Suitable Flesh

Síntomas: La Dra. Elizabeth Derby (Heather Graham) cree que el joven Asa Waite (Judah Lewis) sufre un raro caso de personalidad múltiple, pero el origen de su condición es mucho más siniestro y peligroso para la Dra. Derby.

Diagnóstico: La legendaria actriz Barbara Crampton continúa su renacimiento profesional como productora; y ahora, en colaboración con el director Joe Lynch (Mayhem, Everly), decidió revivir un "proyecto perdido" de Stuart Gordon que nunca se completó debido al fallecimiento del aclamado director. Suena como una tarea imposible, y admito que esperé Suitable Flesh con bastante escepticismo... pero el resultado me pareció excepcional, no solo como película de terror por derecho propio, sino como continuación espiritual de las obras realizadas por (casi) el mismo equipo creativo, incluyendo Re-Animator, From Beyond y Castle Freak. Claro, faltó la ilustre presencia de Jeffrey Combs (aparentemente no estaba disponible), pero aún así Suitable Flesh ofrece similar profundidad dramática, sangre, y humor negro, inspirándose en un relato menos conocido de H.P. Lovecraft ("The Thing on the Doorstep") que no está formalmente conectado con los Mitos de Cthulhu.
No creí que fuera posible, pero lo lograron... en mi humilde opinión. Sin embargo, reconozco que los espectadores casuales con una perspectiva más objetiva podrían tener reservas sobre esta película (empezando por el título).
La historia comienza con la visita del joven Asa Waite (Judah Lewis) al consultorio de la psicóloga Elizabeth Derby (Heather Graham), pidiéndole ayuda para detener sus episodios de "viaje astral"... o algo así. La doctora atribuye los síntomas a un caso de esquizofrenia provocada por algún tipo de abuso; pero cuando Elizabeth visita el hogar de Asa, descubre una amenaza más grande para la salud del joven... y para la vida de la doctora.
El libreto escrito por Dennis Paoli (otro frecuente colaborador de Stuart Gordon) respeta la premisa del cuento original, pero introduce fascinantes cambios que modernizan su arcaica sensibilidad y alteran las dinámicas de los personajes. Y, al igual que Gordon, el director Joe Lynch no teme explorar la sexualidad como expresión externa de la transformación interna... ya sea por causas médicas o místicas. Finalmente, el reparto muestra inflexible compromiso para llevar el horror hasta sus últimas consecuencias, con excelentes actuaciones de Heather Graham (The Rest of Us), Judah Lewis (The Babysitter), Bruce Davison (Insidious: The Last Key), y la misma Barbara Crampton (Jakob's Wife) en un papel que nos remite a su trabajo en From Beyond.
Sin embargo, más allá de guiños, homenajes y referencias, Suitable Flesh cuenta una historia dinámica y compleja, enfocada en la psicología de los personajes y en el tenue balance entre instinto animal y conciencia racional que tiende a romperse cuando intervienen fuerzas fuera de nuestra comprensión.
En conclusión, Suitable Flesh me pareció una de las mejores adaptaciones de H.P. Lovecraft que he visto en años recientes, no porque sea muy fiel (definitivamente no lo es), sino porque realmente adaptó sus temas a la cultura del siglo veintiuno sin olvidar la atracción milenaria del conocimiento prohibido y la seducción de la vida eterna. En esta ocasión el horror cósmico se manifestó en el micro-universo de la mente humana.
Calificación: 9 (pierde medio punto por el título; estoy de acuerdo en que el nombre del cuento original ya no tendría sentido, pero debieron buscar un reemplazo más representativo de las virtudes que ofrece la cinta. Ojalá no pierdan público por eso...)

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Five Nights at Freddy's

Síntomas: El guardia de seguridad Mike Schmidt (Josh Hutcherson) descubre que su nuevo trabajo en una pizzería abandonada no será tan fácil como esperaba.

