Gato Con Botas: El Último Deseo (Puss in Boots: The Last Wish)

Síntomas: Después de un roce muy cercano con la Muerte (¿tal vez literalmente?), el Gato Con Botas (voz de Antonio Banderas) decide contemplar el retiro. Pero, desde luego, su pasado lo persigue.

Diagnóstico: En otras circunstancias la premisa de Gato Con Botas: El Último Deseo inspiraría bostezos: un ladrón sale del retiro para participar en un último "gran golpe" que podría cambiar su vida... o terminarla. Sin embargo, trasladado al irreverente universo de Shrek, el cliché del ladrón retirado sirve de base para un emotivo relato sobre un individuo que examina su pasado para encontrar su futuro. Y todo eso sin perder el subversivo humor del Shrekverso, y sin sacrificar el atractivo universal de una buena película familiar.
Después de su más reciente aventura (humillar a un corrupto gobernador) el Gato Con Botas (voz de Antonio Banderas) tiene un duelo con un misterioso mercenario (voz de Wagner Moura) que lo acerca por primera vez a la posibilidad de morir. El Gato logra escapar pero queda emocionalmente devastado, y acepta retirarse bajo la identidad de un gato doméstico. Sin embargo, una familia criminal está buscando al Gato para interrogarlo sobre un objeto mágico que podría restaurar su antiguo estilo de vida. ¿Aceptará el Gato Con Botas una última aventura que podría cambiar su futuro?
Gato Con Botas: El Último Deseo continúa el replanteamiento post-moderno de los cuentos de hadas para crear inesperadas versiones de personajes que representan los arquetipos del cine de aventuras. Entre ellos: Ricitos de Oro (voz de Florence Pugh) y los Tres Osos (voces de Olivia Colman, Ray Winstone y Samson Kayo); Jack Horner (voz de John Mulaney); y cierto grillo con un estricto código moral (y con la voz de Kevin McCann, imitando a Jimmy Stewart). Pero lo mejor de Gato Con Botas: El Último Deseo es la evolución del protagonista, así como la exploración de duras verdades que siempre trató de ocultar bajo su arrogante actitud y casual desdén por el peligro. Suena muy melodramático, pero los directores Joel Crawford (The Croods: A New Age) y Januel Mercado lograron un óptimo balance entre acción, comedia e introspección, de modo que Gato Con Botas: El Último Deseo pertenece al selecto grupo de películas animadas con igual atracción para los niños y para los papás de los niños (o para viejos como yo).
Hablando de viejos, Antonio Banderas mantiene impecable consistencia en el carácter del Gato Con Botas a pesar de los cambios que sufre a lo largo de la historia. Su interacción con los personajes secundarios es muy divertida, destacando su relación con Kitty Softpaws (voz de Salma Hayek), y con un perro chihuahueño (voz de Harvey Guillén) que termina convirtiéndose en el corazón de la película.
Lo que no me gustó tanto fueron las sub-tramas pre-fabricadas que acompañan la historia principal. Tampoco son terribles, pero demeritan el ingenio del libreto y enfatizan sus tropiezos (como el "deus ex machina" que resuelve una crisis con absurda facilidad). Sin embargo la abundancia de aciertos (desde la partitura multi-cultural de Heitor Pereira hasta la espectacular animación con toques de "anime") compensa cualquier queja, y garantiza una recomendación para Gato Con Botas: El Último Deseo, una de esas raras secuelas que superan a la original (me refiero a Puss in Boots, del 2011), sirviendo como final satisfactorio de una modesta saga, y también como nuevo comienzo en caso de que su éxito "inspire" más películas con estos personajes (como parece sugerir la escena durante los créditos finales). De hecho, propongo desde ahora una visita al Lejano Oriente, para continuar ese estilo "anime" que le sentó tan bien a este gato hispano.
Calificación: 9

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Los Fabelman (The Fabelmans)

Síntomas: A mediados del siglo veinte, los triunfos y tragedias de la familia Fabelman inspiran al joven Sam (Gabriel LaBelle) para seguir sus sueños de hacer películas.

Diagnóstico: Los Fabelman es un relato semi-auto-biográfico de Steven Spielberg, supuestamente inspirado en las vivencias de su familia, pero sin comprometerse con la estricta realidad histórica, lo cual deja amplio margen para manipular el drama e intensificar las emociones de un argumento que, francamente, no tendría gran interés (al menos para mi) si no fuera por su conexión con uno de mis directores favoritos.
Sería fascinante explorar el origen de ese talento, y presenciar su evolución desde sus modestos inicios como director amateur, hasta su ingreso a la industria del cine y la televisión, donde revolucionaría la cultura popular. Desafortunadamente Los Fabelman apenas rasca la superficie de esos eventos, prefiriendo el retrato de una familia judía durante los años cincuentas y sesentas, cuando no solo enfrentaron el anti-semitismo de una sociedad intolerante, sino el distanciamiento provocado por los temperamentos tan distintos de los padres de Sam.
Los Fabelman empieza con la mágica noche cuando Burt Fabelman (Paul Dano) y su esposa Mitzi (Michelle Williams) llevan al cine por primera vez a su hijo Sam (Mateo Zoryan). El niño queda maravillado con los "sueños artificiales" proyectados en la pantalla, y eventualmente Mitzi le enseña a usar una pequeña cámara Super8, con la que Sam realiza sus primeros experimentos cinematográficos. Sin embargo, cuando llega a la adolescencia, Sam (ahora interpretado por Gabriel LaBelle) empieza a perder interés en el cine por culpa de las tensiones internas de su familia, por el racismo de sus compañeros de clase... y porque descubre a las chicas.
El libreto co-escrito por Steven Spielberg y Tony Kushner (West Side Story) combina las generalidades de un clásico drama familiar con el conflicto específico de Sam, atrapado entre su vocación artística y las expectativas de un padre demasiado práctico para aceptar el "hobby" de su hijo como una válida carrera. Y, bueno, aunque ya sabemos cómo termina esa historia, Los Fableman no necesita sorpresas para capturar la vida diaria de una familia normal desde un punto de vista excepcional. En resumen: una "historia de origen" sensible y amena, pero inevitablemente incompleta porque termina cuando apenas empezaba lo más interesante.
Aún así Los Fabelman me pareció recomendable por la elegante dirección de Steven Spielberg, por la fantástica recreación del período histórico, y por las actuaciones de un reparto perfectamente balanceado para reproducir las dinámicas de una familia en transición. Michelle Williams destaca por su interpretación de Mitzi, la madre de Sam que sacrificó sus propios sueños artísticos para dedicarse a su familia; pero mi favorito fue Judd Hirsch como el Tío Boris, cuya única escena es absolutamente memorable por su impacto emocional, y por expresar clara y elocuentemente el tema central de la película. Mención especial para el inesperado cameo casi al final, que casi me hizo caer de la butaca.
En una filmografía repleta de éxitos que cambiaron el rostro del cine universal, tal vez Los Fabelman no será la película más notable de Steven Spielberg; pero es su proyecto más personal, y el que mejor revela al hombre detrás del artista. Habiendo dicho eso... yo hubiera preferido la historia del artista.
Calificación: 8

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Jung_E

Síntomas: En el siglo 22, la Corporación Kronoid diseña una nueva inteligencia artificial para los soldados robóticos que combaten en una guerra civil entre la Tierra y sus colonias orbitales. Pero la Dra. Seohyun (Kang Soo-yeon) tiene razones muy personales para participar en el proyecto.

