Pearl

Síntomas: En 1918, la joven Pearl (Mia Goth) sueña con la fama y el glamour de Hollywood; pero la realidad es muy distinta en la granja donde vive con su estricta madre y su padre discapacitado.

Diagnóstico: Fue una estrategia arriesgada pero exitosa: mientras filmaba la película X, el director Ti West preparó una precuela para explicar el origen de uno de sus personajes principales. Y ahora, seis meses después, podemos ver Pearl, un perturbador thriller psicológico que complementa los temas de X, pero con una estética completamente distinta, evocando la Era Dorada de Hollywood que inspiró a la protagonista para encontrar su propio destino. Es como The Wizard of Oz con gusanos y sangre.
En 1918 el mundo atraviesa la doble crisis de la Primera Guerra Mundial y la pandemia de "Influenza Española". Y, en un pequeño pueblo de Texas, la joven Pearl sufre el tormento personal de una situación doméstica que le impide seguir sus aspiraciones artísticas. Entonces Pearl se entera de que la iglesia local está buscando bailarinas para una gira nacional, y reconoce la oportunidad que estaba buscando. Pero no será fácil convencer a sus padres con todas las obligaciones que tiene en casa.
La original X me pareció una excepcional cinta slasher con una brillante fusión de sangre y comentario social. Sin embargo Pearl se aleja de esa formula (al menos al principio) para presentar un drama rural con una etérea atmósfera que rinde tributo (o tal vez satiriza) el glamour de Hollywood. West y su cinematógrafo Eliot Rockett capturan vívidos paisajes "rockwellianos" que contrastan con la textura granulosa y deslavada de X... lo cual resulta apropiado, pues son películas muy diferentes a pesar de estar conectadas por un trauma común. Fue una apuesta arriesgada que funciona gracias a la extraordinaria actuación de Mia Goth en el papel de Pearl, un complejo personaje meticulosamente desarrollado con impecable realismo técnico y emocional. Independientemente del período histórico y ubicación geográfica, la experiencia de Pearl es universal. Sus acciones podrán ser terribles, pero entendemos perfectamente su motivación.
Por el lado negativo, siento que no hay suficiente historia para justificar la existencia de Pearl como largometraje. El libreto (co-escrito por West y Goth) se alarga demasiado con digresiones y reincidencias de las mismas ideas. Además, la historia se detiene en 1918, dejando un hueco de sesenta años entre el final de Pearl y el principio de X. ¿Estará planeando West más precuelas? ¿O simplemente asumió que la "historia de origen" resuelve todas las incógnitas de la cinta original? Como sea, la actuación de Mia Goth es razón suficiente para recomendar Pearl, advirtiendo que la trama es un poco lenta, y tarda mucho en llegar al horror. Pero cuando llega es más impactante que cualquier "slasher" común porque presenciamos el dolor, impotencia y frustración que condujeron a la violencia. En resumen: las zapatillas de Dorothy eran rojas por la sangre derramada.
Calificación: 8

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The Lair

Síntomas: Un avión de la Fuerza Aérea Británica es derribado en Afganistán, y la piloto Kate Sinclair (Charlotte Kirk) se refugia en un viejo bunker donde el ejército ruso condujo experimentos genéticos en los ochentas... y descubre que algunos de esos experimentos siguen vivos.

Diagnóstico: The Lair no es una gran película, pero bastó para confirmar que el talento del director Neil Marshall sigue vivo... aunque un poco diluido. Hace un par de años la cinta The Reckoning me decepcionó por su apatía y genérico estilo, muy distinto de la exuberante visión que identificó las previas películas de Marshall (como Dog Soldiers y The Descent). Y ahora The Lair restaura (parcialmente) aquel vigor e intensidad con una "creature feature" un poco ridícula, pero con suficiente sangre, acción y personalidad para pasar una entretenida velada de horror "a la antigua".
De hecho, me atrevería a decir que los elementos más extremos de The Lair constituyen un homenaje a las imitaciones de Alien que prosperaron en el cine "directo a video" de los noventas, con uno o varios monstruos persiguiendo a sus víctimas en alguna remota locación.
Esta vez el escenario del horror son las montañas de Afganistán, donde la Teniente Kate Sinclair (Charlotte Kirk) escapa de las tropas insurgentes que derribaron su avión. El único escondite viable es un antiguo bunker que se remonta a la ocupación rusa de aquel país; pero su interior oculta horribles experimentos genéticos que esperan la oportunidad de escapar y consumir a la humanidad (o algo así). Eventualmente la acción se traslada a un campamento militar con más víctimas, más armas, y más conflictos entre soldados con opiniones opuestas sobre la situación.
Y ahí fue donde empezaron mis quejas.
Las actuaciones de The Lair recorren la gama entre "aceptables" y "terribles". Supongo que Marshall quería satirizar el cliché del soldado norteamericano rudo y arrogante, como contraste de los soldados británicos más estoicos y disciplinados. Pero incluso con intención  humorística, hay actuaciones tan malas que rompen el flujo de la historia y apagan la tensión que deberíamos sentir durante un buen thriller de acción.
Pasando a "lo bueno", me gustó el origen y diseño de las criaturas (me recordaron al asesino de Split Second), aunque sus "poderes" y conducta son bastante inconsistentes. A veces matan a los soldados; a veces los capturan. A veces los monstruos son invencibles, y a veces pueden derrotarse con un sartén de cocina (literalmente). Pero, bueno... como dije, todo es parte del espíritu de las B-Movies noventeras que inspiraron a Marshall, y en esos términos The Lair cumple su modesto propósito de divertir al público sin preocuparse demasiado por los detalles del horror. Además, no puedo ignorar el excelente "easter egg" del nombre de la protagonista ("Sinclair"), el cual sugiere una conexión con la protagonista de Doomsday, mi película favorita de Neil Marshall. La cronología no es muy clara, pero me encanta la idea de que pertenezcan al mismo universo. Y no me sorprendería que ambas fueran descendientes de la cazadora celta de Centurion. Solo eso le falta a Neil Marshall: una buena película sobre viaje en el tiempo.
Calificación: 7

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Deadstream

Síntomas: El "influencer" Shawn Ruddy (Joseph Winter) se dispone a pasar la noche en una casa embrujada para atraer más seguidores a su canal de YouTube. Entonces descubre que no está solo, y la situación se complica.

