Sueños de Libertad (The Immigrant)

Síntomas: En 1921 la inmigrante polaca Ewa Cybulska (Marion Cotillard) llega a Nueva York esperando encontrar una mejor vida para ella y su hermana. Desafortunadamente el taimado "empresario" Bruno Weiss (Joaquin Phoenix) se aprovecha de la inexperiencia de la joven, y la recluta para su espectáculo de burlesque, que rápidamente se transforma en prostitución.

Diagnóstico: Sueños de Libertad nos relata una historia devastadora, que al mismo tiempo denuncia la falacia del "sueño americano", y confirma el indomable espíritu de los inmigrantes que forjaron la base cultural y económica de ese país. Las actuaciones son excelentes, los personajes profundos y complejos, y la cinematografía captura con cruda belleza la sobria realidad de un momento histórico a veces idealizado por sus más frívolos elementos (los "rugientes veintes"). En otras palabras, una película técnica y artísticamente sobresaliente. Y sin embargo no me gustó. O, para ser más precisos, no me hizo sentir nada, a pesar de todo el drama y tragedia personal que se empeña en mostrarnos. Las desafortunadas experiencias de Ewa son mortificantes, y lamentablemente deben haber sido muy comunes en aquel entonces (también en la actualidad, ahora que lo pienso); pero por alguna razón el director James Gray no alcanza la pasión necesaria para sumergirnos en las vivencias de la protagonista, ni consigue definir un punto concreto de la cinta, más allá de ser un hueco muestrario de sufrimiento humano que debería ser conmovedor pero resulta simplemente tedioso. Habiendo dicho eso, debo advertir que mi opinión probablemente estará en la minoría, en vista de todos los premios y aclamación que Sueños de Libertad obtuvo alrededor del mundo (incluyendo nominaciones a la Palma de Oro y Premio del Jurado en Cannes). No sé... quizás no estaba del humor correcto para apreciar las virtudes de la cinta. Que, por cierto, son muchas, empezando por el trabajo de Marion Cotillard como la tenaz Ewa, al mismo tiempo vulnerable e increíblemente resistente a los golpes del destino. Por su parte, no hace falta decir que Joaquin Phoenix resulta asombroso como el oportunista Bruno, luchando internamente contra dos aspectos contradictorios de su persona. Pero el actor que más me gustó fue Jeremy Renner como el mago Orlando, mostrando una faceta cálida y sensible de su talento que apenas atisbamos en sus habituales roles de acción. Tan solo por él recomendaría Sueños de Libertad, con la esperanza de que otros espectadores apreciarán las emociones y honestidad narrativa que yo no logré encontrar. Quizás ya llegó el momento en que no podré disfrutar una película a menos que incluya monstruos, aliens, sangre o explosiones. Así se completa el círculo que empecé a los ocho años.
Calificación: 7.5

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El Llanto del Diablo (Nothing Left to Fear)

Síntomas: El Pastor presbiteriano Dan Bramford (James Tupper) y su familia se mudan al pequeño pueblo de Stull, en el estado de Kansas, para reemplazar al afable Pastor Kingsman (Clancy Brown), quien está por retirarse. Al principio todo parece perfecto, pero al poco tiempo Rebecca (Rebekah Brandes), la hija mayor, empieza a tener perturbadoras pesadillas que quizás estén relacionadas con un oscuro secreto oculto por el pueblo desde hace siglos.

Diagnóstico: A decir verdad, me gustó el comienzo de El Llanto del Diablo (sin palabras sobre ese título...) La primera media hora transcurre con cierta lentitud, pero nos da oportunidad de conocer a los personajes (no tan irritantes como en otras películas de terror), y aunque la dirección del novato Anthony Leonardi se siente un poco incierta, logra crear una cálida atmósfera rural que forma un interesante contraste con las vagas manifestaciones sobrenaturales y sospechosa conducta de los habitantes del pueblo. Pero cuando llegamos a la parte de "terror", la cinta empieza a desmoronarse por culpa del inepto libreto, irregulares actuaciones y repetitivos efectos especiales de la variedad que estuvo de moda hace algunos años ("maquillaje" digital que provoca ojos negros, deformaciones faciales y quijada anormalmente distendida). Para preservar las magras sorpresas de El Llanto del Diablo me abstendré de revelar los detalles de la trama, pero está inspirada en una apócrifa leyenda sobre el pueblo real de Stull, así que será fácil encontrarla para quien quiera buscar en Google. Por lo demás, la película terminó decepcionándome, aunque aprecié su sobrio estilo narrativo "retro", carente de sobresaltos baratos y sin los cansados trucos de edición comúnmente empleados para cubrir las deficiencias del libreto. El elenco cuenta con algunos nombres semi-famosos (Anne Heche, Clancy Brown, Jennifer Stone), pero no se nota particular esfuerzo por darle vida a sus personajes; supongo que no los inspiró mucho el libreto de Jonathan W.C. Mills (también debutando en este oficio). Entonces, El Llanto del Diablo me pareció lenta, torpemente dirigida y rematada por un final flojo que no satisface en nivel alguno. A pesar de tener algunos aspectos interesantes no podría recomendarla, excepto para los más indulgentes fans del terror (como yo) que quieran ver algo ligeramente distinto aunque no sea muy bueno. Por otro lado, como debut de la compañía productora Slasher Films (propiedad del célebre guitarrista Slash), la cinta sugiere pobre gusto para elegir material, aunque admiro la intención de los productores por regresar al horror pausado y atmosférico de antaño. No tuvieron muy buenos resultados con su primer experimento, pero la experiencia podría ayudarlos a resolver esos problemas en futuros proyectos, así que no los descartaría por completo, y probablemente seguiré viendo sus películas... pero no en el cine, por favor. Reserven ese espacio para cintas que lo merezcan.
Calificación: 5

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Fortaleza Prohibida (Brick Mansions)

Síntomas: El policía Damien Collier (Paul Walker) y un ex-criminal llamado Lino (David Belle) se ven obligados a colaborar para evitar que la ciudad de Detroit sea destruida en la guerra entre narcotraficantes y políticos corruptos, ya que ambas facciones buscan controlar la zona conocida como "Mansiones de Ladrillo" por muy distintas razones.

Diagnóstico: Fortaleza Prohibida es el remake norteamericano de la exitosa cinta francesa Banlieue 13 (también conocida como District 13), la cual fue básicamente una exhibición de "parkour" tenuemente estructurada alrededor de un argumento inspirado por Escape From New York (y no sería la última vez que el productor Luc Besson copiaría desvergonzadamente esa película... debe estar entre sus favoritas). Como puede esperarse, Fortaleza Prohibida traslada la acción a los Estados Unidos y añade a Paul Walker como co-estrella para tener un nombre famoso en el póster; y de la cinta original conserva a David Belle en el papel del ex-convicto con corazón de oro cuyos increíbles "abs" y habilidad acrobática serán indispensables para navegar el peligroso terreno de Detroit, donde se desarrolla la historia (aunque, irónicamente, la mayor parte de la cinta se filmó en Canadá). Lo que no conservó fue gran parte de la violencia; parece que el director Camille Delamarre no quiso arriesgarse a la clasificación "R", y diluyó las partes más extremas para obtener la más comercial "PG-13". De cualquier modo Fortaleza Prohibida me pareció mediocre como remake, pero razonablemente entretenida por méritos propios, a pesar de sus huecos personajes y un argumento enredado e inverosímil cuya principal función es encontrar excusas para las frecuentes peleas, balaceras, persecuciones automovilísticas y, desde luego, las escenas de "parkour" donde David Belle y sus discípulos pueden lucirse (siempre y cuando lo permita el espasmódico editor). Por su parte, Paul Walker se encarga de las escenas dramáticas y no lo hace mal, aunque su personaje es muy similar al que desarrolló en The Fast and the Furious. Pero bueno, siendo Fortaleza Prohibida una de sus últimas películas, no cabe duda que resultó consistente con el resto su carrera, y una vez más demuestra el crecimiento que logró como actor desde sus modestos inicios como blando galán. De hecho, creo que Fortaleza Prohibida sería principalmente recomendable para fans de este actor, pues lo más probable es que los aficionados al parkour ya vieron Banlieue 13 (después de todo ya tiene diez años) o su secuela. Y, francamente, este remake no ofrece nada nuevo además del propio Walker, y la mala decisión de doblar los diálogos de David Belle. Supongo que su acento era demasiado francés para el público norteamericano. Quizás si hubiera sido austriaco lo hubieran dejado hablar aunque nadie le entendiera...
Calificación: 7

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Animal

Síntomas: Bosque solitario. Jóvenes extraviados. Monstruo hambriento. ¡Acción!

