DC Liga de Súpermascotas (DC League of Super-Pets)

Síntomas: Cuando un villano captura a Superman (voz de John Krasinksi), el súper-perro Krypto (voz de Dwayne Johnson) decide rescatar a su amo... pero va a necesitar ayuda, porque perdió sus poderes.

Diagnóstico: Francamente no tenía mucho interés en DC Liga de Súpermascotas; pero después de pedir tantas veces la inclusión de Ace el Bati-perro en las cintas animadas de Batman, hubiera sido una terrible ingratitud ignorar la película donde, por fin, Ace tiene un papel estelar. Bueno, co-estelar.
Y, para mi sorpresa, DC Liga de Súpermascotas resultó ser una experiencia comparable con las mejores obras de Warner Animation (como The Lego Movie y The Lego Batman Movie): una divertida película familiar con buenas actuaciones (tuve que atravesar la ciudad en la lluvia para verla en versión sub-titulada, pero valió la pena), vistosas imágenes, y suficientes conexiones con el Universo de DC Comics para deleitar a los fans... aunque también hay motivos de queja: ¿dónde están el caballo Comet y Beppo el súper-simio? Bueno, algo tenían que dejar para la secuela, supongo.
DC Liga de Súpermascotas establece al principio la estrecha relación entre Krypto (voz de Dwayne Johnson) y Superman (voz de John Krasinski), combatiendo juntos el crimen y apoyándose mutuamente en sus vidas personales. Por cierto, me gustó el manejo de la comunicación entre personajes de distintas especies: los animales hablan entre sí con voces humanas, pero los humanos solo escuchan los sonidos normales de cada animal (ladridos de los perros, maullidos de los gatos, etc.), lo cual genera momentos chuscos sin sacrificar el "realismo" subjetivo de una historia de super-héroes. O de súper-mascotas.
Regresando al punto, Krypto está celoso por la atención que Clark Kent dedica a Lois Lane (voz de Olivia Wilde), y se siente un poco desplazado. Pero cuando Superman es capturado por un villano que también neutraliza los poderes de Krypto, el valiente can debe buscar ayuda de otros animales, incluyendo al perro callejero Ace (voz de Kevin Hart), la puerquita PB (voz de Vanessa Bayer), y otros prófugos de una tienda de mascotas. Y así es como Krypto empieza a aprender un poco de humildad, mientras que Ace y sus aliados reconocen la importancia de la amistad y la cooperación para sobrellevar los momentos difíciles de la vida.
DC Liga de Súpermascotas no aporta gran novedad al cine infantil, pero tiene suficiente ingenio y detalles "geek" para satisfacer al espectador casual durante cien minutos competentemente dirigidos por Jared Stern y Sam Levine (veteranos de animación televisiva). La trama lleva buen ritmo y fluye orgánicamente, sin necesidad de manipular el comportamiento de las mascotas para transmitir el mensaje de la cinta (como ocurrió en la mediocre Lightyear, por ejemplo). La animación es de buena calidad, y el diseño de los personajes ocupa un cómodo espacio entre caricatura y foto-realismo, reduciendo el impacto de la violencia, pero sin perder la emoción de las secuencias de acción. Y una mención especial para el compositor Steve Jablonsky por contribuir a la nostalgia con acertados refranes musicales que me hicieron sonreír.
Habiendo dicho todo eso... honestamente no sé si DC Liga de Súpermascotas logrará capturar la imaginación de los niños modernos atrapados en el universo de Marvel. Los héroes populares de DC Comics (Superman, Batman, Wonder Woman) tienen una participación muy breve en la película, lo cual me hace pensar que DC Liga de Súpermascotas podría confundirse con una secuela de The Secret Life of Pets, en vez de funcionar como tangente de entrada al Universo de DC Comics. En fin... el tiempo dirá. Yo solo sé que debieron incluir a Beppo.
Calificación: 8

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Green Lantern: Beware My Power

Síntomas: El marine retirado John Stewart (voz de Aldis Hodge) es elegido como el nuevo Linterna Verde del sector terráqueo... y de inmediato se involucra en una guerra interplanetaria donde ambos lados lo ven como enemigo.

Diagnóstico: Primero las malas noticias: el director de Green Lantern: Beware My Power es James Jeff Wamester, cuya previa película fue la mediocre y decepcionante Justice Society: World War II. Y ahora la historia se repite, aunque por distintas razones.
Green Lantern: Beware My Power empieza como una típica introducción del nuevo Linterna Verde, con todas las dificultades que podemos esperar cuando un humano normal (con estrés post-traumático) recibe el Anillo, pero no sabe manejarlo, ni entiende la enorme responsabilidad que representa. Entonces Stewart y varios miembros de la Liga de la Justicia viajan al planeta Oa para averiguar qué ocurrió con el anterior Linterna Verde, y descubren una guerra entre aliados que por alguna razón se volvieron enemigos mortales.
Y ahí es donde comienza lo bueno de Green Lantern: Beware My Power... al menos en teoría.
La guerra entre los planetas Rann y Thanagar introduce un conflicto cósmico que podría unificar esta nueva etapa del Universo Animado de DC (aparentemente llamada "Tomorrowverse"), con nuevos héroes, villanos, y un contexto de ciencia ficción muy distinto de los relatos terrestres. No voy a mencionar a esos héroes y villanos porque es mejor descubrirlos al mismo tiempo que John Stewart (voz de Aldis Hodge); pero al menos diré que Green Lantern: Beware My Power revive la clásica dinámica de Green Lantern y Green Arrow (voz de Jimmi Simpson), originalmente establecida por el genial Denny O'Neil en los años setentas. Obviamente esta moderna interpretación no comparte la ideología "hippie" de aquella época, pero los guionistas Ernie Altbacker y John Semper conservan los contrastes y similitudes que hacen tan compatibles a estos "Guerreros Esmeralda". En cuanto al misterio de la película, no revelaré por qué el Anillo necesita un nuevo dueño... pero es un evento emocional y significativo para el futuro de los Guardianes de Oa y el Cuerpo de Linternas Verdes.
También merece mención el diseño y la calidad de la animación, continuando el progreso iniciado en las más recientes películas de DC Comics. Los escenarios espaciales son épicos y detallados, adornados por elementos tridimensionales que realmente apoyan la narrativa. Con este nuevo estilo artístico, ahora sí me dan ganas de regresar al "Cuarto Mundo" de Jack Kirby, al menos para rectificar los chascos visuales de ciertas obras previas.
Desafortunadamente ahí termina lo bueno. La premisa de Green Lantern: Beware My Power es excelente, pero la dirección de Wamester sigue siendo terrible, con un ritmo flojo y titubeante que elimina el suspenso y ofusca un relato ya de por sí complicado por la cantidad de personajes y locaciones que debemos conocer para entender la trama. Una cosa es omitir "historias de origen" que ya conocen los lectores de los comics; y otra es enredar el argumento hasta perder su impacto y relevancia para el futuro de la saga.
Finalmente, las voces no son malas, pero es difícil apreciarlas cuando forman parte de una historia pobremente estructurada (un gran tache para el editor Bruce A. King). Desde luego estoy a favor de introducir nuevas perspectivas al Universo Animado de DC Comics... pero necesitan elevar sus estándares para no arruinar todo lo que han logrado hasta el momento. Ojalá no caigan en los mismos errores de las cintas de acción viva.
Calificación: 6

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In Search of Tomorrow

Síntomas: Documental sobre las películas de ciencia ficción más representativas de la década de los ochentas.

