¡Feliz Año 2024!

Parece que los "años complicados" nunca van a terminar; pero para eso tenemos el cine como distracción, inspiración, y escape temporal de la cruda realidad. Muchas gracias por compartir conmigo otro año de películas buenas, malas, y puntos intermedios. Y aunque mi nivel de producción bajó en el 2023, espero que sigan encontrando útil este humilde blog, reliquia de tiempos mejores. O peores, no estoy seguro. Reciban entonces mis mejores deseos para el nuevo año, junto con la esperanza de que 2024 no sea como lo imaginaron en Beyond the Time Barrier. Aunque no me molestarían los overoles satinados; se ven cómodos, prácticos y adelgazan la figura.

¡Muchas felicidades!

ChatGPT Pablo del Moral
Diciembre 31, 2023

Where the Devil Roams

Síntomas: Durante la depresión económica de los años treintas, Maggie (Toby Poser), su esposo Seven (John Adams) y su hija Eve (Zelda Adams) viajan con un carnaval para ocultar sus crímenes.

Diagnóstico: Eso es todo lo que diré sobre el argumento de Where the Devil Roams, pues sería un spoiler revelar la culminación de sus tangentes en un paroxismo de sangre, horror, y ocultismo que me dejó satisfecho como aficionado al horror independiente, y tremendamente impresionado con la evolución de esta familia de cineastas.
Conocía el trabajo de la Familia Adams (John Adams, su esposa Toby Poser, y sus hijas Zelda y Lulu Adams) por la excelente Hellbender, una de mis películas favoritas del año pasado. Y ahora, en Where the Devil Roams, demuestran su evolución como artistas con un proyecto más complejo en todos los sentidos, desde la recreación de un carnaval itinerante de los años treintas, hasta el denso marco temático de una familia tratando de sobrevivir las violentas consecuencias de su vida criminal.
Una vez más me sorprendió la calidad de la producción, empezando por la increíble cinematografía que comienza con colores fríos, y se va deslavando hasta llegar a un estilo visual consistente con el período histórico... y todo eso sin recurrir a las afectaciones del cine "retro". La enervante atmósfera de tensión y paranoia bastaría para recomendar Where the Devil Roams, especialmente para cineastas jóvenes que quieran ver lo que es posible con un micro-presupuesto bien invertido en un ambicioso libreto.
Los efectos especiales son escasos, pero de buena calidad; la dirección de arte, edición y composiciones son de primera línea, así como el "gore" que no teme mostrarnos los grotescos detalles de los asesinatos, ostensiblemente cometidos bajo el amparo de la torcida moralidad que guía las acciones de los protagonistas. Después de todo, es la época de la Depresión, y a veces hay que llegar a terribles extremos para sobrevivir.
La música combina rock pesado (sí, también interpretado por la Familia Adams) con tonos discordantes para complementar las emociones de cada escena, ya sea en una plácida caminata familiar, o los "flashbacks" que nos muestran las experiencias del padre en la Primera Guerra Mundial, donde sirvió como médico de campo.
Lo cual nos lleva a lo mejor de Where the Devil Roams: las actuaciones de tres actores con perfecta química y balance entre sus respectivas especialidades. John Adams interpreta a Seven como un padre afable y tolerante que intenta ser la voz de la razón en situaciones demenciales; Toby Poser es Maggie, el "cañón suelto" del trío, siempre lista para matar cuando encuentra una injusticia... real o imaginaria. Y Zelda Adams es Eve, la hija engañosamente dócil que puede tomar la iniciativa cuando las circunstancias lo requieren; una vez más Zelda se roba la película con una actuación casi muda, pero enormemente expresiva. Y también cabe mencionar al reparto de "freaks" que integran el carnaval, respetando el espíritu transgresor de la tradición circense, pero sin recurrir a auténticas deformaciones físicas. El anacronismo intencional de estos "freaks" rompe la ilusión de los años treintas, pero podemos disculparlo como ajuste cultural compatible con la sensibilidad contemporánea.
Mi única queja sería que Where the Devil Roams tarda un rato en encontrar su ritmo y definir su propósito. Al principio me irritó por las múltiples sub-tramas sin relación aparente; pero todo es parte de un plan, y cuando llegamos al tercer acto entendemos perfectamente la conexión entre la familia, el carnaval, y el siniestro poema con el que comienza la cinta. En resumen: otra excepcional película de la Familia Adams, que nuevamente estará entre mis favoritas del año (¡justo a tiempo!) Espero que continúen trabajando juntos, y que su talento siga creciendo conforme vencen más retos del entorno independiente.
Calificación: 9.5

IMDb

Godzilla Minus One

Síntomas: Después de la Segunda Guerra Mundial, el piloto Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki) trata de reconstruir su vida en las ruinas de Tokio. Entonces aparece una criatura que amenaza con destruir todo lo que construyó; pero también le ofrece la oportunidad de redimirse por una ofensa del pasado.

Diagnóstico: La única razón por la que Godzilla Minus One me gustó un poco menos que Shin Gojira (2016) fue el ret-con que reduce el impacto de la original Gojira (1954) y su elocuente mensaje anti-nuclear. Sin embargo, bajo cualquier otro criterio, creo que Godzilla Minus One es una de las mejores películas "kaiju" jamás realizadas, poniendo igual atención en el drama individual de los personajes, en la crónica de un país en recuperación, y en los ataques de una criatura que podría simbolizar la guerra, la opresión, o cualquier otra crisis que queramos adjudicar al monstruo más famoso del mundo. O al menos de mi mundo.
La historia comienza en una pequeña isla del Pacífico, donde un equipo de mecánicos recibe al piloto kamikaze Koichi Shikishima (Ryunosuke Kamiki), quien no pudo cumplir su misión suicida por fallas de su avión... o al menos eso dice. Entonces los ataca una enorme criatura que las tribus locales llaman "Godzilla"... y esa es tan solo la primera vez que el monstruo cambiará la vida de Shikishima.
No revelaré más porque fue fascinante seguir la vida del ex-piloto traumatizado por la guerra, avergonzado por la deuda de honor que carga en su conciencia, y temeroso por la fragilidad del futuro. El director Takashi Yamazaki (Space Battleship Yamato) mantiene un armonioso balance entre drama y acción para incrementar el suspenso y llevarnos a una catártica confrontación que funciona en nivel metafórico y literal, sin descuidar el subtexto sociopolítico que distinguió a la icónica cinta de 1954, y que estuvo ausente en la franquicia durante demasiado tiempo.
Y si no nos interesa el mensaje, siempre queda el espectacular estilo visual de Godzilla Minus One, la virtuosa dirección que no le pide nada a los "blockbusters" de Hollywood, y los efectos especiales de impecable calidad y pasmosa escala. ¿Quién hubiera pensado que los inocentes trajes de goma y las miniaturas de antaño evolucionarían en algo tan sobrecogedor como Godzilla Minus One? Tal vez la acción no es tan variada y frecuente como en Shin Gojira (o, para el caso, como en las demás películas del "Shinverso"); pero lo compensan con atención al detalle y perturbador realismo.
La única pregunta que tengo es: ¿Qué sigue para Godzilla? No sé. Me gustaría ver una continuación de Shin Gojira ubicada en el presente, con todo el "equipaje cultural" que ello implica; pero también sería interesante seguir cronológicamente los eventos de Godzilla Minus One, recorriendo los cambios y tendencias sociales a lo largo de las décadas, incluyendo temas ecológicos e innovaciones tecnológicas que forjaron el mundo actual... por no mencionar las batallas contra nuevas criaturas que representen los vicios de sus respectivos momentos históricos.
Entonces, Godzilla Minus One me pareció recomendable en todos los niveles, ya sea como thriller político, estudio de carácter, o aventura kaiju. Y, bueno, para que no queden dudas, es oportuno señalar que Godzilla Minus One no tiene nada que ver con la versión norteamericana de Godzilla y el "MonsterVerso" que Warner Bros. construye actualmente. En general me ha entretenido, y tiene sus propias virtudes... pero no hay comparación posible con la versión japonesa que mantiene viva la esencia de su encarnación original. Una es producto de la codicia de Hollywood; la otra es respuesta a una tragedia global.
Calificación: 10

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There's Something in the Barn

Síntomas: Bill Nordheim (Martin Starr) y su familia se mudan a Noruega con la intención de renovar la propiedad que les dejó su abuelo y convertirla en un "Bed & Breakfast"; pero el granero adjunto tiene un extraño inquilino que no está contento con los cambios.