Diagnóstico: Sí, Deadstream repite la premisa de incontables películas de "found footage", y además llega muy tarde a la moda de "influencers en casa embrujada". Sin embargo, Deadstream confirma que hasta la más rancia fórmula puede producir excelentes resultados cuando sus creadores se preocupan por llegar más allá del cliché.
No estoy negando las fallas de esta modesta producción independiente; pero los directores (y productores, escritores, editores, compositores, etc.) Joseph y Vanessa Winter pusieron admirable esmero en cada detalle de la película, empezando por el carácter del popular "youtuber" que quiere hacer algo especial en su regreso al Internet, después de haber sido "cancelado" por una broma inapropiada. En vez de los odiosos "milenios" que encontramos casi siempre en este sub-género, Joseph Winters interpreta un individuo simpático, expresivo y sincero, con el toque justo de narcisismo para justificar su vocación, pero sin sacrificar perspectiva y sentido común. Esa candidez sirve como perfecto balance del suspenso, convirtiendo a Deadstream en una de las mejores "comedias de terror" del año... aunque, a decir verdad, tampoco ha habido mucha competencia en ese nicho particular.
Deadstream comienza con un promocional de la serie "Wrath of Shawn" donde Shawn Ruddy (Joseph Winters) graba "videos extremos" de actividades peligrosas, con el propósito de vencer sus numerosos temores (por ejemplo, escapar de la policía, o cruzar ilegalmente la frontera con México). Y ahora, después de una ausencia forzada, Shawn anuncia que pasará la noche en la "Casa de la Muerte", una desvencijada mansión en mitad del bosque con un largo historial de muertes inexplicables y actividad paranormal.
Otro acierto de la cinta fue utilizar tecnología real para grabar las peripecias de Shawn desde múltiples ángulos a pesar de que nadie lo acompaña. En vez de de un genérico "teléfono en mano", Shawn tiene cámaras montadas en su persona para capturar su rostro y su punto de vista; y puede editar en tiempo real por medio de un acelerómetro de pulsera, lo cual me pareció absolutamente brillante. También instala cámaras GoPro© en puntos estratégicos de la casa, y las monitorea con una tableta que también le permite interactuar con sus fans. Las conversaciones de Shawn con su audiencia son muy divertidas, y ofrecen la excusa ideal para añadir información conforme se complica la velada... o para pedir ayuda, en caso de peligro. Y, bueno, sobra decir que la aventura nocturna de Shawn podría revivir su carrera, o terminar su vida.
A pesar del humor y exageraciones satíricas (estoy casi seguro de que los directores se inspiraron en los "streams" de PaymoneyWubby en Twitch), Deadstream tiene abundante suspenso y momentos de terror que funcionan bastante bien a pesar de sus cuestionables efectos especiales y agujeros lógicos. En resumen, Deadstream me pareció un recomendable ejemplo de lo que aún puede lograrse con el "found footage" sin necesidad de re-inventarlo... y sin cometer el error de tomarlo muy en serio.
Calificación: 8

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Hellraiser

Síntomas: Riley McKendry (Odessa A'zion) y su novio Trevor (Drew Starkey) roban una misteriosa reliquia que los pone en contacto con entidades infernales en busca de almas para torturar, o algo así.

Diagnóstico: Voy a empezar con una blasfemia: después de ver el nuevo reboot Hellraiser (2022), creo que me gustó más Hellraiser: Judgement (2018), la última secuela de la saga original. Claro, en términos prácticos Judgement fue una mediocre película con todas las fallas del horror independiente (actuaciones irregulares, bajo presupuesto, ritmo errático, etc.); pero el libreto ofreció interesantes ideas para extender la mitología en nuevas direcciones que no dependían exclusivamente de "Pinhead" (el personaje interpretado originalmente por Doug Bradley), sino de la exploración de la burocracia infernal, su gradual incursión de la esfera humana, y el frágil balance entre el Bien y el Mal en una sociedad hambrienta de excesos carnales. Nada mal para la décima parte de una saga en peligro de extinción.
Bueno, pues para bien o para mal, alguien decidió "cortar por lo sano" (no muy sano) y reiniciar la historia con ayuda de un talentoso director y suficiente dinero para crear impresionantes secuencias de sangre y horror que superan todo lo realizado en la serie original... al menos desde el punto de vista técnico. Desafortunadamente ahí terminan los aciertos de Hellraiser, y comienza el desfile de malas decisiones que transformaron uno de los más creativos universos del Horror en otro refrito de drama familiar y demonios vengativos. En resumen: lo mismo de siempre, pero con clavos en la cabeza.
Para empezar, Hellraiser (2022) eliminó el subtexto psico-sexual de Hellraiser (1987) y reemplazó sus temas de obsesión y hedonismo por una cansada sub-trama de adicción. La joven Riley McKendry (Odessa A'zion) no ha logrado controlar su drogadicción, y pelea constantemente con su hermano Matt (Brandon Flynn). Entonces, para escapar la tensa situación doméstica, Riley participa en el robo de una bodega perteneciente al millonario Roland Voight (Goran Visnjic)... pero lo único que encuentra es una pequeña caja-acertijo. Y cuando Riley juega con la caja, provoca una tragedia que solo podrá reparar haciendo un trato con la malévola entidad (Jamie Clayton) que le exige más víctimas para cumplir su deseo. Eventualmente Riley se infiltra en la mansión de Voight, y Hellraiser adopta un clásico escenario de "casa embrujada", donde Riley y sus amigos recorren los pasillos de una mansión abandonada mientras tratan de evadir a los "cenobitas" que los persiguen.
El problema más grande de Hellraiser no es esa estructura de cajón, sino la falta de coherencia entre concepto y ejecución. La motivación de Riley no podría ser más genérica. La actuación de Odessa A'zion es buena, pero los personajes son tan antipáticos que cuesta trabajo compartir su desesperación; y los "cenobitas" nunca duplican la majestuosa autoridad de Doug Bradley, quedando como arbitrarios villanos en vez de representar la siniestra clerecía del Infierno mismo. En lo que respecta al "drama", el libreto de Ben Collins y Luke Piotrowski (basados en ideas de David S. Goyer, lo cual explica muchas cosas) vaga sin rumbo durante dos horas, inventando nuevas reglas cuando necesita crear obstáculos, y luego rompiéndolas cuando no sabe resolverlos. El resultado es una cinta difusa y aburrida, a pesar de los esfuerzos del director David Bruckner (The Night House, The Ritual) por crear secuencias de grotesco surrealismo (como los virtuosos minutos finales) que no bastaron para compensar los clichés.
Habiendo dicho eso, es posible que la riqueza visual y el excelso "gore" dejen satisfechos a algunos fans, lo cual no tiene nada de malo. Pero personalmente sentí una gran decepción con esta flojísima reinterpretación de una de mis películas de horror favoritas, sobre todo considerando el calibre del director, y el despliegue de tecnología utilizada para dar vida a los horrores del más allá. Veremos si Hellraiser inicia otra procesión de secuelas directas a video... o si alguna vez se cumple mi pesadilla sueño de ver una fiel adaptación de la novela de Clive Barker "The Scarlet Gospels", la genuina continuación de la historia original. Si tuviera la caja de LeMarchand tal vez podría hacer un trato con alguien para cumplir ese anhelo.
Calificación: 7 (solo por los efectos)

