Hatching (Pahanhautoja)

Síntomas: La pequeña Tinja (Siiri Solalinna) rescata un huevo de un nido abandonado para incubarlo en su habitación hasta que nazca. Pero lo que sale del cascarón resulta más peligroso de lo que ella imaginaba.

Diagnóstico: Aunque nunca había visto una "creature feature" finlandesa*, Hatching me pareció una sobresaliente muestra del sub-género gracias a sus excelentes actuaciones, hermosa cinematografía, y efectos especiales de alta calidad. Sin embargo, la mayor virtud de la película es su densa historia repleta de simbolismo y observaciones sobre una familia perfecta en la superficie, pero profundamente infeliz por culpa de una madre autoritaria que solo se preocupa por las apariencias. Hatching es una de las mejores implementaciones del "horror metafórico" que he visto recientemente, donde la criatura representa diversos aspectos de la disfunción doméstica... así como el descontento de la hija mayor que se encuentra en el umbral de la adolescencia, buscando su propia identidad y estableciendo su independencia.
Todo empieza cuando un cuervo se mete a la casa perfectamente decorada de una familia finlandesa, y causa destrozos antes de ser capturado. Al día siguiente la niña Tinja (Siiri Solalinna) descubre un nido con un huevecillo abandonado, y decide llevarlo a su casa para incubarlo en secreto bajo su almohada... porque su madre (Sophia Heikkilä) jamás permitiría un inmundo animal silvestre en su casa. Entonces se abre el huevo, y sale una extraña criatura que cambiará para siempre sus vidas.
La directora Hanna Bergholm y su co-guionista Ilja Rautsi tienen mucho que decir, no solo sobre el tortuoso camino a la madurez de una niña durante una crisis familiar, sino sobre varios aspectos de la sociedad contemporánea. Entre ellos: la popularidad en las redes sociales como medida del valor personal; la presión que sienten los niños por satisfacer las expectativas de sus padres; y el destructivo hábito de resucitar los sueños perdidos por medio de los hijos. Y desde luego cada espectador descubrirá mensajes adicionales en esta historia abierta a interpretación, donde hay más preguntas que respuestas. Es más interesante así, en mi humilde opinión, pues conservan durante más tiempo el misterio del monstruo y su enigmática misión.
Pero, aparte de alegorías y simbolismos, Hatching también es una sólida historia de horror dirigida con experta precisión para crear suspenso sin sacrificar la deliciosa ambigüedad de la premisa. Y aunque no es una película "gore", los efectos especiales de los estudios FIXAS (animatronics) y Umedia (manipulación digital) muestran gran estilo visual y un sobrio balance entre el surrealismo de una pesadilla y el prosaico entorno de un hogar suburbano.
Por el lado negativo tenemos la típica escena de "el perro es la primera víctima para demostrar que las cosas van en serio". Y Bergholm deja algunas sub-tramas inconclusas (como la vecina de Tinja) para evitar distracciones y alcanzar el máximo impacto en el mínimo tiempo necesario (alrededor de ochenta minutos sin contar los créditos finales), lo cual siempre aprecio, especialmente en el cine de terror. Por lo demás, Hatching me pareció una experiencia visualmente atractiva, emocionalmente perturbadora, e inesperadamente elocuente por su fusión de análisis social y horror orgánico en un ambiente familiar que todos podemos entender. No hace falta un bosque oscuro ni un laboratorio secreto cuando los peores monstruos están en casa.
Calificación: 9

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* It Came From the Desert no cuenta porque fue una co-producción internacional.

Top Gun: Maverick

Síntomas: El Capitán Pete "Maverick" Mitchell (Tom Cruise) entrena a varios pilotos para realizar una misión de alto riesgo en territorio enemigo; pero el recuerdo de una tragedia del pasado podría afectar su criterio y poner en peligro al escuadrón.

Diagnóstico: Durante noventa minutos Top Gun: Maverick recicla los eventos, la música, y hasta la dirección de la original Top Gun (1986), apilando cliché tras cliché para construir una historia genérica y predecible: el piloto rebelde que ignora las reglas, pero obtiene resultados; el trauma del pasado que aún lo persigue; y el romance que solo existe para humanizar al protagonista y darle algo que hacer entre acrobacias aéreas y peleas con sus jefes. En otras palabras, un pastiche de los peores aspectos del cine ochentero.
Entonces llegamos al tercer acto, y Top Gun: Maverick se convierte en un fenomenal homenaje a todo lo bueno del cine ochentero: acción de alto calibre, increíbles "stunts" prácticos, y emociones libres de cinismo que nos dejan con una gran sonrisa al salir del cine.
Sí, tal vez Top Gun: Maverick pudo tener un libreto más innovador (la Gran Misión Suicida salió directamente de Star Wars), con mejores excusas para motivar a los personajes (la tragedia del pasado funciona con Maverick, pero los demás pilotos son títeres de papel), y con un balance más eficiente entre drama y acción (los primeros dos actos me causaron bostezos); pero a fin de cuentas el anacronismo forma parte de su encanto, y sirve como apropiado preámbulo de ese tremendo final que justifica todo lo demás.
El director Joseph Kosinksi (TRON: Legacy, Only the Brave) y su comité de guionistas tomaron en cuenta a los devotos de la cinta original, añadiendo generosas dosis de "fan service" para satisfacer la nostalgia y recordarnos por qué Top Gun fue una cinta tan icónica en su particular marco histórico. Sin embargo, tuvieron el acierto de reducir el subtexto patriótico que parecía apropiado en la era de Reagan, pero sería inapropiado (y hasta divisorio) en el clima político actual. Por eso los enemigos no tienen rostro (literalmente), ni nación, ni ideología; solo aviones de "Quinta Generación" (¿qué demonios significa eso?) que amenazan a los jóvenes pilotos elegidos para bombardear un blanco estratégico en territorio enemigo.
La primera mitad de Top Gun: Maverick establece la dinámica del maestro y sus alumnos, tan arrogantes e impulsivos como lo fueron en su momento Maverick, Iceman y Goose... y ya sabemos cómo terminó eso. El libreto prácticamente se escribe solo: los jóvenes no respetan a Maverick porque lo consideran obsoleto, hasta que les da una lección sobre el valor de la experiencia y la importancia del talento por encima de la tecnología. Al mismo tiempo Maverick discute constantemente con el Almirante "Cyclone" Simpson (Jon Hamm) sobre los detalles de la misión, y por qué es necesario romper las reglas si quieren tener éxito. Y el tercer ingrediente dramático es el mencionado romance que nunca se siente real, y solo desperdicia a Jennifer Connelly en un hueco papel femenino como los que se hacían en los ochentas; solo faltó la canción de Berlín en la escena de amor. Hablando de lo cual: no se preocupen... Danger Zone sigue siendo el refrán musical de la acción; nada podría reemplazarla (y afortunadamente fue la versión original de Kenny Loggins, en vez de un "remix" de Post Malone, Featuring Dua Lipa and Young Thug, with Camila Cabello and Harry Styles) (estoy bromeando; por favor no busquen esa versión imaginaria).
Entonces, Top Gun: Maverick es un auténtico "blockbuster" a la antigua, con algunos problemas narrativos, y muchos aciertos donde realmente importa: en el impacto visceral de la acción, en las emociones de la trama, y en el carisma de Tom Cruise. Aquí entre nos, por fin se le empieza a notar la edad... pero su infatigable convicción rescata cualquier situación, y nos recuerda por qué ha sido un ícono de la pantalla por más de cuarenta años. Otros actores estarían pensando en el retiro, pero Cruise apenas toma su segundo aire. Habiendo dicho eso: por favor no revivan Cocktail. Ninguna cantidad de nostalgia justificaría esa decisión.
Calificación: 8.5

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Dual

Síntomas: Cuando Sarah (Karen Gillan) descubre que le queda poco tiempo de vida, se inscribe a un programa de clonación para crear un "reemplazo" que ocupará su lugar cuando fallezca... lo cual provoca inesperados problemas éticos, legales y emocionales.