Diagnóstico: Dentro del género de terror siento especial afinidad por las "creature features", sobre todo cuando resultan mejores de lo que esperaba. Animal fue una de esas cintas, y agradezco infinitamente que no haya sido otro pseudo-documental grabado con temblorosa cámara en mano. Por el contrario, el director Brett Simmons posee buen estilo visual y sentido narrativo, auxiliado por un eficiente libreto que elimina casi todo el relleno para centrarse en los más básicos elementos de la historia. Los actores son razonablemente buenos (para estándares del cine B); el gore es frecuente y copioso; y el diseño del monstruo es adecuadamente amenazador, combinando la popular visión del Chupacabra con las criaturas de Feast. Hablando de lo cual, el monstruo y los efectos especiales están realizados a la antigua, con látex, animatronics y mínima interferencia digital. Por el lado negativo, los personajes no son muy originales y tienden a discutir demasiado cuando deberían estar huyendo, por no mencionar que su nivel de inteligencia varía caprichosamente según las necesidades del libreto. A veces muestran sorprendente ingenio para evadir al depredador que los acecha; pero en otras ocasiones se ven obligados a tomar las típicas decisiones absurdas que revelan la falta de creatividad del escritor ("¿Que fue ese ruido en el sótano? ¡Vamos a investigar!"). Al menos el reparto, integrado por veteranos de televisión, tiene presencia y confianza en el material. Entre ellos: Elizabeth Gillies y Keke Palmer (de varias series en Nickelodeon); Jeremy Sumpter (de Friday Night Lights) y Parker Young (de Suburgatory); ninguno resalta en particular, pero tampoco irritan demasiado ni provocan pena ajena. Adicionalmente la cinta gana puntos extra por la banda sonora de tomandandy, cuyas elegantes armonías electrónicas añaden un toque de clase a esta simple pero entretenida cinta de terror (quizás este famoso dueto le debía un favor a la productora Drew Barrymore). No creo que Animal gane premios (me refiero a los Chainsaw Awards de Fangoria), pero sus modestos aciertos bastan para elevarla por encima de muchas otras muestras recientes del género. Como he dicho antes, no sé si eso habla bien de esta película, o mal del cine de terror actual, pero bueno... en mi humilde opinión, con la mera presencia de un monstruo sanguinario con enormes dientes y un temible rugido, ya tienen ganada la mitad de la batalla.
Calificación: 7.5

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The Pretty One

Síntomas: Laurel y Audrey (Zoe Kazan) son hermanas gemelas, idénticas en apariencia pero con muy distintas personalidades. Laurel es tímida y vive en la granja de su padre. Audrey es extrovertida y hace tiempo se mudó a la gran ciudad, donde trabaja en bienes raíces. Pero cuando una de ellas fallece en un accidente, la otra decide tomar su lugar para averiguar si puede ser más feliz con la vida de su hermana.

Diagnóstico: The Pretty One es un amable melodrama "indie" cocinado con los habituales ingredientes del género: un argumento simple, pero con cierta profundidad; personajes graciosos, demasiado pintorescos para existir en el mundo real; y una sensibilidad narrativa que ocupa arteramente la intersección entre el cine de autor y el cine comercial. Quizás esta descripción parece un poco cínica, pero no opaca mi aprecio por los múltiples aciertos de The Pretty One, la cual me gustó bastante a pesar de su obvia artificialidad y empalagosa manufactura. Para empezar, los actores son absolutamente brillantes, no tanto por sus actuaciones, sino por la naturalidad con la que abordan sus papeles. Desde hace tiempo me gusta el trabajo de Zoe Kazan y Jake Johnson, aunque tienden a interpretar el mismo personaje en todas sus películas (adorable "Phoebe" y adorable perdedor, respectivamente). Pero mientras sigan encontrando proyectos apropiados para su estilo, seguiré admirando y disfrutando su labor. Y ese es el caso de The Pretty One; Kazan y Johnson tienen perfecta química y se complementan desde la primera escena que comparten, lo cual facilita mucho el trabajo de la directora Jenée LaMarque (también guionista) y ayuda a cubrir algunas deficiencias del libreto. Por ejemplo, la premisa se siente ocasionalmente inverosímil, aunque está planteada con suficiente lógica para aceptarla en aras del entretenimiento. Después de todo, The Pretty One no aspira al crudo realismo de Smashed o Hesher (por poner un par de ejemplos "indie"), sino que ocupa el idealizado universo de cintas como In Your Eyes y Juno, donde los personajes son sublimaciones de arquetipos narrativos, y los diálogos son imposiblemente elocuentes y coloridos. Pero el artificio funciona porque las emociones se sienten reales, y gracias a eso The Pretty One sobrevive algunas coincidencias poco creíbles, revelaciones forzadas y momentos de dudoso humor. Además, para sazonar un poco la receta, LaMarque se permite esporádicas exploraciones del significado de la identidad, y su estrecha (a veces contradictoria) relación con nuestra percepción pública. ¿Es más importante saber quiénes somos, o quién cree la gente que somos? No es un concepto novedoso, pero añade una tenue base filosófica a las peripecias tragicómicas de la cinta, separándola de las vacuas comedias románticas realizadas por los grandes estudios de Hollywood. Por eso puedo recomendar The Pretty One con confianza, añadiendo la acostumbrada advertencia de que no debe tomarse muy en serio, ni enfocarse demasiado en sus esporádicas afectaciones. Me hizo reír, me puso a pensar un poco y, por primera vez en mucho tiempo, realmente me interesé en el aspecto romántico. Aunque, siendo justos, no creo que hubiera ocurrido con actores diferentes. Entonces tal vez no estoy recomendando la película sino a su reparto. Buen trabajo, directoras de casting.
Calificación: 8.5

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Trust Me

Síntomas: Allá por los ochentas Howard Holloway (Clark Gregg) era un famoso actor infantil; pero ahora, en su edad madura, trabaja como agente de niños actores en Hollywood, aunque está atravesando una mala racha que lo ha dejado sin clientes ni perspectivas de trabajo... hasta que descubre casualmente a Lydia (Saxon Sharbino), una talentosa actriz de 13 años por quien se están peleando los grandes estudios para contratarla de inmediato. ¿Logrará Howard convertirse en su agente y resucitar su carrera? ¿O será el fracaso final que lo borrará de la industria para siempre?