Diagnóstico: Aunque no es tan buena como otras películas noruegas de terror, There's Something in the Barn ofrece suficiente sangre, humor y mitos folclóricos para satisfacer el apetito de "horror navideño" propio de la temporada. Sin embargo la larga espera para llegar a "lo bueno" me impide recomendarla con entusiasmo universal.
La primera mitad de There's Something in the Barn me recordó aquellas atroces copias de E.T. donde un niño hace amistad con una criatura "mágica" (como Nukie, Munchie, y Mac and Me). Sin embargo, para ser justos, There's Something in the Barn tiene mejores valores de producción, competentes actuaciones, y simpáticos comentarios culturales, por no mencionar efectos especiales de alta calidad, y el irreverente sentido del humor que se manifiesta en el tercer acto.
La llegada de la familia Nordheim a la tierra de sus ancestros sienta las bases de una comedia de "pez fuera del agua", donde los americanos encuentran "jocosas" dificultades para adaptarse a Noruega. Entiendo que el director Magnus Martens quiso aprovechar los clichés de Norteamérica para hacer un contraste humorístico con el adusto temperamento europeo; y, desde luego, los actores cubren perfectamente los estereotipos de "americanos ignorantes" que llegan a Noruega sin preocuparse por aprender el idioma y las costumbres, porque asumen que todo será igual que en su país. Sigue siendo un comentario válido sobre la miopía cultural de los Estados Unidos, pero ya se usó tantas veces que no inspira las mismas risas de antaño.
Y así transcurre una hora de blandos chistoretes, hasta que aparece el primer cadáver; entonces There's Something in the Barn se transforma en el relato de terror que yo esperaba... hasta cierto punto. La película tampoco llega lejos en ese aspecto, pero los asesinatos con tema navideño y la excelente caracterización de la criatura (¿o criaturas?) del granero renovaron mi interés y compensaron parcialmente la insipidez de la primera mitad.
El reparto incluye a Martin Starr (Spider-Man: Homecoming, Silicon Valley) en su primer papel estelar (creo), interpretando un típico padre de familia con más entusiasmo que sentido común; Amrita Acharia (Dead Snow 2) es la madrastra "new age" que quiere resolver todo con frases de auto-ayuda; y Townes Bunner y Zoe Winther-Hansen son los hijos en eterno conflicto con sus padres. Por el lado noruego destacan Jeppe Beck Laursen como el "Santa Claus" local, y Calle Hellevang Larsen como el académico que ha escuchado rumores sobre la granja Nordheim, pero no los cree hasta que es demasiado tarde. Este personaje me hizo pensar que There's Something in the Barn hubiera sido una mejor película con un reparto exclusivamente noruego, reemplazando el rancio humor americano por un contraste entre las creencias rurales de Europa y los visitantes de la gran ciudad. Mismo concepto de "pez fuera del agua", pero con mayor potencial creativo que otro papá inepto haciendo el ridículo en Navidad. Y además el ángulo folclórico tal vez hubiera acelerado la llegada del horror, haciendo There's Something in the Barn más ágil y satisfactoria para fans del género. Habiendo dicho eso... indudablemente fue mejor que Munchie y Mac and Me, así que no debería quejarme.
Calificación: 6.5

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Rebel Moon Part One: A Child of Fire

Síntomas: Dos campesinos del planeta Veldt emprenden un viaje por la galaxia en busca de guerreros para defender su comunidad de un tirano que los extorsiona.

Diagnóstico: No soy fan de lo que el director Zack Snyder hizo con el Universo de DC Comics, pero por lo demás me han gustado casi todas sus películas, desde su impresionante debut en Dawn of the Dead (un raro re-make que vale la pena), hasta la espectacular Sucker Punch, un perfecto caso de estilo sobre sustancia donde el estilo es tan abrumador que compensa las limitaciones narrativas. Por eso esperé con entusiasmo Rebel Moon Part One: A Child of Fire (disponible en Netflix), la primera incursión de Snyder en la ciencia ficción "seria" (uno de mis géneros favoritos), lo cual prometía una experiencia visualmente impresionante y temáticamente ambiciosa.
Desafortunadamente no se cumplió la promesa. O al menos no por completo.
La historia empieza en una idílica colonia agrícola del planeta Veldt, donde la joven Kora (Sofia Boutella) trabaja la tierra con su amigo Gunnar (Michiel Huisman). Entonces llega Atticus Noble (Ed Skrein), cruel emisario del nuevo Regente Intergaláctico (o algo así), exigiendo tributo para alimentar a sus tropas... y Kora decide rebelarse contra el opresor, para lo cual necesitará guerreros que se unan a su causa.
Desde luego hay fastuosas imágenes en Rebel Moon Part One: A Child of Fire, y una compleja mitología que revela la intención del director por hacer algo más profundo y sustancioso que una simple "ópera espacial". Pero incluso con esos auspiciosos ingredientes, Rebel Moon Part One: A Child of Fire no alcanza su objetivo. Entre otras cosas, creo que faltó balance entre el drama y la acción, así como mayor creatividad conceptual para que las batallas, viajes interplanetarios y entornos alienígenas tuvieran una auténtica identidad cultural. La misión de Kora y Gunnar abarca media docena de mundos, pero nunca se siente como un universo vivo con una vasta sociedad multi-planetaria. Sé que es una queja muy abstracta, y quizás relevante únicamente para "geeks" (como yo) acostumbrados al "world building" de la literatura fantástica; pero aún así me pareció uno de los principales obstáculos de la película para cumplir sus monumentales expectativas.
Otro obstáculo fue la superficialidad de un libreto donde todo ocurre por capricho del director, y no porque sigamos un proceso de causa y consecuencia. La búsqueda de aliados para defender una causa es una premisa muy antigua, y no tengo objeción en que Snyder la repita a escala cósmica (de hecho me recordó con frecuencia Battle Beyond the Stars, una de las más divertidas copias de Star Wars realizada por Roger Corman en los ochentas); el problema viene cuando los miembros del equipo no se sienten como personas reales, sino como piezas intercambiables de un rompecabezas que nunca revela su forma; solo tenemos al ladrón con corazón de oro, al domador de bestias, a la experta en artes marciales, al veterano en busca de redención, etc. Con excepción de Sofia Boutella en el papel principal, nadie trasciende la genérica descripción de su rol.
Sin embargo, a pesar de tantas quejas, no niego que Rebel Moon Part One: A Child of Fire me pareció entretenida y visualmente estimulante, de modo que esperaré con cauto optimismo la segunda parte, confiando en que Snyder tiene un plan bien trazado para crear su propia versión de Dune. Solo sugeriría poner más esmero en el libreto, para que las épicas tomas en cámara lenta tengan resonancia emocional, y no solo sean momentos "cool" para el trailer.
Calificación: 7

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Aquaman y el Reino Perdido (Aquaman and The Lost Kingdom)

Síntomas: Arthur Curry (Jason Momoa) se esfuerza por balancear su vida familiar en tierra firme y sus deberes diplomáticos como Rey de la Atlántida. Sin embargo, un viejo enemigo lo está buscando para saldar una cuenta pendiente... y acaba de descubrir una poderosa arma que lo ayudará a cumplir su venganza.

Diagnóstico: La "marvelización" de DC Comics continúa con Aquaman y el Reino Perdido; y si no lo creen, esperen a ver el final que rinde tributo a una de las más icónicas escenas de Marvel, por no mencionar los créditos con su correspondiente canción de rock clásico. Sin embargo este alejamiento progresivo del criterio establecido hace una década por Christopher Nolan y Zack Snyder no bastó para salvar la franquicia, en vista del fracaso económico de cintas como Black Adam, Shazam! Fury of the Gods y The Flash. Personalmente disfruté en mayor o menor medida esta "evolución" de DC Comics, pero nunca veremos a dónde conduce, ya que Aquaman y el Reino Perdido es la última cinta del viejo régimen de Warner Bros., antes del debut de la nueva etapa dirigida por James Gunn y Peter Safran. Habiendo dicho eso, creo que Aquaman y el Reino Perdido puede disfrutarse individualmente como una exuberante aventura superheroica con los problemas típicos del género, pero con energéticas actuaciones, vibrante imaginación, y la dinámica dirección de James Wan para mantener nuestra atención durante las partes más cansadas de la película. Mas o menos lo mismo que ocurrió con la original Aquaman hace cinco años (!), pero sin el factor sorpresa ni la refrescante sensación de un nuevo comienzo.
Ya basta de contexto. Pasemos a la película misma.
Al principio de Aquaman y el Reino Perdido encontramos a Arthur Curry (Jason Momoa) tratando de conciliar su doble vida como padre de familia y como rey de la Atlántida, adoptando nuevos valores que reflejan su madurez como persona y como líder. Pero cuando un enemigo ataca con las armas de un legendario Reino Perdido, Curry debe formar una alianza con la última persona que hubiera imaginado... lo cual podría representar nuevos peligros para Aquaman y su reino marino.
Entre lo bueno mencionaría la actuación de Jason Momoa, perfectamente confortable con los vaivenes de un mediocre libreto que pasa de drama a comedia sin ritmo ni estructura. Los actores secundarios cobran su cheque sin pena ni gloria, destacando Temuera Morrison, Martin Short (como la voz de Kingfish), y el inmortal Dolph Lundgren, más animado y físicamente entero que en la reciente Expend4bles.
Por su parte, el director James Wan recurre a todas las excusas imaginables para justificar las secuencias de acción que identifican al cine super-heroico, aunque la repetición y falta de originalidad las han convertido en el aspecto más olvidable del género, en mi humilde opinión. Aún así Wan sabe filmar una buena pelea o una persecución emocionante, aunque sea tomando "prestados" conceptos de sus películas favoritas... como una visita al Palacio de Jabba (con todo y banda musical submarina) (por cierto, el pulpo baterista de la primera película regresa en un papel más sustancioso), un recorrido por la Isla Calavera de King Kong, y un tercer acto ubicado en Mordor. No sé dónde termina el homenaje y comienza el plagio, pero al menos hace la cinta más variada y atractiva.
Otro problema recurrente en la filmografía de DC Comics es la calidad de los efectos especiales. El "hardware" del Reino Perdido me pareció fantástico, evocando los diseños de Julio Verne y el arte de E.C. Comics; pero los efectos "humanos" (en particular el cabello digital que flota bajo el agua) se ven tan falsos que nos distraen en escenas importantes. Afortunadamente es una realidad que ya aprendí a aceptar en este tipo de películas, así que no afectó mi opinión.
La cual, como dije al principio, fue generalmente positiva, aunque desmoralizante por su futilidad como epílogo del agonizante Universo de DC Comics. A pesar de eso puedo recomendar Aquaman y el Reino Perdido como una imperfecta experiencia con suficiente acción, humor y pseudo-drama para distraernos durante dos horas de "cine espectáculo" absolutamente desechable; y además, en un nivel más profundo, podemos tomarla como recordatorio de que las modas pasan... y tal vez estamos presenciando el ocaso de los héroes. ¿Cuál será la siguiente moda? Lo ignoro, pero seguramente incluirá a Randall Park.
Calificación: 7

