento del equipo técnico). Sin embargo, como tantos otros "documentales" simulados, el final pierde todo realismo en su búsqueda de un "twist" sorpresivo para complementar el mediano horror de la trama principal. Una vez más nos vemos obligados a tragar las más inverosímiles excusas para que las cámaras sigan grabando; y lo malo es que el mencionado "twist" no resulta tan impactante o inesperado, así que tampoco justifica por completo las vueltas que dimos para llegar a él. Aún así, como dije, me gustaron los personajes, la gradual transformación de investigación criminal a horror, y algunos efectos prácticos no muy creíbles, pero bien realizados al estilo de la "vieja escuela". Si no fuera por el formato documental, Black Water Vampire sería una sólida película independiente de terror; pero su innecesario uso de esa técnica incorpora problemas que quizás no hubieran surgido empleando un estilo narrativo más convencional. Ojalá más cineastas se den cuenta de esa paradoja, y abandonen la ilusión de que nos están engañando con productos saturados de artificialidad que jamás podrían pasar por el artículo legítimo. Pero dudo mucho que aprendan.
Calificación: 6.5

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Amor por Conveniencia (The Brass Teapot)

Síntomas: Los recién casados John (Michael Angarano) y Alice (Juno Temple) sufren los típicos problemas económicos de muchas parejas jóvenes, hasta que descubren casualmente una antigua tetera de latón que mágicamente genera dinero cuando alguno de ellos experimenta dolor; entre más dolor, más dinero. Al principio parece ser la respuesta a sus problemas financieros, pero ¿hasta dónde podrá llevarlos su ambición?

Diagnóstico: La publicidad trata de venderla como una comedia romántica, pero Amor por Conveniencia es en realidad una fábula moralista con elementos de "realismo mágico", cuyas buenas intenciones se ven opacadas por un argumento forzado e inverosímil, que solo funciona en virtud de sus actores (o, específicamente, de su actriz principal). La mecánica del argumento es bastante simple, y podemos adivinar hacia dónde se dirige: los jóvenes encuentran una fuente de dinero aparentemente inagotable, y aunque su vida cambia positivamente, las consecuencias serán más graves de lo que esperaban. Desafortunadamente la moraleja didáctica se pierde entre las increíblemente estúpidas decisiones de los personajes y su incongruente comportamiento, de modo que no me queda claro el mensaje... ¿"Ten cuidado con lo que deseas"? ¿"El dinero es la raíz de todos los males"? ¿"Los imbéciles no merecen tener dinero"? Supongo que cada espectador decidirá cual fue la enseñanza que ofrece esta película (para mi fue: "Si necesitas personajes idiotas para que funcione la trama, el resultado será igualmente idiota"). En lo que respecta a la producción y calidad de Amor por Conveniencia, hay muchas cosas positivas balanceadas por irritantes problemas que me impidieron disfrutarla. Siempre es difícil integrar temas "mágicos" en una película que aspira a cierto realismo emocional, y la directora Ramaa Mosley merece crédito por hacer aceptable el asunto de la "tetera milagrosa", ubicándola en un difuso marco histórico (el cual incluye nazis, judíos ortodoxos y estudiosos orientales) que presta la credibilidad necesaria para facilitar el flujo de la historia. Entonces, el problema no es la "magia", sino el comportamiento de los personajes, tan arbitrario, absurdo y conveniente que se nota claramente la mano manipuladora de los guionistas, tratando de acomodar las piezas para llegar al resultado deseado. Sé que es una queja un poco abstracta, pero me estuvo molestando durante la película entera, y arruinó algunas de las buenas ideas que nos presenta (por ejemplo, la progresión de "dolor" que requiere la tetera para generar dinero es muy ingeniosa, y sirve como perfecta motivación para la espiral destructiva de los protagonistas); pero por cada buena idea hay una mala decisión artística que sabotea la intención del relato. Afortunadamente la actriz Juno Temple domina la película con su presencia e implacable convicción, atrapándonos en la obsesión de su personaje y funcionando como potente motor de la narrativa. Michael Angarano, como su blando esposo, tiene un papel más reactivo; y los personajes secundarios (entre ellos Alexis Biedel y Alia Shawkat) son simples estereotipos necesarios para apuntalar la predecible estructura dramática (Biedel es la amiga rica y superficial, mientas que Shawkat es la amiga pobre, pero con buen corazón; sus escenas se escriben solas). A fin de cuentas, como dije, hay buenas ideas en Amor por Conveniencia, además de una actuación notable y una provocativa premisa; y si bien el libreto pierde puntos por su pobre construcción, creo que puedo darle una cauta recomendación, pues a fin de cuentas no me aburrió, y me dejó pensando al salir del cine (aunque no hayan sido pensamientos particularmente positivos). En resumen, si yo tuviera la tetera mágica, no me hubiera dado mucho dinero por ver Amor por Conveniencia, lo cual es un halago, supongo.
Calificación: 6.5