Diagnóstico: Los productores de In Search of Darkness (no sé por qué no escribí esa crítica, pero este artículo también aplica a aquel proyecto) regresan con otro mega-documental de cinco horas sobre el cine de ciencia ficción de los ochentas... una categoría que, sobra decir, tuvo una importantísima influencia en mi desarrollo personal, para bien o para mal. Generalmente para bien, quiero pensar.
In Search of Tomorrow (disponible para renta en el sitio oficial) está organizado por años, empezando en 1980 y terminando en 1989. El director David A. Weiner y el productor Robin Block obviamente no intentaron cubrir TODAS las películas de ciencia ficción producidas en esos diez años (probablemente tomaría cincuenta horas, en vez de cinco), pero su selección de títulos me pareció bien balanceada entre los grandes éxitos que definieron la década (The Terminator, Back to the Future, Ghostbusters); joyas semi-olvidadas (Miracle Mile, Alien Nation, Earth Girls Are Easy); la fiebre de las secuelas (The Empire Strikes Back, Aliens, Star Trek II: The Wrath of Kahn); fracasos transformados en cintas de culto (Tron, The Adventures of Buckaroo Banzai Across the Eighth Dimension, Cherry 2000); y curiosidades culturales que sólo podrían existir en los ochentas (Galaxina, MegaForce, Howard the Duck).
Habiendo dicho eso, también hay graves omisiones que brillan por su ausencia; pero ese tema es altamente subjetivo, y cada espectador tendrá su propia lista de "No puedo creer que no la incluyeron" (dentro de mi lista: Galaxy of Terror, They Live, Night of the Comet, Altered States, Leviathan, y The Hidden).
Además de las anécdotas, entrevistas, y opiniones que acompañan cada película (53 en total), tenemos interludios dedicados a examinar distintos aspectos del cine de ciencia ficción: efectos especiales, música, diseño de producción, criaturas, y eventos reales que lo inspiraron (desde la Guerra Fría hasta el Transbordador Espacial). El testimonio de los expertos es inevitablemente superficial por la cantidad de información condensada en cinco horas, pero me pareció admirable el esfuerzo de los productores por abarcar una gama tan amplia de disciplinas involucradas en la realización de estas películas, así como su impacto sobre el público y la sociedad misma. En general un buen balance de cantidad y calidad, en mi humilde opinión.
Finalmente, tenemos una larga lista de celebridades que contribuyen al documental con interesantes comentarios sobre la ciencia ficción ochentera, ya sea porque participaron en su creación (Shane Black, Nicholas Meyer, Dennis Muren, Clancy Brown, John Carpenter, Joe Dante, John Dykstra, Phil Tippet, Paul Verhoeven, e Ivan Reitman, a quien está dedicado el documental), o porque la estudiaron como fanáticos o académicos (Kerry O'Quinn, Drea Letamendi, Ian Nathan, Angélique Roché, Steven Degennaro, Wil Wheaton, y Gene Simmons).
Para fans "old school" como yo (traducción: viejos), In Search of Tomorrow no ofrecerá muchos datos nuevos ni revelaciones sorpresivas sobre nuestro género favorito; pero igualmente podemos disfrutarla como un nostálgico paseo por los recuerdos de la juventud, y para revivir entrañables memorias que creíamos haber olvidado. Y para el público joven interesado en la materia, In Search of Tomorrow será una guía invaluable para conocer las obras que sentaron las bases de la cultura "geek" contemporánea. En todo caso, In Search of Tomorrow es indudablemente más educativo que cinco horas de TikToks.
Calificación: 9

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The Gray Man

Síntomas: Durante una misión en Tailandia, el asesino de la CIA "Sierra Six" (Ryan Gosling) descubre evidencia de corrupción dentro de su propia organización; y entonces el Director Carmichael (Regé-Jean Page) envía al mercenario Lloyd Hansen (Chris Evans) para neutralizar a Sierra Six y recuperar la evidencia.

Diagnóstico: The Gray Man es como una película de Michael Bay, pero con un libreto coherente, buenas actuaciones, y personajes que no son bufones ni recortes de cartón, sino individuos con genuinas personalidades y emociones razonablemente realistas... para los estándares de un "blockbuster" de acción. O tal vez deberíamos llamarle "streambuster", ya que se estrenó en Netflix (por favor like share and suscribe para popularizar ese término).
Los hermanos Anthony y Joe Russo dirigieron algunas de las mejores cintas de Marvel, y ahora regresan al cine "populista" (después del fallido drama Cherry) aplicando todo lo que aprendieron en su trabajo anterior para crear una experiencia tremendamente entretenida y muy superior (en mi humilde opinión) a los thrillers "de prestigio" producidos por Netflix en años recientes (como Red Notice, Extraction y 6 Underground). Y los Hermanos Russo ni siquiera tuvieron que re-inventar el género; simplemente usaron los mismos clichés de siempre (asesino traicionado por sus jefes, asesino protegiendo a una niña, asesino en busca de un "mcguffin"), pero cuidando que fueran congruentes con el carácter de los personajes, y que tuvieran consecuencias lógicas en el desarrollo de la trama. En otras palabras: dejar que la historia conduzca la acción, y no al revés. ¡Qué innovación!
Como contrapeso de los halagos, mencionaré que The Gray Man se siente apresurada e inconsecuente (igual que sus predecesoras en Netflix). Es como un relato serio de espionaje, pero acelerado hasta eliminar todo espacio disponible para drama, intriga y suspenso. Entonces, solo quedan las persecuciones, peleas, y fugaces momentos de conflicto personal que nunca son tan profundos o significativos como creen los directores.
Afortunadamente eso basta para recomendar The Gray Man en su nicho específico, gracias a las épicas secuencias de acción que justifican el enorme costo de la cinta, combinando efectos prácticos y digitales de manera casi invisible (con una o dos excepciones), y exagerando lo suficiente para satisfacer nuestro apetito de espectáculo visual, sin llegar a los febriles desvaríos del mencionado Michael Bay.
Sin embargo, el auténtico punto fuerte de The Gray Man son las actuaciones de Ryan Gosling y Chris Evans. Los Hermanos Russo no solo contrataron buenos actores, sino que se preocuparon por darles papeles apropiados para su estilo individual. Ryan Gosling es similar al lacónico anti-héroe de Drive, pero con más humor y empatía por las personas que lo rodean (incluyendo los villanos); y Chris Evans se divierte como el arrogante psicópata sin restricciones morales (ni racionales) para cumplir su misión. Tal vez Evans cruza la línea de la parodia en un par de ocasiones... pero no es perjudicial para una película que existe en el borde mismo de la hiper-realidad típica de los block streambusters tradicionales.
También me sorprendió la fuerza y detalle de los papeles secundarios, incluyendo a Ana de Armas en su mejor papel hasta el momento (necesita urgentemente su propia película para consagrarse como "mujer de acción"); Regé-Jean Page y Jessica Henwick como villanos burocráticos (uno de ellos con más de conciencia que el otro); y Billy Bob Thornton como el mentor de Sierra Six que corre peligro cuando empiezan los balazos. El único eslabón débil del reparto fue Julia Butters como la obligatoria "niña en peligro". Su desempeño no es malo, pero tampoco cumplió las elevadas expectativas creadas por sus escenas en Once Upon a Time... In Hollywood, donde prácticamente le dio clases de actuación a Leonardo DiCaprio.
Entonces, The Gray Man me pareció un recomendable híbrido de acción ochentera y sensibilidad contemporánea, forjada por los Hermanos Russo a lo largo de una carrera que va del más rígido cine corporativo (Marvel) hasta los caprichos artísticos de Community. En resumen: una divertida fusión de excesos prácticos y realismo emocional que satisface diversos sectores de nuestro cerebro, y nos muestra el potencial del cine escapista para evolucionar al mismo tiempo que el "zeitgeist" cultural. O, si somos más cínicos, The Gray Man es un eficiente replanteamiento de la misma receta que le permite a Hollywood seguir engordando mientras se devora a sí mismo. Francamente, a estas alturas ya no encuentro mucha diferencia entre ambas perspectivas.
Calificación: 9

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Alarido (Shut In)

Síntomas: En una remota casa de campo, Jessica Nash (Rainey Qualley) se encierra accidentalmente en la alacena, dejando a sus pequeños hijos a merced de dos criminales.