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V/H/S/99

Síntomas: Un viejo cassette VHS contiene videos caseros de eventos terroríficos o inexplicables.

Diagnóstico: Por un lado, me gusta la idea de una nueva película V/H/S cada año para festejar la temporada de Halloween. Por otro lado... si V/H/S/99 representa la calidad que tendrían esas entregas anuales, quizás sea mejor dejar intervalos más amplios entre secuelas (apenas pasó un año desde V/H/S/94) para reponer su energía y recuperar la creatividad de antaño.
Habiendo dicho eso, V/H/S/99 tampoco es un fracaso absoluto, pues incluye suficiente violencia, sangre y suspenso para pasar dos horas razonablemente entretenidas en este "mes del horror"; pero no podemos ignorar la sensación de conformismo que diluye la experiencia.
Esta vez la "historia envolvente" es muy simple: una animación en "stop motion" con soldados de juguete ocupa el cassette VHS donde se grabaron videos caseros de eventos paranormales. Los eventos son:
"Shredding", dirigido por Maggie Levin: La banda de rock R.A.C.K. se infiltra al auditorio abandonado donde murió una banda punk en un incendio, con el propósito de recrear el concierto para su canal de YouTube... y desde luego descubren que no están solos. No hay mucha innovación en la trama, pero ofrece el mejor "gore" de la colección, junto con un par de escenas perturbadoras que me recordaron los finales irónicos de EC Comics.
"Suicide Bid", dirigido por Johannes Roberts (Resident Evil: Welcome to Raccoon City): Una joven es sepultada en un ataúd como rito de iniciación de una fraternidad universitaria, y las cosas no salen como espera. El segmento tiene buenas actuaciones, el mejor suspenso de la película (lo cual, francamente, no es decir mucho), y sólidos efectos de maquillaje; pero desde aquí notamos la falta de esfuerzo por llegar más allá del sobresalto obvio.
"Ozzy's Dungeon", dirigido por Flying Lotus: Un programa de concurso infantil termina en tragedia para uno de los competidores... y también para el anfitrión del programa. El cortometraje empieza como parodia de aquellos concursos televisivos donde los niños se sumergían en jalea verde (o similares fluidos asquerosos); desafortunadamente el humor y la lógica se esfuman cuando se transforma en un relato de venganza, indudablemente grotesco, pero demasiado flojo para respaldar su impacto visceral.
"Gawkers", dirigido por Tyler MacIntyre (Tragedy Girls): Varios adolescentes espían a su guapa vecina, y descubren que no es lo que parece. Empieza bien, pero la historia es tan predecible que no ofrece sorpresa alguna, y los horribles efectos digitales solo empeoran el gran "twist". El peor segmento de la antología, en mi humilde opinión.
"To Hell and Back", dirigido por Joseph y Vanessa Winter: Un ritual satánico en la víspera del año 2000 tiene inesperadas consecuencias para los videógrafos que lo filman. Sólido concepto arruinado por una mediocre ejecución. La historia necesitaba una escala épica para capturar el horror de la situación; pero al menos compensa sus fallas con un poco de humor y pesadillescas criaturas.
En el contexto de la franquicia diría que V/H/S/99 se encuentra en la parte baja de la escala; sin embargo, comparándola con otras antologías de terror independientes, podemos ver que no es intrínsecamente mala... solo menos pulida que sus predecesoras. Además, en el plano narrativo, es una de las que mejor capturan su momento histórico, con todas las ridiculeces y caprichos que identificaron el final de los noventas. Incluso diría que hubiera funcionado mejor como comedia.
Calificación: 6.5

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Black Adam

Síntomas: Una organización criminal llamada Intergang ocupó la región de Kahndaq para buscar una reliquia de inmenso poder. Entonces la arqueóloga Adrianna Tomaz (Sarah Shahi) revive al legendario guardián Teth-Adam (Dwayne Johnson) para liberar a su pueblo... pero los brutales métodos de Adam podría representar un peligro mayor para la Humanidad.