Diagnóstico: Blumhouse tenía la mesa puesta con Five Nights at Freddy's: un popular videojuego con un concepto ideal para cine; una directora con talento para el suspenso; y el legendario estudio Jim Henson's Creature Shop para crear las mascotas robóticas que atormentan al guardia nocturno en un restaurante abandonado. Entonces, ¿qué salió mal?
Bueno, para ser justos, Five Nights at Freddy's no es una mala película. La historia fluye bien, la directora Emma Tammi (The Wind) crea buenos momentos de tensión (al menos durante la primera mitad), y las mascotas nos perturban con su siniestro diseño de apócrifa inocencia. Sin embargo Five Nights at Freddy's no fue la película de terror que sugería el juego original, sino una fantasía que replantea la naturaleza de las criaturas y diluye el horror de la situación. Es como si la película Gran Turismo se convirtiera a la mitad en una lección de seguridad vial; y creo que el libreto de Scott Cawthon (creador del juego) fue culpable directo de esta cuestionable decisión. Aunque tal vez no será cuestionable para el mega-productor Jason Blum, pues la clasificación PG-13 de Five Nights at Freddy's probablemente contribuyó a su éxito económico en los primeros días de su estreno. "Plan con maña", como dicen en mi país.
En fin... vamos a enfocarnos en lo que es, y no en lo que pudo ser.
Five Nights at Freddy's toma su tiempo para establecer el carácter y motivación de Mike Schmidt (Josh Hutcherson), un hombre atormentado por una tragedia del pasado que le ha impedido mantener un trabajo fijo, lo cual dificulta la crianza de su hermana menor Abby (Piper Rubio). Y lo peor es que la Tía Jane (Mary Stuart Masterson) (!) está aprovechando esa crisis para buscar la custodia legal de Abby. Jane se presenta como villana, y sin duda es maliciosa, pero no está equivocada en su evaluación de Mike.
Entonces, como último recurso para tener empleo estable, Mike acepta el puesto de guardia nocturno en la pizzería Freddy Fazbear's Pizza, clausurada desde hace años, pero aún funcional. Parece un trabajo simple: limpiar ocasionalmente las instalaciones, y vigilar que nadie se meta para robar o vandalizar las mascotas mecánicas que alguna vez fueron el orgullo y atracción principal del negocio. Pero Mike descubre que las figuras animatrónicas podrían tener vida propia.
La primera mitad de Five Nights at Freddy's sigue la pauta del juego, sustentada por el conflicto del protagonista que debe superar su trauma y aprender a ser un protector responsable de su hermana. Pero eventualmente la historia se complica con forzadas conexiones entre el pasado y el presente, abandonando la premisa inicial para seguir tangentes que fragmentan nuestra atención y traicionan la accesible simplicidad del juego.
Para ser justos, tengo entendido que esas tangentes provienen de las secuelas del juego (tuvo siete hasta el momento), lo cual justifica hasta cierto punto los cambios de dirección. Sin embargo Blumhouse perdió la oportunidad de crear la auténtica experiencia de terror que esperaban los jugadores casuales, así como los curiosos que conocían el juego por los videos virales que le dieron popularidad... todos los cuales, naturalmente, se enfocaban en la tensión y los sobresaltos, y no en el melodrama familiar del protagonista.
Pero, bueno... como dije, Five Nights at Freddy's puede disfrutarse en sus propios términos, siempre y cuando no esperemos horror de principio a fin. En otras palabras, Five Nights at Freddy's es para jugadores de Fortnite que quieren saber más sobre la infancia de su avatar. No los entiendo, pero respeto su curiosidad.
Calificación: 7

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Pet Sematary: Bloodlines

Síntomas: En 1969, el joven Timmy Baterman (Jack Mulhern) regresa de Vietnam al pueblo de Ludlow; pero su comportamiento despierta sospechas de que en realidad regresó de otro lugar...

Diagnóstico: ¿Qué está pasando? ¿Primero un sólido "reboot" de Children of the Corn, y ahora una aceptable precuela de Pet Sematary? Claro, Pet Sematary: Bloodlines nunca será un clásico del Horror, pero considerando el bajo estándar de las adaptaciones de Stephen King, me complace decir que el resultado fue mejor de lo esperado... aunque quizás no tan bueno como para escapar el estigma del cine B directo a video (en este caso directo a Paramount Plus).
Entiendo perfectamente los comentarios negativos que está recibiendo Pet Sematary: Bloodlines: el ritmo es lento, no hay mucho "terror" en el sentido convencional, y el libreto co-escrito por la directora Lindsey Anderson Beer y el guionista Jeff Buhler tiene grandes agujeros lógicos. Sin embargo, viéndola como un drama sobre trauma psicológico, Pet Sematary: Bloodlines me pareció una interesante expansión de la historia original (en cualquiera de sus versiones) que conecta el concepto del "cementerio maldito" con tragedias muy reales y relevantes para cualquier generación. ¿Qué puedo decir? Al menos intentó algo diferente.
Ya basta de rodeos.
Pet Sematary: Bloodlines se enfoca en Judson Crandall (Jackson White), Manny Rivers (Forrest Goodluck), y Timmy Baterman (Jack Mulhern) tres amigos que crecieron juntos en el pueblo de Ludlow, aunque se distanciaron con el paso del tiempo. Entonces Timmy regresa muy cambiado de Vietnam, y Judson y Manny tratan de entender lo que está pasando... ¿será el estrés post-traumático de la guerra? ¿O algo más siniestro que los líderes del pueblo quieren ocultar?
Pet Sematary: Bloodlines mantiene un frágil balance entre los aspectos de terror (el joven con tendencias violentas, las leyendas de las tribus nativas), y los conflictos familiares en una comunidad con larga memoria para el rencor. No estoy diciendo que Pet Sematary: Bloodlines ofrezca un análisis profundo de un complejo momento histórico... pero la premisa del cementerio que revive a los difuntos gana nueva dimensión como catalizador de la lucha de clases, el colonialismo, y la deshumanización de los sobrevivientes de Vietnam que no lograban reintegrarse a la vida civil. Ninguna de las metáforas es particularmente erudita, y desde luego ya se habían explorado en mejores películas (desde Deathdream hasta la mega-clásica Night of the Living Dead); pero sostuvieron mi atención durante los momentos más genéricos de la cinta. Y si a eso añadimos una tétrica atmósfera, competentes efectos especiales y buenas actuaciones (mención especial para David Duchovny, Pam Grier, Henry Thomas y el perro "Hendrix", interpretado por Jellybean), tenemos una experiencia recomendable a pesar de sus fallas (en mi humilde opinión), que solo pide un poco de paciencia para expresar su mensaje. Raro caso de una precuela que realmente complementa la historia original. Y ahora solo queda esperar la siguiente anomalía de Stephen King... ¿tal vez un buen reboot de Maximum Overdrive? Pero con la misma música, por favor.
Calificación: 6.5