Diagnóstico: Desde ahora conviene aclarar que, a pesar del estridente título mexicano, Alarido no es una película de terror, ni incluye elementos sobrenaturales. En vez de eso es un thriller engañosamente simple, pero con crecientes complicaciones de una situación que empieza con relativa inocencia, y se transforma en una lucha por la vida, no solo de Jessica (Rainey Qualley), sino de su hija Lainey (Luciana VanDette) y su bebé Mason (Aidan Steimer). Ya es bastante malo dejarlos solos mientras se acerca la noche y amenaza una tormenta... pero además hay dos individuos que se infiltran en la casa con siniestras intenciones. ¿Hasta qué extremos llegará la mujer para defender a sus hijos?
Estaba interesado en Alarido desde que se anunció su estreno digital, pero desafortunadamente es otra película exclusiva de The Daily Wire que no era posible ver (legalmente) fuera de los Estados Unidos. Mi interés no se debía tanto a la historia, sino a la participación del director D.J. Caruso, cuya irregular filmografía tiene algunos memorables chascos (como The Disappointments Room)... pero también incluye joyas semi-olvidadas del thriller moderno (como Eagle Eye y Disturbia), demostrando la capacidad del cineasta para balancear drama y suspenso, y para llevar a los actores más allá de sus rutinas habituales... todo lo cual se confirma en Alarido, aunque en una forma menos llamativa que en sus obras pasadas, lo cual no tiene nada de malo.
Afortunadamente Caruso saca máximo provecho de sus limitados recursos con apoyo de un pequeño pero comprometido elenco, empezando por Rainey Qualley (más conocida como la cantante country "Rainsford") (Y también es la hija de Andie MacDowell) en el papel de Jessica Nash, una joven madre recuperándose de... muchas cosas. Pero el amor por sus hijos la motivó a enderezar su vida, y está a punto de mudarse a la gran ciudad en busca de nuevas oportunidades. Entonces, mientras empaca los escasos contenidos de la alacena, la puerta se cierra accidentalmente; y la pequeña Lainey no tiene suficiente fuerza para abrirla desde afuera. La situación es grave, pero no desesperada... hasta que llegan dos hombres con un terrible plan.
No revelaré más porque la escritora Melanie Toast pone especial cuidado en que cada escena aporte algo nuevo al carácter de los personajes, o al turbulento pasado que los llevó a su situación actual. Como ejemplo basta señalar los primeros diez minutos de la película, donde Caruso y el cinematógrafo Akis Konstantakopoulos establecen la geografía de la casa, y dejan que la cámara descanse por un momento en objetos o detalles que se volverán relevantes en el transcurso de la película, ya sea como parte del plan de Jessica para escapar... o como obstáculo en su batalla por la supervivencia.
Por su parte, la niña Luciana VanDette hace un buen trabajo a pesar de su corta edad; y los "invasores" interpretados por Jake Horowitz y Vincent Gallo son apropiadamente amenazadores, aunque sus intenciones cambien en diversos puntos de la película. La metáfora de las manzanas lo dice todo.
Tal vez Alarido no es una película indispensable para fans del "thriller doméstico" (como See For Me o Till Death), pero me pareció recomendable como sólido entretenimiento de fin de semana. Y además, apoyando su estreno en cines quizás evitaremos que la próxima película de Caruso se distribuya en sitios de noticias especializados en negar el cambio climático. Su talento merece una mejor plataforma.
Calificación: 8

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Mutation on Mars (Huo Xing Yi Bian)

Síntomas: La nave espacial china WanHu se dirige a las lunas de Júpiter, pero se desvía de su misión para rescatar a un grupo de astronautas varados en la superficie de Marte.

Diagnóstico: Hace poco describí la película rusa Project Gemini como una mediocre B-Movie de los años sesentas realizada con efectos especiales del siglo veintiuno; y ahora la cinta china Mutation on Mars (disponible en el servicio de streaming iQIYI) lleva ese concepto a su máxima (o mínima) expresión con un relato de ciencia ficción absolutamente ridículo... pero muy divertido por su desbordante imaginación y creativos despliegues de paisajes marcianos, ballenas voladoras, y astronautas más preocupados por sus "daddy issues" que por la catástrofe cósmica que se aproxima. Y, bueno, ni siquiera hablaré de la "ciencia" que maneja Mutation on Mars, donde las leyes físicas son opcionales, excepto cuando la directora Na Liu necesita inventar una crisis para elevar el suspenso (si la "ballena voladora" suena inverosímil, esperen a ver de dónde proviene).
Incluso diría que Mutation on Mars revive el espíritu de las clásicas publicaciones de EC Comics (como Weird Fantasy, Incredible Science Fiction y Weird Science), donde no existía lógica ni razón, sino ingeniosos conceptos de ciencia ficción (y un poco de justicia poética) dibujados por artistas como Wally Wood, Jack Davis y Frank Frazetta, cuyos monstruos alienígenas y naves espaciales capturaban la imaginación de lectores obsesionados con los misterios del Universo y las promesas de expansión interplanetaria.
Hablando de lo cual, la premisa de Mutation on Mars es bastante sólida: una expedición científica estableció una base en Marte para desarrollar plantas productoras de oxígeno, cuyo propósito a largo plazo sería "terraformar" el planeta y sostener la vida humana. Pero una lluvia de meteoritos destruye parcialmente la base, y cuando intentan escapar (en una secuencia que copia desvergonzadamente The Martian) encuentran un peligro aún mayor: un monstruo volador que los ataca y provoca un aterrizaje forzoso. Entonces los tripulantes de la nave WanHu, en camino a Júpiter, reciben órdenes de cancelar su misión y auxiliar a los astronautas varados en Marte, porque China siempre hace lo correcto (naturalmente Mutation on Mars adereza la acción con generosas porciones de propaganda, pero no es muy distinta al jingoísmo norteamericano que he devorado durante décadas). Y cuando inician el descenso a la superficie, encuentran la misma criatura...
Y ese es tan solo el primero de muchos peligros que amenazan la misión, cada uno más absurdo que el anterior, pero todos resueltos a base de ciencia (errónea) y sacrificios personales que intentan hacernos llorar, aunque solo sentí pena ajena.
Sin embargo, como dije al principio, la delirante energía de Mutation on Mars y sus espectaculares efectos especiales me mantuvieron cautivo hasta el final... el cual llega con sorprendente rapidez. Mutation on Mars apenas dura 70 minutos (sin contar los créditos finales), y me hizo sospechar que es una de esas películas construidas con retazos de alguna serie televisiva. Pero no fue así... Mutation on Mars es una película "de verdad", con altas dosis de emoción (prefabricada) y humor (involuntario) para compensar sus abundantes fallas. Y aunque no puedo recomendarla como "joya oculta", logró satisfacer mis fantasías de colonización planetaria inspiradas por las novelas de Poul Anderson, Kim Stanley Robinson y Robert Heinlein que leí en mi adolescencia. En otras palabras, los mismos libros que inspiraron aquellos artistas de E.C. Comics. William M. Gaines estaría orgulloso... aunque él hubiera agregado marcianas en bikini (era otra época).
Calificación: 7.5

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Attack on Finland (Omerta 6/12)

Síntomas: Durante las celebraciones del Día de la Independencia (6 de Diciembre), un grupo terrorista se infiltra en el Palacio Nacional de Finlandia y toma como rehén al Presidente Koskivuo (Robert Enckell). Entonces el agente Markus Tanner (Jasper Pääkkönen) empieza a negociar la crisis, y las cosas se complican.