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Silencio del Más Allá (The Quiet Ones)

Síntomas: En 1974, el tenaz Profesor Joseph Coupland (Jared Harris) conduce cuestionables experimentos sobre la joven Jane Harper (Olivia Cooke) para demostrar que los eventos paranormales que la han torturado desde niña se deben a la "energía negativa" que todos llevamos dentro, y que puede curarse por métodos psiquiátricos tradicionales. Pero, desde luego, el experimento arroja resultados muy peligrosos para el Profesor y su trío de asistentes universitarios.


Diagnóstico: Confieso que Silencio del Más Allá me produjo un placer especial (independientemente de su calidad), por ser la primera obra de Hammer Films que he visto en el cine. Claro, no es exactamente el mismo estudio Hammer Films que realizó todas aquellas películas de terror que devoré en mi infancia por televisión y VHS, pero bueno... aún así fue una experiencia distinta. Y también ayuda mucho que el argumento de Silencio del Más Allá nos ubique en la década de los setentas, subrayando la atmósfera retro y el estricto enfoque analítico de esta interesante película que toca uno de mis temas favoritos en el género fantástico: ciencia contra superstición. Se supone que está basada en hechos reales (confirmado por las fotos "históricas" que vemos durante los créditos finales), pero aún si no lo fuera, la trama se fundamenta en una idea fascinante: la causa de cualquier supuesto evento sobrenatural proviene del individuo mismo, y no de factores externos como espíritus o demonios. La reciente cinta The Apparition intentó hacer algo similar (inspirada por el mismo "Experimento Philip"), pero Silencio del Más Allá toma en serio la premisa y explora con mayor disciplina el posible origen mundano de una entidad sobrenatural. De hecho, quizás insiste demasiado en ello... y la consecuencia es que la película se siente un poco repetitiva, con demasiadas discusiones que dan vueltas al mismo asunto, sin alcanzar una respuesta satisfactoria... hasta que el final lo exige. Otro problema de Silencio del Más Allá es su excesivo uso de sobresaltos y sonidos inesperados para asustar al público; por un lado, su diseño de audio es muy bueno, y demuestra lo mucho que se puede lograr con atmósfera y sugestión, en vez de efectos especiales. Por otro lado, el director John Pogue abusa tanto de la técnica que pierde impacto mucho antes de llegar al desenlace. A pesar de esa irritante estrategia, me gustó el uso de tecnología obsoleta y actitudes políticamente incorrectas (por no mencionar la música de Slade), pues prestan realismo a la narrativa y disculpan en cierta medida los extremos métodos del Prof. Coupland, así como su falta de ética y rigor científico. Las actuaciones son adecuadas para el tema y reflejan eficientemente los clichés del género (desde "genio loco fuera de control" hasta "chica seductora sin motivo aparente"). Pero lo mejor de Silencio del Más Allá es su énfasis en el aspecto psicológico del terror, y su sobrio enfoque de una trama que normalmente se prestaría a excesos visuales que nunca funcionan tan bien como lo que nuestra imaginación puede evocar con el estímulo correcto. Quizás esto pueda traducirse como "aburrido" para algunos espectadores, pero en lo personal prefiero una historia de fantasmas (o lo que sea) que nos pone a pensar al mismo tiempo que trata de asustarnos... incluso si se vale de trucos muy viejos para lograrlo. Entonces, sin ser perfecta, Silencio del Más Allá amerita una recomendación y se gana un digno lugar en el estante de películas de terror pseudo-científicas, como The Asphyx, Quatermass and the Pit y The Exorcism of Emily Rose. No será el mismo Hammer Films de antes, pero tiene la actitud correcta, y eso augura cosas buenas. Ojalá no decepcionen.
Calificación: 8

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3 Días Para Matar (3 Days to Kill)

Síntomas: Un veterano agente de la CIA llamado Ethan Renner (Kevin Costner) se retira del servicio activo por razones médicas, y decide usar su nuevo tiempo libre para reconciliarse con su hija adolescente Zooey (Hailee Stanfield). Pero sus planes cambian abruptamente cuando la manipuladora Agente Vivi (Amber Heard) le pide ayuda para detener a un peligroso traficante de armas que está tratando de vender una "bomba sucia". Sin embargo, como siempre, las cosas no son tan simples como parecen.