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Mortal Kombat Legends: Cage Match

Síntomas: El actor y experto en artes marciales Johnny Cage (voz de Joel McHale) investiga la desaparición de su co-estrella femenina; pero lo que descubre es un culto en las altas esferas de Hollywood con un siniestro plan que podría destruir al mundo... o, pero aún, arruinar la carrera de Cage.

Diagnóstico: Contra todas mis expectativas, las películas animadas de Mortal Kombat me gustaron más que las versiones de acción viva, pues combinaron exitosamente la compleja (algunos dirían "incomprensible") mitología del videojuego con creativos relatos que podían disfrutarse individualmente como exploraciones del origen (¡o futuro!) de los más populares personajes.
Habiendo dicho eso, la nueva película Mortal Kombat Legends: Cage Match no me inspiraba gran entusiasmo por enfocarse en Johnny Cage, un personaje unidimensional que generalmente se utiliza como "comic relief" y parodia de los héroes de acción. Y, en efecto, ese fue el tono general de Mortal Kombat Legends: Cage Match: un largo chiste sobre el inmenso ego de Cage, aderezado con flojas secuencias de acción y un conflicto demasiado "místico" para armonizar con el marco semi-realista del argumento. Afortunadamente Mortal Kombat Legends: Cage Match se redime parcialmente con acertadas observaciones sobre los excesos de Hollywood y la seducción del poder que convierte personas normales en monstruos (a veces literalmente); y por la excelente actuación de Joel McHale, quien encuentra un divertido balance entre la estupidez de Johnny Cage y su renuente heroísmo en situaciones de peligro. Creo que Cage Match es la película de Mortal Kombat Legends que menos me ha gustado, pero no fue el desastre que yo esperaba. Digamos que tiene su encanto.
Todo comienza con la desaparición de la actriz Jennifer Grey (voz de Jennifer Grey), co-estrella de Johnny Cage (voz de Joel McHale) en una cinta de acción. Entonces Johnny decide encontrar a Jennifer, no por altruismo, sino para evitar que cancelen la película, lo cual tendría terribles consecuencias para su incipiente carrera. Y así, con ayuda de su fiel asistente Chuck (voz de Dusan Brown) y de la misteriosa Ashrah (voz de Kelly Hu), Cage descubre una conspiración entre la gente más poderosa de Hollywood y el Inframundo, donde siniestras entidades planean la destrucción de la Tierra.
El director Ethan Spaulding (Son of Batman, Justice League: Throne of Atlantis) tomó la buena decisión de mantener la mayor parte de Cage Match en el mundo "real", ya que las incursiones de monstruos y demonios se sienten incongruentes con la sátira de Hollywood que ofrece los mejores momentos de la película; por ejemplo, el finado comediante Gilbert Gottfried prestando su voz (¿en su último proyecto, creo?) al taimado agente de Cage, listo para traicionar a su cliente cuando encuentra un mejor negocio. Y también aprecié la participación de Kelly Hu (Batman: Soul of the Dragon, The Tournament) como Ashrah, aliada de incierta afiliación y considerable poder.
Todo lo cual resulta en una experiencia medianamente entretenida y esporádicamente graciosa (mención especial para el diseño de producción y la música que emulan el estilo de Miami Vice y otras reliquias ochenteras), pero a fin de cuentas mediocre en el contexto de una saga con estándares más elevados de los que alcanzó Mortal Kombat Legends: Cage Match. Afortunadamente fue un leve tropiezo que no descarriló la franquicia, y seguiré esperando con interés las "leyendas" de Kitana, Sonya Blade, y desde luego el estoico Lord Randy. Perdón, Raiden.
Calificación: 6.5

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Totally Killer

Síntomas: La joven Jamie Hughes (Kiernan Shipka) regresa accidentalmente al año 1987 y trata de prevenir los asesinatos cometidos en aquel entonces por un maniático enmascarado que está matando de nuevo en el año 2023.