Diagnóstico: Obviamente tenía curiosidad por ver una película escrita, dirigida y actuada por el estimado Agente Coulson, pero me alegra decir que Clark Gregg resultó tener suficiente talento en esas tres disciplinas para hacernos olvidar casi de inmediato el papel que lo hizo famoso en las cintas de Marvel Studios (como Thor y The Avengers). En Trust Me, Gregg le da vida a un agente de otro tipo (de esos que se quedan con el diez por ciento del salario de los actores), y lo hace con tal intensidad y convicción que es fácil aceptar la exagerada realidad de la cinta y sumergirnos en la patética existencia de Howard, redimida por una inagotable dotación de esperanza que le ayuda a superar todas las vejaciones y tropiezos que acechan en la industria cinematográfica. Pero, ¿será realmente exagerada? Sospecho que no. Al igual que otras películas sobre las interioridades de Hollywood (por ejemplo State And Main, The Big Picture y The Player), Gregg no teme presentar el medio como un nido de serpientes, donde la lealtad es un defecto, y lo único que importa es firmar el contrato, cobrar la comisión y ganar reputación para asegurar el siguiente trabajo. ¿Y la parte "artística" del cine? Siempre habrá asistentes que se encarguen de esos detalles triviales. Y de traer el latte macchiato, desde luego. Afortunadamente la narrativa de Trust Me no está fundamentado en el cinismo (aunque sin duda ayuda bastante) sino en las emociones del protagonista, tan imperfecto como los tiburones que lo rodean, pero con un tenue rastro de conciencia y humanidad que nos "enganchan" en sus experiencias y nos hacen desear que triunfe sobre la adversidad (y sobre sus múltiples enemigos). Gregg realiza una labor similarmente admirable como guionista, navegando con fluidez entre varios géneros sin comprometerse con alguno, pero cumpliendo sus necesarios requerimientos. Drama, comedia, misterio... hay suficientes vueltas y sorpresas para capturar la atención y preservar el suspenso sobre el impredecible final. Acompañando a Gregg encontramos un notable reparto de actores de carácter que encajan a la perfección en sus papeles, desde Felicity Huffman como la implacable productora que haría tratos con el diablo para financiar su película, hasta Sam Rockwell como el agente rival de Howard, más joven, más "cool", pero menos preocupado por proteger los intereses de sus clientes. Finalmente, como director, Gregg se muestra seguro y eficiente, aunque algunas decisiones creativas parecen un poco extravagantes (por ejemplo la escena de las alas). Sin embargo hay tantas cosas positivas en Trust Me que solo queda darle una sincera recomendación, no solo para cínicos que quieren confirmar sus sospechas sobre esa cloaca llamada Hollywood, sino para fans del cine que aún conservan una idealizada versión de la industria cinematográfica. La verdad duele, pero a veces también entretiene.
Calificación: 8.5

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Trascender (Transcendence)

Síntomas: El brillante científico Will Caster (Johnny Depp) está en camino de desarrollar un sistema de inteligencia artificial tan avanzado que podría cambiar el curso de la historia, hasta que un grupo de activistas anti-tecnológicos organiza un devastador sabotaje del proyecto. Pero en vez de detenerse, Will decide acelerar sus planes y fusionar su propia conciencia con el programa de inteligencia artificial, resultando en algo sorprendente... y quizás muy peligroso.

Diagnóstico: Para bien o para mal, Trascender fue exactamente lo que esperaba: un planteamiento simplificado e inverosímil de las ideas propuestas por futuristas como Ray Kurzweil y Vernon Vinge desde los años setentas. Las ideas son buenas, y algunos momentos de Trascender casi cumplen el potencial de la premisa. Pero, para variar, Hollywood dictamina que el evento más importante en la historia de la humanidad debe estar supeditado a un genérico romance para darle validez emocional. De otro modo, el público no estará interesado, o algo así. Ni hablar. Mientras veía Trascender me hizo enojar por todo lo que copia, y además copia mal. Pero, en retrospectiva, podría describirla como una entretenida fábula tecnológica con una importante advertencia sobre la ciencia fuera de control, aunque al mismo tiempo carece del ingenio suficiente para clasificarla como ciencia ficción "seria". Por el lado amable, los actores cubren con esmero los requerimientos de sus afectados personajes, creados estrictamente bajo las normas de Hollywood: todos atractivos, todos carismáticos. Creo que cuando alguien alcance la "singularidad" en el mundo real, será más parecido al elenco de Silicon Valley: "weirdos" y desadaptados. Pero en vez de eso tenemos a Johnny Depp como el arquetípico científico rebelde con lentes (para reflejar inteligencia) y con el cabello expertamente despeinado (para indicar su casual genialidad). Morgan Freeman es el obligatorio mentor con abundante sensibilidad y sabiduría; y Rebecca Hall es la abnegada esposa que mantiene interminables conversaciones con escenarios de "green screen", mientras aplica su considerable talento para expresar sorpresa y temor cuando el libreto no logra inspirarlos. Afortunadamente el cinematógrafo Wally Pfister (habitual colaborador de Christopher Nolan) resultó ser un competente director, evitando que la película se descarrile bajo el peso de su grandilocuencia, y preservando la gravedad de la situación a pesar de los simplistas giros de la historia (si estuviéramos en el siglo veinte, todo se resolvería con una bomba atómica; pero estamos en el siglo veintiuno, así que la solución solo puede ser un virus digital). Los conceptos de inteligencia artificial, nanotecnología y "singularidad tecnológica" se han manejado con genuina inteligencia en muchas novelas (entre mis favoritas: The Diamond Age de Neal Stephenson; Blood Magic de Greg Bear; y la “trilogía del Puente” de William Gibson), y hasta se satirizó brillantemente en Futurama (en los episodios "Benderama" y "Overclockwise"). Sin duda son temas fascinantes, y creo que se volverán más relevantes conforme avance nuestra inevitable dependencia tecnológica; por eso me decepcionaron los clichés y torpe narrativa de Trascender. Lo bueno es que probablemente inspirará a buscar material más creíble sobre "la singularidad", y podremos estar mejor preparados cuando llegue el día del "grey goo".
Calificación: 7

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Un Pasado Imborrable (The Railway Man)

Síntomas: Durante la Segunda Guerra Mundial el soldado británico Eric Lomax (Colin Firth) fue capturado por el enemigo, y sufrió terribles torturas y vejaciones en un campo de concentración japonés. Eventualmente Lomax regresó a su país y se casó con la cariñosa Patti Wallace (Nicole Kidman). Pero, veinte años después, el abrumado hombre sigue sufriendo perturbadoras pesadillas y alucinaciones sobre sus horribles experiencias como prisionero de guerra. Entonces decide que solo una cosa podrá curarlo: buscar y enfrentar al oficial japonés responsable por las torturas.

Diagnóstico: Basada en hechos reales, Un Pasado Imborrable retrata vívidamente las devastadoras consecuencias psicológicas de la guerra, y la inusual manera que una víctima encontró para superar su trauma (o al menos para intentarlo). El elenco está integrado por talentosos actores; la producción es modesta, pero meticulosamente diseñada, con abundante detalle histórico y excelente cinematografía; y además, el director Jonathan Teplitzky se esfuerza por mantener las emociones de la historia bajo control, cuidando que la narrativa sea intensa y realista, pero sin explotar gratuitamente el sufrimiento de los personajes. Colin Firth nos entrega otra de sus mesuradas actuaciones, desbordante de pasión apenas oculta bajo su estoica apariencia. Nicole Kidman es igualmente sutil como la comprensiva mujer que quiere ayudar a su esposo, aunque no sabe cómo. Y Stellan Skarsgård se luce en el breve pero importante papel de Finley, veterano colega de Eric que lo acompañó en el campo de concentración, y por lo tanto es el único que entiende lo que atraviesa su amigo. Habiendo dicho eso... las escenas con estos famosos actores me parecieron lentas, repetitivas y curiosamente distantes, lo cual me hizo perder interés a pesar de las excelentes actuaciones. Afortunadamente esa es tan solo la mitad de la película; para mi sorpresa, lo mejor de Un Pasado Imborrable fueron los "flashbacks" de la Segunda Guerra Mundial, donde el joven Eric (ahora interpretado por Jeremy Irvine) trata de mantener alguna semblanza de dignidad y control ante las torturas físicas y psicológicas perpetradas por sus captores, especialmente el sádico Nagase (Tanroh Ishida). Durante esas escenas la película se convierte en una versión solemne de The Great Escape, con los prisioneros planeando alguna manera de escapar, no porque tengan probabilidades de hacerlo, sino simplemente para mantener la moral y encontrar la fuerza interna que les permita sobrellevar el maltrato. Francamente yo hubiera preferido que así fuera la película entera, quizás con las partes "modernas" como prólogo y epílogo; pero no... el nudo dramático del relato es el eventual enfrentamiento entre Lomax y su captor muchos años después, lo cual encontré menos interesante. De cualquier modo no puedo negar que la historia de Un Pasado Imborrable (¡que torpe título recibió en México!) es única, sobre todo sabiendo que está basada en hechos reales; y amerita una recomendación para espectadores acostumbrados al cine de arte reflexivo y parsimonioso, que no se apoya en exagerado drama, sino en el gradual incremento de emociones, hasta llegar a un final inevitablemente agridulce. En otras palabras, Un Pasado Imborrable puede parecer aburrida, pero el resultado fue una experiencia cinematográfica satisfactoria, cuyos mejores elementos no son los que nos vende el póster (Colin Firth, Nicole Kidman), sino su elenco secundario, y aquellas escenas que tan solo integran el marco de la trama principal. O, en su defecto, podría recomendar otra visita a la clásica The Great Escape, para re-descubrir una de las mejoras películas de acción sobre la Segunda Guerra Mundial que no tiene mucha acción, pero sí abundante personalidad y entretenimiento.
Calificación: 7.5