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A Creature Was Stirring

Síntomas: En una remota cabaña durante una tormenta de nieve, la enfermera Faith Larson (Chrissy Metz) busca el tratamiento que detenga la transformación de su hija Charm (Annalise Basso) en algo extraño y mortal. Entonces llegan dos visitantes que podrían arruinarlo todo.

Diagnóstico: A Creature Was Stirring conjuga dos de mis sub-géneros favoritos: "creature features" y horror navideño (el título hace referencia al famoso poema A Visit From St. Nicholas); y me alegra decir que en ambos aspectos cumplió su promesa... aunque no podría recomendarla como una buena película.
Es complicado.
Por el lado navideño, A Creature Was Stirring derrocha melancolía invernal muy apropiada para el suspenso y la paranoia, al mismo tiempo que contrasta los valores de la celebración con la maldad latente en la remota casa de campo donde viven las protagonistas. Y como "creature feature", A Creature Was Stirring ofrece un monstruo visualmente intrigante y conceptualmente distinto al bestiario tradicional del género.
Lo cual es una manera oblicua de decir que A Creature Was Stirring no es una cinta sobre hombres lobo (o mujeres lobo), a pesar de los síntomas de la joven Charm (Annalise Basso), y las medidas de seguridad que emplea su madre Faith (Chrissy Metz) para evitar que su hija escape en la noche, cuando se manifiesta su extraña transformación.
Entonces llegan a la casa Liz (Scout Taylor-Compton) y su hermano Kory (Connor Paolo), buscando refugio de la tormenta (o al menos eso dicen); pero su presencia amenaza el "tratamiento" de Charm, y la estabilidad mental de Faith, ya de por sí frágil por su historial de adicción. Y cuando añadimos una criatura (¿o más?) con inciertas intenciones... bueno, tenemos una pesadillesca Navidad repleta de sangre, trauma psicológico, y comics de Green Lantern.
Y ahí es donde las cosas se complican.
El director Damien LeVeck (Dark, Deadly & Dreadful) y el guionista Shannon Wells llevan el horror por caminos no solo impredecibles, sino a veces confusos por la cantidad de información oculta en los intersticios del relato principal. Lo que comienza como una típica "creature feature" se fracciona en una multitud de facetas abiertas a nuestra interpretación, pero vagamente conectadas por temas de amor maternal, abuso doméstico, y el eterno conflicto entre ciencia y superstición. Desafortunadamente cada vez que A Creature Was Stirring aborda una idea, la abandona de inmediato para pasar a la siguiente crisis, revelación, o ataque del monstruo, lo cual me dejó frustrado, y esperando que el director se decidiera por una dirección concreta, en vez de explorar tantas tangentes al mismo tiempo.
Habiendo dicho eso, LeVeck tiene abundante talento para respaldar su desmedida ambición dramática. A pesar de su bajo presupuesto, A Creature Was Stirring tiene un fantástico estilo visual, excepcional cinematografía de Alexander Chinnici, y valores técnicos dignos de Hollywood, desde el diseño de audio hasta los efectos prácticos (y no solo me refiero al "gore"). Incluso me atrevería a decir que estamos en presencia de un futuro "Amo del Horror", asumiendo que LeVeck encuentre libretos más claros, pero sin perder el respeto por el Horror como medio válido para contar historias humanas balanceadas con fantasía como complemento del mensaje.
Entonces, A Creature Was Stirring me gustó mucho en cierto nivel, pero es difícil ignorar los tropiezos narrativos que ofuscan su noble intención. Por eso podría recomendarla exclusivamente para fans del "cine raro" acostumbrados a quedarse con más preguntas que respuestas. A fin de cuentas, la Navidad es temporada de análisis y reflexión.
Calificación: 7.5

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Venganza Silenciosa (Silent Night)

Síntomas: Un hombre pierde a su hijo en un incidente de violencia callejera, y decide vengarse de los culpables.

Diagnóstico: Después de reinventar el cine de acción en Hong Kong, el director John Woo incursionó en Hollywood con proyectos de variable calidad (desde B-Movies como Hard Target y Broken Arrow, hasta cintas "de prestigio" como Windtalkers y Face/Off) que nunca alcanzaron las cimas visuales y creativas de sus obras maestras asiáticas (como The Killer y A Better Tomorrow). Y ahora, veinte años después, la historia se repite con Venganza Silenciosa, una eficiente B-Movie con una premisa bastante añeja, pero elevada por la dirección de Woo, el libreto de Robert Archer Lynn, y la actuación de la estrella principal.
De esos tres ingredientes mi favorito fue el libreto, pues aunque recicla los estereotipos del cine de venganza, al menos los distribuye con mejor balance emocional, enfocándose primero en el drama familiar, y dejando la violencia para el final, cuando es más impactante porque comprendemos perfectamente la condición psicológica del protagonista.
La historia es simple: Durante un tiroteo callejero, el hijo de Brian Godlock (Joel Kinnaman) muere accidentalmente, sumiendo a los padres en una profunda depresión que amenaza con destruir su matrimonio. Entonces Brian decide que la única manera de recuperarse es eliminar a los culpables... pero para cumplir una misión tan peligrosa, necesita prepararse física y mentalmente.
Esto significa que Venganza Silenciosa invierte más de una hora en desarrollar el material que otras películas comprimen en veinte minutos o menos. Fue una apuesta arriesgada de Woo, pues podría aburrir al espectador casual que esperaba un relato de venganza más convencional; y, en efecto, al principio me parecieron redundantes tantas escenas de dolor y sufrimiento donde Brian y su esposa Saya (Catalina Sandino Moreno) reviven la tragedia, dejan de comunicarse (en más de un sentido), y se distancian cuando más necesitan mutuo apoyo. Sin embargo la actuación de Joel Kinnaman (RoboCop, Run All Night) mantiene a flote el repetitivo comienzo, y nos sumerge gradualmente en el proceso de recuperar el propósito de su vida. No muchos actores lograrían mantener ese arco dramático (y casi sin palabras, además de todo), pero Kinnaman confirma su aptitud para crear personajes de gran intensidad, sin perder la vulnerabilidad que los hace humanos (el ejemplo más obvio de su talento sería la película The Suicide Squad, pero creo que está mejor representado en For All Mankind, una de mis series favoritas).
En cuanto a la acción, Woo nos regala algunos de sus trucos clásicos, incluyendo cámara lenta, brutales peleas cuerpo a cuerpo, y algunas graciosas auto-parodias, como la paloma que no es una paloma, y el nombre del pueblo de Texas donde se ubica la historia. Como dije, Woo nos hace esperar, pero cuando llega la violencia es impactante y sangrienta... aunque no necesariamente realista, lo cual no me molestó en lo absoluto.
Por el lado negativo mencionaría los problemas típicos del cine B, incluyendo villanos incompetentes, balas que nunca le atinan al héroe (excepto cuando el director necesita incrementar el drama), y algunos momentos inverosímiles... pero enormemente entretenidos. Y, a fin de cuentas, eso fue lo importante: Venganza Silenciosa no está a la altura de su ilustre director; pero en sus propios términos cumple su misión de entretener con una sólida ejecución de una vieja fórmula. Como fan de la acción, quedé satisfecho. Como fan de John Woo... podría pedir más.
Calificación: 8

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A Disturbance in the Force

Síntomas: Documental sobre el famoso Especial Navideño de Star Wars, repudiado por miles, pero indudablemente importante para comprender la evolución de un fenómeno social.