Diagnóstico: Sí, Totally Killer es la versión "slasher" de Back to the Future, lo cual la directora Nahnatchka Khan admite tácitamente con múltiples menciones de aquella clásica cinta... por no mencionar que Back to the Future sirve como guía para que la protagonista navegue las paradojas temporales del año 1987, donde fue accidentalmente transportada por... bueno, mejor no hablemos de eso.
Totally Killer (disponible en Prime Video) empieza en el año 2023, donde Jamie Hughes (Kiernan Shipka) enfrenta los típicos problemas de la adolescencia, incluyendo a Pam (Julie Bowen), su madre sobreprotectora. Sin embargo Pam tiene buena razón para preocuparse, pues lleva treinta y cinco años esperando el regreso del "Asesino Sweet Sixteen", quien mató a tres muchachas de dieciséis años en 1987. Y como Jamie ya cumplió esa edad, su madre teme que la historia se repita. Y tiene razón. Entonces, mientras huye del asesino enmascarado, Jamie viaja al pasado y descubre que puede evitar las muertes de las tres víctimas originales antes de que ocurran; aunque, desde luego, cambiar la historia puede poner en peligro su futuro.
Primero lo malo para salir del paso: el método del viaje temporal me pareció forzado e inverosímil, como una mala copia del Dr. Brown, pero sin adecuado desarrollo del personaje o las circunstancias que facilitan un fenómeno tan extraordinario. Afortunadamente es un detalle relativamente menor que no afectó mi aprecio por los demás aciertos de Totally Killer en sus contradictorias facetas.
Como cine slasher, Totally Killer funciona razonablemente bien. Ahí también toma prestados elementos de otras películas, en particular Scream y el remake de The Town That Dreaded Sundown, donde la leyenda de un asesino del pasado obstruye la investigación policíaca del presente. Las muertes no son muy sangrientas, pero lo compensan con sólida ejecución técnica y relevancia dramática. De hecho, la primera muerte es la más impactante de todas, no solo por la brutalidad de la pelea, sino por sus consecuencias emocionales.
Habiendo dicho eso, creo que Totally Killer me gustó más como comedia de "pez fuera del agua", utilizando la perspectiva moderna de Jamie para examinar los cambios de la sociedad respecto a la incorrección política de 1987. Yo también pasé mi adolescencia en los ochentas, y me hicieron reír los contrastes de la película, incluso si no son particularmente novedosos o incisivos.
Finalmente, mención especial para Kiernan Shipka, una joven actriz con igual talento para el horror y el humor negro que requiere el proyecto. Y además bastante creíble como adolescente, a diferencia de tantos actores de veinticinco años que se ven ridículos en papeles de "high school".
En resumen, Totally Killer funciona mejor en unos aspectos que en otros, pero a fin de cuentas me pareció una experiencia divertida y recomendable para el público casual que no sea demasiado estricto con los clichés de sus respectivos sub-géneros. Buen esfuerzo del estudio Blumhouse, confirmando que el cine slasher nunca morirá, siempre y cuando existan cineastas creativos que encuentren nuevos ingredientes para sazonar la vieja receta. Exactamente por eso me siguen decepcionando las secuelas de Scream.
Calificación: 8

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V/H/S/85

Síntomas: Un documental sobre un televidente inusual se interrumpe con grabaciones de eventos terroríficos.

Diagnóstico: Después de las mediocres V/H/S/94 y V/H/S/99, me complace decir que V/H/S/85 redime la franquicia con renovado vigor y visión creativa, aprovechando al máximo el contexto cultural de los ochentas y la textura del video análogo. "El medio es el mensaje", como decía Woody Allen (o tal vez fue Marshall McLuhan en una película de Woody Allen). Como sea, V/H/S/85 me pareció divertida y recomendable, a pesar de algunos tropiezos menores.
V/H/S/85 comienza con "Total Copy", de David Bruckner (The Night House, The Ritual), un documental sobre una entidad llamada "Rory" que ve televisión constantemente, mientras varios científicos registran sus reacciones. Sin muchos rodeos, me pareció la mejor "historia envolvente" de la franquicia, con un intrigante misterio que no necesita explicación para atraparnos en la obsesión de los personajes... ya sean humanos o algo más.
Y, como siempre sucedía en los ochentas, alguien grabó otros videos encima del documental:
"No Wake", de Mike P. Nelson (Wrong Turn, The Domestics): Varios amigos se divierten en un idílico lago, hasta que encuentran un asesino. Lo que comienza como una clásica cinta "slasher" toma un rumbo inesperado y tremendamente ingenioso, que podría sostener su propio largometraje (ya ocurrió antes, con aceptables resultados). Y además se conecta orgánicamente con otro corto de la antología.
"God of Death", de Gigi Saul Guerrero (Trap House, Bingo Hell): Después del terremoto de 1985 en la Ciudad de México, un grupo de rescatistas descubre algo extraño en los escombros de un edificio. Sólido relato que combina la angustia de un desastre natural con las leyendas del México prehispánico. Me faltó conexión entre el drama humano y el horror sobrenatural, pero disfruté la perspectiva mexicana del "horror folclórico", tradicionalmente relegado al paganismo europeo.
"TKNOGD", de Natasha Kermani (Lucky, Imitation Girl): Un "performance" sobre el futuro de la realidad virtual se vuelve trágico cuando la artista Ada (Chivonne Michelle) invoca un "tecno-dios" en el escenario. Acertada sátira de la tecnología moderna desde el punto de vista de los ochentas, primitivos en ciertos aspectos, pero más precavidos sobre el efecto de los mundos virtuales en la mente humana. Algunas risas, y una memorable escena final.
"Ambrosia", de Mike P. Nelson: La joven Ruth Wrigley (Evie Bair) celebra una fecha especial en compañía de su familia, pero una pistola de agua arruina la diversión. La ilusión del "video casero" es perfecta, complementando los clichés de una fiesta familiar que se sale de control. Y además con un predecible pero válido comentario sobre las armas en nuestra sociedad.
"Dreamkill", de Scott Derrickson (The Black Phone, Doctor Strange): Un asesino graba sus crímenes y envía los videos a la policía; pero la situación no es tan simple como parece. Definitivamente mi segmento favorito de la película, con una increíble premisa y crispante dirección que combina distintos formatos de video en una experiencia surrealista y perturbadora. Me gustaría decir que sería un excelente largometraje, pero es justamente la brevedad y eficiencia narrativa lo que lo hace tan intenso.
En resumen, V/H/S/85 me gustó más que las dos previas cintas, e incluso la ubicaría entre las mejores de la franquicia. No quiero sacar conclusiones injustas, pero probablemente ayudó mucho la presencia de David Bruckner y Scott Derrickson, dos "Amos del Horror" con amplia experiencia en el género. Estoy a favor de crear oportunidades para las nuevas voces del Horror... pero con un poco de guía siempre es mejor.
Calificación: 8.5