Diagnóstico: Para bien o para mal, Black Adam es una de las películas de DC Comics con mayor influencia de Marvel. El humor, los personajes, el subtexto emocional... no es una mala imitación, e incluso diría que le sienta bien a la historia y al actor que la interpreta. Gracias a esta "marvelización", el director Jaume Collet-Serra (Jungle Cruise, The Shallows) y el actor Dwayne Johnson (Star Trek: Voyager) tienen un lienzo más amplio y flexible para jugar con la densa mitología de Black Adam sin sacrificar el simple placer de una aventura heroica, al mismo tiempo que incorporan temas "serios" (desde el intervencionismo colonial hasta la moralidad del vigilantismo) para simular conciencia social detrás del ruido y explosiones que ocupan la mayor parte de la cinta. En resumen: una eficiente combinación del rimbombante "Snyderverso" con la exitosa fórmula de Marvel, creando una experiencia divertida, frecuentemente absurda, y con potencial para redimir a Warner Bros. de sus errores pasados.
En este punto conviene aclarar que no soy fan de Black Adam, ni seguí sus aventuras en los comics, excepto cuando participaba en "crossovers" o "team-ups". Esto me permitió ver Black Adam libre de nostalgia y expectativas, y el resultado fue mejor de lo que esperaba. El origen divino de Teth-Adam (Dwayne Johnson), la cultura del Medio Oriente, y la volátil situación política de Kahndaq ofrecen un cambio significativo del anglo-centrismo predominante en el cine de super-héroes, y quizás anuncian el siguiente paso en la evolución del género (no he olvidado la posibilidad de un "crossover" con los comics de Indonesia).
Dwayne Johnson no necesita desviarse de sus rutinas habituales para interpretar a Teth-Adam. Su carisma y sentido del humor se encargan de humanizar a un poderoso semi-dios; y el libreto añade disyuntivas morales que lo obligan a cuestionar sus métodos. El reto no es ganar las peleas, sino luchar por la causa correcta.
Lo cual nos lleva a la parte negativa de Black Adam: los personajes secundarios. La arqueóloga Adrianna Tomaz (Sarah Shahi) y su familia aportan la conexión humana, pero los encontré irritantes, y en ocasiones nocivos para la estructura narrativa. ¿Cuántas veces hay que rescatar al niño de su propia estupidez? ¿Cuántas vidas se perdieron tratando de salvar a un solo individuo que ni siquiera es esencial para la trama? Y también aparecen otros héroes de DC Comics que no mencionaré, aunque parecen una versión diluida de X-Men (incluso tienen un avión que sale de un hangar subterráneo). Mi favorito fue Doctor Strange Fate, interpretado por Pierce Brosnan; pero hubiera preferido que lo reservaran para Justice League Dark o The Books of Magic (suponiendo que alguna vez realicen esas películas).
Entonces, yo ubicaría Black Adam al mismo nivel que Aquaman y Shazam!... no muy buena, no muy mala, pero recomendable por valores propios, y como sólida adición a un Universo que tardó demasiado en encontrar su camino. Ni hablar; no todos pueden tener su propio K.E.V.I.N.
Calificación: 7.5

IMDb

Mona Lisa and the Blood Moon

Síntomas: La joven Mona Lisa Lee (Jeon Jong-seo) escapa de un hospital psiquiátrico y recorre las calles de Nueva Orleans, donde distintos individuos quieren abusar de ella, o ayudarla, o explotar sus misteriosos poderes para su propio beneficio.

Diagnóstico: En el año 2015 la directora anglo-iraní Ana Lily Amirpour llamó la atención del público internacional con A Girl Walks Home Alone at Night, una melancólica fusión de drama y horror donde una joven con poderes vampíricos recorre las calles de Irán encontrando prejuicios, violencia y crueldad. Y ahora Amirpour regresa a sus raíces (después del noble fracaso de The Bad Batch) con una premisa similar, pero ubicada en la ciudad de Nueva Orleans, cuyos contrastes económicos y diversidad cultural presentan grandes retos para una mujer ingenua (pero muy peligrosa) en busca de una nueva vida. O algo así. Amirpour deja muchas preguntas sin respuesta porque lo importante de Mona Lisa and the Blood Moon no son los misteriosos poderes de la protagonista ni su "historia de origen", sino las reacciones de la gente normal ante lo desconocido.
En el papel principal, Jeon Jong-seo (Burning) interpreta a Mona Lisa con artera pasividad, observando las complejidades del mundo real después de una larga estancia en una institución psiquiátrica. De este modo Mona Lisa se convierte en un espejo de la Humanidad, reflejando sus vicios y virtudes con perturbadora claridad; y al mismo tiempo actúa como catalizador de intensas emociones, despertando codicia, altruismo, u oportunidades para mejorar las vidas de las personas que encuentra (aunque dichas "mejorías" no sean estrictamente legales). Pero, eso sí, Mona Lisa reconoce el peligro y sabe defenderse, tomando por sorpresa a quienes la consideran indefensa.
En papeles secundarios tenemos a Kate Hudson como Bonnie, una mujer que podría ayudar a Mona Lisa, o utilizarla para sus propios fines; Craig Robinson es un policía obsesionado con arrestar a la fugitiva, no tanto porque sea su deber, sino porque quiere entender los extraños eventos de su primer encuentro; Evan Whitten es Charlie, un niño que comprende a Mona Lisa porque comparten los mismos temores e inseguridades; y Ed Skrein interpreta a Fuzz, un "dealer" que ve a la joven como presa fácil... o como algo más valioso.
Es difícil encasillar las películas de Ana Lily Amirpour en nichos comerciales específicos. Mona Lisa and the Blood Moon incluye suspenso, drama y fantasía; pero su valor principal consiste en explorar la abrumadora pluralidad del comportamiento humano, así como la incómoda realidad de que el Bien y el Mal existe por igual dentro de cada persona, y nunca conocemos las circunstancias que podrían llevarnos por uno u otro camino. Para algunos será una historia de horror, y para otros de esperanza. O tal vez es un gran chiste a costa de nuestra hipocresía moral.
Calificación: 8

IMDb

Batman and Superman: Battle of the Super Sons

Síntomas: El joven Jonathan Kent (voz de Jack Dylan Grazer) vive con sus padres Lois Lane (voz de Laura Bailey) y Clark Kent (voz de Travis Willingham) en su granja de Kansas, sin conocer la verdad sobre su legado genético; pero cuando empiezan a manifestarse los poderes de Jonathan, su vida se complica, y el único que puede ayudarlo es Damian (voz de Jack Griffo), el hijo de Batman (voz de Troy Baker).