Diagnóstico: El mayor obstáculo de Dual es el tono intencionalmente artificial que adoptó el director Riley Stearns (Faults, The Art of Self-Defense) para explorar las complicadas ideas de la película. Esta artificialidad se extiende a las actuaciones, a la estructura narrativa, y hasta al diseño de producción, resultando en una experiencia confusa y alienante que seguramente alejará al público con bajo umbral de tolerancia para los caprichos del cine independiente... lo cual es perfectamente razonable. Sin embargo, una vez que asimilé el inusual estilo de Dual empecé a apreciar su ambición temática, el desempeño de un reparto comprometido con la visión del cineasta, y la engañosa simplicidad de un drama minimialista en su forma, pero con tantos niveles como queramos encontrar.
Desde mi punto de vista podría sugerir que Dual incluye metáforas del aborto (en contra o a favor, usted decida), de las relaciones disfuncionales (románticas o familiares), y de la deshumanización individual en una sociedad obsesionada con la tecnología. Hablando de lo cual, Dual también plantea la clásica pregunta sobre el significado de la humanidad, así como los factores que definen nuestra identidad. ¿Es el clon una persona real, o un producto de consumo que puede desecharse sin consecuencia moral?
En otras palabras, Dual es un relato de ciencia ficción "seria", pero presentado en un lenguaje irreverente para permitir que su mensaje se filtre en la conciencia del espectador según su particular ideología. Por el lado práctico, esto significa arrojarnos a una historia sin explicaciones básicas sobre la conducta de los personajes o las incongruencias de la "realidad alternativa" donde se ubica la cinta.
Por ejemplo, muchos aspectos de esta sociedad "retro-futurista" parecen obsoletos a pesar de sus increíbles avances tecnológicos. Aparentemente es posible crear un clon adulto en cuestión de minutos; pero los automóviles parecen reliquias de los años noventas; el sistema operativo de los dispositivos móviles evoca la "línea de comando" de MS-DOS; y el progreso cultural avanzó (o retrocedió) hasta el punto de explotar la muerte como entretenimiento popular (bueno, eso ya existe en el presente, pero en Dual es aún más cínico).
Es un denso caldo de propuestas y alegorías que debemos digerir para comprender la intención del director; pero es más fácil lograrlo con la ayuda de Karen Gillan (Gunpowder Milkshake) en un doble papel que por sí mismo justifica la película entera. Su actuación no solo es brillante, sino perfectamente adaptada al carácter de la cinta. Sarah tiene una personalidad fría y racional, haciendo más difícil la expresión de emociones en su impasible rostro y diálogos robóticos. Y además Gillan distingue perfectamente al clon de la mujer original, de modo que siempre sabemos quién es quién a pesar de sus similitudes físicas.
Entonces, Dual puede parecer torpe y forzada al principio, pero todo es parte del plan de Riley Stearns para exponer grandes ideas por medio de un astuto sentido humor, con mínimas complicaciones dramáticas, y todo el impacto emocional de una historia muy humana disfrazada de fábula tecnológica. Dual no es una película para todos los gustos (admito que el final me decepcionó un poco, no en contenido, sino en ejecución); pero a fin de cuentas nos invita a pensar un poco... y también a reír de nuestros prejuicios, y de la forma que tomarán en el futuro. La "guerra cultural" apenas empieza...
Calificación: 8

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Chip 'n Dale: Rescue Rangers

Síntomas: La amistad entre las ardillas Chip (voz de John Mulaney) y Dale (voz de Andy Samberg) terminó cuando su serie televisiva Chip 'n Dale: Rescue Rangers fue cancelada en los noventas; pero ahora, treinta años después, deben cooperar para encontrar a su viejo amigo Monterey Jack (voz de Eric Bana), quien desapareció en circunstancias misteriosas.

Diagnóstico: Ya estaba demasiado viejo en los noventas para ver caricaturas de Disney... pero la inmadurez no respeta edad, y por eso sintonizaba de vez en cuando Chip 'n Dale: Rescue Rangers para reír con su irreverente sentido del humor y astutas referencias a la cultura popular (también me gustaba Darkwing Duck por su sincera parodia de los superhéroes).
Sin embargo, no sentía particular interés por la nueva película Chip 'n Dale: Rescue Rangers (disponible en Disney Plus)... hasta que me enteré de que la "troupe" cómica The Lonely Island participó en su creación (bueno, dos tercios de la troupe, pero aún así cuenta). Akiva Schaffer como director y Andy Samberg en el papel de Dale bastaron para atraer mi atención (Jorma Taccone solo tiene un par de cameos vocales). Y no me decepcionaron.
Sobra decir que The Lonely Island tiene amplia experiencia en manipular la cultura popular con fines satíricos, y gracias a eso Chip 'n Dale: Rescue Rangers resultó ser una simpática comedia absurdista que trasciende el simple "reboot" para ofrecer abundante humor "meta", incontables cameos que la ubican como sucesora espiritual de Who Framed Roger Rabbit?, y un razonable nivel de sofisticación dramática para entretener al público adulto e infantil (de hecho diría que los papás apreciarán la película más que sus hijos, lo cual se está convirtiendo en la nueva moda del cine familiar).
El argumento no es la parte más importante de Chip 'n Dale: Rescue Rangers, pero hay cierto ingenio en la premisa: el dueto de Chip (voz de John Mulaney) y Dale (voz de Andy Samberg) se separó por diferencias creativas y resentimientos personales después de la cancelación de su serie televisiva, y sus carreras declinaron considerablemente. El siempre práctico Chip buscó un empleo de oficina, mientras que Dale asiste a convenciones donde vende autógrafos y fotografías con sus fans. Entonces su viejo amigo Monterey Jack (voz de Eric Bana) les pide ayuda para pagar una deuda con un traficante de quesos exóticos... pero desaparece antes de resolver el problema. Y así comienza una investigación en el sub-mundo animado de Los Ángeles, donde Chip y Dale descubren vicios y traición a cada paso.
No se preocupen, no es tan sórdido como suena. Aunque esté dirigida a los papás, Chip 'n Dale: Rescue Rangers sigue siendo apropiada para niños. El asunto del secuestro aporta la estructura de un thriller policíaco, y justifica el regreso de Chip y Dale a sus aventuras de antaño (invitando algunos viejos conocidos y reclutando nuevos aliados en el proceso). Pero la motivación real de Akiva Schaffer (Pop Star: Never Stop Never Stopping) y los guionistas Dan Gregor (Dolittle) y Doug Mand (Most Likely to Murder) claramente es divertirse con el legado cultural del cine y la televisión animada. Prácticamente cada escena incluye referencias a las caricaturas de ayer y hoy, no solo con los mencionados cameos (entre mis favoritos: MC Skat Kat y su bailarina preferida; el protagonista de cierto videojuego; y un aspirante a Alcalde de Los Ángeles), sino con sarcásticas alusiones a los titanes de la industria, desde Disney mismo hasta... bueno, todos los demás. Y otro gran acierto fue el "world building" que construye Schaffer en la periferia de la historia. Sin detenerse a dar explicaciones nos presenta una realidad alternativa donde los personajes animados (ya sean "tradicionales" o digitales) conviven con la humanidad, requiriendo detalles creativos para darle "realismo" a esa situación (por ejemplo, las adaptaciones mecánicas que permiten a una ardilla conducir un automóvil convencional). Como dije, hay ecos de Who Framed Roger Rabbit? en Chip 'n Dale: Rescue Rangers, pero Schaffer y compañía crearon su propio Universo con gran humor y estilo (¿será parte del Multiverso de Marvel?), el cual me gustaría seguir visitando en nuevas películas que transformen la "propiedad intelectual" obsoleta de Disney en irónico entretenimiento para un público más cínico... pero aún obsesionado con la nostalgia. 
Calificación: 8

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The Innocents (De Uskyldige)

Síntomas: En un edificio multifamiliar de Noruega, varios niños experimentan con sus poderes psíquicos sin darse cuenta del daño que pueden causar... o tal vez saben exactamente lo que están haciendo.