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El Justiciero: Capítulo Final (The Equalizer 3)

Síntomas: Mientras se recupera de una herida en Italia, Robert McCall (Denzel Washington) decide eliminar a la mafia siciliana.

Diagnóstico: Tomó diez años y tres películas, pero finalmente la saga de El Justiciero empieza a tener similitud con la icónica serie ochentera The Equalizer, donde un espía retirado aceptaba "casos" de gente común que necesitaba ayuda en situaciones fuera del alcance de la Policía. Pero lo que realmente distinguió aquella serie fue la intriga recurrente sobre el pasado del protagonista y las conexiones con diversos servicios de inteligencia que a veces lo ayudaban, y a veces ponían en peligro su cruzada altruista.
En vez de retomar aquel concepto, las películas El Justiciero y su secuela fueron genéricas historias de venganza redimidas por el carisma de Denzel Washington y la dirección de Antoine Fuqua; y ahora El Justiciero: Capítulo Final (¿será realmente el final?) rescata el misterioso pasado de Robert McCall (Denzel Washington) y su relación con ciertas organizaciones gubernamentales, representadas por la joven Agente Collins (Dakota Fanning), quien no sabe cómo interpretar las acciones del enigmático vigilante.
Todo comienza en una villa italiana, donde McCall resuelve su más reciente misión, hasta que sufre una herida que lo deja varado en la pintoresca villa de Altamonte, bajo el cuidado del afable Dr. Enzo (Remo Girone). Entonces, mientras se recupera, McCall descubre una pandilla que extorsiona a los comerciantes del pueblo... y decide intervenir. Pero sus violentas actividades llaman la atención de la CIA, y la Agente Collins empieza a seguir sus pasos (¿recordará que se conocieron en Man on Fire?).
Hasta ahí El Justiciero: Capítulo Final me estaba gustando bastante. Claro, la trama es un pastiche de clichés, y no hay una sola sorpresa en la fórmula que ya era vieja cuando John Wayne y Clint Eastwood la utilizaban en los westerns del siglo pasado: el misterioso forastero que combate la corrupción de un pueblo indefenso. Es un clásico, y no necesita innovar para funcionar en este moderno contexto; el problema viene en el tercer acto, cuando la metodología racional de Robert McCall se transforma en incomprensibles caprichos y coincidencias inverosímiles que me costó trabajo tomar en serio. El director Antoine Fuqua solo necesita dejar que Denzel Washington haga su trabajo y nos sumerja en la mente de McCall, evaluando la situación, diseñando un plan, y ejecutándolo con precisión y frialdad, pero sin perder la humanidad que lo separa de sus enemigos. Me gusta esta versión "a la antigua" del cine de acción, enfocada en suspenso y conexiones emocionales. Sin embargo, el cambio tan abrupto al final traiciona la metodología de McCall y el estilo de Fuqua. Y, bueno, cuando El Justiciero empieza a cantar, yo ya estaba listo para salirme del cine.
Estoy exagerando. En ciertos aspectos El Justiciero: Capítulo Final podría ser mi película favorita de la trilogía; pero también me decepcionó por extraviarse de nuevo cuando por fin había encontrado el camino correcto. Tal vez sería bueno seguir el consejo del Traductor, y dejar descansar la franquicia otros diez años, hasta que... no sé... John David Washington o Scott Adkins tengan suficientes canas para abordar el papel. O también podrían contratar de inmediato a Helen Mirren y ahorrarse mucho tiempo.
Calificación: 7

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No One Will Save You

Síntomas: A consecuencia de un trauma infantil, la joven Brynn Adams (Kaitlyn Dever) se aisló de la sociedad en una remota casa de campo. Entonces llegan visitantes indeseables de incierta procedencia.