Diagnóstico: Después de tanto alabar las películas animadas como herederas legítimas de la mitología de DC Comics, me preocuparon un poco los fracasos producidos en años recientes. Desde luego hay excepciones, como Batman: The Long Halloween y la impactante adaptación del videojuego Injustice; pero es innegable el abrupto descenso en calidad de cintas como Wonder Woman: Bloodlines, Justice Society: World War II y Green Lantern: Beware My Power. Es como si el caos corporativo de Warner Bros. hubiera infectado al Universo Animado, reemplazando a los productores de antaño (como Geoff Johns y Sam Liu) por genéricos "yes man" hollywoodenses sin conocimiento ni interés en mantener el elevado estándar de la franquicia.
Por eso me complace decir que Batman and Superman: Battle of the Super Sons representa un auténtico parteaguas en el desarrollo del DCAU (DC Animated Universe), con el más alto nivel de historia, carácter, y animación que había visto desde la legendaria Justice League: The New Frontier hace quince años. Suena como hipérbole, pero creo que estoy diciendo la verdad, y espero sinceramente (o tal vez ingenuamente) que las siguientes películas continúen por el mismo camino. Y si no fuera así... bueno, al menos tenemos una excelente película animada para recordarnos lo que puede hacer el Universo de DC Comics cuando está en manos de individuos que comprenden el material y respetan su espíritu.
Vamos por partes: en lo que se refiere al argumento, Batman and Superman: Battle of the Super Sons no es particularmente original, pues la premisa (los adultos son capturados por un villano, y los niños deben resolver la crisis mientras aprenden lecciones de vida) ya se utilizó en numerosas ocasiones (de hecho eso pasaba cada mes en los comics de Teen Titans). Sin embargo, el director Matt Peters (Justice League Dark: Apokolips War) y el guionista Jeremy Adams (Batman: Soul of the Dragon) construyeron una historia lógica y fluida, con un armonioso balance de humor, suspenso y acción que me dejó satisfecho no solo como fantasía, sino como melodrama familiar y relato "coming of age".
En lo que respecta al carácter, la interacción de los personajes es simpática y realista, cubriendo todos los vectores imaginables (padres e hijos, amigos y rivales, héroes y villanos) con el mismo cuidado para garantizar conductas consistentes con su historia y personalidad. Mención especial para los actores Jack Dylan Grazer (Luca) y Jack Griffo (Sound of My Voice), cuyas voces capturan sin dificultad la textura y emoción de cada escena, ya sea que Jonathan y Damian estén ordeñando una vaca (no pregunten), o luchando contra un excéntrico villano que siempre me ha gustado (aunque ya lo vimos en otra reciente aventura de DC Comics).
Finalmente, la animación de Batman and Superman: Battle of the Super Sons está entre las mejores de la serie, con una atractiva fusión de arte digital y dibujos clásicos enfocados en obtener las mejores "actuaciones" del reparto y el mayor dinamismo en las secuencias de acción.
Por el lado negativo... realmente no tengo quejas específicas, salvo por la ligereza general del proyecto que reduce la intensidad de ciertas escenas para el mercado "young adult" (a pesar de lo cual se conservan algunos momentos bastante perturbadores).
Entonces, Batman and Superman: Battle of the Super Sons se convirtió de inmediato en una de mis películas favoritas del Universo Animado de DC Comics, y puedo recomendarla para el público que aprecie una versión de Batman y Superman más fiel a los comics, sin que por ello se sienta anticuada. Lo mejor de ambos mundos en una sola película; el Universo Animado triunfa de nuevo.
Calificación: 9

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Halloween: La Noche Final (Halloween Ends)

Síntomas: Cuatro años después de la masacre de Haddonfield, Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) vive con su nieta Allyson (Andi Matichak), y está escribiendo un libro sobre sus experiencias con el asesino Michael Myers (James Jude Courtney). Pero, desde luego, el Mal nunca muere...

Diagnóstico: Tomó cuatro años y tres películas, pero finalmente comprendí la estrategia del director David Gordon Green en su replanteamiento de Halloween: la primera película de su trilogía, Halloween (2018), fue un drama sobre una familia dividida por una tragedia del pasado, y la lucha por restaurar su relación. La segunda película, Halloween Kills (2021), fue un thriller sobre los prejuicios de una comunidad que salen a la superficie durante una crisis que amenaza sus vidas, sus valores, y hasta las bases del Sueño Americano©. Y ahora la tercera película, Halloween Ends, es una deconstrucción del cine de terror que explora el origen de los monstruos humanos capaces de cometer horribles actos de violencia contra la sociedad que los rechaza. Y, en los tres casos, el catalizador del drama es Michael Myers, ya sea que esté derramando sangre físicamente, o como representación invisible del trauma que afecta por igual a las víctimas y a los sobrevivientes. En resumen: una ingeniosa expansión del cine slasher más ambiciosa y creativa que cualquier franquicia existente en el sub-género.
Habiendo dicho todo eso... sigue sin gustarme esta nueva trilogía.
O, para ser más exactos, admiro la intención de David Gordon Green, pero no sé si el universo de Halloween (ya de por sí deteriorado por una multitud de mediocres secuelas, confuso ret-con, y reboots que no llevaron a ningún lado) fue el escenario correcto para implementar las ideas de un cineasta más confortable en el entorno intelectual del cine "indie".
Pero, bueno... no perderé tiempo debatiendo un punto irrelevante. La realidad es que Halloween Ends podría haber sido una excelente cinta slasher sin necesidad de incluir a Michael Myers (James Jude Courtney), Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) y demás habitantes de Haddonfield. La cinta comienza con una tremenda secuencia de horror y tragedia que anticipa los temas antes mencionados (traumas psicológicos, injusticias, intolerancia, etc.), y los desarrolla lógicamente hasta que la violencia es el único recurso de un individuo inestable atrapado en una situación fuera de su control. Pero cuando esa historia se conecta con la mitología de Michael Myers (primero tangencialmente, y luego usurpando sus componentes básicos), Halloween Ends empieza a perder cohesión, los personajes cambian arbitrariamente de conducta, y se notan las dificultades del director para consolidar ideas contradictorias (¿es Michael una entidad sobrenatural o un anciano demente?). Como siempre, cada espectador deberá determinar si los aciertos superan los errores, o si Gordon Green fue víctima de su propia ambición (francamente me inclino por lo segundo).
Desde un punto de vista más objetivo, Halloween Ends tiene buenas actuaciones de Jamie Lee Curtis, Will Patton y Rohan Campbell; sólidos momentos de suspenso; y suficiente sangre para deleitar a los fans del "gore". En resumen: un experimento increíblemente audaz, con resultados inconclusos. En lo personal, sigo pensando que Halloween H20 fue la mejor conclusión de la franquicia; veremos si alguien más intenta superarla.
Calificación: 6.5

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Mr. Harrigan's Phone

Síntomas: Cuando empieza a fallar su vista, el millonario Sr. Harrigan (Donald Sutherland) contrata un niño para que le lea libros por las tardes; y así comienza una sincera amistad que se extiende más allá de la muerte.

