The Protégé

Síntomas: Tras la muerte de su mentor, la asesina profesional Anna (Maggie Q) emprende una implacable misión de venganza que la llevará hasta donde nunca quiso llegar.

Diagnóstico: Como he mencionado en muchas (demasiadas) ocasiones, me gusta el cine de acción con protagonistas femeninas... pero me decepciona la constante repetición del mismo argumento que ya se convirtió en un cliché, y amenaza con hundir el sub-género cuando apenas empezaba a ganar fuerza.
Cierto, esta tendencia feminista no es nueva, pero ha prosperado en años recientes gracias a cintas como The Villainess, The Assassin, Gunpowder Milkshake, Ava, Anna, y Kate (en poco tiempo la lista será suficiente para llenar una crítica entera).
Y ahora The Protégé nos ofrece otra versión de la asesina en busca de venganza. Afortunadamente el veterano director Martin Campbell (The Foreigner) y el guionista Richard Wenk (The Magnificent Seven) incorporaron algunas sorpresas para sazonar la receta y extender un poco su fecha de caducidad. Por el lado negativo, The Protégé también incluye complicaciones innecesarias que casi me arruinaron la película por su artificialidad y anacronismo.
No quiero revelar las sorpresas de la película (buenas o malas), pero su principal problema (en mi humilde opinión), gira en torno a Michael Keaton.
No me malinterpreten. Me gusta mucho el trabajo de Michael Keaton en prácticamente todo lo que hace (desde roles "de prestigio", como Birdman, hasta sus ocasionales incursiones en B-Movies). El problema es que su personaje en The Protégé rompe el flujo de la trama, obliga a la protagonista a tomar decisiones absolutamente ridículas, y se convierte en un "mcguffin" humano que desvía la atención de Anna (y la nuestra) del objetivo primario. Ah, y también prolonga la duración de la cinta, lo cual requiere más relleno, más situaciones inverosímiles, y un "twist" contraproducente para el impacto emocional de la historia.
Bueno, al menos estos problemas significan que The Protégé no fue tan idéntica a las demás como yo esperaba.
Y ahora, por el lado positivo... Maggie Q (nombre real: Margaret Denise Quigley).
Su carrera empezó en Asia (¡bajo la tutela de Jackie Chan, nada menos!), y si bien ha mantenido una filmografía balanceada entre múltiples géneros, sus papeles más memorables pertenecen al cine de acción (Mission: Impossible III, Live Free or Die Hard). Por eso fue un placer encontrarla como protagonista de su propia película, donde no solo luce su carisma y talento como actriz, sino una habilidad física comparable con Charlize Theron y Milla Jovovich (aparentemente Maggie Q realizó algunos de sus "stunts", incluyendo un espectacular "die harding" a la mitad de la película).
Tan solo por Maggie Q recomendaría The Protégé (y ni siquiera he mencionado a Samuel L. Jackson, Robert Patrick, y la cinematografía de David Tattersall), y espero que la cinta tenga suficiente éxito para inspirar una secuela, o al menos para conseguirle proyectos más diversos y creativos a esta dinámica actriz. Habiendo dicho eso, otro refrito de acción sería preferible en vez de regresar a los roles de "mejor amiga" o "madre preocupada". Bajo ese criterio, el cliché de "asesina profesional" podría ser el pasaporte que muchas actrices necesitan para escapar el sexismo de Hollywood. Ya no voy a quejarme cuando llegue la siguiente película con esta premisa.
Calificación: 8

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Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City (Resident Evil: Welcome to Raccoon City)

Síntomas: En 1998, una epidemia de zombies se extiende por Ciudad Raccoon, y varios de sus habitantes tratan de sobrevivir mientras investigan el origen de la plaga.