Diagnóstico: El engañoso comienzo de Jung_E (disponible en Netflix) nos hace creer que será otra película de acción futurista en el estilo de Alienoid o Warriors of Future; pero en realidad es un drama filosófico sobre conciencia e identidad en un mundo post-humano: ¿Qué define al individuo? ¿Su cuerpo físico, sus procesos mentales, o algo más abstracto que no podemos describir?
No es un concepto muy novedoso, en vista del alarmante número de películas realizadas en años recientes sobre el inquietante futuro cuando se borre la línea entre conciencia orgánica y digital. Algunas de mis favoritas: Archive, Ex Machina y After Yang.
Estas obras me enseñaron que lo importante en este sub-género no es la profecía científica ni los efectos especiales (aunque desde luego forman parte de su atractivo), sino las emociones generadas por la paradoja espiritual de una máquina pensante. Y, en ese aspecto, Jung_E sobresale por su fino manejo del drama en un contexto imaginario que no ofrece soluciones fáciles a un problema imposible.
Jung_E empieza con una complicada descripción de la Tierra en el siglo veintidós: el planeta quedó casi inhabitable (¿otra vez?) por catástrofes ecológicas que inundaron las grandes ciudades del mundo. Entonces una parte de la población emigró a estaciones orbitales ubicadas en el espacio entre la Tierra y la Luna... pero tres de esas estaciones declararon su independencia como el "Imperio Adriano", e iniciaron una guerra contra el resto de la humanidad. Y, para combatir en esta guerra, se construyeron soldados robóticos que ahora la Corporación Kronoid quiere mejorar con una inteligencia artificial basada en los procesos mentales de Yun Jung-yi (Kim Hyun-joo), la más grande heroína militar que surgió durante el conflicto. Sin embargo, la Dra. Soehyun (Kang Soo-youn) tiene una trágica razón para participar en el proyecto y resistir la presión del antipático administrador Sang-Hoon (Ryu Kyung-soo), quien solo quiere quedar bien con el presidente de la compañía.
El gran problema de Jung_E (al menos para mi) fue que, después de esa extensa y detallada labor de "world building"... el director Sang-ho Yeon (Train to Busan) no hace nada con ella. Nunca vemos las colonias orbitales, nunca vemos la guerra (excepto en "flashbacks" que no son lo que parecen), y nunca se explica el enigmático "Imperio Adriano" que secedió de la Tierra agonizante. Podemos suponer (para variar) que Sang-ho tiene la esperanza de establecer una franquicia para continuar la historia, y desde luego hay suficiente material al final de Jung_E para lograrlo (ya quiero ver esa metafórica "revolución del proletariado") (incluso funcionaría en versión animada, como hizo el director con Seoul Station); pero fue una decepción quedarnos en el umbral de esta vasta mitología para contar la historia de otra entidad sintética en busca de identidad.
Habiendo dicho eso, me gustó mucho el desarrollo de Jung_E, enfocado en la relación de la creadora con su creación... y con el pasado que comparten. Aquí es donde interviene el "fino manejo dramático" que mencioné hace un momento, impulsado por las actuaciones de Kang Soo-youn (a quien la cinta está dedicada de manera póstuma) como la doctora atrapada entre su pragmática labor y su ética personal; y Kim Hyun-joo como Jung_E, la heroína militar que todos quieren imitar... aunque nadie comprende su auténtica motivación.
Esto significa que Jung_E es una película reflexiva y parsimoniosa, fundamentada en ideas, y solo con un poco de acción al principio y al final, lo cual podría irritar al público que buscaba una genérica fantasía cyber-punk con violencia y explosiones (lo cual no tiene nada de malo). Sin embargo, para bien o para mal, Jung_E no es esa película... pero si tienen paciencia, tal vez las secuelas nos cumplirán ese deseo.
Calificación: 7

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Babylon

Síntomas: El inmigrante mexicano Manny Torres (Diego Calva), los actores Nellie LaRoy (Margot Robbie) y Jack Conrad (Brad Pitt), y el trompetista Sidney Palmer (Jovan Adepo) tienen muy diversas experiencias enfrente y detrás de las cámaras en Hollywood, durante la difícil transición del cine mudo a las películas con sonido.

Diagnóstico: Babylon es un efusivo homenaje a la magia de Hollywood y a las películas que capturaron la imaginación del mundo a principios del siglo veinte; también es una mordaz denuncia de las injusticias que ocurrieron "detrás de las cámaras", amparadas por la insaciable codicia de los "peces gordos" (a veces literalmente); y también es un cuento de hadas que entreteje ficción y fantasía para presentar la idealizada visión de una industria que nunca fue tan inclusiva como sugiere el director Damien Chazelle.
Pero, ¿es una buena película? No estoy seguro. Por lo menos es larga.
Hollywood aplaudiéndose a sí mismo es un tema tan popular en el cine contemporáneo que podría considerarse un género formal. Por eso Babylon se siente como una colección de "grandes éxitos", con escenas prestadas de obras similares (desde la original Singin' in the Rain hasta The Aviator, sin olvidar las fantasías revisionistas de Once Upon a Time... In Hollywood) para contar las historias de varios individuos en distintos momentos de sus respectivas carreras.
Así tenemos a Manuel "Manny" Torres (Diego Calva), inmigrante mexicano que ayuda a un famoso productor en un momento de crisis, y se infiltra gradualmente en el proceso creativo de Hollywood, ganando la amistad de Jack Conrad (Brad Pitt), el actor más popular del momento; pero el éxito de Conrad se ve amenazado por la innovación del sonido en el cine. Mientras tanto, la aspirante a estrella Nellie LaRoy (Margot Robbie) encuentra sus propios retos en el camino a la fama, pues aunque tiene talento, necesitará algo más para vencer a la competencia. Finalmente, el trompetista Sidney Palmer (Jovan Adepo) descubre los sacrificios y vejaciones que deben tolerar las personas de su grupo étnico si quieren ganar la aceptación de Hollywood.
La variedad de personajes ofrece suficiente melodrama y puntos de vista para explorar los aspectos buenos, malos y feos de la inefable "magia" del cine, la cual Chazelle utiliza como excusa para seguir sus caprichos artísticos sin preocuparse por conectar las divergentes piezas del exuberante tapiz sensorial de Babylon. En otras palabras: otra película con "historias entrelazadas" que vaga sin rumbo fijo hasta culminar con alguna tragedia, triunfo, o resonante "meh". O con una combinación de los tres.
Habiendo dicho eso, el carisma de los actores (no necesariamente las actuaciones) y la espectacular puesta en escena son razones suficientes para ver Babylon... aunque yo recomendaría esperar su estreno en video casero, donde sus tres horas podrían distribuirse en sesiones menos cansadas. Por otro lado, las épicas secuencias diseñadas por Chazelle y el director de fotografía Linus Sandgren merecen verse en la pantalla grande (desde el decadente bacanal del principio, hasta la filmación con cientos de extras que debe completarse antes de que se oculte el sol). Solo recuerden no beber demasiados líquidos.
A fin de cuentas Babylon no fue tan "extrema" como supone el director, pero no necesita escandalizar para convencernos de los abusos que lubrican la máquina humana de la "fábrica de sueños". Tal vez Chazelle pudo expresar el mismo mensaje en menos tiempo... pero entonces hubiera roto la tradición de indulgentes excesos de Hollywood... ¿y entonces quién le creería?
Calificación: 7

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There's Something Wrong With the Children

Síntomas: Después de explorar unas ruinas durante un paseo por el bosque, los hijos de Ellie (Amanda Crew) y Thomas (Carlos Santos) sufren siniestros cambios de conducta que podrían conducir a la violencia.