Diagnóstico: Pensé que The Innocents sería otra típica historia de "niños diabólicos"... y en cierto modo así fue, pero con influencias de muchos otros sub-géneros que le dan una identidad difícil de clasificar. Baste decir que la cinta noruega The Innocents es un thriller de alta calidad en todos los aspectos posibles, desde las actuaciones del joven elenco, hasta la meticulosa dirección de Eskil Vogt. En resumen, un moderno clásico del cine europeo. Por favor véanla antes de que Netflix haga un re-make en inglés con actores de sitcom.
Al igual que muchas películas de horror, The Innocents empieza con la llegada de una familia a su nuevo hogar; pero esta vez no es una remota casa de campo, sino un moderno edificio multifamiliar. El joven matrimonio (Ellen Dorrit Petersen y Morten Svartveit) tiene dos hijas: Anna (Alva Brynsmo Ramstad) sufre de autismo y requiere cuidados especiales; y aunque su hermana menor Ida (Rakel Lenora Fløttum) a veces la ayuda, también siente rencor por la atención que Anna acapara. Con el paso de los días Anna e Ida conocen a Ben (Sam Ashraf) y Aisha (Mina Yasmin Bremseth Asheim), cada uno con sus propios retos personales (Aisha tiene una condición dermatológica, y Ben podría ser víctima de abuso doméstico), y empieza a formarse una amistad que gradualmente revela poderes psíquicos latentes, haciendo muy interesantes sus juegos en el bosque cercano. Pero los niños no siempre miden las consecuencias de su "travesuras", y la situación amenaza con salirse de control.
No sé cómo describir el impresionante desempeño del elenco principal. Son sencillamente las mejores actuaciones infantiles que he visto en mi vida (sí, mejores que Haley Joel Osment en The Sixth Sense y Jacob Tremblay en Room, en mi humilde opinión), por la sencilla razón de que son actuaciones prácticamente mudas. La vida secreta de los niños no es verbal sino emocional; los diálogos tienden a ser simples y cortantes ("¿Qué están haciendo?" "Nada"), pero sus miradas expresan el conflicto intangible que crece conforme exploran los límites de sus habilidades. El mejor ejemplo es el extraordinario final donde aparentemente no pasa nada, y sin embargo nos deja devastados.
La dirección de Eskil Vogt (guionista de Thelma y The Worst Person in the World) presenta con perturbadora frialdad la "inocente" crueldad de los niños, demasiado jóvenes para comprender lo que están haciendo... hasta que las circunstancias los obligan a discernir la línea entre el bien y el mal. Los actores adultos son competentes (Ellen Dorrit Petersen y Morten Svartveit como los padres de Ida y Anna; Kadra Yusuf como la madre de Aisha; y Lisa Tønne como la madre de Ben), pero la película les pertenece a los niños... y el resultado es fenomenal. Solo advierto que The Innocents es una cinta lenta y pasiva, con esa austeridad europea que podría aburrir al público acostumbrado a los excesos de Hollywood. Pero en lo personal disfruté el metódico ritmo que acumula tensión con crispante paciencia, hasta explotar en una satisfactoria catarsis. Y, más importante, The Innocents me dio otra excelente excusa para mi lista de "Por qué no tengo hijos".
Calificación: 9.5 (sería 10, pero la escena del gato enfrió mi entusiasmo)

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Operation Mincemeat

Síntomas: Durante la Segunda Guerra Mundial, los agentes de Inteligencia Británica Ewen Montagu (Colin Firth) y Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen) diseñan un ambicioso plan para infiltrar tropas aliadas en Italia bajo las narices de los nazis... pero para lograrlo necesitan un cadáver, un submarino, y muchísima suerte.

Diagnóstico: Operation Mincemeat (disponible en Netflix) comienza con un fenomenal monólogo que describe la cruel dualidad de la guerra: por un lado, el heroísmo del combate y el sacrificio de los héroes; por otro, el tráfico secreto de mentiras creadas por individuos sin conciencia. Y entonces el director John Madden (Shakespeare in Love, Miss Sloane) nos sumerge durante dos horas en el sórdido inframundo del espionaje militar, donde un plan aparentemente descabellado podría salvar miles de vidas... o acelerar la caída de Europa.
Al igual que las maquinaciones de los espías, el drama de Operation Mincemeat se maneja por debajo de la superficie, en forma de conversaciones sobrias y racionales que rara vez revelan los pensamientos reales de los personajes; pero para eso Madden reunió un reparto excepcionalmente talentoso, capaz de expresar profundas emociones con mínimo esfuerzo y máximo impacto narrativo.
Colin Firth y Matthew Macfadyen interpretan (respectivamente) a Ewen Montagu y Charles Cholmondeley, amigos en algunos aspectos y rivales en otros, con sus propios problemas personales que complican su relación laboral. Ewen se separó voluntariamente de su familia para protegerla; y Charles enfrenta un dilema secreto durante sus labores cotidianas en el "Grupo Veinte", el más avanzado cuerpo de espías británicos bajo el control del Almirante John Godfrey (Jason Isaacs). Entonces Ewen y Charles sugieren un plan imposible para confundir a las tropas de Hitler, y Godfrey lo rechaza de inmediato... pero el Primer Ministro Winston Churchill (Simon Russell Beale) (¡con un cameo de su perro Rufus!) está desesperado, y cree que llegó el momento de hacer locuras porque la razón no está funcionando. Y así es como Ewen y Charles, apoyados por la administradora Hester Leggett (Penelope Wilton) y la secretaria Jean Leslie (Kelly Macdonald), se preparan para "plantar" un cadáver con información falsa detrás de las líneas enemigas.
Operation Mincemeat nos muestra los detalles (a veces absurdos, a veces lógicos, y casi siempre increíbles) de una operación real de la Segunda Guerra Mundial. Pero también explora el carácter de individuos imperfectos e inseguros, creando un rico tapiz dramático que revela el lado humano de los espías, así como las consecuencias prácticas y psicológicas de un plan muy arriesgado, con miles de vidas en juego.
Para fans del espionaje "serio" (como yo), Operation Mincemeat es un regalo para la mente y los sentidos, repleto de intriga, fascinantes detalles históricos (esperen a ver quién escribe el monólogo del principio) y un exuberante libreto (escrito por Michelle Ashford, y basado en el libro Ben Macintyre) que nos mantiene en suspenso a lo largo de dos horas impecablemente ejecutadas. Mi única queja sería un triángulo romántico de dudosa relevancia para la historia principal... aunque se justifica con un sorprendente "twist" que arroja un manto de misterio sobre los eventos ya de por sí inverosímiles de la "Operación Carne Molida". Habiendo dicho todo eso, conviene advertir que Operation Mincemeat no es una película de acción; la historia transcurre en restaurantes, departamentos, y oficinas gubernamentales. Incluso las escenas en el frente de batalla son más melancólicas que violentas. Pero, como dije, la tensión fluye por abajo de la superficie, y nos arrastra cuando menos lo esperamos. Igual que el submarino y su trágico contenido.
Calificación: 8.5

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Caja Negra (Boîte Noire)

Síntomas: El experto en acústica Mathieu Vasseur (Pierre Niney) participa en el análisis de la "caja negra" recuperada después de un accidente aéreo. Pero lo que escucha en la grabación no corresponde a la versión oficial de los hechos.