Diagnóstico: Nadie en su sano juicio defendería el Especial Navideño como una buena historia de Star Wars; sin embargo, el documental A Disturbance in the Force ofrece razones convincentes para apreciar su importancia cultural, no solo dentro del imperio de George Lucas, sino en el contexto del "geekdom" que en aquel entonces empezaba a cimentar su posición en la conciencia popular... la cual ahora domina por completo. Y todo empezó con una familia de wookies celebrando el Día de la Vida en el planeta Kashyyyk.
No es verdad. Todo empezó con la película Star Wars (o A New Hope, para los fans más exigentes), cuyo inesperado éxito transformó por completo la industria cinematográfica. Sin embargo, Hollywood no estaba preparado en 1977 para capitalizar el fenómeno de Star Wars, ni existían las herramientas mercadológicas necesarias para categorizar, sinergizar y monetizar el entusiasmo de los fans. Pero lo que sí existía eran los especiales televisivos producidos alrededor de alguna celebridad o marca comercial. ¿Cómo podría fallar un especial con los personajes de la película más popular del momento?
Y ahí es donde A Disturbance in the Force imparte una divertida, nostálgica e informativa lección de historia enfocada en los aspectos internos y externos del Especial de Navidad de Star Wars, con simpáticas anécdotas sobre su producción, entrevistas con los sobrevivientes de la catástrofe, y un examen imparcial de sus fallas y virtudes como reliquia audiovisual de una década famosa por sus excesos.
Los fans de Star Wars (como yo) disfrutarán el generoso volumen de información "detrás de las cámaras" que los directores Jeremy Coon y Steve Kozak descubrieron sobre el origen del Especial, así como su influencia en modernas obras como The Mandalorian y The Book of Boba Fett (¡y no solo son "easter eggs"!) Y en un nivel más formal, A Disturbance in the Force plantea el Especial Navideño como precursor de la hegemonía de la fantasía y la ciencia ficción en el entretenimiento popular.
Por el lado técnico, A Disturbance in the Force ofrece impecable calidad a pesar de ser un proyecto independiente, con numerosas entrevistas realizadas especialmente para el documental (incluyendo a Kevin Smith, Weird Al Yankovic, Mick Garris, Seth Green, y Bruce Vilanch, entre muchos otros), fragmentos de entrevistas pre-existentes, y una excepcional colección de "clips" con impresionante calidad que por sí mismos justifican una recomendación (nunca había visto escenas del Especial de Navidad en casi perfecta condición, por no mencionar curiosidades históricas como el número musical con stormtroopers que hicieron en el Show de Donnie & Marie Osmond) (Si no saben quiénes eran Donnie & Marie Osmond, pregúntenle a sus papás) (O mejor a sus abuelos).
Entonces, el Especial Navideño de Star Wars podrá haber sido un desastre, pero estableció las bases de una transformación que continúa hasta nuestros días. Y la mejor manera de celebrarlo (además de buscar copias piratas en YouTube) es con un documental que comprende su importancia, tolera sus fallas y respeta su intención.
Calificación: 8.5

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Wonka

Síntomas: El joven Willy Wonka (Timothée Chalamet) tiene grandes planes para fabricar y vender los mejores chocolates del mundo... pero no tiene dinero, y además sus enemigos están conspirando para evitar que sus sueños se vuelvan realidad.

Diagnóstico: No soy devoto de la clásica cinta Willy Wonka & The Chocolate Factory (1971), ni del remake Charlie and the Chocolate Factory (2005) dirigido por Tim Burton. Sin embargo, puedo apreciar en ambas obras el humor negro que alteró el tono de un relato infantil para convertirlo en algo más interesante... casi subversivo. Desafortunadamente no encontré rastro alguno de ese humor en Wonka, una blanda y genérica precuela que se limita a seguir el esquema del cine familiar hollywoodense, y a consecuencia pierde todo lo que hizo memorable a sus predecesoras (ya de por sí mediocres, en mi humilde opinión). En resumen: otro caso de "precuelitis" culturalmente irrelevante y artísticamente vacía... pero aún así funcional como entretenimiento desechable para toda la familia. No todo está perdido.
Al principio de Wonka conocemos a Willy Wonka (Timothée Chalamet), experto confitero que ha dedicado su vida a producir exóticos chocolates, los cuales espera vender en la misma plaza que comparten los mejores chocolateros del mundo. Pero cuando Wonka llega a la gran ciudad, es víctima de dos estafadores que arruinan sus planes. ¿Podrá el joven escapar su mala fortuna? ¿O será parte de un complot para suprimir su talento?
Una y otra vez Timothée Chalamet ha desafiado mis expectativas en roles que parecían fuera de su rango, pero que florecieron con su inflexible convicción y carisma personal. Me sucedió con Bones and All (¿Chalamet como caníbal sensible?), con Dune (¿este alfeñique como el indomable Muad'Dib?), y ahora volvió a ocurrir en Wonka, donde Chalamet revive un personaje inerte inyectándole energía hasta que se vuelve casi humano. O quizás sobre-humano. Como sea, no voy a decir que sea una gran actuación (creo que el material no permitiría ese milagro), pero bastó para sostener mi atención durante ambiguas escenas de "realismo mágico" y antipática comedia que no produjo una sola risa en el cine donde vi la película (aunque vale advertir que estaba casi vacío, salvo por otros viejitos amargados como yo). Ah, y Chalamet tampoco resultó malo como cantante.
¿Mencioné que Wonka también es un musical? Las canciones son tan insípidas como el libreto, pero al menos justifican vivaces coreografías y efectos especiales que reviven parcialmente la experiencia. Lástima que el compositor Joby Talbot no encontró refranes memorables para permanecer en la mente del espectador. Tampoco estoy pidiendo mega-hits del tamaño de Let It Go, sino una que otra pieza pegajosa que nos haga silbar al salir del cine. De otro modo, los números musicales se convierten en un obstáculo más de la lerda narrativa.
Después de tantas quejas, necesito reiterar mi observación inicial: Wonka no se acerca ni de broma a la excéntrica visión de las películas anteriores; sin embargo la actuación de Timothée Chalamet, la sobria dirección de Paul King (Paddington), y las aportaciones del reparto secundario (incluyendo a Hugh Grant, Olivia Colman y Keegan-Michael Key) bastan para pasar dos horas de inocuo entretenimiento familiar que podría inspirar a los niños para seguir sus sueños culinarios... o para comer más chocolate. Desafortunadamente yo no necesito esa excusa para ceder a la tentación.
Calificación: 7

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Killers of the Flower Moon

Síntomas: El descubrimiento de petróleo bajo el suelo de Oklahoma en los años 20s vuelve inmensamente ricos a los miembros de la tribu Osage; pero el codicioso "hombre blanco" buscará todas las maneras posibles de usurpar esa riqueza.

Diagnóstico: El director Martin Scorsese recibió críticas por usar un protagonista caucásico en un relato sobre crímenes cometidos contra una tribu nativo-americana. Y en cierto modo comparto esa opinión, no por corrección política, sino por simple eficiencia narrativa. Las partes más interesantes de Killers of the Flower Moon (en mi humilde opinión) son las que nos sumergen en las tradiciones, retos y decisiones de la tribu Osage durante su complicada adaptación a la cultura norteamericana... una cultura fundamentada en el exterminio y opresión de los pueblos nativos, hasta que uno de esos pueblos adquirió inesperada riqueza por el descubrimiento de petróleo bajo sus tierras. Y, naturalmente, esa riqueza atrajo parásitos y criminales dispuestos a todo para explotar la fortuna ajena.
Creo que hubiera sido más interesante explorar ese lado "interno" de la historia; sin embargo Scorsese prefirió mostrarnos el lado "externo", desde la perspectiva de Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), veterano de la Primera Guerra Mundial que es manipulado por su tío, William "King" Hale (Robert De Niro), para casarse con Mollie Kyle (Lily Gladstone), y convertirse en heredero de los derechos del petróleo. Bueno, es más complicado que eso, pero por algo Killers of the Flower Moon dura tres horas y media.
Lo cual nos lleva al principal problema de la película: un libreto difuso y fragmentado, con una abundancia de personajes que vienen y van sin gran explicación, mientras presenciamos la titubeante relación de Mollie y Ernest, cada uno con sus propias dudas sobre la honestidad de su romance. Las actuaciones son brillantes, y la dirección de Scorsese añade devastadora profundidad y esplendor artístico a lo que podría haber sido un frío drama criminal con pocas oportunidades de empatía o redención. Pero al mismo tiempo sentí una desconexión general con los auténticos protagonistas de la historia (la tribu Osage), cuya participación rara vez trasciende los clichés de cualquier melodrama familiar. Y no, un par de rituales y "powwows" no bastan para expresar el conflicto ideológico de un pueblo en transición.
Aún así siempre encuentro recomendable el trabajo de Martin Scorsese, auténtico pilar del cine moderno, y uno de los pocos "Maestros" que no perdió el vigor ni la visión con el paso de las décadas. Y, como dije, las actuaciones y los excepcionales valores artísticos se encargan de llenar las grietas de una conspiración motivada por la codicia, pero basada en emociones que reconocerá cualquier persona de cualquier época o cultura. Sabemos de antemano que las cosas terminarán mal... ¿pero al menos habrá justicia? ¿O será la película misma toda la justicia que podemos esperar? No sé. Pero Killers of the Flower Moon me inspiró ese tipo de reflexiones, lo cual significa que no me aburrió, y definitivamente cumplió su misión de difundir eventos que merecen recordarse, no solo en los Estados Unidos, sino en cualquier país construido sobre las ruinas de civilizaciones nativas. Y, bueno, si la única manera de lograr eso fue con una estrella de cine caucásica... supongo que puedo aceptarlo. No todo puede ser tan bueno como Reservation Dogs.
Calificación: 8.5