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Son of Batman

Síntomas: El villano Deathstroke (voz de Thomas Gibson) organiza un devastador ataque sobre el templo de la Liga de Asesinos, durante el cual muere el "inmortal" Ra's al Ghul (voz de Giancarlo Esposito). Su hija Talia (voz de Morena Baccarin) planea vengarse de los atacantes, pero antes debe llevar a su hijo Damian (voz de Stuart Allan) a un lugar seguro. Y ese lugar resulta ser Gotham, donde vive su padre... Batman (voz de Jason O'Mara).

Diagnóstico: Aunque generalmente me gusta el trabajo del escritor Grant Morrison, admito que no me entusiasmó mucho la novela gráfica "Son of Batman", y por eso vi la epónima película animada con desconfianza y bajas expectativas. Sin embargo, para mi sorpresa, el libreto de James Robinson (otro veterano de los comics) afinó la narrativa, suavizó un poco los personajes (por ejemplo, Damian ya no es un mocoso insufrible), y logró que la dinámica "familiar" entre Batman, Damian, Alfred (voz de David McCallum) y Nightwing (voz de Sean Maher) fuera realista y simpática, sin perder la obvia disfunción que la hace memorable. Quizás la trama se simplificó demasiado (la complejidad de la Liga de Asesinos y la lucha por su control se sacrifica a favor de una típica misión para rescatar a Talia al Ghul), pero, aceptémoslo: el punto de la película es ver a Batman enfrentando por primera vez el difícil rol paterno. Y en ese sentido Son of Batman es casi perfecta. Batman asume con su habitual aplomo la responsabilidad de tener un hijo que además fue entrenado desde la cuna para heredar el imperio criminal de su abuelo Ra's al Ghul. Es una situación complicada, pues el niño tiene un instinto asesino que va contra el estricto código de Batman, y su impulsivas decisiones constantemente obstruyen la investigación y ponen en mayor peligro a su madre Talia (por no mencionar a Batman mismo). Alfred, desde luego, tiene graciosos momentos tratando de lidiar con el nuevo residente de la Mansión Wayne; y Nightwing (alias Dick Grayson, el primer Robin) cumple la función de hermano mayor, tolerante pero dispuesto a darle una buena lección al caprichoso niño cuando lo amerita. Y, bueno, para no revelar cada pequeño detalle diré que el resto de la cinta mantiene un apropiado balance entre la acción y la mencionada dinámica familiar, sin perder el suspenso y sensación de peligro que aporta el impredecible Damian. Lo que me gustó un poco menos fue el trabajo de los actores de voz; Jason O'Mara y Stuart Allan tienen un sólido desempeño como Batman y Damian, respectivamente, pero el elenco secundario se escucha rígido y artificial, como si no tuvieran suficiente experiencia en "voiceover". Resulta extraño que un actor habitualmente bueno, como Xander Berkeley (por ejemplo), se escuche increíblemente falso, e-nun-cian-do cui-da-do-sa-men-te cada sílaba, como locutor novato. A pesar de ello, el implacable ritmo de la historia y la ágil dirección de Ethan Spaulding (egresado de Los Simpsons, nada menos) impiden que estos tropiezos arruinen la experiencia. Y hasta la animación me pareció de superior calidad que otras cintas animadas de DC Comics; la coreografía de las escenas de acción es clara y fluida, y el diseño de los personajes conserva un sano equilibrio entre realismo y estilización. Entonces, Son of Batman fue una agradable sorpresa, tomando en cuenta mi opinión del comic original; su argumento no posee la épica escala de Justice League: Crisis on Two Earths o Superman/Batman: Apocalypse, pero en este caso creo que tomaron la decisión correcta al mantener la historia simple y funcional para poner el énfasis en la química de los personajes y la transformación de roles que implica la llegada de Damian. Hablando de lo cual, Son of Batman no forma parte de la continuidad de "The New 52", como la previa película del Universo Animado (Justice League: War). Aparentemente Warner Animation estará alternando continuidades, lo cual podría confundir a espectadores casuales que esperaban más consistencia entre película y película. Pero, tomando en cuenta que el público principal son los lectores de comics, estimo que no será un problema mayor. Y además, significa que aún hay oportunidad de adaptar algunas de las mejores historias de Batman que no encajan en la continuidad actual. Por ejemplo, "The Long Halloween" y "Knightfall". Aun hay tiempo de enseñarle a Hollywood como se hacen las cosas.
Calificación: 8.5

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Wolf Creek 2

Síntomas: El maniático cazador Mick Taylor (John Jarratt) continúa acechando el "outback" australiano en busca de turistas despistados que tienen la mala fortuna de atravesarse en su camino. Pero esta vez sus víctimas tratarán de defenderse.

Diagnóstico: Allá por el año 2005, la cinta Wolf Creek surgió como respuesta australiana al naciente cine de tortura, cuya implacable brutalidad y realismo desafiaban la artificialidad del rancio género slasher, y restauraban la sangre y violencia que estuvieron ausentes del terror durante la fiebre de los fantasmas asiáticos. Pero ahora, casi diez años después, la porno-tortura pasó de moda ¿habrá lugar para una secuela de Wolf Creek? Francamente no estoy seguro. Wolf Creek 2 tiene muchos elementos positivos, empezando por su carismático villano interpretado por John Jarratt como un campesino ignorante y racista, pero terriblemente diestro para despachar a sus víctimas con toda clase de herramientas, desde su fiel cuchillo hasta su rifle de alto poder. Las muertes son tan crueles y violentas como antes, y ahora más sangrientas gracias al obvio incremento de presupuesto que también nos permite disfrutar algunas vistas espectaculares de los agrestes escenarios australianos, así como impactantes stunts automovilísticos muy bien coreografiados, que casi me hicieron recordar otro clásico australiano que no mencionaré. Sin embargo... la historia es más de lo mismo. Las víctimas son anónimas e intercambiables, apenas definidas por sus variadas nacionalidades. Las circunstancias de los asesinatos no ofrecen suspenso o misterio alguno; y el final se extiende innecesariamente con una larga secuencia de tortura que frena el ritmo y no se siente muy consistente con la metodología del villano (aunque, por otro lado, nos ofrece algunas interesantes lecciones sobre historia australiana). Probablemente el director quiso profundizar un poco en la torcida psicología del asesino, pero a fin de cuentas no aporta gran cosa a la historia (nuevamente "basada en hechos reales"), y lo sentí más como una salida perezosa e insípida que solo pretende preparar el terreno para otra secuela. Entonces, no niego que Wolf Creek 2 me mantuvo entretenido; y como fan del gore aprecié los jugosos efectos especiales (con la posible excepción de unos canguros digitales). Pero con un cineasta tan talentoso como Greg McLean, yo esperaba algo más ambicioso o innovador, en vez de un virtual refrito de la primera película. Habiendo dicho eso, los fans de la porno-tortura probablemente agradecerán esta tardía entrada en un subgénero casi extinto, y ese sabor retro (junto con el mencionado gore y paisajes) justifica una escueta recomendación para Wolf Creek 2. Sin duda preserva el tono de la original, pero carece de un ángulo fresco que hubiera inyectado vida en la franquicia. Se me ocurre que para la tercera película McLean podría enfrentar a Mick Taylor contra el cocodrilo gigante de Rogue. Estoy bromeando, pero solo a medias.
Calificación: 7.5

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La Mejor Oferta (La Migliore Offerta)

Síntomas: Virgil Oldman (Geoffrey Rush) es un célebre y refinado corredor de pinturas y antigüedades, aunque de vez en cuando manipula secretamente las subastas para su propio beneficio. Sin embargo, su rígida disciplina y estricta metodología se ponen a prueba cuando entra en contacto con la joven Claire Ibbetson (Sylvia Hoeks), heredera de una mansión repleta de valiosas antigüedades... y de un secreto que cambiara sus vidas.