Diagnóstico: Hemos escuchado las palabras "caja negra" en incontables películas y series de televisión (por no mencionar las noticias, después de alguna tragedia real); pero creo que nunca había visto un retrato tan profundo y detallado del proceso que implica el análisis de dicho aparato, así como los factores (técnicos, humanos y hasta políticos) que pueden intervenir en la interpretación de sus datos para deducir la causa de un accidente aéreo.
Desde luego no estoy sugiriendo que la película Caja Negra sea cien por ciento realista. Claramente se nota la manipulación creativa del director Yann Gozlan y su comité de guionistas para añadir drama y emoción a una actividad relativamente simple (pero nada fácil). Por eso complican la vida personal del protagonista, incorporan sospechas de corrupción, e introducen "twists" que incrementan el suspenso y confunden nuestra percepción. Pero aún así se nota el propósito de expresar con cierta imparcialidad que la caja negra no es infalible... porque las personas que la examinan tampoco lo son.
Al principio de Caja Negra, Mathieu Vasseur (Pierre Niney) estudia el caso de un helicóptero accidentado. En esta ocasión no hay "caja negra", sino solo un video amateur grabado por un testigo casual. Sin embargo sirve muy bien para introducir la rígida ética del protagonista, su atención a los detalles que otros especialistas pasarían por alto, y su personalidad ligeramente obsesiva que a veces obstruye (o al menos retrasa) la búsqueda de la verdad.
Entonces se estrella un avión con trescientos pasajeros en los Alpes franceses, y Mathieu participa de la investigación... pero empieza a notar inconsistencias en la grabación de la caja negra, junto con algunos eventos sospechosos que sugieren una conspiración... ¿o tal vez está dejando que su obsesión contamine su juicio profesional? Varias personas piensan eso, incluyendo su esposa Noémie (Lou de Laâge). Y ahí es donde Caja Negra empieza a flaquear un poco, elevando la conducta de Mathieu hasta extremos paranoicos, y recurriendo a "mcguffins" de dudosa credibilidad (como una locación GPS increíblemente precisa). Afortunadamente Caja Negra se recupera en el contundente tercer acto que toma la historia por rumbos inesperados, antes de alcanzar una conclusión absolutamente satisfactoria... aunque un poco forzada.
En el papel de Mathieu, Pierre Niney captura el temperamento de un "geek" talentoso, pero socialmente inepto y propenso a enredarse en su propia imaginación. Lou de Laâge (The Mad Women's Ball) interpreta a Noémie con calidez motivada por el amor que siente por su esposo... aunque todo tiene un límite. Y André Dussollier, Olivier Rabourdin, y Guillaume Marquet ocupan papeles burocráticos que ofrecen consejo, advertencias, o simplemente una perspectiva neutral cuando Mathieu pierde el control de sus emociones. El reparto hace un buen trabajo, y el director Yann Gozlan coordina todos estos elementos para crear una película entretenida y recomendable que puede ocupar con dignidad el mismo nicho de otros "audio-thrillers" como The Conversation, Blow Out y Le Chant du Loup (aunque en un peldaño ligeramente más bajo). Me alegra que Caja Negra se haya estrenado en cines de mi país, pero funcionará igualmente bien cuando llegue a servicios de streaming... donde será más fácil usar audífonos para escuchar los detalles acústicos al mismo tiempo que Mathieu. Lástima que tantos años de heavy metal arruinaron mis oídos.
Calificación: 8

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Asesino Sin Memoria (Memory)

Síntomas: El asesino profesional Alex Lewis (Liam Neeson) se rehúsa a completar su más reciente misión porque el blanco es una niña de trece años. Pero sus jefes no están contentos con esa decisión, y envían a alguien para resolver el problema.

Diagnóstico: No tenía interés en ver otra película de Liam Neeson (mucho menos en el cine), pero me interesó la intervención del director Martin Campbell, auténtico veterano de la industria británica (comenzó su carrera en 1973) especializado en thrillers que combinan drama y acción con sobrio balance y buena visión artística (Casino Royale, Edge of Darkness, The Protégé).  ¿Sería capaz de rescatar la carrera de Liam Neeson? Sorprendentemente, la respuesta es "sí". Al menos por un rato.
A primera vista Asesino sin Memoria parece otro "thriller geriátrico" de Liam Neeson, fundamentado en la popular fórmula de "asesino protegiendo una niña". Sin embargo, la película sigue una ruta muy distinta, apoyándose en un reparto diverso y carismático para crear inusual profundidad emocional, al mismo tiempo que incorpora "twists" genuinamente impredecibles para generar un nivel de intriga y suspenso que jamás hubiera imaginado en la obra reciente de Neeson. Desde luego Asesino Sin Memoria no es perfecta; tiene partes demasiado inverosímiles, y recurre con frecuencia a los clichés más cansados del género; pero aún así superó mis bajas expectativas, y hasta despertó vagas esperanzas sobre el futuro del actor. De aquí en adelante merece el beneficio de la duda.
Asesino Sin Memoria (remake de la cinta belga De Zaak Alzheimer, la cual se basó en una novela de Jef Geeraerts) explora los problemas físicos y profesionales de Alex Lewis (Liam Neeson), un asesino listo para el retiro. Su trabajo sigue siendo impecable, pero su memoria empieza a fallar; y cuando visita a su hermano en una clínica de reposo, Alex ve reflejado su propio futuro... y no le gusta lo que viene. Esa es la motivación que necesita para rebelarse contra sus jefes cuando le ordenan eliminar a Beatriz León (Mia Sánchez), una niña de trece años que sabe demasiado sobre los negocios ilícitos de su padre. Alex la deja vivir, y trata de convencer a sus jefes de que cancelen el "contrato". Pero desde luego el dinero manda, y las cosas se complican.
El libreto de Dario Scardapane maneja múltiples puntos de vista que nos permiten apreciar la compleja sucesión de eventos ocasionados por la decisión de Alex. Mientras el asesino intenta sobrevivir los ataques de sus colegas, el Agente Vincent Serra (Guy Pearce) del FBI conduce su propia investigación sobre una conspiración en los más altos niveles del crimen organizado. Y desde luego hay abundantes personajes desechables para cubrir la función de aliados, sospechosos, víctimas, o las tres cosas al mismo tiempo (por cierto, hay una alarmante cantidad de mujeres trigueñas que mueren en el transcurso de Asesino Sin Memoria; no sé si habrá sido un fetiche de Campbell, o un elemento de la novela original; pero al menos sobrevivió mi favorita).
Hablando de lo cual, Asesino Sin Memoria se desarrolla en la banda fronteriza, lo cual aprovecha Campbell para darle trabajo a muchos actores latinos en papeles secundarios... ¡y no siempre son villanos! El resto del reparto se esmera en navegar la ambigua moralidad de sus respectivos personajes, destacando Monica Bellucci, Taj Atwal, Ray Stevenson, Hugo Márquez y Antonio Jaramillo.
No sé si Asesino Sin Memoria realmente cambiará la carrera de Liam Neeson; pero su colaboración con el confiable Martin Campbell produjo una cinta recomendable que no me hizo bostezar constantemente, ni maldecir al agente de Neeson. Veremos si logra conservar la buena racha, o si regresa a los errores de antes.
Calificación: 8

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Llamas de Venganza (Firestarter)

Síntomas: Los padres de Charlie McGee (Ryan Kiera Armstrong) han tratado de ocultar los poderes pirokinéticos de la niña; pero un incidente escolar revela su existencia a una organización que no se detendrá ante nada para capturar a Charlie y explotar su habilidad.