Diagnóstico: Ya he dicho esto muchas veces, pero voy a repetirlo: creo que el éxito de Stephen King no se debe al argumento de sus novelas, sino a la fenomenal "voz" literaria con la que expresa las emociones y pensamientos de sus personajes, incluso antes de introducir los elementos de horror o suspenso que esperan sus fans. Y, desafortunadamente, esa "voz" es lo primero que se pierde en las películas que adaptan la trama de los libros, pero ignoran la esencia del autor.
Por eso me complace decir que la nueva película Mr. Harrigan's Phone (disponible en Netflix) se encuentra en la distinguida minoría que captura, aunque sea parcialmente, la sensibilidad de Stephen King y su genio narrativo... aunque eso no la convierte automáticamente en una buena película de terror. O de cualquier otro género.
El director John Lee Hancock (The Little Things, The Founder) establece eficientemente las circunstancias que unen a Craig (interpretado por Colin O'Brien en la infancia, y por Jaeden Martell en la adolescencia) con el Sr. Harrigan (Donald Sutherland). Su relación empieza como un simple acuerdo donde el joven recibe un sueldo por leer libros al anciano, y eventualmente se transforma en una entrañable amistad que continúa más allá de la muerte. Pero el punto de la película (basada en un cuento corto de la antología If It Bleeds) no es la comunicación sobrenatural, sino el desarrollo de los personajes y su transformación bajo su mutua influencia. Los libros que lee Craig y sus conversaciones con el Sr. Harrigan son una valiosa educación para enfrentar un mundo cada vez más complicado por las contradicciones de la humanidad y su dependencia de la tecnología; mientras que Harrigan empieza a apreciar aspectos de la vida que ignoró durante muchos años, mientras construía un imperio financiero... y una mala reputación como negociante cruel e inflexible.
Las actuaciones son excelentes, destacando Jaeden Martell (Metal Lords, The Lodge) como un joven solitario que nunca superó el fallecimiento de su madre; y Donald Sutherland con la misma energía de antaño... aunque solo sea en la mirada. La dirección de Hancock mantiene un sano balance entre suspenso y melancolía; y aunque nunca alcanza genuino terror, la cinta funciona como drama "coming of age", y como reflexión sobre los errores de la juventud y la esperanza de la redención. Por el lado negativo, entiendo la necesidad de ubicar la historia a principios del siglo veintiuno, pero la advertencia sobre el peligro de los teléfonos móviles llega veinte años tarde, lo cual resta relevancia al mensaje y hace que se sienta anticuado. No obstante, como dije, lo importante de Mr. Harrigan's Phone no es el teléfono mágico, sino la conexión que representa. Y aunque la cinta no se acerca a la calidad de las mejores obras "serias" basadas en novelas de Stephen King (como Stand By Me o The Shawshank Redemption), me pareció una agradable sorpresa por conservar aquella "voz" que trasciende los arquetipos del Horror. En resumen: Mr. Harrigan’s Phone es una película más recomendable para los "lectores constantes" de Stephen King (entre los que me cuento desde hace casi cuarenta años) que para el público casual en busca de "sustos" desechables. Mejor vean It o Doctor Sleep. O, mejor aún, lean If It Bleeds.
Calificación: 6.5

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Ámsterdam (Amsterdam)

Síntomas: En 1933, un doctor, un abogado y una enfermera se involucran en la investigación de un asesinato que oculta algo más peligroso para el futuro de los Estados Unidos... y quizás del mundo.

Diagnóstico: Al igual que muchas películas históricas recientes, Ámsterdam recuenta eventos del pasado que cobran relevancia en el presente, confirmando de nuevo que entre más cambian las cosas, más se quedan igual.
En el caso de Ámsterdam, el director y escritor David O. Russell (Joy, The Fighter) revivió una antigua conspiración de los años treintas que muchos descartaron en aquel entonces como propaganda o alarmismo (en otras palabras, "fake news"); sin embargo, a lo largo de las décadas ganó suficiente credibilidad para preocuparnos cuando se repiten los mismos síntomas en las altas esferas del poder.
No revelaré la conspiración (SPOILERS en ese link) porque arruinaría las sorpresas de Ámsterdam, ya de por sí atrapadas en un libreto excesivamente largo y con un tono socarrón que me hizo reír de vez en cuando... aunque no sé si fue el enfoque apropiado para este relato particular. En ese aspecto Ámsterdam me recordó la cinta The Men Who Stare at Goats... una historia real, pero tan descabellada que decidieron presentarla como comedia, pues de otro modo nadie la aceptaría. Como dicen, la verdad es más extraña que la ficción.
Por el lado positivo, Ámsterdam cuenta con uno de los mejores repartos del año, empezando por el "trío dinámico" de Christian Bale en el papel de Burt Berendsen, un "doctor experimental" especializado en veteranos de la Primera Guerra Mundial que fueron abandonados por el gobierno (otro problema que persiste en el siglo veintiuno); John David Washington como Harold Woodman, abogado defensor de los derechos civiles en una sociedad abiertamente racista (otro problema que... etc.); y Margot Robbie como Valerie Voze, la excéntrica enfermera que salvó la vida de ambos hombres en la Primera Guerra Mundial, y los ayudó en su regreso a la vida civil.
La dinámica de Bale, Washington y Robbie bastaría para recomendar la película; pero además tenemos un espectacular elenco secundario que incluye a Anya Taylor Joy, Rami Malek, Michael Shannon, Mike Myers, Alessandro Nivola, Andrea Riseborough, Chris Rock y Robert De Niro (genuinamente electrizante en el mejor papel que ha tenido en años), elevando la visibilidad de roles incidentales, y contribuyendo al drama o al humor de la cinta, según la visión del director.
A pesar de los rodeos y digresiones que alargan tanto la película (dos horas y cuarto) me gustó el principio y el final de Ámsterdam, y podría recomendarla como valiosa lección de historia que no necesita ser "real" para ilustrar el eterno peligro de la corrupción gubernamental y el capitalismo fuera de control. Aparentemente Ámsterdam fue un fracaso económico, tal vez por su arcaico tema (me tardé bastante en reconocer los paralelos con el presente), por el inesperado sentido del humor (puede ser desconcertante encontrar a Christian Bale en un papel tan ligero), o por el confuso primer acto que nos sumerge en el complot sin contexto ni explicación. Además, casi al principio nos muestra un asesinato de sorprendente realismo que provocó un par de gritos en el cine... aunque no sé si fue por la violencia, o por la persona que interpreta a la víctima. No diré más.
Calificación: 7

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Muerte Muerte Muerte (Bodies Bodies Bodies)

Síntomas: Durante un huracán, siete amigos se refugian en una mansión e inician un juego de "Muerte Muerte Muerte", donde los participantes deben deducir quién de ellos es el "asesino". Pero cuando alguien muere en realidad, las cosas se complican.