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It's a Wonderful Knife

Síntomas: La joven Winnie Carruthers (Jane Widdop) sobrevive el ataque de un asesino enmascarado, pero sufre una profunda depresión. Entonces pide el deseo de no haber nacido... y descubre cómo su ausencia hubiera cambiado a su familia y su comunidad.

Diagnóstico: Como indica el título, It's a Wonderful Knife es la versión "slasher" de la clásica cinta navideña It's a Wonderful Life (1946). Suena absurdo, pero el libreto de Michael Kennedy (Freaky) y la dirección de Tyler MacIntyre (Patchwork) conjugan ambos temas (horror visceral y reflexión existencial) sin perder sus respectivas identidades, y sin descarrilar la película con sus extraños giros y sorpresivas revelaciones.
It's a Wonderful Knife se desarrolla en el pueblo de Angel Falls, donde un asesino disfrazado de ángel empieza a matar individuos conectados con un proyecto inmobiliario que podría revivir la economía local. El Ángel ataca a Winnie Carruthers (Jane Widdop), pero su hermano la defiende y es asesinado, lo cual destruye a su familia. Entonces Winnie desea nunca haber nacido... y se cumple su deseo.
El libreto mantiene sorprendente consistencia entre los incongruentes aspectos de la película. La transformación de Winnie se siente orgánica y sincera, empezando por reconocer su valor como persona, y extendiéndose a un mejor entendimiento de sus amigos, su familia, y hasta ella misma. Y todo eso en el contexto de una cinta "slasher", donde el asesino aparece cada diez minutos para cobrar nuevas víctimas y recordarnos que la paz interior está muy bien, pero para disfrutarla es necesario sobrevivir.
Igualmente merece aplauso el elenco que interpreta dos facetas de los mismos personajes; primero en el universo "normal", y después en la versión distorsionada por la ausencia de Winnie. En particular me gustó el trabajo de Joel McHale (Becky), minimizando su habitual sarcasmo para interpretar un padre de familia cálido y comprensivo, hasta que la tragedia destruye su felicidad. Es un papel corto, pero indispensable para motivar a Winnie y conectarnos emocionalmente con su misión. Y además MacIntyre, como buen fan del Horror, reclutó a varios veteranos del género en roles incidentales, incluyendo a Justin Long (Barbarian) como el villano corporativo; William B. Davis (The X-Files) como la primera víctima; y Katharine Isabelle (Ginger Snaps) y Cassandra Naud (Influencer) como la tía "cool" y su esposa. Algunos no tienen mucho que hacer, pero su presencia eleva escenas desechables, y añade personalidad a roles relativamente intrascendentes.
En lo referente al horror, hay un poco de sangre y violencia, pero It's a Wonderful Knife no se enfoca en "gore" ni efectos especiales. Incluso diría que el diseño del Ángel refleja la estética general de la película, más abstracta y misteriosa para ocultar la intención del director y desafiar nuestras expectativas cuando creíamos saber hacia dónde se dirigía la historia.
Por el lado negativo mencionaría la explicación "mágica" del deseo de Winnie; y algunos diálogos forzados para establecer las relaciones de los personajes y el conflicto del pueblo con el magnate local. Y, como siempre, debo advertir que It's a Wonderful Knife es una producción canadiense de bajo presupuesto, así que será necesario disculpar algunas limitaciones técnicas y visuales (como la gran asamblea del pueblo con unos cuantos extras).
El director Tyler MacIntyre tomó el cine slasher en una nueva dirección con la película Tragedy Girls (2017); y ahora repite la hazaña con un "sabor" distinto pero igualmente interesante, combinando lo nuevo con lo viejo para extender la vida de este menospreciado sub-género y confirmar que aún hay "tela de dónde cortar". Algo similar a la reciente Totally Killer (la versión slasher de Back to the Future), pero con potencial de convertirse en un clásico navideño por derecho propio... sobre todo cuando queremos sentir el espíritu de la temporada sazonado con una pizca de violencia.
Calificación: 8

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Viernes Negro (Thanksgiving)

Síntomas: En el pueblo norteamericano de Plymouth, el frenesí consumista del "Viernes Negro" sale de control y resulta en la muerte de varios compradores. Un año después, un asesino enmascarado empieza a matar a los individuos que considera culpables por la tragedia.

Diagnóstico: Allá por el año 2007, el director Eli Roth (Cabin Fever, The Green Inferno) contribuyó al proyecto de Grindhouse con el trailer de Thanksgiving, una ficticia cinta "slasher" inspirada en las celebraciones del Día de Acción de Gracias en los Estados Unidos. Y ahora, dieciséis años después, Roth cumple la promesa de aquel trailer con la película Viernes Negro... y me complace decir que el producto final le hizo justicia al concepto, siempre y cuando no prestemos atención a los cambios realizados para modernizar la premisa.
La historia comienza con los preparativos de la tienda Right Mart para recibir a las hordas de clientes ansiosos por ahorrar unos dólares en un televisor nuevo o una freidora de waffles. Pero entre la negligencia del personal de seguridad y la impaciencia del público, varias personas son aplastadas o gravemente heridas.
Un año después, las autoridades del pueblo enfrentan la disyuntiva de suspender la venta de Viernes Negro, o retomar la tradición con nuevas medidas de seguridad. Pero antes de que puedan decidir, alguien empieza a asesinar a los individuos que estuvieron de algún modo involucrados en la tragedia. Entonces la joven Jessica (Nell Verlaque) y sus amigos tratan de descubrir la identidad del criminal, antes de convertirse en las próximas víctimas.
En su nivel más básico, Viernes Negro es una cinta "slasher" construida con elementos clásicos del género, desde el asesino enmascarado (en esta ocasión utiliza una máscara de John Carver, importante figura histórica en la festividad del Día de Gracias), hasta los sangrientos asesinatos cometidos con lujo de crueldad. Los efectos especiales combinan lo mejor de las técnicas prácticas y digitales para darnos grotescos momentos "gore" que forman parte integral de la narrativa, y hasta añaden un componente emocional.
Naturalmente Eli Roth es un moderno "Amo del Horror" (a pesar de sus ocasionales tangentes creativas) con pleno conocimiento de los estereotipos del cine slasher; pero lo que me sorprendió fue la eficiencia del libreto (co-escrito por Roth y Jeff Rendell) para establecer un universo donde los extremos de Viernes Negro pueden coexistir con el melodrama semi-realista de una familia tratando de corregir un error del pasado sin sacrificar su futuro. Como ejemplo puedo señalar los primeros minutos de Viernes Negro, donde Roth transmite gran cantidad de información sin recurrir a explicaciones forzadas ni monólogos didácticos... tan solo una mirada a la vida cotidiana de una comunidad que nos indica lo que necesitamos saber sobre su frágil situación interna, las dinámicas de los personajes, y los sospechosos potenciales cuando aparecen los cadáveres.
En resumen, Viernes Negro me pareció una recomendable experiencia de Horror que trasciende el género para convertirse en buen cine... aunque dudo que los críticos "serios" reconozcan sus virtudes, pues no se trata de "horror elevado", ni ofrece alternativas post-modernas de una añeja fórmula. Simplemente una excepcional versión del cine slasher, realizada con inteligencia, humor, y un poco de comentario social sobre los excesos del capitalismo. Y, desde luego, con abundante sangre para celebrar la estética "grindhouse" que originó esta película.
Calificación: 8.5

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Napoleón (Napoleon)

Síntomas: Durante el caos social y político que dejó la revolución francesa de 1789, un joven oficial llamado Napoleón Bonaparte (Joaquin Phoenix) empieza a destacar con audaces estrategias y victorias militares que eventualmente lo llevarán al máximo cargo de la nación.