Diagnóstico: Creo que la novela Firestarter (publicada en 1980) se encuentra entre las obras menores de Stephen King (claro, "menores" en el contexto del autor más vendido del planeta). El argumento copia elementos de Carrie (la cual fue superior en todos los sentidos); la historia se siente larga (ya se notaba desde entonces el temor de los editores para controlar la verborrea de King); y aunque tiene algunas provocativas ideas sobre poderes psíquicos, nunca trascendió en la considerable bibliografía del escritor. Y lo mismo podríamos decir de la adaptación cinematográfica producida en 1984 y olvidada casi de inmediato (por favor no me recuerden la secuela/reboot del 2002).
Por eso sentí cauto entusiasmo con el estreno de Llamas de Venganza, un moderno remake dirigido por Keith Thomas (responsable por la excelente The Vigil), producido por Blumhouse (expertos en el género de terror), y apoyado por los más recientes avances en la creación de fuego digital. Bueno, hasta Stephen King expresó optimismo por esta nueva versión de su mediocre novela. Los auspicios eran buenos; la mesa estaba puesta... pero la receta fue un desastre.
Voy a echarle la culpa a Thomas y al guionista Scott Teems (Halloween Kills) por abordar con excesiva superficialidad el conflicto psicológico de la protagonista, lo cual resta impacto a las confrontaciones con sus enemigos, y termina diluyendo las emociones que deberían respaldar los momentos "dramáticos" de la película. En otras palabras: Llamas de Venganza es otro genérico thriller con una premisa interesante, pero con un desarrollo torpe y libre de tensión.
Por el lado positivo... la música de John Carpenter (en colaboración con su hijo Cody Carpenter y el productor Daniel A. Davies) se encarga de crear la atmósfera y suspenso que el libreto no supo inspirar (dato curioso: John Carpenter iba a dirigir la original Firestarter en los ochentas, pero Universal Pictures le ofreció un presupuesto muy bajo, y Carpenter prefirió la oferta más generosa de Columbia Pictures para hacer Christine). También destaca la actuación de Michael Greyeyes en el papel de "Rainbird", un experto "cleaner" (en más de un sentido) enviado por una misteriosa organización para capturar (¿o eliminar?) a Charlie antes de que las autoridades se enteren de su existencia. Y me gustó la participación de Michael Ironside en una sola escena como el "científico loco" que inició todo el problema.
Por su parte, Ryan Kiera Armstrong hace un genuino esfuerzo por capturar la lucha interna de Charlie y su tortuosa transición de niña inocente a letal anti-heroína; pero el papel le quedó grande.
Finalmente, los efectos especiales fueron otro gran "meh". Hay un par de momentos visualmente atractivos donde vemos la variedad de "ataques" de Charlie, pero una vez más el director desperdició la oportunidad de hacer algo realmente creativo con el concepto de la pirokinesis. En fin... los fans de Stephen King (como yo) ya estamos acostumbrados a las malas adaptaciones de sus novelas. Llamas de Venganza es otra más del montón, y solo podría recomendarla para completistas de King... y para pirómanos que disfruten la incineración (simulada) de humanos, vehículos y un gato. Pero si buscan un buen "thriller psíquico", existen mejores opciones como Thelma, Akira... o The Dead Zone. Mismo autor, perfecto libreto, y virtuosa dirección. "Pequeñas" diferencias que lo cambian todo.
Calificación: 6

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No Exit

Síntomas: La joven Darby (Havana Rose Liu) y otros viajeros se refugian en una cafetería durante una tormenta de nieve; pero uno de ellos tiene a una niña secuestrada en su automóvil... ¿quién será el culpable?

Diagnóstico: La respuesta parece simple al principio, pero el director Damien Power nos envuelve en un laberinto de secretos que alcanza niveles auténticamente hitchcockianos. Aunque tal vez Hitchcock no hubiera usado tanta sangre.
Como sea, No Exit me pareció un competente thriller minimalista que se desarrolla en un par de locaciones relativamente simples, pero con abundantes oportunidades para complicar la trama con factores externos e internos que me mantuvieron cautivo (ja, ja) durante noventa económicos minutos.
Por el lado negativo, No Exit se siente un poco superficial en su adaptación "semi-teatral" de una exitosa novela de Taylor Adams: la trama carece de profundidad, los personajes no están bien definidos, y se notan las grietas de una historia más larga que se condensó para el formato cinematográfico. Pero aún así No Exit me pareció recomendable por su diestro manejo del suspenso y por su eficiente realización que logra mucho con muy poco.
Havana Rose Liu interpreta a Darby, una joven que lucha con su adicción en una clínica de rehabilitación. Sin embargo, por razones familiares, debe iniciar un largo recorrido en automóvil durante una tormenta de nieve que la obliga a detenerse en una cafetería a la mitad de la nada... donde otros conductores también esperan un cambio en el clima. Entonces Darby sale por un momento al estacionamiento para buscar (inútilmente) señal telefónica, y descubre una niña atada en el interior de una camioneta. ¿Quién será el secuestrador? ¿El ex-militar obsesionado con los juegos de azar (Dennis Haysbert); la enfermera retirada (Dale Dickey); o el individuo lacónico y desaliñado que no quiere hablar (David Rysdahl)? Como dije, la respuesta es más complicada de lo que parece, y Darby enfrentará grandes peligros antes de resolver el misterio. O antes de que su improvisada investigación se vuelva mortal.
Normalmente me enfocaría en las actuaciones o en los valores técnicos, pero el punto fuerte de No Exit es el libreto de Andrew Barrer y Gabriel Ferrari, así como la dirección de Damien Power, quienes reparten los "twists" y la violencia con experto ritmo para confundir nuestras expectativas y mantenernos en tensión sin recurrir a los trucos más comunes del género (bueno, con una o dos excepciones que me parecieron disculpables en vista de las circunstancias). Personalmente siento un placer muy especial cuando las piezas de un rompecabezas (figurativo) encajan con deliciosa precisión, revelando nuevos aspectos de la imagen final, al mismo tiempo que alteran su forma.
Habiendo dicho eso, debo advertir que No Exit tampoco es una obra maestra del thriller contemporáneo. Su ejecución podrá ser "hitchockiana", pero a fin de cuentas también es una modesta B-Movie producida para el mercado de "streaming" (originalmente se estrenó en Hulu, pero está disponible en México en starplus.com) (y también en el catálogo canadiense de Disney+, para quienes prefieran el reto del "geo-locking"), lo cual significa que sus valores de producción son buenos, pero no sobresalientes; las actuaciones cubren adecuadamente los requerimientos de la trama; y la atmósfera nos transporta a los gélidos bosques del norte de California... aunque se notan claramente las escenas filmadas en un foro. Afortunadamente nada de eso me impide recomendar No Exit para aficionados al misterio (como yo) que prefieran la integridad de las ideas sobre la calidad de la presentación. Si la historia me pone a pensar, puedo disculpar los defectos que me decepcionan.
Calificación: 8

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Mixtape

Síntomas: En 1999, la niña Beverly Moody (Gemma Brooke Allen) trata de recrear un viejo audio-cassette con las canciones de rock que escuchaban sus padres antes de morir.