Diagnóstico: Con esa sinopsis yo esperaba "Die Hard en un palacio"; y, en efecto, Attack on Finland se desarrolla así durante el primer acto; pero el director Aku Louhimies se desvía eventualmente de la fórmula, y transforma la cinta en un thriller político con buenas dosis de suspenso, un poco de acción, y un subtexto tan actual y relevante que a veces se vuelve incómodo (relativo a la ambivalencia de Finlandia para ingresar a la OTAN... un asunto muy complejo que no entendía, hasta que leí un poco al respecto para comprender mejor la película).
Esto no significa que Attack on Finland sea perfecta, pues comete los típicos errores del género: un argumento ocasionalmente confuso, villanos mal definidos, y violencia selectiva para evitar algunas muertes prematuras; pero el "sabor" europeo de la producción y su entorno cultural me ayudaron a ignorar las fallas y disfrutar un thriller genérico en su forma y específico en el fondo, donde la acción subraya las ideas en vez de reemplazarlas.
Por otro lado, Attack on Finland no deja de ser una B-Movie de "bajo" presupuesto, aunque ocupa el estrato más elevado de ese espectro económico gracias a su procedencia finlandesa, donde el dinero llega más lejos, y los productores no enfrentan los costos astronómicos de la infraestructura hollywoodense. Tan solo el uso de locaciones reales (como el Palacio Nacional) y recursos prácticos (como los vehículos militares) mejoran inmensamente la apariencia de Attack on Finland, y la separan de aquellas cintas intercambiables filmadas en Bulgaria o la República Checa con los mismos raquíticos bosques y fábricas abandonadas que ya vimos cien veces.
Sin embargo, lo mejor de Attack on Finland son los personajes y la mitología establecida por el libreto de Jari Olavi Rantala, basado en una novela de Ilkka Remes (la cual me dieron ganas de leer). Los papeles principales corresponden a Jasper Pääkkönen y Nanna Blondell como Markus Tanner y Sylvia Madsen, agentes de Europol, una especie de CIA europea de la que todos desconfían por sus cuestionables métodos e impunidad diplomática. Los agentes de la organización pertenecen a las fuerzas armadas o policíacas de varios países de la Unión Europea, lo cual crea conflictos de interés que los hacen dudar en momentos críticos. Y, desde luego la despiadada Marie Leclair (Cathy Belton), directora de la agencia, es uno de esos líderes analíticos y amorales que ponen los resultados por encima de la gente. La acción de Attack on Finland no es particularmente espectacular, pero tiene mayor impacto por enfocarse en las consecuencias de la violencia, y las terribles decisiones necesarias para cumplir la misión por cualquier medio necesario. Espero sinceramente que Attack on Finland tenga suficiente éxito para iniciar una franquicia, como parece indicar el epílogo que ata algunos cabos sueltos, y prepara el terreno para nuevas aventuras de Leclair y Europol... aunque no revelaré si Tanner y Madsen sobreviven para continuar su historia.
Primero Hatching, y ahora Attack on Finland. La industria cinematográfica de Finlandia experimenta un renacimiento indudablemente influenciado por Hollywood, pero con su propio estilo para hacer las cosas... tanto buenas como malas. Ojalá el Sagrado Algoritmo me las siga recomendando.
Calificación: 8

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Drive All Night

Síntomas: El taxista Dave (Yutaka Takeuchi) conduce a la joven Cara (Lexy Hammonds) durante la noche, deteniéndose en distintas locaciones que podrían estar conectadas con un asesino a sueldo en busca de su próxima víctima.

Diagnóstico: Esta es mi teoría: el director Peter Hsieh es fanático del "cine raro" (como yo), y concibió la cinta Drive All Night como homenaje a tres películas clásicas de ese estilo: Beyond the Black Rainbow (2010, de Panos Cosmatos), Night on Earth (1991, de Jim Jarmusch), y Lost Highway (1997, de David Lynch). Y, en efecto, el resultado es hipnótico e indescriptible... pero le faltó esa etérea sensibilidad artística que forja una conexión subliminal con la mente del espectador, insinuado un significado oculto que despierta nuestra curiosidad y captura nuestro interés... incluso si al final solo encontramos más dudas. En otras palabras, Drive All Night es un atractivo acertijo sin respuesta, y sin motivación para resolverlo. Pero como simple "narcótico audiovisual" me dejó satisfecho, y con deseos de seguir la carrera de Peter Hsieh, pues podría sorprendernos cuando escriba un libreto coherente.
Drive All Night sigue a tres personajes: Dave (Yutaka Takeuchi) es un conductor de taxi que trabaja de noche para evitar el contacto humano; Cara (Lexy Hammonds) es la misteriosa pasajera que lo contrata para conducirla por la ciudad, deteniéndose esporádicamente en sitios que podrían ser reales o imaginarios; y Lenny (Johnny Gilligan) es el hipotético asesino contratado para eliminar a alguien. ¿O será Lenny la víctima? Es posible. Por algo Cara tiene una katana...
En este tipo de películas "raras" es muy importante que los actores expresen las emociones de una escena sin el apoyo de una historia clara y definida, lo cual hace doblemente admirable el trabajo del reparto entero. Además de los personajes principales interpretados por Yutaka Takeuchi (Battleship), Lexy Hammonds y Johnny Gilligan (Mega Shark Vs. Giant Octopus), tenemos a Sarah Dumont (Scouts Guide to the Zombie Apocalypse) como Morgan, una mesera románticamente interesada en Dave; Natalia Berger como "Midnight Judy", una cantante de cabaret con un secreto en su pasado; y Ali Jahangirir como Fred, el posible blanco del asesino... o tal vez un anciano inocente reposando en la cafetería local.
Irónicamente Drive All Night me gustó menos durante el tercer acto, cuando Hsieh trata de introducir un poco de drama basado en los clichés del cine "noir"; pero eventualmente regresa al surrealismo de las tomas estáticas en escenarios iluminados por neón monocromático, y el rostro impasible de Dave manejando su taxi para sobrevivir... o para escapar del destino. O algo así. No sé exactamente cuál fue el punto de Drive All Night pero, como dije, me gustó como "performance" creativo con hermosa cinematografía, intrigantes sonidos (mención especial para la banda sonora retro-electrónica de William Hellmuth), y suficiente atmósfera para intoxicar a cualquier fanático de David Lynch. ¿Qué puedo decir? A veces el cine es más sensación que pensamiento.
Calificación: 7

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Elvis

Síntomas: La historia de Elvis Presley (Austin Butler) desde el punto de vista del Coronel Tom Parker (Tom Hanks), su cuestionable promotor.

Diagnóstico: Lo que más me gustó de Elvis fue Little Richard (Alton Mason). Su participación es muy breve (apenas los dos minutos de "Tutti Frutti"), pero hubiera preferido ver su "bio-pic", en lugar de la de Elvis Presley.
No me malinterpreten. Elvis (la película) me gustó bastante; y siempre he disfrutado la música de Elvis (el artista) (fue mi introducción al rock, a pesar de que empecé a escucharlo después de su muerte). Pero, francamente, Elvis Presley es una figura tan permanente y sobre-utilizada en la cultura popular que me costó trabajo entusiasmarme con otro recuento de su vida, incluso con el virtuosismo visual y florituras dramáticas que utiliza el director Baz Luhrmann para hacer que lo viejo parezca nuevo, y que lo irrelevante se sienta vital. En otras palabras: Elvis (Austin Butler) no me pareció un personaje particularmente interesante para sostener mi atención durante dos horas y media. Y lo mismo diría del Coronel Parker (Tom Hanks), un desvergonzado oportunista al que Luhrmann intenta dar profundidad como el cínico narrador que podría ocultar genuina humanidad.
Y, bueno, el truco funciona hasta cierto punto gracias al talento de Tom Hanks detrás del maquillaje y los bizarros modismos del Coronel; pero, fuera de eso, Elvis es otro magno espectáculo de ascenso y caída, indudablemente atractivo para los sentidos, pero emocionalmente inerte. Algo similar a lo que ocurrió con The Great Gatsby (2013) y Australia (2008), las más recientes películas de Luhrmann.
Habiendo dicho eso, el cine es un medio eminentemente visual, de modo que a veces las imágenes pueden bastar para recomendar una película. Y Elvis pertenece a esa categoría, apoyada por la brillante banda sonora que nos transporta a los orígenes de Elvis, sus influencias musicales, y su evolución como artista (mi pie se estuvo moviendo durante TODA la película) (Sí, soy "uno de esos"). Por cierto, Luhrmann no le tiene miedo a los anacronismos en la banda sonora, pues incorpora música de Doja Cat, Kacey Musgraves, y hasta Eminem como complemento de escenas específicas. Lo increíble es que funciona muy bien... aunque los puristas podrían opinar lo contrario.
Los aspectos técnicos de Elvis muestran la inconfundible sensibilidad de Baz Luhrmann, conjugando diseño, cinematografía y efectos especiales para crear secuencias dinámicas y poéticas que no necesitan ser "realistas" para transmitir su significado. Entre mis favoritas: un interludio animado como los comics que le gustaban a Elvis (no revelaré quién era su héroe favorito); y la introducción de Las Vegas en el año 1997, con un cameo de Star Trek. Tendrá sentido cuando lo vean.
Junto con Hanks, el resto del reparto se esfuerza por capturar los contrastes de las personalidades que rodeaban a Elvis, incluyendo David Wenham (300) como el cantante country Hank Snow; Helen Thomson como Gladys, la sufrida madre de Elvis; y Olivia DeJonge (Better Watch Out) como Priscilla Beaulieu, su futura esposa y madre de su hija. Y, en el papel principal, Austin Butler ciertamente se parece a Elvis (con apoyo prostético de Shane Thomas), replicando con extraordinaria fidelidad su lenguaje corporal y movimientos escénicos... pero le faltó el magnetismo natural de Elvis, un factor tan importante como la música para atraer el fanatismo de los jóvenes en aquel entonces.
Hablando de lo cual, el meteórico ascenso a la fama de "Elvis the Pelvis" apenas toma media hora de película, constituyendo un primer acto ágil y apresurado... lo cual nos deja con dos horas adicionales para examinar el drama familiar de Elvis, su peligrosa relación con la fama, y las maquinaciones del Coronel Parker para explotar a su protegido, sin preocuparse demasiado por su bienestar físico y mental. Como dije: lo mismo de siempre, pero espectacularmente dirigido por Baz Luhrmann, y muy bien ejecutado por su equipo técnico. La música se quedará en mi mente durante muchos días; sin embargo, como simple biografía, Elvis resultó tan frívola y superficial como Bohemian Rhapsody y The Dirt. Y aún así puedo recomendarla para devotos de Elvis Presley, y para jóvenes que no saben por qué un simple cantante causó tanto revuelo en el siglo veinte. Finalmente, para fans de Little Richard: paciencia.
Calificación: 8