Diagnóstico: Hace un par de años la película Doom: Annihilation (2019) me pareció objetivamente mala... pero al mismo tiempo disfruté su fiel recreación de las criaturas, atmósfera, y premisa general del videojuego Doom, uno de mis favoritos de toda la vida.
Creo que ocurrirá lo mismo con Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City: una mediocre película por sí misma, pero con suficiente valor artístico y nostálgico para satisfacer a los fans del videojuego. Sin embargo, probablemente será una enorme decepción para el público que solo conocía la saga cinematográfica del director Paul W.S. Anderson.
Sin ser devoto de esa franquicia, eventualmente aprendí a respetar el inquebrantable compromiso de Milla Jovovich en el icónico papel de "Alice", y las descabelladas ideas de Anderson que nos llevaron desde las calles de Ciudad Raccoon hasta el catastrófico futuro post-apocalíptico de la Tierra (mi favorita fue Resident Evil: Extinction). A pesar de su insulsa narrativa, no podemos negar la épica visión del director y su talento para el espectáculo libre de sustancia.
Por el contrario, Resident Evil: Bienvenidos a Ciudad Raccoon propone un rescate de la atmósfera sucia y oscura de los videojuegos originales, así como sus claustrofóbicas locaciones donde los personajes vagan sin rumbo mientras enfrentan criaturas que rebasan el concepto del "zombie" tradicional. Fue una decisión audaz, y admiro el valor del director/escritor Johannes Roberts (47 Meters Down, The Strangers: Prey at Night) por intentar un "reboot" tan radical; desafortunadamente Resident Evil: Bienvenido a Ciudad Raccoon falló en todos los niveles, excepto en reproducir el tono y estética que capturó a los fans hace veinticinco años. Si a mi me gustó una bazofia como Doom: Annihilation, no voy a negar el placer culposo de una mala película que por lo menos hizo algo bien.
Los valores técnicos de Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City cumplen las metas de la cinta con variable calidad. La sangre fluye en abundancia, la cinematografía de Maxime Alexandre es apropiadamente turbia, y las criaturas siguen los diseños originales, combinando efectos prácticos y digitales de aceptable realismo (al menos para un videojuego).
Los actores no son malos; el problema es el libreto que no sabe establecer a los personajes más allá de sus rasgos básicos: Leon S. Kennedy (Avan Jogia) es un policía novato que debe probar su aptitud; Jill Valentine (Hannah John-Kamen) es buena con las armas; Brian Irons (Donal Logue) es el Jefe de Policía que abandona su puesto cuando la situación se complica; los hermanos Claire (Kaya Scodelario) y Chris Redfield (Robbie Amell) tienen cuentas pendientes con la Corporación Umbrella; y Albert Wesker (Tom Hopper) es el "comodín" del grupo... tal vez un aliado, o tal vez un traidor. No sentí interés alguno por estos personajes, ni por el débil drama que generan a lo largo de la "historia", la cual consiste en una serie de escenarios donde encuentran peligros cada vez mayores. Sí, exactamente como un videojuego, pero más aburrido porque yo no estoy jugando, sino viendo a otros jugar... y ni siquiera bien.
No puedo creerlo, pero hubiera preferido otro refrito de Anderson/Jovovich en vez de este anémico "reboot" que intentó ser más horror que acción... y fracasó en ambos niveles. Creo que voy a jugar Yet Another Zombie Defense un par de horas, pues hasta ese humilde juego "indie" será una experiencia zombie más divertida que Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City.
Calificación: 6 (solo por las criaturas)

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Black Friday

Síntomas: Durante la venta anual del "Viernes Negro", los empleados de la tienda We Luv Toys se preparan para recibir una horda de compradores frenéticos; pero la situación se complica cuando una extraña mutación convierte a los clientes en salvajes asesinos.