Diagnóstico: Mixtape (disponible en Netflix) me pareció una sólida película infantil, con personajes simpáticos, una historia emotiva, y valiosas lecciones sobre amistad, identidad y familia; pero se desarrolla en un contexto que solo podrán apreciar los papás de los niños, pues se enfoca en la cultura del siglo veinte... específicamente en las experiencias de un aficionado al rock en los noventas. La directora Valerie Weiss realizó una inusual fusión de estilos (nostalgia y "coming of age") (bueno, no tan inusual; también se usó en la reciente Apollo 10½: A Space Age Adventure) que encontré divertida e inspiradora, aunque no podría asegurar que los niños modernos apreciarán los detalles que hacen esta cinta tan especial. Por otro lado, ese podría ser el auténtico valor de Mixtape: una película apta para compartir con la familia, y dejar que cada generación disfrute distintos aspectos de acuerdo a su gusto personal.
Todo empieza cuando Beverly Moody (Gemma Brooke Allen) le pide a su abuela Gail (Julie Bowen) información sobre sus padres, pues murieron cuando ella tenía dos años. Entonces Gail le entrega una caja de recuerdos familiares que incluye un audio-cassette con canciones que sus padres escuchaban en su juventud. Desafortunadamente el cassette se daña al reproducirlo en un Walkman (¡típico!), y Beverly decide grabar una réplica con las canciones originales.
El problema es que están en 1999... no existe YouTube ni Spotify. Sin embargo Beverly cuenta con la ayuda de Ellen (Audrey Hsieh) y Nicky (Olga Petsa), dos amigas con personalidades muy distintas, pero siempre dispuestas a apoyarla en su misión existencial.
El libreto de Stacey Menear (The Boy) no es particularmente innovador, y hasta puede parecer insulso si lo comparamos con el cine juvenil contemporáneo. Desde luego hay obstáculos y tribulaciones que los personajes deben superar, pero no hay mensajes políticos ni conflictos artificiales para incrementar el drama. Afortunadamente no me hizo falta nada de eso para disfrutar la gentil narrativa de Mixtape, impulsada por la interacción de las niñas y la evolución de su amistad, así como la influencia de los adultos que intervienen (intencional o accidentalmente) en la recreación de la "mixtape". Entre ellos tenemos a Julie Bowen como la abuela de Beverly, lo cual me sorprendió un poco, pues no parece que Bowen tenga edad suficiente para ese tipo de papeles... pero todo se explica a su tiempo, y contribuye a las lecciones de vida que mencioné al principio. Y mi favorito por razones obvias fue Nick Thune (Dave Made a Maze) en el papel de "Anti", a veces aliado y a veces estorbo en la exploración musical de Beverly.
Y a todo esto, ¿cómo es la música? Meh. Esa sería mi única queja de Mixtape. Las canciones del cassette son blandas, y rara vez evocan el espíritu "punk" de la premisa. Obviamente no esperaba grandes éxitos de los noventas debido al reducido presupuesto del proyecto; pero hubiera apreciado más energía en la banda sonora, así como mejor cohesión entre las canciones y las ideas de la película. Por lo demás, Mixtape me gustó mucho como cine familiar edificante y divertido; y también como tributo a una época que recuerdo con afecto. Habiendo dicho eso... definitivamente prefiero la conveniencia de YouTube para localizar reliquias musicales, en vez de meterme a una decrépita tienda de discos con olores raros para encontrar algún legendario EP de Medieval o 45 Grave. Los "buenos tiempos" también tenían sus desventajas.
Calificación: 9

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Doctor Strange en el Multiverso de la Locura (Doctor Strange in the Multiverse of Madness)

Síntomas: Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) le pide ayuda a Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) para proteger a la joven América Chávez (Xóchitl Gómez) de una misteriosa entidad que quiere robarle el poder de viajar por el Multiverso.

Diagnóstico: El regreso de Sam Raimi al Universo de Marvel fue todo lo que yo esperaba... aunque pudo ser más. Por el lado positivo, Doctor Strange en el Multiverso de la Locura tiene fantásticas imágenes y situaciones que aprovechan la febril visión del cineasta para atacar nuestros sentidos (mención especial para la música de Danny Elfman), creando una delirante atmósfera balanceada entre el espíritu de Marvel y la imaginación del director. Por el lado negativo, la trama es excesivamente simple... pero se siente complicada por la cantidad de adornos y digresiones que introduce el escritor Michael Waldron (de la serie Loki... y, más importante, de Rick and Morty) para distraernos de otra típica búsqueda del "mcguffin" que todos quieren poseer para controlar el mundo. Perdón, el Multiverso.
Sin embargo, las distracciones funcionaron bien, y terminé disfrutando Doctor Strange y el Multiverso de la Locura más que la cinta original, no solo por su manejo de elementos previamente establecidos, sino por las inmensas revelaciones que seguramente definirán el futuro del Universo Cinemático de Marvel. Francamente, no puedo esperar.
Raimi y Waldron toman El Multiverso de la Locura en direcciones tenebrosas e inesperadas, pero bien fundamentadas en los catastróficos eventos que han vivido los personajes. En el caso de Stephen Strange (Benedict Cumberbatch), podemos ver los sentimientos de culpa que persisten después de Infinity War, la compasión que aprendió en Spider-Man: No Way Home, y la madurez que ganó en la serie What If...? al replantear su relación con la Dra. Christine Palmer (Rachel McAdams). Todo lo cual nos deja con un Doctor Strange más humano y menos arrogante... pero sin perder su sarcástico sentido del humor ni su tendencia a tomar decisiones impulsivas antes de considerar sus consecuencias. Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) continúa el arco dramático iniciado en la serie WandaVision, aportando a la trama una motivación concreta y muy emocional que trasciende la búsqueda del mencionado "mcguffin" (un libro mágico oculto en algún lugar del Multiverso). Mientras tanto Wong (Benedict Wong) también luce su progreso como Hechicero Supremo, y hasta se insinúa una sub-trama romántica que podría darle otra dimensión (ja, ja) al personaje, especialmente en sus apariciones tangenciales (como en Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings).
Finalmente, la nueva adición al equipo es América Chávez (Xóchitl Gómez), una joven con el poder de navegar el Multiverso por medio de portales difíciles de controlar. Seguramente será un personaje clave en el futuro de Marvel, interpretado por una actriz que captura por igual la confusión de la adolescencia, y el pragmatismo necesario para sobrevivir en circunstancias imposibles. En cierto modo América Chávez empieza como un segundo "mcguffin" en el mecanismo narrativo de la película, pero termina como un personaje bien definido y listo para continuar sus aventuras en el MCU.
Y desde luego no hablaré de los cameos que me dejaron con la boca abierta (literalmente). Bueno, solo mencionaré dos: el primero es un pariente de Starro (supongo); y el segundo fue el que esperaba con mayor anhelo: un Oldsmobile Delta 88 modelo 1973. Ambos fueron satisfactorios.
Entonces, Doctor Strange en el Multiverso de la Locura se perfila desde ahora como una de mis películas favoritas del año, y como una de las propuestas más audaces en la transformación de Marvel para una nueva generación de héroes y de espectadores. Fue una transición difícil, pero el productor Kevin Feige resultó ser el auténtico "Watcher" que lo ve todo, y planea sus movimientos con años de anticipación. Hablando de lo cual... no entendí bien la escena post-créditos de El Multiverso de la Locura, pero me encantó la idea de incluir a ese individuo particular en el MCU. Y por favor también amarren a Sam Raimi con un contrato mágico para que no se les vaya a escapar durante otros veinte años.
Calificación: 9.5

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Black Site

Síntomas: En un remoto "sitio negro" de la CIA, la analista Abby Trent (Michelle Monaghan) se prepara para interrogar a un terrorista conocido como "Hatchet" (Jason Clarke)... sin saber que eso es exactamente lo que quiere el prisionero.