Diagnóstico: No es mi sub-género favorito del Horror, pero admiro el tono subversivo de las historias sobre "niños diabólicos", sobre todo cuando presentan la disyuntiva moral de la defensa propia... ¿es ético lastimar a un niño que amenaza nuestra vida? Algunos directores responden esa pregunta con graves reservas morales, mientras que otros adoptan el humor negro de la violencia excesiva. ¿Cómo abordará este dilema la directora Roxanne Benjamin (Southbound, XX) en nuestra época de sobre-protección infantil y corrección política?
Para bien o para mal, There's Something Wrong With the Children ocupa un punto intermedio entre los sórdidos psico-thrillers de los setentas (como ¿Quién Puede Matar un Niño? y The Blood on Satan's Claw), y las modernas comedias de terror (como Trick 'r Treat y Cooties) que no toman muy en serio la cuestión. De hecho There's Something Wrong With the Children minimiza la agresión contra los niños malvados para enfocarse en el trauma psicológico de los adultos, lo cual me pareció una buena idea en teoría; el problema son las malas actuaciones y mediocre dirección que reducen el suspenso, diluyen el horror, y desperdician los mejores elementos de la premisa.
El reparto adulto (Amanda Crew, Zack Gilford, Carlos Santos y Alisha Wainwright) no encuentra la conexión emocional para engancharnos en sus crisis maritales: dos parejas con problemas tratando de revivir su relación en el plácido entorno campestre. Y los niños David Mattle y Briella Guiza parecen egresados de Nickelodeon... y aún así se roban la película, no porque sean muy buenos, sino porque los adultos son terribles.
La producción general de There's Something Wrong With the Children me recordó los baratos thrillers domésticos del canal Hallmark; pero la cinematografía de Yaron Levy evoca adecuada amenaza en las tomas nocturnas. Y creo que los efectos especiales minimalistas funcionan bien para el estilo de la película. Por ejemplo: el uso de una simple lámpara verde para representar fenómenos sobrenaturales me pareció más interesante que cualquier genérico efecto digital. No me gustó la dirección de Roxanne Benjamin, pero reconozco que siguió la regla dorada de "menos es más".
Ya que estamos hablando de cosas positivas, también diré que There's Something Wrong With the Children mejora un poco en el tercer acto, cuando por fin se define a la protagonista y encuentra un propósito concreto. Igualmente me gustó el final que deja muchas cosas en el aire para conservar el misterio de las ruinas, tal vez con la esperanza de revisitarlas en una secuela (lo cual dudo bastante, pero cosas más raras han ocurrido).
There's Something Wrong With the Children es una producción de Blumhouse, pero no de las que se convierten en grandes éxitos (como The Black Phone, M3gan o Sick), sino de las que pasan sin pena ni gloria por los servicios de "streaming" y la televisión por cable (sí, aún existe), contribuyendo con su granito de arena para mantener la maquinaria de Jason Blum en constante movimiento. Definitivamente There's Something Wrong With the Children pudo ser mejor... pero al menos no me aburrió, y aprecié su bizarra interpretación de los "niños diabólicos". Nadie nos culparía por defendernos. O por evitar esta película.
Calificación: 6

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Sick

Síntomas: En plena pandemia de COVID-19, Parker Mason (Gideon Adlon) y su amiga Miri (Beth Million) deciden aislarse en la casa de campo de sus padres, y tomar la cuarentena como unas vacaciones. Entonces un asesino interrumpe la diversión.

Diagnóstico: Le he llamado "cine pandémico" a las películas independientes y minimalistas que se filmaron durante las difíciles condiciones del "aislamiento social"; sin embargo, Sick podría ser una de las primeras películas post-COVID que voltea la mirada para retratar eventos ubicados durante la pandemia... lo cual, francamente, no me parecía particularmente atractivo. Ya pasamos por eso, y no siento grandes deseos de revivir uno de los años (2020) más estresantes en un siglo que ya nos dio suficientes guerras, crisis económicas y disturbios sociales.
Afortunadamente mi desconfianza desapareció gradualmente gracias al libreto de Kevin Williamson y Katelyn Crabb, y la brillante dirección de John Hyams (Alone, Universal Soldier: Regeneration), combinando sus respectivos talentos para crear una de las mejores cintas "slasher" del año (ya sé que apenas estamos en Enero, pero en un sub-género tan maltrecho como éste es fácil asumir lo peor para el resto del año).
En su función de co-guionista, Kevin Williamson repite algunos trucos de la icónica Scream (1996), pero me atrevería a decir que están mejor implementados en Sick (por ejemplo, las amenazas telefónicas y la motivación del asesino). No estoy diciendo que Sick sea mejor que Scream, pues de ninguna manera ofrece el mismo nivel de innovación y auto-análisis; pero en el contexto del slasher contemporáneo, Sick propone una refrescante atmósfera realista (dentro de lo posible) y un astuto planteamiento de situaciones que incrementan la tensión sin hacer trampas ni insultar nuestra inteligencia. Los personajes actúan lógicamente, pero a veces no es suficiente para sobrevivir.
Habiendo dicho eso, el "jugador más valioso" de Sick fue el director John Hyams, confirmando su talento para filmar horror de alto impacto sin descuidar el suspenso y la claridad de la narrativa. En serio, las confrontaciones de las víctimas con el asesino enmascarado me parecieron los mejores momentos de la cinta, gracias a su contundente brutalidad e impredecible resultado.
Por el lado negativo, Sick tarda mucho en encontrar su ritmo. El primer acto se siente lento y ocasionalmente forzado (con excepción del electrizante prólogo que evoca la mencionada Scream); y aunque Gideon Adlon (The Craft: Legacy) y Beth Million hacen un buen trabajo en sus papeles de "extremos opuestos" (una ignora las medidas sanitarias anti-COVID, mientras que la otra las toma muy en serio), los personajes de Parker y Mili se sienten demasiado superficiales... hasta que el terror las obliga a madurar y reforzar su carácter.
Entonces, Sick (producida por Blumhouse y disponible en el catálogo norteamericano de Peacock) me pareció una recomendable cinta slasher con abundante sangre, perturbadora violencia, y un mensaje que cada espectador interpretará según su perspectiva de la responsabilidad personal, y de sus experiencias durante la pandemia. Es raro que una cinta slasher nos ponga a pensar... y más raro que lo consiga sin diluir el terror.
Calificación: 8.5

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La Decisión de Partir (Decision to Leave - Heojil Kyolshim)

Síntomas: Mientras investiga la muerte de un hombre en las montañas de Corea del Sur, el detective Jang Hae-joon (Park Hae-il) empieza a sospechar que la esposa de la víctima podría ser responsable por el supuesto "accidente". Y entonces la situación se complica cuando Hae-joon se enamora de ella.