Diagnóstico: Me apena confesar que no soy particular devoto del legendario director italiano Giuseppe Tornatore. Desde luego respeto su posición y estatura dentro del cine universal... pero no he visto la gran mayoría de sus obras, ni me interesa mucho hacerlo. Lo que me atrajo de La Mejor Oferta fue la presencia del genial Geoffrey Rush, y el enigmático argumento, que en cierto modo me recordó la obra reciente de Roman Polanski: elegante, inteligente, y aún así perfectamente accesible como simple entretenimiento. La trama de La Mejor Oferta está cuidadosamente diseñada para distraernos del tema principal, pero aun así la encontré un poco predecible; sin embargo, eso no impide disfrutar el detalle y realismo de los personajes y su puntilloso desarrollo. Geoffrey Rush interpreta a Virgil como un hombre exitoso y distinguido, pero con un vacío interno que intenta llenar con su afición al arte... aunque queda claro que no es suficiente. Por eso es un placer ver su florecimiento cuando se topa con el enigma de Claire y su decrépita mansión, repleta de objetos de arte pero carente de vida. Ambos personajes necesitan un catalizador para impulsar el cambio, y Tornatore se deleita en llevarnos paso a paso por el proceso, a veces entrañable, y a veces tortuoso. Desde luego es Rush quien domina la película, pero hay amplia oportunidad para lucir al elenco secundario con pintorescos papeles que enriquecen la narrativa y hacen las veces de "coro griego", expresando lo que piensa el público, y lo que no se atreve a decir el protagonista; entre ellos: Donald Sutherland como artista fracasado que se convirtió en coleccionista; Jim Sturges como astuto especialista en antigüedades mecánicas y confidente de Virgil; y Sylvia Hoeks como la voluble Claire, a quien solo escuchamos durante la mayor parte de la película. Adicionalmente, estimo que La Mejor Oferta será un deleite visual para aficionados al arte, pues Virgil vive rodeado de pinturas, esculturas y hermosas antigüedades, que vemos a través de sus ojos no como mercancía en venta, sino como reflejo del talento y emoción humana. Entonces, no voy a decir que me volví fan de Tornatore, ni que encontré La Mejor Oferta tan excelsa y perfecta como los críticos de verdad, porque no fue así; como dije antes, la historia es bastante predecible, algunas escenas se sienten demasiado falsas, y quizás la película se alarga más de la cuenta, con un desenlace extendido que trata de explicarnos todo lo que ya habíamos deducido. De cualquier manera merece una recomendación, y además podría funcionar como ameno entremés cultural en esta temporada de "películas evento" y sobre-producidos efectos especiales. Tornatore es un genuino maestro de la puesta en escena y del lenguaje cinematográfico, y me da gusto haberlo re-descubierto con esta película. Pero nada de esto cambia mi opinión sobre Cinema Paradiso.
Calificación: 8.5

Trailer (No lo vean si planean ver la película; revela demasiado)

Pueblo Chico, Pistola Grande (A Million Ways to Die in the West)

Síntomas: En el viejo oeste norteamericano, a fines del siglo diecinueve, el temeroso y pesimista granjero Albert Stark (Seth McFarlane) se enamora de la atractiva Anna (Charlize Theron), sin saber que es la esposa de Clinch Leatherwood (Liam Neeson), un violento criminal que regresará por ella en unos días. ¿Logrará Stark encontrar el valor de enfrentar a su rival, o morirá a manos del pistolero?

Diagnóstico: En general me gusta el trabajo del comediante Seth McFarlane, aunque admito que su estilo humorístico es muy repetitivo, y además se basa en una inestable combinación de surrealismo y vulgaridad que solo funciona de vez en cuando (ejemplo positivo: la cinta Ted; ejemplo negativo: el programa animado The Cleveland Show). Pueblo Chico, Pistola Grande, la más reciente película de McFarlane, es claro testimonio de ese inconsistente balance, pues aunque ofrece algunas escenas bastante graciosas, la mayoría de los chistes fracasan estrepitosamente, o son tan obvios que pierden el invaluable "elemento sorpresa” que quizás los hubiera salvado en distintas circunstancias. Desde luego gran parte del humor radica en la sátira de los clichés del cine "western"; y McFarlane (en su faceta de guionista) encuentra algunas ingeniosas "de-construcciones" de este venerado género (por ejemplo, el título original en inglés, "Un Millón de Maneras para Morir en el Oeste", refleja un chiste recurrente sobre lo peligrosa que era la vida en aquel período); sin embargo, hemos visto mejores implementaciones de "humor western" en otras películas y series de televisión, desde la clásica Blazing Saddles hasta la serie de televisión The Adventures of Brisco County, Jr., sin olvidar los cortos animados de Bugs Bunny y Sam Bigotes (alias Yosemite Sam). Por suerte para McFarlane (como productor), contó con el apoyo de un distinguido ensamble de actores cuyo talento (o su mera presencia) ayuda a sobrellevar hasta las más flojas escenas. Y también se nota que Charlize Theron, Liam Neeson y Neil Patrick Harris (por no mencionar varios inesperados cameos) se divierten mientras juegan a ser vaqueros, de modo que su entusiasmo contagia al espectador y casi disculpa la pereza del libreto, que quizás necesitó un poco más de refinamiento antes de llevarlo a la pantalla. Es lo malo de tener a una sola persona como actor, director, productor y co-guionista... dicen que muchos cocineros arruinan la sopa, pero es igualmente riesgoso tener un solo chef de cuestionable gusto tomando todas las decisiones y seleccionando todos los ingredientes. Pero, bueno... a fin de cuentas admiro la ambición de McFarlane, y la tenacidad que debió tener para obtener financiamiento de una cinta perteneciente a un género casi extinto. Entonces, no todos los chistes funcionan, pero reí (o al menos sonreí) con suficiente frecuencia para rescatar la experiencia, lo cual justifica una modesta recomendación para Pueblo Chico, Pistola Grande. Siento que debió llegar más lejos en todos sus niveles (ya fuera haciendo la trama más cruda y realista, o abrazando la ruta del bizarro absurdismo); y, francamente, McFarlane es bastante malo en su faceta de actor; sin embargo imagino que no quiso delegar la tarea de besar a Charlize Theron. O de participar en un clásico duelo a pistolas contra Barney Stinson.
Calificación: 7

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Hateship Loveship

Síntomas: Johanna Parry (Kristen Wiig) es una insegura y retraída empleada doméstica. Su más reciente trabajo la lleva a casa del anciano Sr. McCauley (Nick Nolte), quien vive con su nieta adolescente Sabitha (Hailee Stanfield). La niña resiente la presencia de Johanna, y decide jugarle una cruel broma que tendrá inesperadas consecuencias para toda la familia.