Diagnóstico: Entre todas las imitaciones de Die Hard que he visto en mi vida, no recuerdo una con protagonista femenina. Eso fue lo que despertó mi interés por la nueva cinta Black Site ("Die Hard en una prisión"); y aunque sufre ocasionales deficiencias, también cuenta con una ingeniosa premisa, altos valores técnicos (con algunas excepciones), y una carismática protagonista que nos atrapa en el suspenso de la situación. En otras palabras, Black Site me pareció una sólida B-Movie redimida por la convicción de Michelle Monaghan y un misterio más complejo de lo que imaginamos al principio.
Black Site se desarrolla en Jordania (filmada realmente en Australia), donde una coalición internacional construyó una prisión secreta llamada "Citadel", con el fin de encarcelar a los terroristas más peligrosos del mundo, e interrogarlos con métodos que nunca serían legales en jurisdicciones donde se respetan los derechos humanos. Supongo que el fin justifica los medios, sobre todo en asuntos de seguridad global.
La supervisora de la prisión es Abby Trent (Michelle Monaghan), respetada analista de la CIA con una motivación muy personal para perseguir y capturar al enigmático terrorista conocido como "Hatchet" (Jason Clarke). Pero cuando Hatchet llega al Citadel, los agentes de la CIA encargados del transporte ignoran los protocolos de Abby e inician su propio interrogatorio... con trágicos resultados que ponen en peligro a los guardias y reclusos de la instalación.
La directora Sophia Banks (haciendo su debut en largometrajes) tiene mejores instintos para las palabras que para la acción. Esto significa que las partes "serias" de Black Site resultan más interesantes que el combate, técnicamente bien realizado, pero sin la energía necesaria para sentir el impacto visceral de las peleas y los balazos. No pude evitar comparaciones entre Black Site y One Shot, una de las mejores "indies" de acción recientes (con un argumento similar); por otro lado, las actuaciones de Black Site y el conflicto entre Abby y el villano alcanza un realismo emocional rara vez obtenido en este género, lo cual le da una clara ventaja en el aspecto dramático.
También merecen mención las locaciones y diseño de producción. Casi toda la película transcurre en los estrechos corredores de la prisión, pero los exteriores son bastante impresionantes, y contribuyen a la atmósfera de aislamiento que cobra nueva relevancia en el tercer acto de la cinta. Y aunque el libreto de John Collee y Jinder Ho tiene algunas grietas lógicas (¿exactamente por qué hay tantos explosivos en una prisión llena de terroristas?), me gustó la gradual revelación de secretos que nos obligan a replantear la situación.
Como siempre, debo advertir que mis elogios deben tomarse en el contexto del Cine B de bajo presupuesto. El elenco incluye actores relativamente famosos como Michelle Monaghan (Mission: Impossible III), Jason Clarke (Terminator Genisys) y Jai Courtney (A Good Day to Die Hard); pero también encontramos las típicas huellas de un proyecto desechable realizado a bajo costo (algunos efectos especiales son excelentes; pero las explosiones digitales se ven terribles). De cualquier modo me gustó encontrar una versión femenina de John McClane (¡con la misma playera blanca!) (y desde luego manteniendo respetuosa distancia con aquel icónico personaje) que no le pide nada a los genéricos héroes de todas esas copias de Die Hard que mencioné al principio. Además, como dije, el final promete una secuela justificada por los eventos de Black Site, y no por la codicia de los productores. Y eso es genuina innovación.
Calificación: 7

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Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror

Síntomas: Documental sobre el "horror folclórico", desde sus raíces literarias en la era medieval, hasta su renacimiento cinematográfico en el siglo veintiuno.

Diagnóstico: ¿Qué es exactamente el "horror folclórico"? El documental Woodlands Dark and Days Bewitched tiene múltiples definiciones, algunas pragmáticas ("el horror que surge de la tierra"), otras simbólicas ("la resurrección del pasado"), y varias contradictorias ("el temor a los jóvenes", "la corrupción de los adultos"). Sin embargo, esa incertidumbre no debe tomarse como falla, sino como reflejo de la complejidad que hace tan atractivo este menospreciado sector del Horror universal.
Woodlands Dark and Days Bewitched comienza con "el trío maldito" de películas británicas que popularizaron el horror folclórico en el siglo veinte: Witchfinder General (1968), The Blood On Satan’s Claw (1971), y The Wicker Man (1973). Estas venerables cintas representan los ingredientes básicos del género: paganismo, brujería, y leyendas regionales. Desde luego no es una receta exacta, pues abundan las combinaciones y tangentes que confunden su clasificación; pero nos ayuda a identificar los fundamentos temáticos del horror folclórico para detectar su presencia en todo tipo de historias (ejemplo: la postura anti-colonial que nunca noté en Picnic at Hanging Rock).
La directora canadiense Kier-La Janisse (fundadora del MIHS) hizo un fantástico trabajo al organizar un enorme volumen de información de manera clara y accesible, mezclando entrevistas con autores y cineastas (entre ellos: Robert Eggers, Ian Ogilvy, Mark Pilkintgon, Piers Haggard, Alice Lowe, Gail-Nina Anderson, Linda Hayden, y Mitch Horowitz) con fragmentos de series y películas que ilustran los comentarios de los expertos. Y todo eso presentado con una estética rústica (muy apropiada para el tema) que incluye interludios animados de Guy Maddin, nada menos. Así Janisse mantiene un flujo constante de ideas sin abrumar al espectador, ofreciendo contexto histórico, análisis erudito, y distracciones visuales que forman parte integral de la narrativa. En resumen: uno de los mejores documentales que he visto en mi vida... y no solo me refiero al Horror.
Por cierto, no voy a llamarle "defecto" porque no lo es, pero considero prudente advertir que Woodlands Dark and Days Bewitched dura tres horas y cuarto, lo cual me pareció largo para absorber de una sola vez. Yo la vi en dos sesiones y me pareció una experiencia perfecta. Y además está dividida en seis capítulos, creando convenientes pausas para distribuirla a nuestro antojo.
Como fan del horror folclórico, Woodlands Dark and Days Bewitched me pareció un recurso invaluable para extender nuestra comprensión de este rico sub-género. No solo recuenta su historia y evolución, sino que nos ayuda a apreciar su influencia en obras que no ubicaríamos normalmente en este nicho (por ejemplo, The Stone Tape y Quatermass and the Pit, dos de mis favoritas escritas por Nigel Kneale). Janisse también explora las versiones internacionales del horror folclórico (desde México hasta Australia), y sus conexiones con otros géneros (como el western y los zombies). Finalmente, recomiendo ver Woodlands Dark and Days Bewitched con libreta y pluma en mano (o una "app" de notas en el teléfono) para anotar los títulos que nos interese ver en el futuro. Hay tantos y pasan tan rápido que la memoria no bastará para armar una lista de horrores nuevos y viejos donde se expresa el mensaje básico del horror folclórico: una rebelión contra la vida urbana que olvidó su conexión con la tierra; y un recordatorio de los mitos desplazados por la religión moderna. Nunca sabemos cuándo volverán para reclamar su lugar en la conciencia universal.
Calificación: 10

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El Peso del Talento (The Unbearable Weight of Massive Talent)

Síntomas: Mientras atraviesa una crisis existencial, el actor Nick Cage (Nicolas Cage) se involucra en un operativo de la CIA. Afortunadamente Javi Gutiérrez (Pedro Pascal), su más grande admirador, está listo para ayudarlo.