Diagnóstico: No sabía exactamente qué esperar de una película producida por Luc Besson y dirigida por McG. Ambos cineastas se hicieron famosos hace más de una década por su audaz e innovador trabajo en el género de acción, pero con el paso de los años sus respectivas películas se volvieron cada vez más genéricas y olvidables. ¿Sería esta colaboración otro de esos fracasos, o se transformaría en una mágica conjunción de talentos que los regresaría a la cima? Me temo que la respuesta se inclina por lo primero. La premisa de "individuo retirado (policía, ladrón, espía, plomero, etc.) que tiene que regresar para un último trabajo" es bien conocida, y puede dar buenos resultados cuando se maneja adecuadamente. Y la adición del melodrama familiar sirve para humanizar al héroe, al mismo tiempo que presenta un ingenioso contraste con la violencia. El libreto de 3 Días Para Matar cuenta con todos estos elementos, pero están tan torpemente implementados que terminan estorbándose en vez de complementarse. La intriga de los espías se desarrolla con frustrante lentitud, y ni siquiera es tan interesante a pesar de las ocasionales peleas, balaceras y persecuciones. Por su parte, la relación de Ethan con su hija está cocinada con receta de sitcom, y en ningún momento consigue evocar emociones creíbles; por no mencionar que la niña es tan caprichosa y antipática que no inspira muchos deseos de verla reconciliada con su padre. Por el lado positivo puedo señalar la actuación de Kevin Costner, aprovechando al máximo su madurez para comunicar experiencia, pero sin perder el desempeño físico de antaño (o al menos sin perder a los dobles que realizan los stunts). Y también me gustaron dos secuencias de acción; una espectacular explosión al principio, y una corta pero tensa persecución automovilística al final. Sin embargo esos breves momentos no bastan para redimir la cinta ni garantizar una recomendación. En resumen, 3 Días Para Matar me pareció un aburrido thriller que falla en todos los niveles; y quizás sea un mal augurio para la carrera futura de McG (ojalá le gusten las "B-Movies" directas a VoD, porque sospecho que pronto lo veremos ahí). Sé que mucha gente odia el frenético estilo que este director solía usar (a mi me gustaba), pero al menos hubiera inyectado un poco de vida en 3 Días Para Matar, evitando que fuera una blanda colección de clichés, totalmente anónima y carente de energía. Pero, eso sí, infestada de horrible pop europeo, cortesía de Luc Besson. Espero que haya recibido buena "payola".
Calificación: 5

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Cheap Thrills

Síntomas: Craig (Pat Healy) y su amigo Vince (Ethan Embry) están atravesando una mala situación económica, pero su suerte parece cambiar cuando conocen casualmente en un bar a Colin (David Koechner) y su esposa Violet (Sara Paxton), quienes inician un juego de apuestas en el que Craig y Vince reciben dinero por hacer cosas impulsivas, como beber tequila rápidamente, o tratar de seducir a la mesera. Eventualmente deciden continuar la fiesta en la casa de Colin, donde se eleva el tono de las apuestas y también el dinero. Entonces los amigos tendrán que evaluar hasta dónde están dispuestos a llegar para resolver sus problemas financieros.