Diagnóstico: Bueno, eso de "siete amigos" es un poco exagerado. Casi todos los invitados a la mansión de David (Pete Davidson) se conocen desde hace años, pero sus diferencias (de edad, temperamento, clase social, etc.) provocaron grandes fracturas en su amistad... incluso antes de que un asesinato real despierte su paranoia y los vuelva unos contra otros.
Sí, es el mismo concepto de incontables películas, videojuegos y juegos de mesa (como Werewolves Within, Among Us y Secret Hitler, por poner un ejemplo de cada uno). Pero, en manos de la directora Halina Reijn, la premisa adquiere un brutal sentido del humor que satiriza los estereotipos culturales contemporáneos, mientras intenta generar la tensión necesaria para satisfacer como thriller. Y aunque no siempre lo consigue, creo que Muerte Muerte Muerte constituye una apta modernización de una vieja fórmula, traducida al lenguaje de los jóvenes, y con suficiente humor negro para divertir a los viejos (como yo).
Habiendo dicho eso, no negaré que Muerte Muerte Muerte me irritó durante las escenas "dramáticas", donde los jóvenes se enfrascan en ruidosas discusiones sobre temas insulsos: quién se acostó con quién, cuál familia es más rica, quién mintió sobre sus estudios universitarios, etc. Claro, la gritería sirve para establecer sus respectivas disfunciones, inseguridades, e hipotética motivación para asesinar a los demás (asumiendo que uno de ellos sea el culpable; también existe la posibilidad de que alguien más se esté escondiendo en la mansión); pero el volumen y duración de las peleas las vuelve tediosas, y me "desconectaron" de la película cuando empezaba a ponerse interesante. Ni hablar... obviamente no pertenezco al segmento mercadológico al que está dirigida Muerte Muerte Muerte, pero aún así pude apreciar su calidad técnica (con una excepción), el sardónico sentido del humor del libreto escrito por Sarah DeLappe y Kristen Roupenian, y el excelente final que disipa toda duda sobre la intención satírica de Halina Reijn.
Entonces, Muerte Muerte Muerte me pareció un thriller juvenil superior al promedio, pero sin llegar a "obra maestra", o siquiera "joya oculta". Tan solo una experiencia entretenida (y a veces antipática) que podría recomendar como pasatiempo desechable cuando llegue a Netflix u otro servicio de streaming. Quizás en televisión podré distinguir las escenas nocturnas que fueron incomprensibles en el cine por la baja calidad de proyección. De hecho, estoy considerando seriamente ir al cine solo para los grandes "blockbusters", y reservar mi consumo de horror (y sub-géneros adyacentes) para pantallas caseras, donde la "calidad de proyección" nunca ha sido un problema. En fin... el tiempo dirá.
Calificación: 7

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Jeepers Creepers: Reborn

Síntomas: Laine (Sydney Craven) y su novio Chase (Imran Adams) se dirigen a una convención de Horror para buscar información sobre el "Creeper" (Jarreau Benjamin), una legendaria criatura que regresa cada veintitrés años para cobrar nuevas víctimas. Y, desde luego, los jóvenes descubren que la leyenda es más real de lo que imaginaban.

Diagnóstico: A pesar de la respuesta tan negativa que ha recibido, me interesaba ver Jeepers Creepers: Reborn por dos razones: la primera es que, a pesar de sus altibajos, disfruté la trilogía de Jeepers Creepers y la gradual expansión de su mitología a lo largo de los años.
La segunda razón es la presencia del director finlandés Timo Vuorensola, cuyas películas Iron Sky (2012) y Iron Sky: The Coming Race (2019) demostraron la viabilidad del "crowdfunding" para realizar obras de calidad internacional sin importar su ubicación geográfica. Y ahora Jeepers Creepers: Reborn es el debut norteamericano de Vuorensola... ¿qué habrá logrado con los recursos de Hollywood?
Respuesta: no mucho. Pero no por falta de talento, sino por un libreto que comete todos los errores del horror independiente; fuera de eso, Jeepers Creepers: Reborn me pareció un adecuado replanteamiento de la saga con nuevos misterios para explorar en futuras secuelas... aunque tampoco puedo defenderla como buena película.
A pesar de lo que sugiere el título, Jeepers Creepers: Reborn no es un "reboot", sino una especie de "meta-secuela". El joven Chase (Imran Adams) está convencido de que las películas de Jeepers Creepers se basaron en hechos reales. Por eso asiste con su escéptica novia Laine (Sydney Craven) a una convención donde se reunirán otros "creyentes". Y, en efecto, la pareja encuentra a Carrie (Ocean Navarro), una "youtuber" empeñada en filmar un documental sobre la criatura. Entonces llegan a una mansión abandonada donde supuestamente se esconde el Creeper, y descubren que el propósito del monstruo va más allá de alimentarse... y además no trabaja solo.
Vuorensola mantiene control de la narrativa a pesar de las digresiones del libreto y los caprichos de los personajes secundarios. El único respiro es Sydney Craven en el papel de Laine, con suficiente sentido común para reconocer un peligro y diseñar un plan (por absurdo que sea). Los efectos especiales son generalmente buenos, excepto al final, cuando parece que se les acabó el dinero (de cualquier modo me gustó el cuervo) (Hablando de dinero, si no pueden pagar la licencia de la clásica canción Jeepers Creepers, no intenten reemplazarla con una mala imitación); y el cinematógrafo Simon Rowling ilumina tanto los "exteriores" nocturnos (obviamente filmados en un foro) que parece de día... pero al menos se entiende lo que está pasando.
Creo que Jeepers Creepers: Reborn tiene tantas fallas como aciertos, y cada quién sabrá si el balance final queda del lado positivo o negativo de su gusto personal. En mi caso fue positivo (apenas) gracias al sentido del humor del director, a mi afecto por la saga del Creeper, y mi alta tolerancia a los desvaríos del horror independiente. En cuanto a Timo Vuorensola, no fue un debut muy auspicioso en América... pero pudo ser peor. Ojalá encuentre nuevas oportunidades para redimirse y mostrar todo lo que aprendió filmando a Hitler sobre un dinosaurio.
Calificación: 6

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Sonríe (Smile)

Síntomas: La psicóloga Rose Cotter (Sosie Bacon) atiende el caso de una joven mujer atormentada por una entidad maligna. Naturalmente la doctora no le cree... hasta que empieza a sufrir los mismos síntomas de su paciente.