Diagnóstico: Francamente, no hubiera gastado dos horas y media viendo Napoleón en el cine, si hubiera sabido que la "versión del director" de cuatro horas se estrenará próximamente en Apple+. Sin embargo, eso explica parcialmente el problema principal de la película: una trama modular con escenas individualmente interesantes, pero desconectadas entre sí, de modo que nunca sentí la progresión dramática que debería sustentar una buena historia. En otras palabras, Napoleón no se siente como una biografía integral, sino como un anecdotario superficial a pesar de su opulenta producción (sobre todo durante la primera mitad, donde se acumula el drama familiar y la intriga política). Tal vez la "versión del director" encontrará esas conexiones faltantes para restaurar el flujo narrativo y otorgarle a Napoleón el auténtico calificativo de "obra maestra"... pero no me interesa averiguarlo.
Y ahora, con las quejas fuera del camino, puedo dedicarme a elogiar la increíble dirección de Ridley Scott y su gloriosa visión para crear algunas de las mejores secuencias bélicas que he visto en mi vida, no necesariamente por su tamaño (aunque desde luego son monumentales), sino por la impresionante atención al detalle, el impecable lenguaje cinematográfico, y la variedad de técnicas conjugadas para crear auténtico "cinema" a escala épica (del que le gusta a Scorsese). En serio, si alguien quiere ver Napoleón solo por las escenas de batalla, por favor ignoren mis quejas sobre su estructura, y disfruten la película en un cine con gran pantalla y buen sonido (difícil en México, pero les deseo buena suerte). Eso dejará satisfecho a un buen porcentaje del público, y hasta contribuirá al éxito económico de la película, lo cual no tiene nada de malo.
Otro aspecto positivo fueron las actuaciones, algunas mejores que otras, pero todas enfocadas en revelar la esencia de los personajes. Por ejemplo, Vanessa Kirby no me pareció adecuada para interpretar a Joséphine de Beauharnais, la esposa de Napoleón; pero esa misma "incompatibilidad" subraya la diferencia fundamental de temperamento y actitud que hizo tan volátil su relación. También me gustó el trabajo de Tahar Rahim, Rupert Everett y Paul Rhys (entre otros), pues representan divergentes ideologías de un gobierno en franca transición, tratando de superar los vicios de la monarquía, tan solo para caer en otro sistema totalitario basado en los caprichos de un excéntrico líder.
Lo cual nos lleva a Joaquin Phoenix y su compleja versión de Napoleón, feroz guerrero y brillante estratega, pero con limitaciones e inseguridades que hubieran descarrilado la carrera de cualquier político convencional.
Y creo que ese fue el punto de Napoleón... no solo el recuento de sus triunfos militares y la refutación de los clichés históricos (desde su baja estatura hasta el proverbial caballo... una escena que casi me arruinó la película), sino el análisis de un individuo cuyo talento para la guerra lo llevó a esferas de poder donde las cosas ya no podían resolverse con sablazos ni artillería. Si tan solo el guionista David Scarpa (¿y tal vez la editora Claire Simpson?) hubieran forjado enlaces más robustos entre ambas facetas de la película (el lado humano y el militar), creo que Napoleón estaría entre las mejores obras de Ridley Scott. Pero, como dije, tan solo el espectáculo visual y el trabajo de Joaquin Phoenix justifican una sincera recomendación... aunque no fue suficiente para convencerme de ver la versión más larga en video casero. En esas cuatro horas podría ver dos películas de Ridley Scott que me gustan más y me frustran menos.
Calificación: 8.5

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Historias Satánicas (Satanic Hispanics)

Síntomas: Durante un interrogatorio policíaco en la ciudad de El Paso, el sobreviviente de una masacre de inmigrantes relata terroríficas historias sobre algunas de las víctimas.

Diagnóstico: Apenas alcancé a ver Historias Satánicas durante su breve estancia en cines de mi país; y aunque tiene las imperfecciones naturales de cualquier antología, siento que su intención y diversidad merecen la atención de los devotos del Horror decepcionados por la falta de representación latina en nuestro género favorito.
Habiendo dicho eso, veamos si Historias Satánicas funciona como simple película de terror.
La historia envolvente es "El Viajero", dirigida por Mike Méndez (Big Ass Spider!, Don't Kill It): Dos policías (Greg Grunberg y Sonya Eddy, a quien está dedicada la película) interrogan al sobreviviente de una caravana de inmigrantes que intentaba entrar en los Estados Unidos. Entonces el hombre cuenta historias que escuchó de sus compañeros de viaje.
"También Lo Vi", de Demián Rugna (Aterrados, Cuando Acecha la Maldad): El joven Gustavo (Demián Salomón) cree que puede invocar una presencia sobrenatural en la casa de su abuela, y llama al productor de un podcast para que presencie el fenómeno. El mejor segmento de la película, en mi humilde opinión, con la clásica mezcla de drama, sangre y suspenso que caracteriza la obra de este brillante cineasta argentino. Desafortunadamente el final se desinfla y no cumple la promesa del tremendo desarrollo.
"El Vampiro", de Eduardo Sánchez (The Blair Witch Project, Exists): Un anciano (Hemky Madera) aprovecha la noche de Halloween para convivir con la población local... y beber su sangre impunemente, pues nadie sospecha que es un vampiro de verdad. El cortometraje empieza como comedia "meta" sobre los clichés del mito vampírico (particularmente la versión original de Drácula), pero adquiere un sincero núcleo emocional al mostrarnos al humano detrás de los colmillos. Mi única queja es que el humor cruza ocasionalmente la línea de la caricatura.
"Nahuales", de Gigi Saul Guerrero (V/H/S/85, Bingo Hell): Un informante de la CIA (Ari Gallegos) quiere escapar de México antes de que lo encuentren los narcotraficantes que lo persiguen... pero el auténtico peligro no son los sicarios de Catemaco, sino algo más místico y mortal. Me gustó la premisa, la pesadillesca atmósfera, y el provocativo retrato de una intrigante leyenda mexicana. Lo único que faltó fue una historia con principio y final para conectar las virtudes del corto. La visión creativa de Gigi Saúl Guerrero sigue evolucionando, pero aún sufre los problemas narrativos de sus obras previas.
"The Hammer of Zanzibar", de Alejandro Brugués (Juan of the Dead, Nightmare Cinema): Varios jóvenes graban un ritual secreto en Cuba y liberan un demonio que no se detendrá hasta exterminarlos, a menos que obtengan el arma mágica que podría derrotarlo. Otra mediana "comedia de terror" que a veces pierde el equilibrio entre sus contradictorios extremos, aunque la rescata el carisma del reparto que incluye a Jonah Ray Rodrigues (Christmas Bloody Christmas), Jacob Vargas (Beyond Skyline) y Christian Rodrigo.
Y finalmente regresamos a la historia envolvente, donde el misterioso Viajero (Efrén Ramírez) revela al culpable de los asesinatos... y advierte que ocurrirá lo mismo en la estación de Policía, a menos que lo dejen ir. Pero desde luego nadie le cree, hasta que es demasiado tarde. Mike Méndez compensa la lentitud del principio con un contundente final repleto de sangre, violencia, y efectos del legendario Norman Cabrera (Malignant, Scary Stories to Tell in the Dark). Buen remate de una antología con algunos problemas, pero a fin de cuentas recomendable por sus valores intrínsecos, así como por su relevancia cultural. Ojalá tenga suficiente éxito para convertirla en franquicia, pues cada vez hay más directores latinos que merecen exposición internacional. Algunas recomendaciones para la hipotética secuela: Guillermo Amoedo (El Habitante), Adrián García Bogliano (Ahí Va el Diablo) y Michelle Garza Cervera (Huesera).
Calificación: 8

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Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros Cantores y Serpientes (The Hunger Games: The Ballad of Songbirds & Snakes)

Síntomas: Durante el décimo torneo de Los Juegos del Hambre, el joven Coriolanus Snow (Tom Blyth) es elegido como mentor de la "tributo" Lucy Gray Baird (Rachel Zegler), y aprende algunas duras lecciones sobre responsabilidad personal y la corrupción del poder.