Diagnóstico: Quizás cometí el error de ver Cheap Thrills con expectativas demasiado elevadas, en vista de los comentarios universalmente positivos que recibió el año pasado durante su ronda por festivales de cine independiente. Y no es mala... de hecho, me pareció bastante bien escrita y actuada, con un potente mensaje sobre la condición humana, combinado con humor tan negro que cuesta trabajo decidir si debemos reír o llorar ante el despliegue de sadismo y perversidad que adorna cada escena. O quizás ya estoy demasiado viejo para apreciar historias de crueldad sin sentido; me inclino por esto último, ya que tampoco me gustan las cintas sobre "invasión doméstica" donde un grupo de maleantes tortura alguna inocente familia sin motivo aparente. Afortunadamente Cheap Thrills no es una de esas películas; o quizás sí, pero invirtiendo los papeles de víctimas y villanos. En vez de ser invasores, los ineptos amigos Craig y Vince se dejan conducir a la mansión de Colin, donde la brutalidad de las "apuestas" se incrementa hasta niveles inhumanos. Y, como espectadores/cómplices, podemos ver con una mezcla de repulsión y fascinación el drama doméstico que se desarrolla bajo la guisa de juego. En ese aspecto Cheap Thrills me pareció mucho más lograda que Funny Games (cualquiera de las dos versiones), pues igualmente nos reta a ser partícipes del horror, pero sin llamar la atención a su estrategia. Simplemente nos sumerge en la manipulación mental de los personajes, dejando en el aire la obvia pregunta: "¿qué haríamos en su lugar?" Supongo que cada persona deberá cargar con el peso de su respuesta. En lo que concierne a los menos controversiales aspectos de la película, puedo decir que el director E.L. Katz logró crear orgánicamente una atmósfera de angustia y suspenso sin echar mano de los cansados trucos estilísticos que infestan los thrillers modernos. Y a pesar de ser una película bastante corta, hay suficiente tiempo (y pericia narrativa) para dibujar eficientemente el carácter de los protagonistas, lo cual aporta credibilidad a las escenas más extremas. El reparto contribuye a este logro con actuaciones naturales y concisas, destacando el comediante David Koechner como el "maestro de ceremonias", al mismo tiempo afable y peligroso; y Sara Paxton como su lacónica esposa, que no necesita muchas palabras para construir un personaje inescrutable y complejo. Pensándolo bien, creo que Cheap Thrills merece todos los halagos que recibió; y aunque yo hubiera preferido una historia más profunda y sustanciosa, supongo que puedo darle una sólida recomendación por su implacable determinación y fuerte impacto psicológico. No es para todos los gustos (incluyendo el mio), pero no se puede negar su audacia y pericia para lograr divertirnos con una historia tan desmoralizante y pesimista. Creo que necesito un chocolate.
Calificación: 8.5

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The Appearing

Síntomas: Tras la muerte accidental de su pequeña hija, los esposos Michael (Will Wallace) y Rachel (Emily Brooks) se mudan a un tranquilo pueblo en busca de un nuevo comienzo. Mike consigue trabajo en el departamento de policía, y su primer caso consiste en investigar la misteriosa desaparición de una adolescente local. Mientras tanto Rachel experimenta tenebrosas visiones en su nuevo hogar. ¿Existirá alguna relación entre estos eventos?

Diagnóstico: No sé por donde empezar a describir los problemas de The Appearing. ¿Qué será peor: el fracturado argumento que nunca decide cuál rumbo tomar? ¿O las rígidas actuaciones que parecen de teatro aficionado? ¿O los diálogos "profundos" que inspiran risa? También podríamos empezar por el gramáticamente cuestionable título. A fin de cuentas nada de eso importa; el único dato relevante es que The Appearing habita un curioso estrato de mediocridad distinto al de otras modernas bazofias de terror. Su apariencia y manufactura denotan cierto profesionalismo, pero todas las decisiones creativas del director y los actores parecen venir de otro universo. Como héroe por default, Will Wallace frunce el ceño tratando de mostrar empatía pero parece que tiene los ojos cerrados durante la mitad de la película, lo cual solo exacerba su terrible "actuación". En el papel de sufrida esposa, Emily Brooks solo maneja tres emociones: confusión, llanto y terror (Spoiler: ninguna funciona); y Don Swayze (hermano del finado Patrick) mantiene exactamente la misma expresión en todas sus escenas, ya sea que esté recitando solemnes pasajes de la Biblia, o dándole la bienvenida a su nuevo alguacil. El único "nombre" del reparto es Dean Cain, pero tiene tan pocas escenas que casi parece cameo; aunque al menos le confieren el honor de resolver el "gran misterio" detrás de los eventos sobrenaturales (por cierto, la solución solo requiere escribir al revés una palabra que ya vimos decenas de veces, así que no habrá mucho misterio para el público observador). Y el director Daric Gates emplea abundante cámara lenta y trucos de edición para asustarnos; pero no lo consigue, ni logra disimular la incongruencia del argumento, y desde luego jamás alcanza el peso dramático que necesitaría para mantener nuestra atención. Francamente no encontré muchas cosas rescatables en The Appearing; supongo que el audio está bien sincronizado con el video; la filmación le dio trabajo a algunos técnicos; y desde luego sirve para inflar la filmografía del hermano de Patrick Swayze, lo cual podría ayudarlo a encontrar más papeles. Fuera de eso, mi recomendación sería evitarla e invertir esos noventa minutos en alguna otra película que tenga mejor comprensión del género de terror, o del cine en general. O también podrían leer la Biblia para encontrar todos los pasajes que menciona Don Swayze. Probablemente se aburrirán igual, pero quizás ganen puntos kármicos para el más allá.
Calificación: 3