Diagnóstico: No One Will Save You me recordó la película Signs, aquel híbrido de horror y ciencia ficción de M. Night Shyamalan... lo cual podría servir como recomendación o advertencia, según la opinión de cada espectador. En lo personal me gustó Signs, aunque desde luego reconozco los graves problemas de su libreto. Y si bien No One Will Save You incluye algunas escenas inverosímiles, creo que utilizó mejor la premisa de "invasión casera con aliens", un sub-género que casi siempre me ha decepcionado por su falta de imaginación. Afortunadamente ese no fue el caso de No One Will Save You (disponible en Star Plus).
El guionista Brian Duffield (The Babysitter, Love and Monsters) dirige su segunda película y confirma que su brillante ópera prima, Spontaneous, no fue un accidente, sino el debut de un cineasta que toma en serio el Horror (pero no muy en serio), y sabe entrelazar emociones sinceras con premisas fantasiosas, sin sacrificar el realismo de sus personajes.
No One Will Save You empieza con una mirada a la rutina de Brynn Adams (Kaitlyn Dever), quien parece vivir confortablemente en la soledad del campo. Cuando va al pueblo cercano para utilizar el correo podemos ver su ansiedad social, sobre todo cuando encuentra personas que despiertan amargos recuerdos de su juventud... ¿qué le habrá pasado? Entonces Brynn escucha extraños sonidos durante la noche, y descubre que alguien se infiltró en su casa. Alguien... o algo.
Y así comienza un thriller minimalista con una estructura similar a Hush y Alone, donde la protagonista debe sobreponerse al terror para luchar por su vida, mientras descubre nueva información que podría ayudarle a combatir a los invasores, y a especular sobre el motivo de su presencia. En ese nivel No One Will Save You me gustó por su deliciosa tensión, sus fantásticos efectos especiales (algunos prácticos realizados por Amalgamated Dynamics, y otros digitales del estudio DNEG), y por la eficiente dirección que utiliza las herramientas básicas del cine para desarrollar la historia de manera clara y consistente, mientras explora el carácter de los personajes por medio de sus acciones. La presentación visual de No One Will Save You es relativamente austera, pero constituye un maravilloso ejemplo de lenguaje cinematográfico que ya quisieran muchos directores famosos.
Lo que me dejó menos satisfecho fue el trasfondo emocional de la película, obviamente alimentado por la misteriosa "tragedia del pasado" que Duffield quiere conectar con la invasión doméstica... pero no funcionó para mi. Se siente torpe e innecesaria, y además conduce a un final que solo podría describir como "peculiar".
Todo lo cual nos lleva a la increíble actuación de Kaitlyn Dever (Booksmart, Short Term 12), cuya expresividad basta y sobra para atraparnos en el terror de la situación, sin necesidad del "equipaje psicológico" que el director la obliga a cargar. Y en papeles secundarios... bueno, la mayor parte son de látex o pixeles, pero igualmente hacen un buen trabajo.
Además de Signs, No One Will Save You también rinde tributo a muchas de mis películas favoritas, desde Close Encounters of the Third Kind hasta Slither, por no mencionar el legendario caso de los Duendes en Hopkinsville que me daba pesadillas de niño. Por eso, y por todo lo antes expresado, me inclino a disculpar los tropiezos dramáticos de No One Will Save You, y la recomiendo como una de las mejores obras de "horror alienígena" que he visto en años recientes. Perfecto acompañamiento para nuestra bizarra era de "disclosure".
Calificación: 8

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El Exorcista: Creyentes (The Exorcist: Believer)

Síntomas: Dos niñas se pierden en el bosque, y cuando regresan sufren perturbaciones psicológicas que los doctores no pueden explicar; entonces sus padres empiezan a aceptar la posibilidad de posesión satánica.