Diagnóstico: En verdad lo intenté. A pesar de mi antipatía por The Hunger Games (me refiero a las películas; nunca leí los libros ni me interesa hacerlo, y por lo tanto mi evaluación será exclusivamente sobre la experiencia cinematográfica), hice un genuino esfuerzo por ver Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros Cantores y Serpientes con la mente abierta y sin tratar de compararla con la saga de Katniss Everdeen. Solo una nueva aventura en el distópico mundo de "Panem", donde la represión política y la arrogancia de la élite económica condujo a la sanguinaria competencia entre distritos. Desafortunadamente esa actitud neutral no me ayudó a disfrutar la película.
La trama de Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros Cantores y Serpientes se ubica sesenta años antes de los eventos retratados en The Hunger Games y sus secuelas, y se enfoca en la juventud de Coriolanus Snow (Tom Blyth), el personaje interpretado por Donald Sutherland en aquellas películas.
Sin embargo, al principio de Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros Cantores y Serpientes, Coriolanus es un ambicioso joven que quiere restaurar la gloria de su aristocrática familia, venida a menos desde la muerte de su padre. Entonces Coriolanus es elegido como "mentor" de Lucy Gray Baird (Rachel Zegler), competidora (o "tributo") en Los Juegos del Hambre que se volvió popular por sus canciones de protesta (el metafórico "pájaro cantor" del título). Y, desde luego, durante el entrenamiento Lucy y Coriolanus desarrollan una relación que podría cambiar el futuro de Panem (sigo sin entender si es el futuro de la Tierra, u otro planeta, o un "typo" que la autora Suzanne Collins olvidó corregir).
Pero... ¡un momento! Los Juegos del Hambre solo ocupan la mitad de la película, reservando el resto para más romance, más canciones, y más intriga donde Nada Es Lo Que Parece©, excepto que todo ocurre exactamente como esperamos, desde las "sorpresivas" muertes de personajes secundarios, hasta los "deus ex machina" que el director Francis Lawrence (Red Sparrow, The Hunger Games: Catching Fire) utiliza para generar melodrama sin esforzarse demasiado. Y ahí es donde intervienen las serpientes literales del título. No diré más.
Hablando de serpientes, el reparto joven se siente tan insulso como el libreto; y por el lado de los villanos tenemos desorbitadas actuaciones de Viola Davis como Volumnia Gaul, manipuladora sin escrúpulos; el gran Peter Dinklage como Casca Highbottom, arquitecto de los Juegos del Hambre; y Jason Schwartzman como Lucky Flickerman, el odioso Maestro de Ceremonias. Al menos ellos se divirtieron con esta inexplicable precuela (¿realmente alguien quería conocer el origen del villano?)
Por el lado positivo... podría mencionar los valores técnicos, pero me costó trabajo apreciar los efectos, música y cinematografía en un contexto tan flojo y desangelado. Las películas de The Hunger Games tenían el arma secreta de Jennifer Lawrence; pero Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros Cantores y Serpientes nos obliga a pasar casi tres horas con personajes planos y conflicto sin emoción. Afortunadamente los fans del libro parecen estar contentos con la película, lo cual me alegra. Pero en lo personal creo que hice mi última visita al reino de Panem; prefiero distopias que no me pongan a dormir.
Calificación: 6 (solo por la voz de Rachel Zegler)

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Elevator Game

Síntomas: Después de filmar el "Reto del Elevador" para su canal de YouTube, varios jóvenes sufren los ataques de una entidad paranormal.

Diagnóstico: Sí, yo también estoy cansado de películas sobre "influencers", "follows" y "likes"; sin embargo, Elevator Game fue dirigida por Rebekah McKendry, cuya considerable experiencia en el lado "intelectual" del Horror (escribió para Fangoria, contribuyó a múltiples podcasts, y da clases de cine en la Universidad del Sur de California, por no mencionar que dirigió Glorious y All the Creatures Were Stirring) me hizo pensar que encontraría un ángulo original en la vieja receta de "jóvenes perseguidos por un fantasma vengativo (o demonio, o leyenda urbana, o lo que sea)". Desafortunadamente Elevator Game degenera en los mismos clichés de siempre, y no sabe aprovechar su intrigante premisa.
El epónimo "juego del elevador" es uno de esos "retos" tan populares en las redes sociales, y consiste en subirse a un elevador, oprimir los botones en una secuencia específica, y esperar que aparezca un espectro en el quinto piso. Entonces varios jóvenes filman el reto para su canal de YouTube, pero no siguen las reglas... y la entidad empieza a perseguirlos.
Lo mejor de Elevator Game fue el prólogo, donde vemos a una joven realizar el reto con trágicas consecuencias. Es prácticamente un cortometraje por sí mismo, repleto de suspenso, atmósfera y momentos escalofriantes. Lamentablemente Elevator Game nunca recobra esa intensidad durante su torpe desarrollo, enfocado en los miembros del equipo "Nightmare on Dare Street", y los genéricos conflictos que ocupan el tiempo entre manifestaciones sobrenaturales.
Por el lado positivo, me gustó la mecánica del "reto" y las siniestras posibilidades del elevador maldito, un concepto relativamente común en el cine de terror, pero replanteado por McKendry en un contexto que podríamos describir como "lovecraftiano". Más allá del fantasma vengativo, el elevador es un portal hacia otras dimensiones, lo cual restauró parcialmente mi atención y enriqueció la narrativa durante la segunda mitad de la película. Y cuando añadimos algunas muertes sangrientas y revelaciones sorpresivas (obviamente hay una tragedia del pasado conectada con los horrores del presente), tenemos como resultado una película indudablemente mediocre, pero nunca aburrida, y con sólidos valores en todos los aspectos de su producción, desde la excelente cinematografía nocturna, hasta los esporádicos efectos especiales.
Lo mejor que puedo decir sobre Elevator Game es que Rebekah McKendry sigue evolucionando como directora, y se nota la expansión de su visión creativa conforme explora historias más complejas y ambiciosas. Sin embargo (igual que ocurre con muchos cineastas "indie"), su punto débil está en los libretos, y en la dificultad de mantener el balance entre horror, emoción y drama. Ese es el auténtico "reto" que deberían resolver los directores modernos, en vez de copiar las efímeras modas de las redes sociales para atraer al público joven. O tal vez me estoy aferrando a un medio obsoleto que pronto será reemplazado por videos verticales de quince segundos. En fin, ya será un problema para la siguiente generación.
Calificación: 6

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Scooby Doo! and Krypto, Too!

Síntomas: La Liga de la Justicia desapareció; los villanos de Metrópolis están destruyendo la ciudad; y un fantasma se apoderó del Salón de la Justicia. Afortunadamente Jimmy Olsen (voz de James Arnold Taylor) conoce a los jóvenes de Mystery, Inc., y les pide ayuda para resolver el misterio.

Diagnóstico: La franquicia de Scooby Doo se adaptó a las mareas culturales del siglo veintiuno con una serie de "crossovers" incongruentes en papel (Batman, Kiss, Elvira), pero divertidos en ejecución, gracias a que respetaron la esencia de sus respectivos Universos y ofrecieron algo nuevo el público multi-generacional. O tal vez estoy imaginando motivos artísticos detrás de la avaricia corporativa del estudio Warner Bros., poseedor de tantas "propiedades intelectuales" que no sabía qué hacer con ellas, y por eso decidió combinar ingredientes como un chef psicópata, para ver cuáles recetas funcionan y cuáles envenenan a sus comensales. O algo así. El punto es que Scooby Doo! and Krypto, Too! me pareció una sólida idea que combina a los perros más famosos de sus respectivas mitologías. Desafortunadamente el resultado no cumplió su potencial por culpa de un libreto que no encontró suficientes conexiones entre los misterios de Mystery, Inc. y las aventuras de la Liga de la Justicia.
Dentro de lo bueno mencionaría la excusa para llevar a Scooby Doo (voz de Frank Welker), Shaggy (voz de Matthew Lillard), Fred (voz de Fred Welker), Daphne (voz de Grey Griffin), y Velma (voz de Kate Micucci) a la ciudad de Metrópolis, donde la reportera Lois Lane (voz de Tara Strong) y el fotógrafo Jimmy Olsen (voz de James Arnold Taylor) investigan la desaparición de la Liga de la Justicia, así como el fantasma que tomó posesión del Salón de la Justicia. Y, por suerte, la pandilla recibirá ayuda del súper-perro Krypto, quien fue testigo de los extraños eventos.
La interacción de los personajes es simpática y "realista" dentro de su inherente ridiculez. Este grupo de actores lleva años interpretando a los miembros de Mystery, Inc. (algunos más que otros... ¡Frank Welker empezó hace más de cincuenta años!), y saben expresar las emociones que la animación no siempre logra transmitir (por ejemplo, los celos que surgen entre Fred y Daphne por la presencia de un antiguo novio). Las voces invitadas también hacen un buen trabajo, destacando Charles Halford como un villano con buenos momentos cómicos por su desdén hacia los jóvenes entrometidos que interfieren con sus planes... aunque eventualmente descubrirá que no son tan ineptos como parecen.
Por el lado negativo... esta vez los apócrifos "fantasmas", las persecuciones por la "casa embrujada" (el Salón de la Justicia), y las previsibles explicaciones (sí, otra vez hologramas) se sienten fuera de lugar en el contexto de DC Comics. Tampoco ayuda que el argumento de Scooby Doo! and Krypto, Too! se parezca tanto al de DC League of Super-Pets, la cual me gustó más. Y cuando la directora Cecilia Aranovich Hamilton (egresada de la aclamada serie Harley Quinn) remata el tercer acto con una pelea de robots gigantes, ya no se siente como una película de Scooby Doo, sino como un viejo episodio de Super Friends escrito bajo la influencia de alguna droga setentera.
Lo cual, para ser honestos, no es tan malo como suena; sólo menos ingenioso que las colaboraciones mencionadas al principio. Habiendo dicho eso, espero que Scooby Doo! and Krypto, Too! sea un tropiezo temporal, y que la pandilla de Mystery, Inc. regrese pronto con más exóticos "crossovers" (dentro del inmenso catálogo de Warner Bros.) para construir puentes entre "fandoms" aparentemente incompatibles. Sugerencia del día: Scooby Doo en el universo de Veronica Mars. No habrá fantasmas en el pueblo de Neptune, pero abundan los esqueletos en el closet.
Calificación: 6.5

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The Killer

Síntomas: Después de fallar en su más reciente misión, el Asesino (Michael Fassbender) deberá utilizar todo su ingenio para neutralizar a los individuos enviados por sus jefes para corregir el error.