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Cesar Chavez

Síntomas: Durante los años sesentas se aprobaron nuevas leyes laborales para proteger a los trabajadores de los Estados Unidos... excepto a los campesinos mexicano-americanos, quienes sufrían constantes humillaciones y malas condiciones de trabajo. Pero las cosas empezaron a cambiar gracias a un ex-campesino y activista llamado César Chávez (Michael Peña), cuyos llamados a la protesta no violenta lo ayudaron a ganar muchos seguidores... y algunos poderosos enemigos.

Diagnóstico: No sé si será la edad, pero cada vez encuentro menos apetecibles las películas biográficas o históricas. En la mayor parte de los casos me parece que hubiera sido más interesante ver un documental sobre el tema, en vez de una dramatización necesariamente alterada para ajustarse a las rígidas reglas del cine comercial. Esto no significa que todas las películas biográficas/históricas sean malas; por el contrario, hay muchas obras dignas de apreciarse por su detallada manufactura y honestos sentimientos... pero por cada Philomena o Dallas Buyer's Club, hay demasiadas cintas medianas, cuyas buenas intenciones no bastan para compensar la ausencia de esa indescriptible magia narrativa que las haría superiores a una simple lección de historia. Desafortunadamente pienso que Cesar Chavez cae en esa categoría: está bien actuada, competentemente producida y ofrece un tema relevante que vale la pena conocer... y sin embargo carece de la energía y convicción necesarias para trascender su artificialidad. De cualquier modo amerita mención el desempeño del siempre confiable Michael Peña en el papel principal, demostrando que tiene talento y carisma para sostener una película por sí solo; la cinematografía y ambientación que nos transportan a una época al mismo tiempo familiar y muy distinta cuando la vemos desde la perspectiva de los trabajadores oprimidos; y la dirección de Diego Luna, metódica y segura, aunque un poco indulgente con un libreto encasillado en una rutina de escenas repetitivas que tienden a cansar al espectador. En lo que respecta a la veracidad histórica, Cesar Chavez sufre ocasionalmente de "amor ciego" por su protagonista, haciéndolo demasiado perfecto y perdiendo un poco de su humanidad en el proceso. Además, parece muy conveniente la omisión de ciertos detalles, como el rechazo de Chávez hacia los inmigrantes mexicanos y las campañas que realizó en contra de los "mojados". Tal vez ese hubiera sido el reto dramático que necesitaba la película para ser memorable: mostrar prácticas que hoy consideraríamos políticamente incorrectas, y luego explicarnos por qué eran lógicas y hasta benéficas para la causa de Chávez. Pero bueno, hay que darle el beneficio de la duda al director y no juzgar la película por su selectividad temática. A fin de cuentas Cesar Chavez cumple su misión didáctica y recreativa, y aunque yo hubiera preferido ver un buen documental sobre este héroe mexicano-americano, la dramatización funciona por sí misma y merece una recomendación, sobre todo para quienes lo confunden con un cierto boxeador mexicano (Julio César Chávez) o un presidente venezolano (Hugo Chavez). No cabe duda que César Chávez hizo mucho por los trabajadores de su país; pero no sé si esta película hizo mucho por César Chávez.
Calificación: 7.5

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Almost Human

Síntomas: En 1987, un cazador desaparece misteriosamente bajo un rayo de luz azul que se proyecta del cielo. Dos años después regresa y empieza a matar a toda persona que encuentra a su paso. Basada en hechos reales.