Diagnóstico: Es una clásica premisa del cine "noir": el policía enamorado de una "mujer fatal" que podría ser víctima inocente de las circunstancias, o una asesina fría y calculadora que utiliza sus poderes de seducción para obstruir la investigación. Y, desde luego, en manos del aclamado director coreano Park Chan-wook (Oldboy, Lady Vengeance), la respuesta no es tan simple como parece.
Lo cual resultó ser la mayor virtud de La Decisión de Partir y su falla más grande, pues al mismo tiempo que nos envuelve en un intoxicante remolino de emociones, también nos aleja cada vez más del misterio original, tomando un rumbo que encontré menos interesante con cada minuto que Park prolonga la experiencia. Aunque, como siempre, mi reacción podría deberse a la aversión que siento contra el "amor" como motor narrativo primario. En otras palabras, yo esperaba un intrincado thriller criminal, y encontré un romance prohibido.
La Decisión de Partir comienza con la muerte de un funcionario gubernamental en un accidente de alpinismo. El detective Jang Hae-joon (Park Hae-il) examina el cadáver e interroga a la viuda Song Seo-rae (Tang Wei)... y descubre detalles que no concuerdan con la teoría del accidente. Entonces Hae-joon decide vigilar a Seo-rae para conocer sus rutinas... y empieza a formarse una mutua atracción que cambiará sus vidas.
Ignorando por un momento mis prejuicios anti-románticos, puedo afirmar que Park Chan-wook construye un misterio simple en su forma, pero temáticamente complejo por los factores que intervienen en la interpretación de "los hechos". Esto nos pone en la misma desventaja del detective, confundiendo nuestra percepción conforme se intensifica su relación con Seo-rae... y también con su esposa Jeong-ahn (Lee Jung-hyun), quien cree que los cambios de conducta de su esposo se deben al estrés del trabajo. Me gustó la integración de todas esas variables en escenas repletas de metáforas visuales que enriquecen hasta los más triviales momentos, desde una improvisada comida en la estación de Policía, hasta las vigilias nocturnas de Hae-joon.
Entonces ocurre un salto cronológico que altera la situación de los personajes, rompe el flujo de la investigación, y desinfla el suspenso obtenido hasta el momento.
Pero, bueno... aún así me gustó el tono mesurado y racional con el que Park explora la co-dependencia psicológica de la pareja, y sus consecuencias en sus vidas personales y profesionales. Pero, como dije, sentí que el balance de la historia se inclinó en una dirección menos satisfactoria que el thriller policíaco original.
Por el lado positivo, el reparto entero es fenomenal, complementando la virtuosa dirección de Park con emociones reprimidas que solo pueden expresarse de manera oblicua para no violar las estrictas reglas de la sociedad coreana (por no mencionar el código profesional del policía). El director de fotografía Kim Ji-yong emplea inusuales encuadres y claroscuros para descubrir la belleza oculta en las ordinarias locaciones urbanas; y la música contribuye al simbolismo con piezas tradicionales coreanas que no necesitamos conocer para comprender su significado cultural.
A fin de cuentas cualquier película de Park Chan-wook merece una recomendación por el fino instinto dramático y perfeccionismo técnico que le han ganado reconocimiento internacional. Sin embargo, La Decisión de Partir me decepcionó después de un excepcional comienzo, y no fue una experiencia tan interesante como esperaba. A veces prefiero un poco más de entretenimiento, y un poco menos de arte.
Calificación: 8

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Alerta Extrema (Plane)

Síntomas: Durante un vuelo sobre el Mar de China, una tormenta eléctrica daña los sistemas de un avión de la aerolínea Trailblazer, obligando al piloto Brodie Torrance (Gerard Butler) a tomar difíciles decisiones que determinarán el futuro de sus pasajeros.

Diagnóstico: No puedo culpar al actor Gerard Butler por adoptar una política de "cantidad sobre calidad" en años recientes, filmando dos o tres proyectos anuales de baja ambición y mediano presupuesto, casi siempre en el género de acción donde mejor funciona su estilo personal de actuación: un moderno "rudo sensible" con amplio margen moral para interpretar hombres de familia, héroes renegados, o brutales anti-héroes que combaten villanos peores que él. Digamos que Butler encontró su nicho como una versión más joven y físicamente activa de Liam Neeson. Y, aunque no me gustan todas sus películas, reconozco que puede hacer un excelente trabajo cuando encuentra el libreto y director apropiados... como, afortunadamente, fue el caso de Alerta Extrema (¿no era esa una película de Steven Seagal? ¿Se le habrá agotado la creatividad al Maestro Traductor?)
Alerta Extrema comienza como un thriller aéreo, pero rápidamente se transforma en una misión de rescate en la jungla... aunque no necesariamente como están imaginando. El vuelo 119 de la aerolínea Trailblazer encuentra una tormenta en alta mar que daña sus sistemas eléctricos, dejando pocas opciones al Capitán Brodie Torrance (Gerard Butler). Y, bueno, las cosas se complican rápidamente por una variedad de factores, incluyendo la remota posición del avión, el escaso combustible que cargaron (para ahorrarle dinero al obligatorio villano corporativo), y la presencia de un peligroso criminal a bordo del avión.
Gerard Butler es la indiscutible estrella de Alerta Extrema, pero comparte el peso dramático con Mike Colter (Jessica Jones) en el papel del mencionado criminal. El enorme carisma de Colter y su imponente presencia física lo convierten en digno rival de Butler... ¿o tal vez en un renuente aliado? Como sea hacen buena pareja y, sin revelar demasiado, creo que habría material para reunirlos en una secuela. Al menos suena más creíble que otro refrito de la saga "... Has Fallen". El resto del reparto pasa sin pena ni gloria; Yoson An es el co-piloto con una foto de su familia en el tablero del avión... lo cual no es buen pronóstico de supervivencia según las reglas del cine de acción. Daniella Pineda (Jurassic World Dominion) no tiene mucho que hacer, pero proyecta el valor de una sobrecargo con genuino interés en el bienestar de sus pasajeros. Y Evan Dane Taylor es simplemente perfecto como uno de esos villanos ochenteros que odiamos instantáneamente, incluso antes de presenciar sus atrocidades.
Lo cual nos lleva a mi única queja sobre Alerta Extrema: a pesar de la clasificación "R", no derrama tanta sangre como yo esperaba. Hay bastante para un estreno en salas de cine, pero me dio la impresión de que el director Jean-François Richet se intimidó de vez en cuando con escenas violentas que no llegaron tan lejos como sugería la situación. Fuera de eso, Alerta Extrema me pareció una B-Movie superior al promedio en todos sus aspectos, y un recomendable pasatiempo de fin de semana que podría sorprender al público con amplias dosis de suspenso, acción relativamente "realista" (con un par de excepciones), e inesperados momentos emocionales gracias a la convicción de los actores. En pocas palabras: la primera sorpresa positiva del año.
Calificación: 8.5

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White Noise

Síntomas: A mediados de los ochentas, el profesor universitario Jack Gladney (Adam Driver) y su familia atraviesan catastróficos eventos que cambian sus vidas y transforman su futuro.