Diagnóstico: No todos los comediantes logran (o desean) hacer la transición al drama, pero es obvio que Kristen Wiig está perfectamente capacitada para ello. Claro, ya la habíamos visto dominando algunas escenas serias en comedias o melodramas, pero Hateship Loveship es el primer proyecto centrado específicamente en su talento para evocar emociones intensas, con un personaje profundo y honesto. Por su parte, la directora Liza Johnson realiza un excelente trabajo al conducirnos por la sencilla historia, añadiendo detalle donde lo amerita, y dándole espacio suficiente a los actores para que respiren y den vida a sus personajes. Esto facilita la asimilación de algunos giros demasiado convenientes, que podemos disculpar gracias a la naturalidad y convicción del reparto. A pesar de su corta edad, la joven Hailee Stanfield ya es veterana de papeles difíciles, y muestra notable control de su oficio en un papel que requiere considerables altibajos emocionales. Nick Nolte hace lo suyo como abuelo comprensivo, y Guy Pearce se luce en el inusual rol de adicto e irresponsable padre de Sabitha. Finalmente, me dio gusto encontrar (aunque fuera tan solo por unos minutos) a la virtuosa Jennifer Jason Leigh en otro de los papeles tristes y degradantes que tanto parecen gustarle. Sin embargo, Hateship Loveship es propiedad absoluta de Kristen Wiig, y aunque la trama sea simple y la resolución un poco forzada, es un placer presenciar su devastadora actuación, capturando sin dificultad el tono perfecto de cada escena, y al mismo tiempo evitando caer en la monotonía de un personaje excesivamente trágico. También merece mención el libreto (basado en un cuento corto de Alice Munro), cuyo arco dramático se mantiene en constante evolución, administrando gradualmente los elementos que revelan el complejo carácter de la protagonista. A fin de cuentas Hateship Loveship es un típico drama "indie" con personajes pintorescos, problemas existenciales, bla, bla, bla, un poco de alt rock, final agridulce, y listo. Pero dentro de ese nicho me pareció una obra inusitadamente sincera, muy bien actuada y satisfactoria como entretenimiento que trasciende su simplicidad. Y desde ahora me atrevo a predecir que no pasará mucho tiempo antes de ver a Kristen Wiig nominada para algún importante premio de actuación. Sin duda tiene el talento; sólo falta que su agente encuentre el proyecto adecuado para atraer la atención de "la Academia" o similares fantoches. Pero ojalá no se le suba a la cabeza, porque también quiero verla en papeles cómicos tan bizarros como sus antiguos sketches de Saturday Night Live.
Calificación: 8

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Willow Creek

Síntomas: Jim (Bryce Johnson) y su escéptica novia Kelly (Alexie Gilmore) viajan a Willow Creek, en el norte de California, para filmar un documental sobre Sasquatch en el mismo sitio de la famosa "película Patterson-Gimlin". Sobra decir que la pareja encontrará más evidencia de la que buscaban.

Diagnóstico: Sí, Willow Creek es otro pseudo-documental de terror, pero tiene el atractivo adicional de estar dirigido por el comediante Bobcat Goldthwait, cuyas previas cintas (World's Greatest Dad y God Bless America, entre otras) revelan un mordaz sentido del humor y una sana irreverencia por la sociedad y cultura de su país. ¿Qué será capaz de hacer Bobcat en su primera incursión en el género de terror? Desafortunadamente no mucho. No me malinterpreten... Willow Creek me pareció tensa e interesante, gracias a que el director pone particular énfasis en las actuaciones, y no teme dejar la cámara fija durante muchos (MUCHOS) minutos sobre los rostros de sus protagonistas, mostrándonos con creciente angustia sus reacciones ante los sonidos que escuchan durante la noche en su minúscula casa de campaña. Pero a la par de esos intensos momentos, también tenemos las obligatorias corretizas por el bosque y los tediosos diálogos semi-improvisados, por no mencionar el clásico final ambiguo y abrupto que no explica mucho y al mismo tiempo revela demasiado. Por cierto, he leído comentarios que acusan a Willow Creek de copiar otra cinta sobre Bigfoot llamada Exists; pero como esa no tiene aún distribución masiva, no puedo opinar al respecto. Regresando al tema, creo que Goldthwaite no estudió suficiente sobre la cansada corriente de "found footage" y terminó cometiendo los errores que la caracterizan. Aún así Willow Creek me pareció un poco más satisfactoria que otros pseudo-documentales que he visto recientemente, gracias al trabajo de los actores Bryce Johnson y Alexie Gilmore, cuya buena química y sólida presencia los hacen más simpáticos y creíbles que los genéricos idiotas que habitualmente encontramos en este sub-género, gritando por cualquier cosa y cometiendo los más absurdos errores para impulsar la trama. Y supongo que también ayudó la experiencia de Goldthwait como director de historias poco comunes, que en ocasiones cruzan la línea de la credibilidad para enfatizar su mensaje. Además, me gustó el respeto que el director muestra al presentarnos la modesta industria turística de Willow Creek, fundamentada en la leyenda de Sasquatch (o Bigfoot); fue un placer escuchar a la población local contando sus historias y expresando opiniones sobre la existencia (o falsedad) de esta legendaria criatura. Para variar, me dieron ganas de ver un documental completo sobre ese ignorado aspecto de Sasquatch: sostén económico de una pequeña comunidad. Y también se me antojó comer una "hamburguesa Bigfoot" (vegetariana, por favor). Entonces, encontré Willow Creek parcialmente recomendable como un breve y eficiente experimento de terror; pero no destaca demasiado en el contexto del moderno “mockumentary”. Entiendo lo que Goldthwait quiso hacer, y creo que lo logró; sin embargo debió abordar el género con mayor ambición e ingenio, para evitar que su película fuera otra más del montón. Sugerencia para una secuela: una antología con historias sacadas del libro "Bigfoot Campfire Stories", de Rusty Wilson. No sé si serán ciertas, pero sin duda impresionan más que dos personas viendo a la cámara.
Calificación: 7.5

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Livide: Herencia Maldita (Livide)

Síntomas: La joven enfermera Lucie Klavel (Chloé Coulloud) escucha casualmente el rumor de que hay un tesoro oculto en la lúgubre mansión de la anciana que está cuidando. Entonces, por insistencia de su ambicioso novio y su hermano, se infiltran durante la noche para encontrar el tesoro... y sobra decir que su búsqueda revelará peligrosos secretos del pasado.

Diagnóstico: En las últimas décadas Francia nos ha dado algunas excelentes películas de terror (por ejemplo: La Horde, A l'Interieur y Martyrs). Y aunque Livide: Herencia Maldita no amerita tal calificativo, no significa que sea mala; por el contrario, se trata de una intensa fantasía gótica visualmente impresionante que simplemente se quedó corta en sus aspectos narrativos. Entre sus muchos aciertos: los increíbles interiores de la mansión, repleta de sombras, ángulos inquietantes y siniestras creaciones de taxidermia que, combinadas con la tétrica cinematografía, conjuran una atmósfera pesadillesca en la que todo puede suceder. Las apariciones que acechan a los visitantes están bien diseñadas (algunas me recordaron las criaturas de Silent Hill), y los "flashbacks" donde se revela el pasado de la mansión (y de la anciana que la habita) ofrecen algunas imágenes horripilantes y al mismo tiempo perturbadoras por su grotesca belleza (tres palabras: "operación quirúrgica steampunk"). Por el lado negativo, los personajes son tan antipáticos como en las películas de horror norteamericanas; Lucie muestra un poco de conciencia y humanidad, pero sus cómplices son odiosos y estúpidos; en otras palabras, víctimas desechables por las que no sentimos la menor simpatía. En cuanto al argumento... no sé que pensar. La clásica fórmula de "exploración de la casa embrujada" se transforma rápidamente en un desfile de sangrientos asesinatos y bizarras ocurrencias carentes de lógica o explicación. Y ese final... simultáneamente lírico, enigmático y ridículo; ¿qué demonios debemos deducir de la bailarina flotante (entre otras cosas)? Pero bueno; a pesar de mis dudas, tengo que darle una recomendación a Livide: Herencia Maldita tan solo por su excepcional diseño de producción, increíbles imágenes de onírico terror, y porque definitivamente invita a la reflexión y al análisis de su inescrutable argumento. Y porque fue un milagro encontrarla en cines de México. En resumen: visualmente atractiva, pero narrativamente frustrante. Cada quien determinará su particular tolerancia hacia los caprichos del "horror artístico". Por mi parte, me dieron ganas de comprar el Blu-Ray tan solo para extraer cuadros fijos y usarlos como atractivo tapiz de mi computadora. Sí, incluso de la bailarina flotante.
Calificación: 8

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Al Filo del Mañana (Edge of Tomorrow)

Síntomas: En medio de una invasión extraterrestre que está devastando al planeta, el inepto y cobarde soldado William Cage (Tom Cruise) se encuentra atrapado en un ciclo temporal recurrente, que lo hace vivir el mismo día una y otra vez. ¿Logrará encontrar un escape de la increíble situación, o se verá condenado a un infinito número de muertes horribles?