Diagnóstico: El argumento de Sonríe es lento y predecible, con todos los clichés que redujeron el horror hollywoodense a una receta de comida rápida. Las actuaciones carecen de energía y emoción (con una excepción); y la dirección del novato Parker Finn divaga en busca de visión personal. Sin embargo, lo que rescata a Sonríe son los surrealistas momentos de horror y sadismo que trascienden su floja manufactura. Y eso es lo que la gente recordará al salir del cine... no el inútil drama familiar ni la tediosa investigación paranormal, sino el impacto visceral del "gore" y la crueldad de la maldición.
Sonríe combina la ambición artística del "horror elevado", y la accesible estructura del cine comercial, libre de metáforas y pretensión para no abrumar al espectador casual. Por otro lado, la trama es tan genérica que no inspira suspenso con las situaciones que conocemos de memoria: la protagonista buscando información sobre la entidad sobrenatural; el novio escéptico que atribuye los fenómenos paranormales al cansancio y la histeria; y las víctimas desechables (empezando por el gato) que presagian el funesto destino de nuestra heroína. Pero, como dije, los bostezos de la primera mitad se compensan con los horrores del tercer acto, cuando la incertidumbre de la Dra. Cotter (Sosie Bacon) se convierte en angustiante certeza... y por fin llegamos a "lo bueno".
El desempeño del reparto es un poco irregular, a veces exagerado, y a veces apático. La única que destaca (porque es la única con un arco dramático concreto) es Sosie Bacon en el papel principal; su actuación transmite la confusión de una psicóloga sobria y dedicada enfrentando fenómenos que no sabe interpretar. También me gustó la cinematografía de Charlie Sarroff (Relic), cuyos encuadres siempre dejan espacios vacíos para que nuestra imaginación se encargue de llenarlos. Ese simple truco inspira mayor tensión que el "misterio" de la película.
Finalmente, aplausos para los estudios Amalgamated Dynamics (efectos de maquillaje) y The Artery (efectos digitales), cuyo esfuerzo conjunto ofrece los mejores momentos de Sonríe, y salva la cinta de la rancia fórmula utilizada en incontables películas sobre entidades demoníacas con su propio "modus operandi" para despachar víctimas (de hecho Sonríe me pareció un híbrido de It Follows y Slumber). Es la misma canción de siempre, pero con un buen arreglo para ponernos a bailar (?) Y si bien no me arrepiento de haber visto Sonríe en el cine (el diseño de audio es excelente), creo que funcionará mejor en pantallas caseras, donde podremos hacer pausas y "rewinds" para admirar con detenimiento sus mejores escenas. El cine se ve mejor en el cine, pero a veces se disfruta más en casa.
Calificación: 7

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No Te Preocupes Cariño (Don't Worry Darling)

Síntomas: Alice Chambers (Florence Pugh) empieza a sospechar que la comunidad donde vive no es tan perfecta como parece.

Diagnóstico: Después de su excepcional debut como directora, Olivia Wilde regresa con un thriller más ambicioso en todos los sentidos, desde la profundidad de sus temas, hasta la idealizada representación de la vida suburbana en los años cincuentas. Desafortunadamente el virtuosismo técnico y buenas intenciones de No Te Preocupes Cariño no bastaron para hacerla tan satisfactoria como la previa cinta de Wilde.
Por el lado positivo, Florence Pugh es una fenomenal protagonista, confirmando su capacidad para interpretar personajes con gran textura y carácter. En el caso de Alice Chambers, Pugh expresa sin palabras el colapso emocional de una mujer que empieza a cuestionar su inmaculado estilo de vida, navegando los altibajos de una historia ocasionalmente inconsistente, frecuentemente lenta, y con un misterio menos interesante de lo que supone la directora.
Otra virtud de No Te Preocupes Cariño es el diseño de producción y cinematografía que nos transportan a una "ciudad corporativa" establecida en el desierto para los empleados del misterioso "Proyecto Victoria". No se mencionan fechas específicas, pero la moda, arquitectura, y hasta las dinámicas sociales reflejan el ciego optimismo de la post-guerra, así como la estética de las revistas femeninas que dictaban las reglas de la armonía doméstica para las amas de casa norteamericanas.
Sin embargo Alice tiene momentos de duda que empañan su felicidad; y, entre más investiga, más se convence de que alguien está mintiendo. ¿Será su esposo Jack (Harry Styles)? ¿Su inestable vecina Margaret (KiKi Layne)? ¿O Frank (Chris Pine), el carismático fundador del Proyecto Victoria que quiere cambiar el mundo?
Creo que Olivia Wilde intentó hacer una versión contemporánea de la clásica The Stepford Wives (1975) (olviden el flojísimo re-make del 2004), modernizando sus arcaicos valores para la sociedad cínica y súper-conectada del siglo veintiuno. Y creo que lo logró. El problema es que el mecanismo para llegar a las mismas conclusiones se siente torpe e inverosímil. Wilde y sus escritores nos sorprenden con un gran "twist" en el tercer acto... pero no es muy lógico ni impactante, pues deja muchas preguntas sin respuesta y agujeros narrativos que ni las actuaciones ni la cinematografía pueden tapar. En pocas palabras: mucho ruido y pocas nueces.
A pesar de tantas quejas sigo pensando que Olivia Wilde es una excelente directora con sólida visión artística. Se me ocurre que en esta ocasión fue demasiado indulgente con el material porque desconocía todas aquellas películas que recorrieron el mismo camino en los últimos veinte años... con similares resultados. Entonces, aunque No Te Preocupes Cariño fue una decepción en general, tiene elementos rescatables (actuaciones, música, imágenes) que la convierten en un atractivo experimento fallido. Siempre preferiré un fracaso apasionado en vez de un éxito indiferente.
Calificación: 6.5 (sospecho que me gustará más la segunda vez que la vea, pero ¿quién tiene tiempo para eso?)

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