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Incantation (Zhou)

Síntomas: Li Ronan (Hsuan-yen Tsai) recupera la custodia de su pequeña hija Dodo (Huang Sin-ting), y empieza a grabar un "video-diario" para la posteridad; pero su cámara captura fenómenos sobrenaturales relacionados con una maldición que la persigue desde hace años.

Diagnóstico: El argumento es muy distinto, pero la nueva película taiwanesa Incantation (disponible en Netflix) me recordó la reciente The Medium por su innovador uso del formato "found footage" para desarrollar un misterio tenebroso y perturbador... hasta el tercer acto, cuando ambas sacrifican originalidad para regresar a las cansadas rutinas de visión nocturna, movimientos frenéticos de cámara, y fallas electrónicas en el momento crítico para ocultar lo que nos estuvieron prometiendo durante dos horas.
Ah, y también es demasiado larga por culpa de tantos "flashbacks" que complican una simple historia de amor materno y redención por los errores del pasado. En resumen: Incantation empieza muy bien, pero tropieza con su excesiva ambición.
Aún así la experiencia tiene partes recomendables gracias a la tensa dirección de Kevin Ko, el tétrico diseño de producción, y las actuaciones de Hsuan-yen Tsai y Huang Sin-ting como madre e hija (respectivamente) tratando de forjar una conexión emocional después de una larga separación, mientras enfrentan fenómenos que amenazan su felicidad.
Al principio de Incantation Li Ronan se prepara para reiniciar su vida con su pequeña hija Dodo, quien creció en un orfanato debido a los problemas de salud que sufrió su madre durante muchos años. Y cuando por fin están juntas, empiezan a notar extraños fenómenos en su modesto departamento... y Ronan teme que sea el regreso de una maldición que sufrió en su juventud, cuando pertenecía a un equipo de "caza-fantasmas" que encontró algo inesperado mientras buscaban el origen de una leyenda local.
Y ahí es donde la trama se enturbia con visiones del pasado que intentan explicar las manifestaciones del presente, relatando los eventos que causaron la maldición. O tal vez la maldición no existe, y Ronan nunca superó el trauma que la hizo dudar de su instinto maternal.
Si Kevin Ko y el co-guionista Che-Wei Chang se hubieran enfocado en el aspecto psicológico, tal vez Incantation sería más satisfactoria, aunque menos terrorífica. Pero llega un momento en que los fenómenos paranormales interfieren con el desarrollo de los personajes, y terminan degenerando en los clichés previamente mencionados.
Por el lado positivo, esos fenómenos son espeluznantes y creativos, rebasando mis expectativas del cine pseudo-documental. En particular me impresionó el final donde Ronan nos envuelve en su angustia y paranoia, hasta rematar una crispante revelación que no hubiera sido posible con una narrativa convencional. Una cosa por otra, supongo.
Probablemente me voy a arrepentir de decir esto, pero siento que Incantation sería buena candidata para un remake norteamericano, simplificando la estructura de la cinta original, y buscando un balance más armónico entre el drama y el horror. Los ingredientes están presentes; solo hace falta un cocinero más práctico que acepte lo que tiene, y no lo arruine con demasiados condimentos. O algo así. Preparen su propia metáfora; yo me voy a comer.
Calificación: 7.5

IMDb

Gatlopp

Síntomas: Cuatro amigos de toda la vida se reúnen para recordar los viejos tiempos y distraer a Paul (Jim Mahoney) de su reciente divorcio. Entonces empiezan a jugar un juego de mesa llamado "Gatlopp", y descubren que tiene misteriosos poderes que los obliga a re-examinar sus vidas.

Diagnóstico: El concepto de "Jumanji de Terror" ya se había utilizado en otras películas (como Beyond the Gates), pero la nueva cinta Gatlopp lo traslada a un contexto más dramático, minimizando el horror para enfocarse en las relaciones de cuatro amigos que aún se estiman, aunque se distanciaron por el paso del tiempo y las circunstancias de la vida.
Supongo que Paul (Jim Mahoney, también escritor de la cinta) es el protagonista por default: un hombre afable, pero amargado por su divorcio de Alice (Shelley Hennig), quien lo engañó con un famoso director de cine (la historia se ubica en Los Ángeles, en parte para satirizar la industria fílmica, y en parte para explicar las neurosis de los personajes). Su mejor amigo es Cliff (Jon Bass), un clásico "stoner" irresponsable pero simpático que nunca cumplió sus metas en la vida. Paul se muda temporalmente con Cliff mientras encuentra un departamento de soltero, creando la excusa perfecta para reunir a la pandilla; y así es como llegan Troy (Sarunas J. Jackson), un actor de televisión en camino a la fama; y Samantha (Emmy Raver-Lampman), una productora con demasiadas preocupaciones para mantener una vida social estable.
La velada comienza con abundante cerveza y recuerdos del pasado, hasta que Cliff sugiere jugar "Gatlopp", un juego de mesa con retos y preguntas para probar los conocimientos de los jugadores e inspirar conversaciones sobre temas provocativos. Pero las cosas se complican cuando descubren que el juego puede alterar la realidad y crear peligros que solo se evitan diciendo la verdad... incluso si esas verdades tienen el potencial de destruir su amistad.
La premisa no es mala, pero lo que me gustó de Gatlopp fue el libreto meticulosamente diseñado como un rompecabezas que evoluciona conforme se revela nueva información, resultando en una imagen final muy distinta a la que imaginamos al principio. El director Alberto Belli y el guionista Jim Mahoney mantienen un cuidadoso balance entre drama, comedia, y una atmósfera ligeramente surrealista que no pretende asustar, sino auxiliar en el desarrollo de los personajes. Mi única queja es un tercer acto demasiado solemne, con múltiples secretos y traiciones que ponen en duda la lealtad de los amigos. El libreto está bien escrito, y me impresionó su capacidad para conectar eventos aparentemente independientes (como la broma de Braveheart); pero el drama personal resultó menos interesante que el misterio del juego maldito, en mi humilde opinión.
Regresando al lado positivo, el reparto tiene excelente química para respaldar la compleja amistad de los personajes, destacando Jon Bass como el "loser" con más profundidad de la que aparenta; y Sarunas J. Jackson y Emmy Raver-Lampman colaborando en escenas que exigen considerable precisión técnica y una genuina conexión emocional.
Tal vez Gatlopp no alcanza el nivel de "joya oculta"; pero Belli y Mahoney se perfilan como un prometedor equipo con grandes ideas, ambiciosa visión, y el talento necesario para respaldarlas. Incluso diría que Gatlopp es un excelente ejemplo para estudiantes de cine que quieran apreciar el valor de la planeación y el ensayo antes de filmar, en vez de confiar en la post-producción como solución mágica a todos los males... una lección aparentemente obvia que no todos aprenden a tiempo.
Calificación: 8

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The Sadness (Ku Bei)

Síntomas: Jim (Berant Zhu) trata de reunirse con su esposa Kat (Regina Lei) en una ciudad infestada por un virus que transforma a la gente en sádicos asesinos.