Diagnóstico: La clásica cinta The Exorcist (1973) es un estandarte del Horror que anunció la madurez del género y su capacidad para contar historias adultas que el público y la crítica podían finalmente tomar en serio. The Exorcist también inventó el sub-género de la posesión demoníaca, y desde entonces se produjeron incontables imitadoras que trataron de duplicar la brillante mezcla de drama, impacto visceral, y pánico religioso de la obra original. Y ahora, cincuenta años después, el productor Jason Blum se atreve a revivir la franquicia con una secuela que enfrenta la imposible tarea de cumplir las expectativas de los fans, replantear la mitología para una nueva generación, y encontrar su propia voz para distinguirse de las imitaciones que devaluaron el sub-género. ¿Será posible cumplir tantas metas?
Obviamente no, pero eso no me impidió disfrutar El Exorcista: Creyentes como una simple película de terror que recicla los clichés de la posesión con buena visión artística y una perspectiva medianamente racional de la situación. En otras palabras, El Exorcista: Creyentes no se acerca ni de broma al calibre de la original, pero no necesita hacerlo para entretenernos con sus virtudes intrínsecas.
Personalmente siento que esas virtudes se inclinan más hacia el lado del drama. La primera mitad de El Exorcista: Creyentes construye un sólido thriller sin necesidad de intervención sobrenatural, enfocado en las familias de dos niñas que se pierden en el bosque y exhiben extrañas conductas cuando son encontradas. Victor Fielding (Leslie Odom Jr.), el padre de Angela (Lidya Jewett), adopta una postura más científica, mientras que los padres de Katherine (Olivia O'Neill) se amparan en su religión para enfrentar la crisis, lo cual se presta para un interesante contraste que no se siente forzado ni tendencioso, sino imparcial en su retrato de ideologías que pueden consolar el dolor de una tragedia. No llegaría al extremo de clasificar El Exorcista: Creyentes como "horror elevado", pero siempre ayuda un poco de conciencia social para darle profundidad a la historia y fortalecer la motivación de los personajes.
Entonces comienza el horror... y El Exorcista: Creyentes se convierte en otro genérico desfile de gritos y contorsiones; lo cual, sobra decir, ya perdió impacto después de tanta repetición. Sí, desde luego aprecié los efectos de maquillaje de Christopher Allen Nelson (Fear Street, Halloween), el crispante diseño de audio, y las actuaciones de las niñas Lidya Jewett y Olivia O'Neill, quienes capturan la dualidad de inocencia y maldad que hace tan perturbadora la fórmula de la posesión satánica; pero son rutinas muy gastadas, especialmente para fans del horror (como yo) que ya las vimos cien veces. Por el lado positivo, el director añade un creativo "twist" como remate de los temas de la cinta, incluyendo el terrible peso de la responsabilidad paterna, y los "demonios" metafóricos que cargamos en la conciencia.
A fin de cuentas creo que el director David Gordon Green hizo un mejor trabajo con El Exorcista: Creyentes, que con sus "recuelas" de Halloween, aunque en ambos casos se nota el mismo patrón de conducta: Gordon Green tiene más afinidad por el drama humano que por el horror. Sin duda puede dirigir buenas escenas en ambas categorías, pero la fusión se vuelve inestable y termina decepcionando por igual a los devotos del horror, y al público "serio" que mencioné al principio. En resumen: El Exorcista: Creyente me pareció una recomendable película de terror, bien actuada e impecablemente producida, pero con una crisis de identidad que afecta su desempeño. Y ahora, en lo sucesivo... ¿podemos confiarles estas mega-franquicias a directores con genuino interés en el género? Gracias de antemano, Sr. Blum.
Calificación: 8

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Resistencia (The Creator)

Síntomas: A fines del siglo veintiuno, los Estados Unidos y sus aliados combaten a los robots con inteligencia artificial que antes servían a la humanidad, hasta que una catástrofe los convirtió en enemigos. Entonces el ex-militar Joshua Taylor (John David Washington) es reclutado para cumplir una misión de alto riesgo... pero no sabe si podrá cumplirla porque se relaciona con una tragedia de su pasado.

Diagnóstico: A fin de cuentas Resistencia plantea las mismas preguntas que han hecho incontables películas de ciencia ficción sobre el potencial, impacto y consecuencias de la Inteligencia Artificial (voy a empezar a escribirla con mayúscula para ganar el favor de nuestros futuros amos mecánicos) en el desarrollo de la humanidad, incluyendo factores sociales, políticos y hasta emocionales (no sé si estoy listo para una novia fembot); sin embargo el director Gareth Edwards envuelve sus rancias ideas en un impresionante despliegue técnico que nos distrae de sus limitaciones dramáticas para enfocarnos en el fenomenal "world building", el espectacular diseño de producción, y las emotivas actuaciones de John David Washington y Madeleine Yuna Voyles en los roles principales. Con eso en mente, puedo afirmar que Resistencia (me pregunto si el Maestro Traductor sintió miedo de usar el título literal - "El Creador" - por sus connotaciones religiosas en un país tan cristiano... mmh, tal vez su trabajo es más difícil de lo que yo suponía) es una de las más ambiciosas y memorables películas de ciencia ficción realizadas en años recientes, aunque en realidad no aporta algo sustancial al viejo discurso sobre Inteligencia Artificial. En otras palabras, Resistencia no tiene mucho que decir, pero qué bonito lo dice.
El libreto co-escrito por Edwards y Chris Weitz (About a Boy, A Better Life) combina elementos de Blade Runner (conflicto entre humanos y entidades artificiales), Apocalypse Now (la búsqueda de un misterioso líder) y Avatar (el soldado que cuestiona los motivos de la guerra) para contar una clásica historia de conciencia y redención, donde el héroe descubre que el enemigo no es tan distinto como parecía, y que la causa del conflicto nunca fue tan simple como le hicieron creer. El catalizador que facilita la transformación del ex-soldado Joshua Taylor (John David Washington) es la relación que forja con "Alphie" (Madeleine Yuna Voyles), una niña robótica (o "simulante") que está conectada con el pasado de Joshua, lo cual ofusca su criterio y abre su mente a perspectivas que nunca contempló... ¿será posible que los robots no sean artículos desechables, sino individuos con derechos y aspiraciones?
Como dije: lo mismo de siempre, pero retratado con extraordinaria belleza visual (mención especial para el estudio Industrial Light & Magic por su increíble trabajo) y la notable dirección de Gareth Edwards, cuyo talento para combinar escenarios épicos con historias íntimas se manifestó desde la modesta Monsters, y se confirmó en Rogue One, su aclamada incursión en el universo de Star Wars. Y ahora, con Resistencia, Gareth Edwards nos ofrece una audaz visión del futuro que no es secuela, "reboot" ni adaptación de otro medio, sino una obra original (en lo posible) sustentada por ideas que se volverán más relevantes conforme alcancemos ese utópico/terrorífico futuro de máquinas inteligentes y vida artificial. ¿Terminaremos esclavizados por nuestras propias creaciones? ¿O aprenderemos nuevas lecciones sobre el significado de la vida? Francamente, lo único que yo quiero es un robot confiable para pasear a mi perro.
Calificación: 8.5 (más por las imágenes que por el argumento)