Diagnóstico: En este caso asumo que los "hechos reales" se limitan a la existencia del año 1987 (puedo asegurar que existió porque yo lo viví). Por lo demás, Almost Human (no confundirla con la epónima serie de televisión estelarizada por Karl Urban) es una ficticia cinta slasher retrabajada con algunos elementos de ciencia ficción que le dan un tono distinto a la narrativa y una bizarra motivación al asesino en turno, quien se abstiene de usar máscara. ¿O quizás la máscara sea su apariencia humana? De cualquier modo, con o sin insinuaciones extraterrestres, Almost Human no pierde oportunidad de verter copiosas cantidades de sangre durante los brutales asesinatos del villano, cuyos métodos son refrescantemente prosaicos... nada de muertes “creativas” para este maniático asesino. Desde luego eso no impide un poco de perversa grotesquería al final, cuando se revela el auténtico propósito de su "visita". Y sobra decir que dicho propósito incluye a la obligatoria "chica final" interpretada por Vanessa Leigh... aunque sería más correcto decir "mujer final" pues, para variar, Almost Human cuenta con un elenco totalmente adulto; otra significativa diferencia que la separa del típico slasher juvenil. Los actores realizan un trabajo decente, y lo mismo aplica a los elementos técnicos de la cinta, desde la música, adecuadamente tensa, hasta la fotografía que viste de misterio los siniestros bosques de Maine (donde ocurrieron los supuestos "hechos reales"). En cuanto a los efectos especiales, están realizados a la antigua, con látex y sangre artificial, pero con ocasional apoyo de precisa edición digital para incrementar el impacto de las muertes. No obstante, quienes se vean atraídos por el aspecto de ciencia ficción probablemente quedaran defraudados (igual que yo), ya que la cinta no ofrece explicaciones definitivas ni disipa el misterio sobre la  desaparición del cazador. Esta ambigüedad se extiende hasta el abrupto final que deja demasiadas preguntas sin respuesta. Y la escena post-créditos solo enreda más las cosas. Quizás el director espera resolverlas en una secuela, pero no sé si Almost Human tendrá suficiente éxito para garantizarla. De cualquier modo puedo darle una escueta recomendación por derecho propio, como una entretenida y sangrienta cinta de terror que tomó prestados elementos de otros géneros, sin alcanzar a explotarlos adecuadamente, ya sea por convicción artística o porque así resultó más fácil para el director. Sea cual sea las respuesta, respeto su decisión. Hubiera sido peor ver aliens digitales blandiendo machetes de Jason.
Calificación: 7

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Sin Escalas (Non-Stop)

Síntomas: Durante un vuelo a Londres, el alguacil aéreo Bill Marks (Liam Neeson) recibe un mensaje de texto anunciando la muerte de un pasajero cada veinte minutos, a menos que se depositen 150 millones de dólares en una cuenta bancaria. Entonces, con ayuda de la azafata Nancy (Michelle Dockery) y de Jen (Julianne Moore), su compañera de asiento, Bill tratará de encontrar al terrorista oculto entre los más de 200 pasajeros del avión.

Diagnóstico: Sin Escalas es la segunda colaboración del director español Jaume Collet-Serra y el actor irlandés Liam Neeson, lo cual me hizo suponer que sería una secuela de Unknown, su cinta previa; pero no fue así. Simplemente se trata de otro genérico thriller donde Neeson repite su acostumbrado papel de tipo duro (esta vez un alguacil aéreo con turbulento pasado y problemas familiares) enfrentando situaciones de alto riesgo con sus puños y con un par de guapas mujeres como aliadas improvisadas. El argumento es ciertamente distinto, y no niego que tenga algunos toques de originalidad, pero a fin de cuentas la manufactura y tono de la cinta se sienten tan familiares que nos deja la impresión de haberla visto antes... a menos que el espectador no haya visto una sola película de Liam Neeson desde que hizo pareja con Jar Jar Binks hace quince años (vaya... ¿Ya pasaron quince años desde que perdí el entusiasmo por Star Wars? Como vuela el tiempo). Hablando de volar, yo tenía la esperanza de que la ubicación de la historia a bordo de un avión ofrecería amplias oportunidades para implementar impresionantes escenas de acción, pero nunca llegaron (bueno, hay una, y no me pareció tan emocionante). Sin Escalas prefiere tomar el camino del suspenso y la intriga, arrojando complicaciones y giros sorpresivos con suficiente regularidad para mantenernos interesados (por no mencionar el débil mensaje político)... y para distraernos de la absoluta ridiculez del argumento, el cual se fundamenta en la forzada estupidez de un protagonista que toma repetidamente las peores decisiones posibles sin perder su aura de heroísmo. Pero bueno, al final el misterio se resuelve satisfactoriamente (más o menos), Neeson luce su habitual gravedad en un papel por debajo de su talento, y Michelle Dockery logra usar ropa más moderna que la que acostumbra en Downton Abbey (aunque sea un uniforme de azafata). Francamente no encuentro muchas razones para recomendar Sin Escalas, tomando en cuenta que hay mejores thrillers aéreos (Red Eye, United 93) y mejores instancias de Liam Neeson como héroe de acción (Taken, The Grey). Más aún, ninguna de esas cintas nos hace creer que "Aqualantic" sería un nombre aceptable para una línea aérea.
Calificación: 6.5

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