Diagnóstico: "Sádicos" es la palabra clave que separa The Sadness de otras películas de zombies. Aunque, desde luego, "zombies" tampoco es el término correcto para describir las criaturas de esta cinta taiwanesa, pues no pertenecen a la categoría tradicional de "muertos vivientes" de Night of the Living Dead, sino a los "infectados" de 28 Days Later. La diferencia es que las personas afectadas por el virus ALVIN conservan sus funciones mentales, pero pierden control de sus más bajos instintos. Esto significa que los infectados de The Sadness tienen apetitos carnales que rebasan el simple canibalismo; también son torturadores, violadores, y "stalkers" capaces de seguir el rastro de sus víctimas, planear ataques, y participar en grotescas orgías de sangre y vísceras.
Hablando de lo cual, The Sadness es una de las películas más sangrientas del año (bueno, del año 2021, pero hasta ahora logré verla en el catálogo canadiense de Apple+), con sorprendentes efectos especiales que combinan múltiples técnicas y astuta edición para crear impactantes momentos "gore" que tuve que ver varias veces para descifrar cómo fueron filmados sin sacrificar actores en la vida real.
Sin embargo, como ocurre en las mejores películas de terror, el punto de The Sadness no es la sangre, sino el tormento emocional de los protagonistas en una ciudad que perdió las frágiles barreras morales de la civilización, y donde la muerte acecha en cada esquina con hordas de infectados en busca de nuevas víctimas para torturar, devorar o... cosas peores. Además, el director/escritor Rob Jabbaz añade comentarios sobre la incompetencia de las autoridades durante una pandemia, las divisiones ideológicas de la sociedad, y las conspiraciones que incitan al público a ignorar la ciencia (o incluso el sentido común) cuando se extiende la infección por la ciudad de Taipei. Creo que mi escena favorita fue la conferencia de prensa donde el Presidente intenta tranquilizar al pueblo con las mismas mentiras y frases de cajón que, lamentablemente, escuchamos con mucha frecuencia en las noticias durante la pandemia de Covid-19. No es una propuesta dramática muy original, pero es bueno recordar las miopes políticas que empeoran una crisis en vez de resolverla.
En los papeles principales, Berant Zhu y Regina Lei parecen un poco superficiales, con actuaciones reactivas que no les permiten profundizar en el carácter de sus personajes; pero al mismo tiempo subrayan su regreso a los instintos animales necesarios para sobrevivir en un entorno literalmente salvaje, donde la lógica y la razón se volvieron obsoletas.
Antes de terminar conviene advertir que, como su nombre indica, The Sadness es una película deprimente y perturbadora, no solo por lo que muestra, sino por lo que insinúa en escenas que podrían ser demasiado fuertes para el público sensible (ejemplo: lo que ocurre en el pabellón de maternidad del hospital donde se refugia Kat). Pero para devotos del horror, The Sadness es un potente experimento que revive a los zombies (ja, ja) como reflejo de una sociedad en plena auto-destrucción, ya sea por catástrofes externas, o por la simple negación de la realidad. El destino no es exigente cuando se trata de la extinción.
Calificación: 8

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Thor: Amor y Trueno (Thor: Love and Thunder)

Síntomas: El guerrero Gorr (Christian Bale) sufre una gran decepción cuando descubre la indiferencia de su dios... y decide aniquilar a todas las deidades del Universo, incluyendo a Thor, Dios del Trueno (Chris Hemsworth).

Diagnóstico: La saga de Thor era el sector que menos me gustaba del Universo Cinemático de Marvel, hasta que el director neo-zelandés Taika Waititi (Hunt for the Wilderpeople) hizo un abrupto viraje en el 2017 con Thor: Ragnarok, emulando (y en ocasiones superando) la exuberante imaginación e irreverente humor de Guardians of the Galaxy. El único problema fue que las risas ahogaron el drama y trivializaron la evolución del protagonista. Quizás por eso Thor: Amor y Trueno explora temas más dolorosos y profundos, pero sin perder su sentido del humor; y aunque la nueva receta no siempre armoniza, ciertamente aprecié la ambición de Waititi y su audacia para implementar cambios sustanciales en la mitología de Asgard, en el carácter de Thor (Chris Hemsworth) y en el futuro de Marvel. En serio, no estoy seguro si el final de Thor: Amor y Trueno presagia la introducción de uno de mis personajes favoritos de Marvel, pero aún así me dejó con una gran sonrisa... y un pequeño nudo en la garganta.
Perdón, me estoy adelantando.
El subibaja emocional de Thor: Amor y Trueno comienza desde el principio, con una desgarradora tragedia que cambia la actitud de Gorr (Christian Bale), un hombre piadoso y devoto, hasta que descubre la arrogancia del dios Rapu (Jonny Brugh) y el desprecio que tiene por sus discípulos. Entonces Gorr jura destruir a todos los dioses con ayuda de una espada mágica que le confiere inmenso poder para cumplir su misión.
Mientras tanto, Thor continúa sus aventuras con los Guardianes de la Galaxia, compartiendo grandes momentos de triunfo y camaradería... pero en su interior se siente perdido, sin propósito ni destino. Entonces recibe un mensaje de Sif (Jamie Alexander), y decide regresar a Nueva Asgard para protegerla de un misterioso atacante.
Y, bueno, hay más tragedias, momentos melancólicos, y amenazas mortales que dejan enormes huellas (físicas y psicológicas) en casi todos los personajes; sin embargo hay que estar muy atentos para discernir el drama entre los constantes chistoretes y rutinas cómicas que acompañan prácticamente todas las escenas de Thor: Amor y Trueno, a veces como valioso complemento, y a veces como irritante obstrucción. Como dije, es un balance frágil y no siempre exitoso... pero a fin de cuentas satisfactorio como experiencia individual, y como un paso más en el desarrollo de Thor y la nación de Asgard. Francamente, es un milagro que la película funcione tan bien a pesar de la absoluta saturación de locaciones, personajes y excentricidades creativas de Taika Waititi, quien confirma (como si hubiera dudas) su talento para manejar los dispares elementos de una descomunal historia cósmica, sin perder el conflicto humano que nos conecta con los personajes. Después de todo, ¿quién más hubiera realizado una comedia con Hitler como "sidekick"?
Hablando de sidekicks, los papeles secundarios de Thor: Amor y Trueno son cruciales para apoyar el arco dramático de Thor. En particular disfruté el trabajo de Christian Bale como Gorr (cuya cruzada vengativa podría ocultar el mensaje más subversivo de cualquier cinta de Marvel), Tessa Thompson como el Rey Valquiria (por favor denle su propia serie en Disney+), la voz de Taika Waititi como Korg, y desde luego Natalie Portman como Jane Foster, cuyo inesperado regreso no fue tan forzado como yo imaginaba, sino razonablemente bien sustentado por el oportuno "ret-con" que no contradice los hechos previamente establecidos sobre su separación. También disfruté el cameo de Darcy (Kat Dennings), aunque fue demasiado corto. Ah, y otra queja: ¿tantas canciones de Guns N' Roses, y ni una de AC/DC? Bueno, al menos Dio entró al MCU. Algo es algo.
En este momento no sabría decir si Thor: Amor y Trueno me gustó más o menos que Thor: Ragnarok; pero por lo pronto puedo afirmar que tiene un mejor villano (uno de los grandes "talones de Aquiles" de Marvel), superior calidad visual (después de tantos héroes "dark" fue un placer regresar a los vivos colores de un comic viviente), y una hilarante versión del más descabellado concepto jamás creado por el artista John Buscema. Solo diré que involucra cabras.
Calificación: 9

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Slash/Back

Síntomas: Al norte de Canadá, en el borde del Círculo Ártico, varias niñas de la nación Inuit descubren indicios de una invasión extraterrestre, y deciden hacer algo al respecto.