Diagnóstico: Si logramos tragar el hecho de que Al Filo del Mañana es básicamente Groundhog Day con aliens, encontraremos una historia ingeniosamente planteada y bien producida, respaldada por un sólido elenco y adornada por sobresalientes efectos especiales. Quizás eso no bastará para convertirla en un clásico de ciencia ficción, pero ciertamente funciona como ameno pasatiempo que, para variar, no es secuela, remake, ni reboot. Y si bien está basada en un libro, tampoco se trata de un romance adolescente con tintes sobrenaturales. Tan solo por eso merece la oportunidad de triunfar o fracasar por sus propios méritos. El director Doug Liman se divierte con el concepto del "loop" temporal, que le permite matar al héroe en numerosas ocasiones, y al mismo tiempo le confiere una especie de inmortalidad que se explora con humor y lógica suficiente para disculpar los más inverosímiles elementos de la premisa. Y estimo que ese será el principal punto débil de Al Filo del Mañana... algunos espectadores aceptarán la ridícula explicación sobre el viaje en el tiempo y otros no. En lo personal me pareció demasiado forzada, pero es innegable que aporta valiosos niveles dramáticos a la narrativa (no diré más para evitar spoilers). Por otro lado, también habrá quien diga que el punto débil de la película es Tom Cruise... y quizás tengan razón. Su actuación no es necesariamente mala; más bien la llamaría desinteresada. En ningún momento sentí la intensidad y convicción de sus mejores interpretaciones; y ni siquiera hace falta compararla con sus clásicos roles de acción en Mission: Impossible o War of the Worlds. Basta con recordar su desempeño en Oblivion, otra reciente cinta de ciencia ficción con múltiples ideas plagiadas de superiores películas; incluso en ella Cruise mostró más vida y pasión. Por cierto, esa descripción también aplica para Al Filo del Mañana: una serie de conceptos prestados (el “loop” temporal de Groundhog Day, los trajes mecánicos de Starship Troopers 3, el abrumador combate de Saving Private Ryan, el cíclico drama del episodio "Cause and Effect" de Star Trek: The Next Generation, etc.) y confeccionados en una historia con suficiente personalidad (e impresionante diseño de producción) para ganar identidad propia, siempre y cuando disculpemos sus más extremos desvaríos. Entonces, Al Filo del Mañana puede disfrutarse sin pensar demasiado, y merecería una cauta recomendación tan solo por el inesperado desempeñó de Emily Blunt como ruda mujer de acción, en un divertido contraste con sus habituales papeles dramáticos. El director Doug Liman muestra considerable habilidad para manejar los aspectos técnicos de una complicada historia, y para armar espectaculares secuencias de acción, pero siento que le faltó el "toque mágico" para trascender la aventura futurista y alcanzar el estrato de "hard sci-fi" al que obviamente aspiraba. Por otro lado, hay que darle crédito por comprender que el punto del viaje en el tiempo no es jugar con nuestros sentidos, sino crear relaciones interesantes entre sus personajes. Y a fin de cuentas eso rescata la película de su propia exuberancia, dándole una firme base emocional al desfile de conceptos reciclados. ¿Y mencioné que no es secuela, remake ni reboot? Es una especie en extinción que debe preservarse para beneficio de las generaciones futuras. De otro modo, ¿qué van a rebootear nuestros hijos?
Calificación: 8

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Would You Rather

Síntomas: El excéntrico millonario Shepard Lambrick (Jeffrey Combs) organiza una bizarra reunión donde varias personas necesitadas de dinero se ven obligadas a lastimarse mutuamente a cambio de recompensas monetarias. ¿Hasta dónde llegará la ambición de los invitados y la crueldad del anfitrión?

Diagnóstico: Quizás me hubiera gustado más Would You Rather si no hubiera visto hace poco Cheap Thrills y The Brass Teapot. Ciertamente hay significativas diferencias entre sus respectivos argumentos, pero las tres comparten una mórbida fascinación por explorar los límites de la ambición, y la facilidad con la que puede desaparecer la tenue fachada de civilización bajo condiciones de intensa presión psicológica. Pero bueno, trataré de ser tan objetivo como pueda. La premisa de Would You Rather se siente un poco artificial, y no siempre logré tragar la facilidad con la que las víctimas aceptan la situación, ni cuestionan los motivos de su torturador. Por el lado positivo, el aspecto psicológico está muy bien planteado, mostrando con perfecta lógica el cambio de actitud de los personajes conforme se tornan más serias las consecuencias del "juego". Al principio tratan de cooperar para "ganarle" al anfitrión; pero cuando la amenaza de daño físico se vuelve inevitable, se extingue toda lealtad y se racionaliza cualquier tipo de conducta inhumana. Las actuaciones son generalmente buenas, aunque no todos los actores gozan igual oportunidad de lucirse. Brittany Snow (como la joven Iris, dispuesta a todo para pagar la operación que necesita su hermano) y Jeffrey Combs (como el perverso pero racional villano) comparten las mejores escenas, dejando al resto del elenco como víctimas desechables o "mcguffins" humanos. En cuanto a la sangre y violencia, son casi inexistentes, pues el director David Guy Levy está más interesado en el suspenso y combate semántico, dejando las peores torturas fuera de nuestra mirada. Desde luego respeto su decisión, pero tal vez un poco más de gore hubiera incrementado el impacto de la película, haciendo más tangibles y contundentes las consecuencias del juego. De cualquier modo puedo recomendar Would You Rather como un thriller entretenido y bien armado, quizás un tanto olvidable, pero perfectamente apto para ocupar una tarde de domingo y ponernos a pensar sobre lo que seríamos capaces de hacer para no tener que ir a trabajar el lunes. O para no tener que llevar a la novia a ver The Fault in Our Stars.
Calificación: 7

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The Double

Síntomas: El tímido e inseguro James Simon (Jesse Eisenberg) lleva una vida miserable, trabajando de día para una empresa fría e impersonal, y de noche espiando a su vecina Hannah (Mia Wasikowska), de quien está enamorado, aunque jamás encuentra el valor para hablarle. Entonces entra en su vida Simon James (Jesse Eisenberg), idéntico a él en apariencia, pero diametralmente opuesto en actitud. ¿Ayudará a James este extraño invasor, o terminara por arruinar su vida?

Diagnóstico: La película The Double está basada en una novela de Fyodor Dostoevsky, pero para efectos prácticos se siente como una versión romántica de Brazil, donde la deshumanización del individuo bajo una sofocante cultura burocrática es al mismo tiempo una prisión para el espíritu, y la mejor motivación para encontrar una vía de escape, aunque sea tan destructiva como el problema que busca solucionar. El escritor/director/productor Richard Ayoade aplica su singular sentido del humor a esta historia de angustia existencial, aunque eso no significa que The Double sea una comedia en el sentido convencional. Sin duda incluye muchos momentos graciosos, pero el tono general es demasiado deprimente y opresivo, reflejando a la perfección la desesperada situación del protagonista y su metafórica lucha contra sí mismo. O como quieran interpretar este curioso "estudio dé carácter"; prefiero dejar el análisis e introspección a cada espectador. En lo que respecta a los valores de producción, me gustó mucho el estilo visual de The Double, al mismo tiempo simple y rico en detalles que dibujan elocuentemente la despótica atmósfera y subrayan los contrastes entre los personajes. Y todo esto se logra con las más tradicionales técnicas de luz y sombra, dejando los efectos especiales únicamente para hacer más realista la doble interpretación de Jesse Eisenberg. Pero aún si no contara con el apoyo de perfecto "motion control" y compuestos digitales, Eisenberg nos impresionaría con su facilidad para destilar la esencia de James y su doble, creando con su actuación dos personajes perfectamente definidos por su actitud, lenguaje corporal y hasta por su cadencia vocal. El tercer lado de este inusual triángulo romántico corresponde a Mia Wasikowska, cuya habitual rutina de chica etérea e inalcanzable está bien balanceada por exaltadas emociones que restauran su humanidad y añaden dimensión a su sutil interpretación. A pesar de tantos halagos, tengo algunas quejas: los primeros treinta minutos son un poco repetitivos, mostrándonos una y otra y otra vez la patética existencia de James, menospreciado por sus jefes a pesar de sus esfuerzos laborales; ignorado por la chica que le gusta, y constantemente criticado por su anciana madre que nunca se sentirá orgullosa de su pusilánime hijo. Aún así la dirección, actuaciones e ingenioso libreto bastan para darle una recomendación a The Double, reiterando la previa advertencia de que no se trata de una comedia, sino de un bizarro melodrama con múltiples niveles de interpretación y un final que será feliz o trágico según la ideología del espectador. Jesse Eisenberg encontró un papel perfecto para su nervioso y afectado estilo de actuación... pero sigo sin verlo como Lex Luthor. Veremos si me sorprende tanto en ese papel como lo hizo con su dual desempeñó en The Double.
Calificación: 8