Diagnóstico: Lo voy a admitir desde el principio: no puedo defender White Noise como una buena película. El argumento vaga sin rumbo durante dos horas en busca de sentido o motivación, resultando en una frustrante experiencia que desperdicia su talentoso reparto y sus altos valores de producción.
Sin embargo, como fan del director Noah Baumbach, disfruté su peculiar visión en brillantes escenas individuales que expresan profundas ideas con un mordaz sentido del humor, incluso si nunca se integran en una historia coherente. Un clásico caso de "el resultado fue menor a la suma de sus partes".
Dichas partes incluyen al reparto que prácticamente justifica la existencia de White Noise, a falta de un argumento satisfactorio. El fino ojo de Baumbach para seleccionar actores confirma el viejo adagio de "la mitad de la dirección es el 'casting'". Una vez que Baumbach asocia a un actor con su personaje, tiene la mitad de la batalla ganada... aunque desde luego eso no excluye la posibilidad de una derrota.
Ya basta de apologías.
White Noise es una mala película construida con buenas escenas. La historia sigue varios meses en la vida de la familia Gladney: Jack (Adam Driver) es un profesor universitario especializado en el estudio de Hitler; su esposa Babette (Greta Gerwig) da clases de gimnasia para ancianos; y sus hijos tienen sus propias ocupaciones en un hogar generalmente feliz. Entonces ocurre un accidente que requiere la evacuación del pueblo entero, y la familia Gladney pierde su confortable estabilidad.
Suena como una "película de desastre" filtrada por la sensibilidad post-moderna de Noah Baumbach, donde la catástrofe es tan solo un catalizador del conflicto familiar. Al mismo tiempo, White Noise aborda temas comunes en la filmografía del director, incluyendo el temor a envejecer (While We're Young), tensión marital (Marriage Story), y la complejidad de las relaciones personales (Mistress America). El problema es la ausencia de una constante emocional, de modo que White Noise (disponible en Netflix) se siente como un desfile de situaciones marginalmente interesantes por sí mismas, pero irrelevantes para la narrativa global. 
De cualquier modo disfruté las actuaciones (mención especial para Don Cheadle como el profesor obsesionado con Elvis Presley), la cinematografía de Lol Crawley que revive los colores y texturas de los ochentas, y los detalles cómicos que salpican el fracturado melodrama (como el número musical más inesperado del año, con una canción de LCD Soundsystem). En el mejor de los casos podría decir que White Noise fue el experimento fallido de un artista en busca de su siguiente nivel creativo. Pero, en el peor de los casos (como probablemente opinará la mayor parte del público), White Noise es una insufrible letanía de pretenciosa palabrería que no conduce a nada. Estoy de acuerdo con ambas perspectivas; pero aún así me hizo reír el drama, y me puso a pensar la comedia. Típico Noah Baumbach.
Calificación: 6

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The Pale Blue Eye

Síntomas: A mediados del siglo diecinueve, el Inspector Augustus Landor (Christian Bale) investiga un suicidio en la Academia Militar de West Point, auxiliado por un joven cadete llamado Edgar A. Poe (Harry Melling)... quien tiene sus propias ideas sobre la tragedia.

Diagnóstico: Nunca fue tan famoso como Sherlock Holmes o Hercules Poirot, pero el personaje de Auguste Dupin sentó las bases del "detective literario" en los cuentos del escritor norteamericano Edgar Allan Poe. Y ahora la película The Pale Blue Eye (disponible en Netflix) propone la teoría de que Poe se inspiró en un investigador "real" que conoció durante su residencia en la Academia Militar West Point. Es una fantástica premisa (ficticia) que el director y guionista Scott Cooper (Antlers, Black Mass) desarrolla con apropiada gravedad e introspección, rindiendo tributo a la turbulenta prosa de Poe.
Pero, bueno... dejemos a un lado el subtexto literario. The Pale Blue Eye comienza con la llegada del Inspector Augustus Landor (Christian Bale) a la Academia West Point, para investigar el suicidio de un cadete en circunstancias extremadamente irregulares. Y, para penetrar los secretos de la venerable institución, Landor solicita la ayuda del joven Edgar A. Poe (Harry Melling), un clásico "outsider" repudiado por sus compañeros, pero con una astuta mente deductiva que podría resultar muy útil en la resolución del misterio... siempre y cuando Poe pueda mantener la sobriedad y evitar distracciones personales, como su atracción por Lea Marquis (Lucy Boynton), la hija del doctor de la Academia.
El director Scott Cooper toma bastantes licencias creativas en su amalgama de ficción y realidad, pero The Pale Blue Eye funciona gracias a la química del lacónico Inspector Landor y el excéntrico Edgar Allan Poe, a veces trabajando como "extremos opuestos" (uno racional y el otro soñador), y a veces como trágicos anti-héroes conectados por traumas del pasado.
La actuación de Christian Bale es buena, aunque nunca trasciende la rutina de genio atormentado. Por el contrario, Harry Melling (más conocido como Dudley Dursley en la saga de Harry Potter) se roba la película con su interpretación de Edgar Allan Poe, cuyos afectados manerismos ocultan los agudos poderes de análisis y observación que eventualmente utilizaría en los cuentos de Auguste Dupin (el más famoso es Murders in the Rue Morgue, aunque también apareció en The Purloined Letter y The Mystery of Marie Rogêt). La dirección de Cooper mantiene un ritmo parsimonioso pero nunca aburrido; y la fotografía de Masanobu Takayanagi conjura una tétrica atmósfera invernal para complementar la desolación de los personajes.
Por el lado negativo, el misterio principal no me pareció muy interesante a pesar del clásico final gótico que evoca otra famosa historia de Edgar Allan Poe. Afortunadamente Cooper reserva una sorpresa para el epílogo (de casi media hora) que incrementa el suspenso y el impacto emocional de la obra. Entonces, aunque The Pale Blue Eye no está basada en un cuento de Edgar Allan Poe (sino en una novela de Louis Bayard), creo que dejará satisfechos a los fans del "Maestro de lo Macabro", pues adopta su melancólica sensibilidad y mórbida perspectiva de la condición humana... una fuente de terror más consistente que cualquier espíritu de ultratumba.
Calificación: 8

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Ella Dijo (She Said)

Síntomas: En el año 2016, las reporteras Jodi Kantor (Zoe Kazan) y Megan Twohey (Carey Mulligan) investigan los rumores de acoso sexual cometidos por Harvey Weinstein, revelando un largo historial de abusos y encubrimientos en la industria cinematográfica.