Diagnóstico: Las invasiones extraterrestres casi siempre se presentan en películas épicas y espectaculares, donde la acción y los efectos especiales son más importantes que la historia. Sin embargo, en años recientes el cine independiente nos ha mostrado la invasión desde un punto de vista más íntimo y personal, enfocándose en las reacciones de la gente normal ante una amenaza cósmica que nos obliga a cuestionar nuestra propia humanidad. Algunos ejemplos notables: Save Yourselves!, Encounter y Captive State.
Y ahora la cinta canadiense Slash/Back se une a esa distinguida minoría con una "micro-invasión" de incierta procedencia que sirve como marco de la cultura Inuit (lo que antes llamábamos "esquimales") y los problemas de sus comunidades rurales, así como el extraordinario temple de sus habitantes, representados por varias niñas que deben cooperar y enfrentar sus temores para salvar al mundo. O al menos para salvar al pequeño pueblo de Pangnirtung, en el norte (MUY al norte) de Canadá.
Mencioné hace un momento la "incierta procedencia" de la invasión, porque durante gran parte de Slash/Back no estamos seguros de lo que está pasando en los alrededores de Pangnirtung. ¿Hay realmente criaturas extraterrestres usurpando cuerpos de personas y animales para cumplir su misión de conquista planetaria? ¿O son parásitos prehistóricos liberados de la nieve por el cambio climático? ¿O son las legendarias criaturas de la mitología Inuk que se usaban para asustar a los niños e inculcarles respeto por los peligros de la tundra?
La respuesta no es importante para disfrutar el maravilloso carácter de los personajes y sus simpáticas dinámicas a lo largo de una aventura inverosímil, pero hábilmente construida para inspirar suspenso, hacernos sonreír, y denunciar las injusticias cometidas contra las "Primeras Naciones" de Canadá... y, por extensión, contra todos los pueblos indígenas de América que fueron oprimidos por el colonialismo europeo. Y todo eso en ochenta económicos minutos bien balanceados entre humor, drama y acción.
Las protagonistas son  Maika (Tasiana Shirley), Leena (Chelsea Prusky), Jesse (Alexis Wolfe), Aju (Frankie Vincent-Wolfe) y Uki (Nalajoss Ellsworth), cinco amigas ocupadas con los quehaceres y melodramas de sus vidas cotidianas, incluyendo rivalidades románticas, dificultades domésticas, y el desencanto de crecer en un lugar tan pobre y remoto (¡la familia rica del pueblo tiene Netflix!), donde hay muy pocas oportunidades para prosperar, o siquiera soñar con un mejor futuro. Entonces, durante un paseo por la tundra, las niñas encuentran fenómenos inexplicables que eventualmente amenazan al pueblo; pero los adultos están en el Baile del Solsticio, y las amigas deciden enfrentar la situación por su cuenta.
Por el lado de la ciencia ficción, Slash/Back toma prestados conceptos de cintas como The Thing y Slither, lo cual resta originalidad a la "invasión" (o lo que sea) y hace la historia ocasionalmente torpe y predecible. Y tampoco ayuda el bajísimo presupuesto de la cinta y los efectos especiales de variable calidad que podrían decepcionar al público acostumbrado a la magia digital de Hollywood.
Sin embargo, el punto de Slash/Back no son los aliens, sino el pasaje a la madurez de las protagonistas, y la crisis existencial de la cultura Inuit, atrapada entre sus nobles tradiciones (que las nuevas generaciones consideran obsoletas) y los valores (no siempre positivos) de la civilización occidental. Quizás el mensaje de la directora y co-guionista Nyla Innuksuk sea encontrar un punto intermedio que permita una exitosa integración en el mundo moderno, sin sacrificar la identidad de su nación y sin olvidar las lecciones de sus ancestros. O algo así. Sospecho que hay un importante componente auto-biográfico en Slash/Back, y no tiene nada que ver con monstruos espaciales.
Hablando de cultura: nunca había visto el alfabeto escrito de los Inuit, pero realmente parece un lenguaje extraterrestre, lo cual me hizo imaginar nuevas teorías sobre la procedencia de las criaturas. Pero bueno... dejemos eso para la secuela (ojalá).
A pesar de su modesta producción y altibajos narrativos, Slash/Back (disponible en el catálogo canadiense de Prime Video) me gustó mucho como entretenimiento familiar con importantes ideas que no interfieren en su función recreativa... aunque tal vez sea demasiado sangrienta para niños pequeños. En resumen, Slash/Back es como la brillante serie Reservation Dogs, pero con menos política y más tentáculos.
Calificación: 8.5

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The Princess

Síntomas: La Princesa (Joey King) debe usar su entrenamiento militar para evitar el matrimonio por conveniencia con el cruel Príncipe Julius (Dominic Cooper).

Diagnóstico: No es muy lógica ni históricamente realista, pero disfruté la "disonancia cultural" de la nueva película The Princess (disponible en el catálogo canadiense de Disney+), la cual empieza como un cuento de hadas, y se transforma en un thriller de acción con abundante violencia, un poco de sangre, y temas feministas que contradicen los arcaicos valores del romance medieval, donde los apuestos caballeros rescataban a las princesas de su trágica soltería. Por el contrario, la protagonista de The Princess posee la habilidad y coraje necesarios para rescatarse a sí misma... aunque no es una heroína invencible, sino una joven relativamente normal que sufre heridas, comete errores, y se cansa de pelear contra los esbirros del déspota Príncipe Julius (Dominic Cooper), quien la necesita como esposa para heredar la corona del Rey (Ed Stoppard) y tomar control del reino.
Claro, no es una "disonancia" muy original, pues evoca el tono y atmósfera de cintas como Snow White and the Huntsman, Hansel & Gretel: Witch Hunters, y Pride and Prejudice and Zombies, donde las recatadas damiselas de la literatura clásica recurrieron a las artes marciales para recuperar el control de su vidas y luchar contra diversos villanos (zombies, monstruos, el patriarcado, etc.), quienes invariablemente subestimaban a estas "inofensivas" mujeres.
Nada innovador ni particularmente creativo; sin embargo, The Princess cuenta con los atributos necesarios para ocupar un digno lugar en el Cine B, incluyendo secuencias de acción dinámicas y bien coreografiadas; competente dirección que entiende el flujo de las peleas cuerpo a cuerpo; y un argumento con clichés bien colocados para engancharnos en el drama familiar de la Princesa interpretada por Joey King (Wish Upon, Slender Man), quien deja atrás los roles juveniles para establecerse como adecuada "mujer de acción". Indudablemente le falta práctica, pero algún día podría alcanzar el nivel de luminarias como Charlize Theron o Milla Jovovich... asumiendo que decida continuar por el escabroso camino de la acción directa a video, lo cual dudo mucho. Pero de un modo u otro fue un noble esfuerzo digno de admiración.
En papeles secundarios tenemos a Ed Stoppard (Judy) y Alex Reid (The Descent) como el Rey y la Reina, respectivamente; a Katelyn Rose Downey como Violet, la hermana menor de la Princesa; y Veronica Ngo (The Old Guard) como Linh, la instructora de buenos modales que incluyó un poco de artes marciales en la educación de la Princesa. Al principio temí que Ngo tuviera un papel meramente "ornamental", como los que le han dado a Iko Uwais en el cine occidental; pero afortunadamente el director Le-Van Kiet trabajó con ella en la excelente Furie, y tuvo el buen sentido de asignarle un papel sustancioso donde puede lucir su talento... aunque no negaré que me hubiera gustado más si tuviera el papel principal. En fin... así son las realidades de la mercadotecnia internacional.
Por el lado de los villanos, Dominic Cooper y Olga Kurylenko interpretan al Príncipe Julius y su consorte Moira, sobreactuando con gran gusto y ganando el odio del espectador... aunque claramente se divierten en roles opuestos a su imagen habitual.
Conviene advertir que, a pesar de su apariencia "disneyana", The Princess no es una película para niños; sin embargo podría funcionar para el público adolescente en busca de algo más violento que las cintas de Marvel, y menos insípido que los cuentos de hadas transformados en épicas heroicas (como Mulan, Alice in Wonderland, y la mencionada Snow White and the Huntsman). Sin embargo, The Princess será igualmente apreciada por los fans de las B-Movies de acción (como yo), siempre y cuando puedan digerir el anacronismo intencional de la premisa, y el argumento que sigue la ruta del menor esfuerzo para llegar al final feliz. Podrá haber decapitaciones en The Princess, pero algunas cosas nunca cambian en los cuentos de hadas.
Calificación: 8