Diagnóstico: Así es, uno de los más populares argumentos del cine B, pero realizado con la visión artística y pericia técnica de David Fincher, por no mencionar los amplios bolsillos de Netflix para garantizar la máxima calidad posible en todos los aspectos de la producción, desde la cinematografía de Erik Messerschmidt, hasta la truculenta música de Trent Reznor y Atticus Ross. Ah, y también están las canciones de The Smiths que el Asesino (Michael Fassbender) escucha constantemente para "relajarse" mientras trata de sobrevivir las consecuencias de su error (y no solo utilizaron grandes éxitos como How Soon is Now o Girlfriend in a Coma, sino que revivieron "deep cuts" que jamás esperé escuchar en un proyecto de alto perfil; tan solo con lo que gastó Netflix en la banda sonora, podrían haber financiado diez películas de "asesino en fuga" dirigidas por Jesse V. Johnson o John Hyams).
A pesar de esos antecedentes, conviene aclarar que The Killer (sin relación alguna con la clásica de John Woo) no es realmente una película de acción, sino un thriller analítico y cerebral enfocado en la metodología del Asesino, basada en estrictas reglas que le ayudaron a ganar excelente reputación en el mundo criminal (o algo así... la película no es muy clara sobre la organización que lo controla, pero claramente existe un código de conducta y "garantías" para proteger a los clientes que contratan sus servicios). Esto significa que hay poca violencia en The Killer, pero Fincher la compensa con virtuosos niveles de tensión y un hipnótico estilo visual integrado por colores fríos y encuadres precisos que reflejan el temperamento del Asesino.
Y, desde luego, la alquimia cinemática no funcionaría sin el otro ingrediente de la poción: la extraordinaria actuación de Michael Fassbender, casi muda pero enormemente expresiva gracias a su talento para transmitir emociones sin mover un músculo. En otras palabras, no hay que esperar una copia de John Wick, sino algo más cercano a "David", el cínico androide de Prometheus... pero con menos sarcasmo.
De hecho, mi única queja sobre The Killer sería el pretencioso "voice over" que nos acompaña de principio a fin. La película está basada en un comic (de Matz y Luc Jacamon), un medio donde la narración es indispensable para "llenar los huecos" y compartir el pensamiento de los personajes. Sin embargo Fassbender es tan bueno en su oficio que la narración me pareció una distracción redundante que rara vez contribuye al significado de las escenas. Cuando mucho la hubieran usado para enumerar las reglas del Asesino, y para reiterarlas cuando fuera necesario para justificar su conducta. Por lo demás, el rostro y lenguaje corporal del actor se encargan de decirnos lo que necesitamos saber sobre el personaje. Incluso diría que los mejores momentos de The Killer (en mi humilde opinión) son aquellos donde alguien más está hablando (por ejemplo Tilda Swinton, Charles Parnell, o Gabriel Polanco), y Fassbender simplemente escucha, evaluando la situación y calculando su siguiente paso.
Fuera de eso, The Killer me gustó mucho y podría estar entre mis favoritas de David Fincher, no solo por elevar una clásica premisa de las B-Movies, sino porque se presenta como simple entretenimiento de impecable manufactura, sin expectativas de gloria ni ambiciones comerciales. Probablemente nadie ganará Óscares por The Killer... pero no me había divertido tanto con una obra de Fincher desde Alien³. Y además aquí el perrito sobrevive.
Calificación: 9

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The Marvels

Síntomas: Carol Danvers (Brie Larson) cumplió su promesa de destruir la Inteligencia Suprema que controlaba la sociedad Kree; pero sus buenas intenciones tuvieron consecuencias inesperadas que ahora deberá enfrentar con ayuda de sus nuevas aliadas, Monica Rambeau (Teyonah Parris) y Kamala Khan (Iman Vellani), más conocida como Ms. Marvel.

Diagnóstico: No lo voy a negar: las películas de Marvel decayeron considerablemente desde el gran final de la Fase III (la conclusión de Infinity Gauntlet).
Supongo que era natural esperar un descenso en calidad después de quince años y treinta y tres películas (!). La mitología se complicó demasiado, los personajes perdieron definición, y la consolidación del Universo terminó volviéndolo monótono, no solo en el aspecto visual (la "fatiga digital" de incontables batallas intercambiables), sino por el tono blando y genérico de la narrativa, dictado por sinergia corporativa que sofocaba cualquier amago de visión personal (con algunas excepciones). Y, bueno, mejor ni hablar del mediocre sub-universo televisivo, que solo enredó más la continuidad y desperdició recursos en apáticas expansiones de personajes menores (con algunas excepciones) (cada quién elija su propia "excepción").
Y ahora, después de un merecido descanso, se estrena The Marvels, la secuela de Captain Marvel. ¿Ofrecerá una mejoría, o será otro clavo en la tumba del otrora infalible estudio?
Me inclino por lo primero, pero el tiempo dirá si fue lo segundo.
Para bien o para mal, todos los problemas antes mencionados siguen presentes en The Marvels. Sin embargo hay algo en su tono, en su sentido del humor, en su eficiente ejecución, que me inspiró esperanzas por el futuro de la franquicia. Y creo que podría atribuirlo a la excelente química del reparto, y a la dirección de Nia DaCosta (Candyman), quien maneja con igual soltura los aspectos dramáticos de la historia y el espectáculo súper-heroico, con un saludable aderezo humorístico para recordarnos que no debemos tomar muy en serio la película.
La trama... no voy a perder tiempo en repetirla, pero me pareció lógica y bien estructurada para cubrir los múltiples requerimientos de una película de Marvel: un poco de conflicto (las protagonistas tienen inseguridades y temores que obstaculizan su misión); valiosas lecciones de vida (hasta Nick Fury aprende algo nuevo); y sub-tramas que amplifican el melodrama y preparan el camino para futuras secuelas (por cierto, me gustaron mucho las dos escenas post-créditos, justamente por la promesa de nuevos rincones de Marvel que podrían sacudir el polvo de la complacencia y la repetición).
No diría que las actuaciones son "buenas", pero expresan con elocuencia las emociones que motivan al trío de "maravillas": Carol Danvers (Brie Larson) aprendió mucho como defensora interplanetaria, pero aún puede cometer errores que la hacen dudar de su habilidad y sentido común. Monica Rambeau (Teyonah Parris) guarda resentimiento contra Danvers por su ausencia en difíciles momentos de su vida (algunos de los cuales se mostraron en la serie WandaVision); y Kamala Khan (Iman Vellani) es una clásica "fangirl" tratando de contener su entusiasmo y comportarse a la altura de la situación. La interacción de las actrices genera los mejores momentos de The Marvels, y fue lo que permaneció en mi memoria al terminar la película. Como siempre, las batallas cósmicas y los efectos especiales son entretenidos, pero ya los vimos muchas veces como para inspirar auténtica emoción.
Pensándolo bien, The Marvels me gustó por los personajes y el humor (hay una referencia musical a una de las peores películas del mundo que me arrancó una genuina carcajada); pero lo mejor fue que se atrevió a intentar cosas nuevas, rompiendo las reglas para encontrar su voz. Y aunque no todas las tangentes funcionan (como la secuencia estilo Bollywood), al menos anuncian una nueva actitud que podría extender la longevidad de la saga y restaurar la fe de los fans (como yo). En resumen: dudo mucho que regresemos a la "Era Dorada" de Winter Soldier e Infinity War; pero aún hay oportunidad para salvar a Marvel del estancamiento creativo. O también podemos olvidar todo el asunto, y esperar veinte años para los re-makes.
Calificación: 8

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