Diagnóstico: El contenido de Ella Dijo es indudablemente importante, no solo por exigir justicia para las víctimas de un depredador sexual, sino por los cambios sistémicos que el reportaje inspiró en Hollywood y otras industrias, creando conciencia sobre una situación que necesitaba rectificarse urgentemente. Pero incluso si ignoramos su contexto histórico, Ella Dijo me pareció una película excepcional por su virtuosa dirección, extraordinarias actuaciones, y el sobrio tono semi-documental que evita el amarillismo para enfocarse en los hechos... y aún así evoca intensas emociones sin necesidad de manipular al espectador. Algunas personas estarán cansadas de escuchar las mismas denuncias, y el tema de #MeToo ya no está de moda; pero más allá de eso, Ella Dijo es un brillante thriller periodístico a la altura de obras como Spotlight, The Paper y hasta All the President's Men. No solo es lo que dice, sino cómo lo dice.
La historia ya es bien conocida, y no hace falta repetirla. Lo interesante de Ella Dijo es la metodología de las reporteras Jodi Kantor (Zoe Kazan) y Megan Twohey (Carey Mulligan); la estricta disciplina periodística que guía (y a veces obstruye) su investigación; y el tenue equilibrio entre la tenacidad de su oficio y la compasión por los testigos que no solo son fuentes de información, sino personas reales con traumas psicológicos. Esa fricción entre el deber del reportero y su humanidad es el catalizador que necesita un drama periodístico para capturar nuestra atención (al menos la mía), sin importar el asunto que investiga.
Me dio gusto encontrar a Zoe Kazan y Carey Mulligan en los roles principales. De ninguna manera son actrices desconocidas, pero generalmente trabajan en el cine independiente, y ya merecían una plataforma más amplia para lucir su talento. Los papeles secundarios son igualmente impresionantes, incluyendo a Patricia Clarkson, Andre Braugher, Frank Wood, Lola Petticrew y Zach Grenier, haciendo electrizantes hasta las más triviales escenas. Mención especial para Samantha Morton y Jennifer Ehle, que no tienen más de diez minutos en pantalla, y sin embargo fueron quienes más recordé al terminar la película.
Habiendo dicho eso, la auténtica estrella de Ella Dijo (en mi humilde opinión) fue la directora Maria Schrader, cuyo expresivo lenguaje visual compensa la frialdad del libreto. Siempre admiro la audacia de un cineasta que desafía las fórmulas del cine para seguir su propia visión... con resultado devastador. Por ejemplo: la gran confrontación que ocurre casi al final de Ella Dijo. Cualquier otro director la hubiera filmado con el detalle y atención que merece el clímax emocional de la película; pero Schrader la filma de lejos, casi sin sonido, y enfocando la cámara en el rostro de una sola persona... y eso es todo lo que necesitamos para saber (¿sentir?) lo que está pasando.
Para conocer los hechos hay muchos artículos en Internet. Pero para vivir la experiencia de perseguir la verdad tenemos películas como Ella Dijo.
Calificación: 9.5

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Agente Fortune: El Gran Engaño (Operation Fortune: Ruse de Guerre)

Síntomas: El gobierno británico contrata a Orson Fortune (Jason Statham) y su equipo de mercenarios para recuperar una peligrosa tecnología robada, antes de que caiga en manos enemigas.

Diagnóstico: Esta es mi teoría: Guy Ritchie quería dirigir una película de Mission: Imposible, pero Tom Cruise no le dio su bendición. Entonces Ritchie decidió crear su propia versión con un título distinto, y con mayor énfasis en humor y peleas en vez de "gadgets" y espionaje. Y, para ser justos, su versión "pirata" de Mission: Impossible resultó bastante entretenida por derecho propio, aunque demasiado genérica para usurpar la corona de la original.
Lo cual no es necesariamente malo. Agente Fortune: El Gran Engaño encaja perfectamente en el género "Jason Statham", y eso basta para saber lo que nos espera. Cada espectador sabrá si eso constituye una recomendación o una advertencia.
Al principio de Agente Fortune: El Gran Engaño el gobierno interrumpe las vacaciones de Orson Fortune (Jason Statham) para solicitar sus servicios cuando una valiosa tecnología es robada de un laboratorio secreto. ¿Qué robaron? Nadie sabe exactamente, pero múltiples organizaciones terroristas están interesadas en adquirirlo. Entonces Fortune recluta un equipo de expertos, y enfocan su atención en Greg Simmonds (Hugh Grant) el traficante de armas que organizará la subasta del artículo robado. Y, naturalmente, la misión los llevará por exóticas locaciones alrededor del mundo donde enfrentarán a los esbirros del villano, se infiltrarán en fiestas de sociedad, y encontrarán grandes traiciones... porque Nada Es Lo Que Parece©.
Como dije, una trama rutinaria que no exige esfuerzo alguno para seguir su estructura modular. Así podemos sentarnos a disfrutar las brutales peleas de Jason Statham, los sarcásticos comentarios de Aubrey Plaza como la experta "hacker" capaz de penetrar cualquier sistema; y la mórbida satisfacción de los "headshots" ejecutados por Bugzy Malone como el francotirador que vigila desde lejos para eliminar personas indeseables.
Para ser justos, Ritchie y sus guionistas añadieron un par de "gimmicks" que sazonan la receta. Primero, el plan de Fortune requiere la cooperación de Danny Francesco (Josh Hartnett), el actor más famoso del mundo, para ganar la confianza del traficante de armas obsesionado con las celebridades. Esto le permite a Ritchie satirizar los excesos de Hollywood, e insinuar que los enormes egos del cine no son muy distintos del crimen organizado.
El otro "gimmick" es un segundo grupo paramilitar contratado para cumplir la misma misión, de modo que Fortune y sus aliados no solo deben recuperar el "mcguffin" a tiempo, sino mantenerse un paso adelante de los rivales que podría sabotear su plan... o, peor aún, robarles la gloria del triunfo.
Ninguno de los "gimmicks" altera fundamentalmente la ecuación, pero al menos generan nuevos ángulos de tensión y conflicto personal. Por cierto: mención especial para Hugh Grant en franco renacimiento artístico. Ya lo habíamos visto robarse una película (The Gentlemen) bajo la dirección de Guy Ritchie, y la historia se repite con Agente Fortune: El Gran Engaño. Ojalá encuentre más papeles que exploten su lado oscuro.
Entonces, Agente Fortune: El Gran Engaño contiene suficiente acción y suspenso para mantener nuestra atención durante dos horas, pero se nota la escasez de ideas originales y momentos memorables que la distingan de la competencia. En su esfuerzo por duplicar la fórmula de Mission: Impossible, Guy Ritchie sacrificó su estilo personal, y terminó perdiendo su mejor atributo.
Calificación: 7

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See How They Run

Síntomas: En 1953, el Inspector Stoppard (Sam Rockwell) de Scotland Yard y la Oficial Stalker (Saoirse Ronan) investigan un asesinato dentro del teatro donde se exhibe "La Ratonera", la obra más popular de Londres.