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Rubikon

Síntomas: En el año 2056 la contaminación atmosférica tiene a la humanidad al borde de la extinción; pero los científicos de la estación espacial Rubikon trabajan incansablemente para encontrar una solución. Y entonces pierden contacto con la Tierra.

Diagnóstico: La producción austriaca Rubikon confirma la capacidad de ese país para competir a nivel internacional (ya lo había demostrado con el notable thriller psicológico Goodnight, Mommy), ofreciéndonos una fascinante cinta de ciencia ficción con altos valores de producción, un excelente reparto multi-nacional (aunque se filmó principalmente en inglés), y una historia rica en ideas sobre el futuro de la humanidad cuando finalmente reconozcamos que "respirar es más importante que las ganancias corporativas".
No se preocupen; el mensaje ecológico de Rubikon se mantiene en segundo plano mientras la directora Leni Lauritsch se enfoca en el conflicto de tres astronautas a bordo de una estación espacial obsoleta y deteriorada, tratando de decidir si vale la pena arriesgar sus vidas por una civilización en camino a la extinción.
La Comandante Hannah Wagner (Julia Franz Richter) llega a la estación Rubikon con el biólogo Gavin Abbott (George Blagden) para evaluar el sistema de oxigenación renovable basado en algas marinas que inventó el doctor ruso Dimitri Krylow (Mark Ivanir), el cual podría resolver la crisis ambiental del planeta. Pero antes de que Wagner pueda revisar los resultados del experimento, la estación pierde contacto con la Tierra, dejándolos a la deriva (literal y figurada), con escasas probabilidades de supervivencia.
La primera mitad de Rubikon me gustó mucho por el desfile de emergencias y dificultades técnicas que la tripulación deben resolver a base de ingenio, valor, y un poco de suerte. Habiendo dicho eso, Lauritsch y su co-guionista Jessica Lind se tomaron bastantes libertades con las leyes físicas que complican la vida a bordo de una estación espacial (por ejemplo, el uso de "gravedad artificial" para evitar el gasto de filmar a los astronautas flotando en microgravedad simulada); pero no me molestaron estas concesiones, ya que la historia capturó mi interés desde el principio, y desvió mi atención de las falacias científicas... hasta cierto punto.
Desafortunadamente Rubikon pierde fuerza en la segunda mitad por dedicar demasiado tiempo a los debates prácticos y filosóficos que básicamente le dan vueltas a la misma pregunta: ¿permanecer en la estación y sobrevivir, o arriesgarse a una muerte casi segura para darle una pequeñísima esperanza a la raza humana? Generalmente aprecio las reflexiones de la ciencia ficción sobre los problemas del presente y sus soluciones en el futuro. Sin embargo Rubikon extendió demasiado su función analítica, confundiendo el enfoque de la premisa, y frenando el flujo natural de la historia. Solo al final recupera el rumbo para llegar a un final lógico y ligeramente manipulador... pero bastante satisfactorio, en mi humilde opinión.
Y ni siquiera he mencionado los fantásticos efectos especiales y el diseño de producción que retratan con gran detalle e imaginación la vida en el espacio, el funcionamiento de la estación espacial, y los efectos de la contaminación en la atmósfera terrestre. Todo lo cual me permite recomendar Rubikon como una sólida experiencia de ciencia ficción "seria", con algunos tropiezos que empañan levemente el resultado final. Solo hay que tener un poco de paciencia... y una visión objetiva de los vicios humanos que podrían llevarnos a este trágico futuro. Para bien o para mal, esa fue la parte más creíble de la cinta.
Calificación: 8

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Watcher

Síntomas: Julia (Maika Monroe) y su esposo Francis (Karl Glusman) se mudaron a Bucarest por razones de trabajo; pero Julia tiene dificultades para adaptarse a su nueva situación, pues no conoce a nadie ni habla el idioma. Además, un hombre la espía desde el edificio de enfrente, y Julia empieza a sospechar que está conectado con una serie de asesinatos cometidos en el vecindario.

Diagnóstico: La directora Chloe Okuno hizo un auspicioso debut en la reciente V/H/S 94, con el segmento que nos dio al ícono cultural "Raatma". Y ahora, en su primer largometraje, Okuno muestra un estilo muy distinto, pero igualmente atractivo, para contar una historia que no calificaría exactamente como horror, sino como un thriller psicológico que nos sumerge gradualmente en la paranoia de la protagonista, atrapada metafóricamente en su soledad e inseguridades mientras trata de adaptarse a una nueva vida. Es una receta rica en posibilidades que, lamentablemente, Okuno no aprovecha al máximo; pero incluso en esta forma reducida ofrece buenos momentos de suspenso, una excelente actuación principal, y una ingeniosa inversión temática que rescata a Watcher de su cansada ejecución.
No tengo objeción con las narrativas lentas que toman su tiempo para revelar sus secretos y acomodar sus piezas para máximo impacto dramático; el problema es que Watcher no esconde suficientes secretos ni sorpresas para capturar nuestra atención mientras llegamos al desenlace indudablemente intenso y satisfactorio, pero que no necesitaba tanta preparación para transmitir su mensaje. En otras palabras, hay poca historia y mucho relleno en Watcher, incluso para sus breves noventa minutos de duración.
Por el lado positivo, la dirección de Okuno evoca la obra de Hitchcock y Polanski, con una frialdad clínica que alimenta las turbulentas emociones de Julia conforme crece su obsesión con el misterioso espía que no solo la observa desde el edificio de enfrente, sino que tal vez la está siguiendo en sus actividades cotidianas.
Y aquí es donde viene la "inversión temática" que mencioné al principio. Julia no tiene pruebas tangibles para justificar sus temores. Después de todo, no sería raro encontrar en la calle a los vecinos del mismo barrio; y ni siquiera está segura de que el hombre de la ventana sea el mismo que la siguió en una tienda de abarrotes. Su frágil percepción de la realidad podría ser consecuencia de su ansiedad por el cambio de domicilio, de la soledad en una ciudad desconocida, y de la tensión marital con su esposo Francis (Karl Glusman), quien está muy ocupado con su nuevo trabajo, y descarta inmediatamente las teorías de su esposa. El único respiro de Julia es Irina (Madalina Anea), una amistosa vecina que habla inglés, y le ofrece apoyo cuando más lo necesita... aunque tampoco está segura si Julia dice la verdad, o si está proyectando sus miedos en una persona inocente.
Y así procede la trama de Watcher, planteando las mismas preguntas, y avanzando lentamente hasta un final sangriento y contundente... aunque no justifica por completo el pausado desarrollo de la cinta. Aún así Watcher me pareció un thriller superior al promedio gracias a la sensibilidad artística de Chloe Okuno y al talento de Maika Monroe (It Follows, Tau) para encontrar ese punto crítico entre sinceridad y paranoia que nos mantiene a la expectativa, porque no sabemos qué creer. Habiendo dicho eso, la semi-clásica película para televisión Someone's Watching Me! obtuvo un mejor resultado con la misma premisa; pero, bueno, no todos pueden ser John Carpenter.
Calificación: 7

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