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Saw X: El Juego del Miedo (Saw X)

Síntomas: Cuando John Kramer (Tobin Bell) se entera de que tiene pocos meses de vida, viaja a México para someterse a un tratamiento experimental. Pero el precio de la salvación no es el que esperaba.

Diagnóstico: Hace un par de años la película Spiral: From the Book of Saw (2021) no fue muy popular entre los fans de la saga de Saw porque se alejó demasiado de la fórmula tradicional, adoptando una nueva perspectiva de los crímenes (o "lecciones") de John Kramer y sus discípulos. Y ahora la décima parte, Saw X: El Juego del Miedo, nos lleva al espacio exterior... no, perdón, esa fue Jason X. Saw X: El Juego del Miedo nos lleva al pasado para explorar un evento en la vida de John Kramer que se había insinuado en otras películas, pero hasta ahora se presenta como parte fundamental de la misión de Jigsaw para "salvar" a sus víctimas de sus peores tendencias.
Todo empieza con el diagnóstico de cáncer cerebral que extinguirá la vida de John Kramer (Tobin Bell) en pocos meses. Entonces se entera de un tratamiento radical que la Dra. Cecilia Pederson (Synnøve Macody Lund) está realizando en México, lejos de la legislación norteamericana y la influencia de la industria farmacéutica que prefiere ganar dinero en vez de curar enfermos. Y cuando Kramer recibe el tratamiento... su vida cambia por completo. O tal vez no "cambia" exactamente, sino que recupera su propósito inicial.
Pertenezco a la minoría que disfrutó Spiral por su propuesta alternativa del villano; y por eso me gustó la primera mitad de Saw X: El Juego del Miedo, donde el director Kevin Greutert (Saw VI, Saw 3D) nos muestra a John Kramer como una persona normal (bueno, dentro de lo posible), lejos de su culto homicida y su torcida cruzada moral. Este no es el "Jigsaw" de antaño, sino un anciano abatido por el destino que trata de aceptar el inevitable fin... hasta que descubre que quizás no sea tan inevitable.
Y, bueno, las cosas se complican, Kramer encuentra nuevas víctimas, y eventualmente regresamos a las trampas mecánicas de Jigsaw, los grotescos castigos, y los chorros de sangre que bañan la pantalla... lo cual no es necesariamente malo, y sin duda amerita una recomendación para Saw X: El Juego del Miedo. Pero, francamente, a estas alturas se siente como más de lo mismo que ya vimos en nueve películas. Por el contrario, el retrato psicológico de un asesino enfrentando su mortalidad ofrecía algo más creativo y prometedor... aunque desde luego entiendo la necesidad de complacer a los fans y volver a la fórmula que le dio tanto éxito al estudio Lionsgate, quienes seguramente seguirán explotándola en futuras secuelas sin importar la inescrutable cronología de la saga, que ni siquiera pretendo entender.
Entonces, desde mi punto de vista lo mejor de Saw X: El Juego del Miedo fue la actuación de Tobin Bell y las escenas enfocadas en su tragedia personal. El "gore" y las torturas están muy bien, y seguramente dejarán satisfechos a los fans (es raro encontrar una película que me causa náusea); pero en el aspecto dramático me decepcionó el sacrificio de una historia muy humana en el altar del espectáculo visual. Habiendo dicho eso, el simple hecho de que una película de "porno-tortura" sea capaz de inspirar esas emociones podría ser la mejor recomendación que puedo darle a Saw X: El Juego del Miedo. Cuando el asesino es más interesante que sus crímenes, estamos en el camino correcto.
Calificación: 8

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