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Walk of Shame

Síntomas: Para desahogarse de una decepción laboral, la usualmente tranquila reportera Meghan Miles (Elizabeth Banks) acepta pasar una noche de juerga con sus mejores amigas... y termina extraviada, sin dinero, ni teléfono en un lejano barrio de Los Ángeles. Entonces deberá usar su ingenio y desafiar sus temores para regresar a casa, y tal vez encontrar romance y nuevas oportunidades en el camino.

Diagnóstico: Walk of Shame pertenece al creciente sub-género de películas que usurpan los clichés de la moderna comedia vulgar y le dan un tratamiento femenino, lo cual ha funcionado en algunas ocasiones (Bridesmaids, The To Do List) y fracasado estrepitosamente en otras (The Heat, Bad Teacher). Walk of Shame se ubica en un punto intermedio, gracias a que la simpatía y agudos instintos humorísticos del elenco compensan un libreto flojo y poco imaginativo que pierde muchas oportunidades para explotar la estereotípica situación de "la caminata de la vergüenza". Entonces, en vez de ser otra instancia de The Hangover con mujeres, yo diría que Walk of Shame es como una versión adulta de Adventures in Babysitting, donde una mujer totalmente fuera de su elemento debe enfrentar los retos de la gran ciudad para regresar a casa (y, por "coincidencia", esos retos también incluyen criminales, confusión de identidad y canciones improvisadas). Desde luego hay buenas interpretaciones en esta historia, pero el punto fuerte de Walk of Shame es Elizabeth Banks, quien lleva años robando escenas en incontables películas y series de televisión (entre mis favoritas: Pitch Perfect, 30 Rock, y Slither). Por ello resulta un placer verla en su primer papel estelar, y aunque yo hubiera preferido un libreto a la altura de su talento, Banks saca el máximo provecho posible de las previsibles situaciones y clichés humorísticos que le asignan, demostrando que, sí, a veces un buen actor puede rescatar una mediocre historia. Pero es tan raro que no conviene arriesgarse. Apoyándola en papeles secundarios tenemos a la siempre entusiasta Gillian Jacobs; a James Marsden repitiendo su papel de galán inofensivo; y el obligatorio desfile de cameos de comediante veteranos y en ascenso, como Kevin Nealon, Ethan Suplee, Sarah Wright y Alphonso McAuley, a quien le toca el turno de robar escena como el "crackhead" Pookie. Hablando de lo cual, no sé si el humor de la cinta rebasa la línea del mal gusto con algunos chistes racistas y sexistas; si fueran chistes muy buenos no me importaría, pero no lo son, y terminan pareciendo vagos intentos por darle un filo audaz y subversivo a una historia que no lo necesita. Y, hablando de sexismo, debo mencionar lo bien que le queda el fatídico vestido amarillo a Elizabeth Banks; mis disculpas por señalarlo, y no diré más. Entonces, Walk of Shame me pareció una mediana comedia más recomendable por los actores que por la trama, y aunque no desbancará la brillante Bridesmaids, podría atraer un público similar, empezando por los fans de Elizabeth Banks y su habitual rutina, que no cambia mucho de proyecto a proyecto, pero siempre eleva el nivel de cualquier comedia. Será interesante ver a esta actriz en su faceta de directora con Pitch Perfect 2; eso es lo que está faltando en la nueva comedia femenina... Más mujeres talentosas detrás de las cámaras, donde importan más las ideas que el corte del vestido que usan.
Calificación: 7.5

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Maléfica (Maleficent)

Síntomas: Durante su infancia, la benigna hada Maléfica (Isobelle Molloy) se enamora del niño humano Stefan (Michael Higgins); pero años después, cuando son adultos, Stefan (Sharlto Copley) la traiciona. Entonces, como venganza, Maléfica (Angelina Jolie) arroja una maldición sobre la Princesa Aurora (Elle Fanning), lo cual desata una cadena de eventos que cambiarán para siempre el destino de dos reinos... y de la misma Maléfica.

Diagnóstico: Habiendo exprimido hasta la última gota comercial de las "Princesas", los siempre creativos ejecutivos de Disney dirigen ahora su atención a los villanos. Y, sin duda inspirados por el éxito de la obra musical Wicked (precuela ret-con de The Wizard of Oz), nos recetan la historia de Maléfica, donde se revela su motivación para convertirse en la villana del clásico cuento (y película, desde luego) La Bella Durmiente. El resultado no es ni mejor ni peor que el de otras modernas re-invenciones de cuentos de hadas, como Alice in Wonderland (la de Tim Burton) y Snowhite and the Huntsman. En otras palabras: huecos relatos con fallidas aspiraciones épicas, carentes de la emoción o drama necesarios para darle sentido a su empalagosa estética digital. Cada cuadro de Maléfica está sobre-diseñado hasta el punto del agobio, lo cual quizás dejara satisfecho al público que solo desea ver paisajes espectaculares, bizarras criaturas, o los pómulos sobrehumanos de Angelina Jolie (cortesía del genial Rick Baker). Es una lástima pues, después de todo, los villanos de Disney siempre han sido más interesantes que los héroes o princesas, y creo que sin tantos adornos o afectaciones la historia de Maléfica podría hacer sido un fascinante "estudio de carácter" con tintes de oscura fantasía, en el estilo de Neil Gaiman o Anne Rice. Desafortunadamente el director Robert Stromberg (ex-supervisor de efectos especiales haciendo su debut como director... ¡qué sorpresa!) no muestra el menor interés en darle relevancia dramática a la historia, y prefiere dejar que los efectos especiales hagan las veces de narrativa, arrojando tantos píxeles a la pantalla como sean necesarios (al fin Disney está pagando) para simular que ocurren cosas muy importantes e interesantes. Por el lado positivo, Maléfica es bastante corta, y no se empeña en culminar la historia con una gran batalla campal (eso ocurre al principio). Y aunque es difícil evaluar actuaciones cuando los actores son meros elementos de la composición digital, al menos diré que están bien seleccionados para sus respectivos papeles, especialmente Angelina Jolie como la protagonista; Elle Fanning como la Princesa Aurora (ciertamente parece un dibujo de Disney); y el trio de Lesley Manville, Imelda Staunton, y Juno Temple como hadas parlanchinas con la ingrata misión de ser ineficiente "comic relief". Pero por bien que encajen los actores en sus personajes, no encuentro razones suficientes para recomendar Maléfica, y ni siquiera estoy seguro de que vaya a ser particularmente atractiva para el público infantil. Veremos si su recaudación en taquilla garantiza la realización de más películas sobre villanos de Disney o si esta nueva tendencia nació con una maldición que le impedirá prosperar. Habiendo dicho eso, siempre me he preguntado por qué el perico Iago era tan malo...
Calificación: 6

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