Diagnóstico: ...y, sobra decir, los clichés de aquel clásico "whodonit" teatral se reflejan en la investigación del detective y su ayudante, añadiendo un simpático nivel "meta" a este tributo a Agatha Christie.
Todo empieza con el asesinato del famoso director de cine norteamericano que planeaba realizar la adaptación cinematográfica de "La Ratonera". Entonces el semi-alcohólico Inspector Stoppard (Sam Rockwell) es asignado al caso, aunque no tiene particular interés en el mundo de la farándula. Por el contrario, su joven asistente, la Oficial Stalker (Saoirse Ronan) es fanática del teatro, y toma muy en serio su primera investigación. ¿Podrá esta "pareja dispareja" resolver sus diferencias y encontrar al culpable? ¿Y lograrán hacerlo antes de convertirse en víctimas del asesino?
El director Tom George entrelaza realidad y ficción en un relato gracioso pero bien estructurado alrededor de una compañía teatral repleta de rivalidades profesionales, traiciones románticas y conflictos personales. El libreto de Mark Chappell incluye figuras de la vida real (como el actor Richard Attenborough y el productor John Woolf), pero los excéntricos personajes y la traviesa dirección revelan que los cineastas no estaban interesados en la crónica histórica, sino en un análisis satírico de la literatura criminal inglesa y sus tradicionales ingredientes: una muerte misteriosa, un desfile de sospechosos, y el inevitable clímax donde se revelará al culpable... de preferencia en una noche tormentosa.
Afortunadamente el humor no es excusa para sacrificar la lógica, y fue un placer seguir el proceso deductivo de los policías hasta llegar al desenlace que sigue al pie de la letra los estereotipos del género... y aún así nos sorprende con iguales dosis de ingenio y humor negro.
Mi única queja es altamente subjetiva (y tal vez un poco racista): Sam Rockwell no me pareció suficientemente "británico" para hacerle justicia al papel del Inspector Stoppard. Su actuación es impecable, y expresa sin dificultad la melancolía de un hombre que disfraza sus traumas con una máscara de indiferencia... pero aún así creo que See How They Run me hubiera gustado más con un genuino actor inglés en el papel principal, con todo el subtexto cultural que ello implica (se me ocurren Tom Hiddleston, David Tennant o hasta Simon Pegg). En fin... como dije, una queja injusta e imparcial.
En el papel de la diligente Oficial Stalker, Saoirse Ronan luce el talento cómico que rara vez puede mostrar en sus proyectos de prestigio; pero con suerte su participación en See How They Run abrirá los ojos de los productores que solo la contrataban para roles dramáticos. Y también merecen mención Adrien Brody, David Oyelowo, Harris Dickinson, y Ruth Wilson en roles breves pero cruciales para el balance tragicómico de la cinta.
No sé si fue buena o mala suerte que See How They Run se haya estrenado en VoD tan cerca de Glass Onion, cuyo enorme "star power" seguramente opacará esta modesta producción inglesa sin grandes estrellas de cine y mínima publicidad. Sin embargo, los fans de Agatha Christie y la comedia "meta" podrán disfrutar See How They Run por su astuta sátira y respetuosa fidelidad de un estilo literario hipotéticamente obsoleto, pero con gran influencia en la cultura contemporánea. Después de todo, sin los clichés de "La Ratonera", Knives Out nunca hubiera existido.
Calificación: 8

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Don't Fuck in the Woods 2

Síntomas: Los empleados del campamento Pine Hills sufren extraños cambios de conducta que podrían relacionarse con el reciente ataque de una criatura en el bosque.

Diagnóstico: En el 2016, la cinta Don't Fuck in the Woods me pareció un mediocre pero sincero tributo al horror ochentero, filmado con poco dinero, mediano ingenio, y enorme afecto por las "creature features" de aquella época. Y ahora la secuela Don't Fuck in the Woods 2 nos ofrece otra dosis de clichés con ligeras variaciones que reflejan la ambición del director Shawn Burkett por construir una mitología más compleja de lo que sugería la premisa original. Y aunque la secuela se siente como un paso atrás, al menos despertó mi curiosidad por la tercera parte que promete desafiar mis bajas expectativas. Supongo que no podía pedir más.
Don't Fuck in the Woods 2 comienza donde terminó Don't Fuck in the Woods. Pero si no recuerdan (como yo), no se preocupen; los créditos iniciales resumen los eventos de la primera película, culminando (SPOILER) con la destrucción del monstruo que mató una docena de campistas en el parque nacional Brook Haven. Entonces Jane (Brittany Blanton), la "chica final" de la primera película, intenta regresar a la civilización. Mientras tanto, los empleados del campamento Pine Hills comienzan sus labores de mantenimiento antes de la temporada vacacional. El carpintero Gil (Cheyenne Gordon) repara las cabañas; la enfermera Vanessa (Nessa Moore) prepara las instalaciones médicas; y los jóvenes consejeros... no tienen mucho que hacer, excepto hablar de sexo, practicar sexo inseguro, y pelearse por las infidelidades resultantes. Es lo mismo de antes, pero más antipático por su excesiva duración e irrelevancia dramática. Una cosa es usar las hormonas juveniles para describir el carácter de los personajes, y otra es dejar que tomen control de la película.
Entonces Jane llega a Pine Hills sin saber que el monstruo dejó crías en busca de cuerpos humanos para continuar el ciclo de destrucción, y ahí fue donde revivió mi interés... aunque no demasiado. En vez de repetir las rutinas del monstruo asesino, Burkett explora nuevas direcciones de "body horror" que replantean el origen (y posible futuro) de la criatura. Sin revelar demasiado, diré que Don't Fuck in the Woods 2 toma elementos prestados de Night of the Creeps para continuar los asesinatos, introducir un poco de suspenso sobre la identidad de las víctimas (no hagan apuestas sobre la nueva chica o chico final, pues probablemente perderán), y crear una atmósfera de paranoia que compensa parcialmente las deficiencias del reparto semi-amateur.
Los efectos prácticos son esporádicos, tal vez porque el director reservó el dinero para el gran final que nos muestra el ciclo reproductivo del monstruo. Tampoco esperen mucho... siguen siendo bolsas de plástico y tubería de caucho, pero al menos indica un plan detrás del caos.
Por el lado negativo, Don't Fuck in the Woods 2 sufre la misma pobre edición de la primera película. Puedo vivir con malas actuaciones, malos efectos y un blando estilo visual; pero cuando las fallas de una cinta afectan la narrativa, no es tanto cuestión de dinero, sino de sentido común. Aún así el sangriento tercer acto de Don't Fuck in the Woods 2 y su sorprendente escena post-créditos garantizaron mi interés por la tercera parte. Ojalá no tarden otros seis años en producirla... pero si necesitan ese tiempo para corregir los errores, esperaré con gusto.
Calificación: 6

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Un Vecino Gruñón (A Man Called Otto)

Síntomas: Después de su retiro, el viudo Otto Anderson (Tom Hanks) se siente obsoleto en un mundo cada vez más complicado; pero la inesperada amistad con sus nuevos vecinos podría darle una nueva razón para vivir.