Diagnóstico: El Peso del Talento pertenece a la corta pero selecta categoría de películas "meta" (como JCVD, My Name is Bruce y Being John Malkovich) donde un actor se interpreta a sí mismo para satirizar su imagen, y tal vez reflexionar sobre su posición en la industria cinematográfica. Como tal, El Peso del Talento intenta redimir a Nicolas Cage por sus malas decisiones profesionales, explicando que, a fin de cuentas, sólo estaba haciendo su trabajo como actor (no como "estrella de cine") cuando aceptó todos esos proyectos que afectaron su reputación, y lo transformaron en una caricatura viviente. Suena bien la excusa; veamos si funciona.
El Peso del Talento comienza cuando el actor Nick Cage (Nicolas Cage) pierde el papel principal en una cinta de prestigio por culpa de su errática conducta. Entonces, enfrentando dificultades económicas y pocas perspectivas a futuro, su agente (Neil Patrick Harris) lo convence de aceptar un trabajo degradante: aparecer como "invitado de honor" en la fiesta de cumpleaños de Javi Gutiérrez (Pedro Pascal), un excéntrico millonario que es su más grande admirador. Pero cuando Nick conoce a Javi empieza una extraña amistad alimentada por la inseguridad de Cage, la inflexible devoción de Javi... y la posibilidad de colaborar en una película donde Cage podría regresar a las glorias de antaño. Sin embargo el destino se interpone cuando Vivian (Tiffany Haddish) y Martin (Ike Barinholtz), dos agentes de la CIA, reclutan a Cage para encontrar una niña secuestrada por motivos políticos.
Esto significa que El Peso del Talento mantiene un precario balance entre dos estilos no siempre compatibles: por un lado es una meta-comedia donde "Nick Cage" contempla su vida personal (divorciado, su hija lo odia) y profesional (incapaz de ganar roles serios), e intenta repararla con ayuda de su más grande admirador, quien le enseña el grado de influencia que un actor puede tener en las vidas de sus fans. Las revelaciones de esa interacción son a veces graciosas, a veces humillantes, y a veces surrealistas; pero siempre conservan la honestidad emocional gracias a las actuaciones de Nicolas Cage y Pedro Pascal, perfectamente equilibradas entre las absurdas situaciones planteadas por el director Tom Gormican (That Awkward Moment), y la realidad interna de los personajes.
El segundo nivel de El Peso del Talento es un mediocre thriller que satiriza aquellos proyectos de Nicolas Cage que casi destruyeron su carrera (como Rage, Left Behind y Jiu Jitsu), utilizando todos los clichés imaginables del género, y todas las excusas posibles para detonar los iracundos exabruptos del actor (colectivamente conocidos como "Cage Rage"). Sin embargo, la ridiculez intencional del libreto (co-escrito por Kevin Etten) no disculpa la insipidez de un supuesto thriller que debería compartir las excentricidades del protagonista, en vez de adoptar el blando tono de una comedia familiar al estilo de Central Intelligence o The Spy Who Dumped Me.
No cabe duda que Nicolas Cage es la atracción principal de El Peso del Talento; pero Pedro Pascal se roba la película con una actuación compleja en concepto y ejecución, ganando nuestra simpatía a pesar de sus... peculiaridades de "fanboy" obsesivo. Este excepcional desempeño de Cage y Pascal basta para recomendar El Peso del Talento... pero solo como comedia "meta". En lo que respecta al thriller, definitivamente recomendaría las recientes Pig o Willy’s Wonderland, donde los "Javis" del mundo podrán confirmar que el "talento masivo" de Cage sigue vigente a pesar de su cuestionable reputación. Como sea, fue un placer ver una "buena" película de Nicolas Cage en el cine, y espero que establezca un precedente de calidad para sus proyectos futuros. Aún tiene tiempo para ganar otro Óscar.
Calificación: 8

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Downton Abbey: Una Nueva Era (Downton Abbey: A New Era)

Síntomas: Lord y Lady Grantham (Hugh Bonneville y Elizabeth McGovern) viajan al sur de Francia para investigar el origen de una misteriosa herencia. Mientras tanto, en Inglaterra, el famoso director de cine Jack Barber (Hugh Dancy) filma su nueva película en la Abadía Downton, causando revuelo entre la familia y los sirvientes.

Diagnóstico: El subtítulo de "Una Nueva Era" captura el espíritu general de Downton Abbey: utilizar las experiencias de una aristocrática familia y sus sirvientes para ilustrar la transición entre monarquía y democracia; entre el feudalismo y el libre mercado; entre el viejo y el nuevo mundo.
Estos temas sustentaron la exitosa serie televisiva británica a lo largo de seis temporadas; después continuaron en la película Downton Abbey (2019); y ahora se manifiestan con mayor transparencia en la secuela Downton Abbey: Una Nueva Era, ubicada a fines de los años veintes para reflejar los retos y beneficios del progreso social durante esa turbulenta década.
El director Simon Curtis (My Week with Marilyn) y el escritor Julian Fellowes (creador de la serie) separaron al clan Grantham en dos historias paralelas, lo cual inicialmente me pareció un error; pero debí confiar en los finos instintos de Fellowes y su profundo conocimiento de los personajes que venimos siguiendo desde hace una década. La división del argumento permite cubrir más territorio dramático, sin descuidar las dinámicas personales que añaden riqueza y complejidad a dos premisas relativamente simples. Por un lado, Robert Crawley, el Conde de Grantham (Hugh Bonneville) y su esposa Cora, la Condesa de Grantham (Elizabeth McGovern), viajan al sur de Francia para resolver la incógnita de una herencia que recibió un miembro de su familia. ¿Cuál es la conexión entre la Casa Grantham y un opulento Marqués francés?
Mientras tanto, Lady Mary Talbot (Michelle Dockery) y la Condesa Violet (Maggie Smith) reciben en la Abadía Downton al director de cine Jack Barber (Hugh Dancy) y su equipo de filmación, incluyendo a Guy Dexter (Dominic West) y Myrna Dalgleish (Laura Haddock), dos famosos actores del cine mudo cuya presencia causará inesperadas consecuencias entre los sirvientes.
Ninguna de las dos historias resulta original ni profunda (o siquiera realista... particularmente lo relacionado con la filmación de la cinta ficticia "The Gambler"); pero cumplen su función de replantear viejas actitudes, crear nuevas oportunidades, y en general facilitar una variedad de situaciones que le dan al elenco buenos momentos de lucimiento individual, desde la Sra. Patmore (Lesley Nicol) manipulando un evento social para acercarse al caballero que le interesa; hasta el Mayordomo Thomas Barrow (Robert James-Collier) enfrentando la realidad de una sociedad que lo repudia. Nada nuevo ni trascendente... pero aun así muy divertido para fans de la serie (como yo) que disfrutan la peculiar "voz" dramática de Julian Fellowes y su talento para manejar tantos personajes sin perder el control de la historia ni diluir su contenido emocional.
Finalmente, mientras llega la siguiente secuela de Downton Abbey, recomendaría las dos nuevas series que Fellowes estrenó en los últimos años: Belgravia (mi favorita), y The Gilded Age (buena, pero no excelente). No sé si pertenecen formalmente al mismo "Felloweverso", pero forman un maravilloso complemento con Downton Abbey, y ofrecen el mismo nivel de calidad visual y esmero dramático para satisfacer al público con un remanso de cultura prefabricada... al menos mientras llegan los "blockbusters" de Hollywood.
Calificación: 8.5

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