Diagnóstico: No estoy tan viejo como Otto, pero aún así debería identificarme con el amargado protagonista de edad madura que se irrita fácilmente con los cambios del mundo moderno. Sin embargo, la narrativa de Un Vecino Gruñón es tan simple y predecible que no sentí nada durante las dos horas de la película, a pesar del sólido desempeño de uno de mis actores favoritos, y la constante manipulación del director Marc Forster (All I See Is You, The Kite Runner), quien no teme reciclar los clichés más empalagosos del canal Hallmark para simpatizar con el clásico "vecino gruñón" que cambia de actitud gracias a la influencia de individuos muy distintos a él.
En esta ocasión el catalizador del cambio es una pareja de inmigrantes hispanos, lo cual añade inesperada textura a la amistad que se forja gradualmente entre Otto y sus nuevos vecinos. Y también aprecié la inclusión de situaciones más serias que añaden un barniz de humor negro a Un Vecino Gruñón, revelando el trauma psicológico de un anciano que perdió el deseo de vivir. Sospecho que ese subtexto "dark" fue lo que motivó a los productores Tom Hanks y Rita Wilson para realizar el remake de la película sueca A Man Called Ove (2015), la cual no he visto... aunque me atrevería a especular que utilizó el estilo frío/entrañable que tanto admiro en el cine europeo.
Y si bien Marc Forster no logró exprimir gran emoción de la misma premisa, tampoco fue una pérdida total de tiempo. Un Vecino Gruñón tiene sólidas actuaciones, buenos momentos de humor, y reflexiones relevantes sobre la situación de las personas mayores en la sociedad actual.
Hablando de actuaciones... por más que se esfuerce, Tom Hanks nunca proyecta la furia necesaria para hacerle justicia al papel del viejito cascarrabias; sin embargo, a su propia manera transmite el fastidioso carácter de Otto y su obsesión con los detalles de la vida cotidiana (por ejemplo, que los automóviles de su calle tengan el permiso de estacionamiento colgado del espejo retrovisor, como indica el Manual Vecinal). Minucias intrascendentes para los demás, pero muy importantes para Otto, pues lo motivan a levantarse en las mañanas, "hacer sus rondas", y recordar los buenos tiempos cuando la gente era más considerada. Sería un papel ideal para Clint Eastwood (quien hizo algo muy similar en Gran Torino), pero demasiado duro para el bonachón estilo de Hanks.
Otro problema de la cinta son los insípidos "flashbacks" que muestran la juventud de Otto, revelando poco a poco la tragedia que marcó su vida. Es un "misterio" tan obvio que no requería tanta explicación, pero al menos sirvió de excusa para introducir a Truman Hanks (hijo de Tom  Hanks) como la versión juvenil de Otto Anderson. Al principio pensé que Forster debió usar a Colin Hanks, quien se parece más a su padre... pero hice cuentas, y descubrí que Colin está demasiado viejo para ese papel. Ya pasaron muchos años desde Orange County...
Entonces, Un Vecino Gruñón me pareció marginalmente recomendable para fans de Tom Hanks (mención especial para Mariana Treviño en el papel de Marisol, la vecina hispana); pero como "drama geriátrico" no tiene mucho que ofrecer, sobre todo comparándolo con cintas como I, Daniel Blake, The Father, o The Straight Story, cuyas exploraciones de la vejez llegaron más allá del cliché. Como en los viejos tiempos.
Calificación: 7

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M3gan

Síntomas: Después de perder a sus padres, la niña Cady Ames (Violet McGraw) se muda con su tía Gemma (Allison Williams), quien está diseñando un sofisticado robot para la empresa juguetera donde trabaja. Entonces Cady empieza a convivir con "M3gan", y su estado de ánimo mejora considerablemente... hasta que se vuelve demasiado dependiente del robot.

Diagnóstico: Incluso con mi aversión a los "trailers", "featurettes", y demás herramientas de la mercadotecnia cinematográfica, fue imposible ignorar la arrolladora campaña publicitaria de M3gan... lo cual es una receta segura para sufrir una decepción cuando la película no cumpla las elevadas expectativas del público.
Y en cierto modo así fue; M3gan es una genérica experiencia de horror "PG-13" construida con escenas de mejores películas (desde Child's Play hasta Terminator). Sin embargo, con expectativas reducidas, M3gan puede disfrutarse como una traviesa modernización del arquetipo "muñeca diabólica", aderezado con el temor a la inteligencia artificial fuera de control. Y todo eso con una ágil puesta en escena del director Gerard Johnstone (Housebound), y una ingeniosa combinación de técnicas para darle vida al epónimo robot.
La cinta comienza con el accidente automovilístico que deja huérfana a la niña Cady (Violet McGraw). Su pariente más cercana es su tía Gemma (Alison Williams), experta en robótica que trabaja para una compañía de juguetes en busca de un nuevo producto para vencer a la competencia. Entonces Gemma ve la oportunidad de probar su más reciente invento en una situación real, y asigna el robot "M3gan" ("Model 3 Generative Android") a su sobrina Cady. Y el experimento funciona muy bien, hasta que M3gan empieza a tomar muy en serio su función como protectora de Cady...
El libreto de Akela Cooper (Malignant) apila los clichés, pero mantiene buen ritmo y cohesión dramática, entrelazando los temas de la cinta en una estructura de fácil digestión. Y si bien los temas no son particularmente innovadores (responsabilidad materna, ambición corporativa, la erosión de la privacidad, etc.), al menos justifican las conductas cada vez más irresponsables de los personajes: Gemma no está preparada para tener una familia, y se apoya demasiado en M3gan para educar a Cady; Cady se obsesiona tanto con el robot que no le interesa socializar con otros niños; y la compañía de juguetes exige un producto ganador sin estudiar sus consecuencias.
Lo cual nos lleva a lo mejor de M3gan: M3gan misma, creada con el cuerpo de Amie Donald, la voz de Jenna Davis, y la magia de Weta FX, incluyendo figuras animatrónicas, trucos de cámara, y sutil manipulación digital. La ilusión no siempre es perfecta, sobre todo en planos generales donde vemos a M3gan de cuerpo entero con movimientos demasiado humanos; pero funciona maravillosamente bien en encuadres cerrados que ponen mayor énfasis en la "actuación" del robot, la gradual manifestación de su personalidad, y la mortal lógica con la que enfrenta los problemas de una niña normal, incluyendo "bullying", disciplina maternal... y el agresivo perro de la vecina (sí, otro lamentable caso de "el perro es la primera víctima para demostrar que las cosas van en serio").
Entonces, no hay nada remotamente creíble en M3gan, pero su propósito nunca fue contar una historia formal de ciencia ficción, sino resucitar (ja, ja) un clásico relato "frankeinsteniano" sobre la creación que se rebela contra sus creadores, invitándonos a cuestionar nuestra obsesión con la tecnología y las insidiosas maneras como se infiltra en nuestra vida cotidiana. Muchos niños ya viven pegados a sus teléfonos y tabletas... ¿qué pasará cuando esos dispositivos puedan pensar, responder... y actuar de manera autónoma? Eh... probablemente no serán tan dramáticos, y solo encontrarán más formas de mostrar publicidad.
Calificación: 7

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