Diagnóstico: Claro, los zombies ya se usaban como metáfora del consumismo desde la original Dawn of the Dead (1978); pero la nueva película Black Friday complementa el mensaje denunciando la codicia corporativa, la incompetencia laboral, y la crueldad de la gente que olvida la decencia cuando hace sus compras navideñas. Nadie negará que el director Casey Tebo tenía un propósito válido y concreto para contar esta historia; lo único que le faltó fue más dinero para realizar su visión, y un poco de disciplina para controlar su exuberante entusiasmo.
Por el lado negativo tenemos un errático libreto que fragmenta la cinta en sub-tramas de variable interés; una serie de crisis que se resuelven de la manera más absurda posible (por ejemplo, el asunto del montacargas); y un escuálido "Viernes Negro" que necesitaba más "extras" y mejores locaciones para representar el caos y desenfreno de esta festividad (¿podemos llamarle "festividad"? Supongo que así la ven los dueños de las tiendas).
Afortunadamente Black Friday tiene aspectos positivos para balancear sus fallas, empezando por un entusiasta reparto que toma en serio sus papeles, pero sin ignorar el humor inherente de la situación: una batalla literal entre clientes y empleados donde las frustraciones acumuladas durante años explotan en sangre y violencia. Probablemente Black Friday será una experiencia catártica para cualquier persona en el ramo de ventas que alguna vez soñó con aplastar el cráneo de un comprador irrespetuoso, o demoler la tienda que atormenta a sus empleados.
El director Casey Tebo y el guionista Andy Greskoviak asignan personajes para representar los vicios del comercio moderno, desde la indiferencia del gerente Jonathan (Bruce Campbell), hasta la indolencia de los empleados con espíritus marchitos como Ken (Devon Sawa) y Archie (Michael Jai White). Pero también hay jóvenes como Marnie (Ivana Baquero), Ryan (Chris Godecki) y Emmett (Louie Kurtzman), que aún tienen ilusiones de ascenso económico; y empleados tóxicos como Brian (Stephen Peck), el jefe de piso acostumbrado a abusar del escaso poder que le confiere su puesto. ¿Mencioné que hay demasiadas sub-tramas?
Por cierto, no negaré que Bruce Campbell fue mi razón principal para ver Black Friday. Me hubiera gustado que tuviera un rol más activo, matando zombies y salvando el día, al estilo de Ash en Evil Dead; pero en vez de eso interpreta al "villano corporativo", un papel más apropiado para su edad, y además compatible con su sarcástico estilo de actuación.
Finalmente, mención especial para los múltiples estudios de efectos especiales que participaron en Black Friday (como MUFX, Norman Cabrera Monsters y Autonomous FX). Su trabajo no siempre es realista, pero aprecié la creatividad de los diseños y las delirantes imágenes que nos distraen de las patéticas "multitudes" de veinte personas y la mega-tienda de juguetes con estantes vacíos. O tal vez así es la nueva realidad del "Viernes Negro" en esta época de compras en línea...
Calificación: 7.5

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Paranormal Activity: Next of Kin

Síntomas: La joven Margot (Emily Bader) siempre quiso saber por qué su madre la dio en adopción; entonces descubre que su familia biológica vive en una comunidad Amish, y decide visitarlos para conocer más sobre su pasado.

Diagnóstico: ...y, desde luego, su amigo Chris (Roland Buck III) (¿o es su novio? No estoy seguro) quiere filmar un documental del encuentro, no solo por su valor emocional, sino también para explorar las tradiciones de la secta religiosa Amish, dedicada a mantener un estilo de vida rústico y espiritual para evitar las tentaciones de la sociedad moderna.
Esa es la excusa de Paranormal Activity: Next of Kin para adoptar la técnica de "found footage" que ha utilizado esta popular franquicia a lo largo de siete películas. Sin embargo, ahí terminan las similitudes.
Paranormal Activity: Next of Kin (estrenada en la región norteamericana de Paramount+, aunque ya está disponible en Prime Video canadiense) rompe la tradición con un argumento que deja atrás las casas embrujadas y las cámaras de seguridad para enfocarse en las cuestionables prácticas de una secta religiosa. Y aunque admiro la intención de cambiar la fórmula y extender el repertorio de la saga, no bastó para hacer una buena película.
El formato documental podrá ser distinto en el contexto de Paranormal Activity (donde casi siempre se usaban videos interiores de una casa embrujada), pero de ninguna manera es nuevo en el mundo del "found footage"; por eso Paranormal Activity: Next of Kin gasta la primera media hora en clichés que ya conocemos de memoria, incluyendo la introducción de los personajes, sus funciones durante la filmación (sorpresa: el técnico de sonido también es el "comic relief"), y la inevitable tragedia del pasado que intenta añadir emociones al horror. La única que destaca en esta tediosa rutina es Margot misma, no porque el personaje sea particularmente interesante, sino por la sincera energía de la actriz Emily Bader (¿es mi imaginación, o se parece mucho a Alison Brie?) Su carisma nos mantiene enganchados durante un rato, pero después de cuarenta minutos de rodeos irrelevantes ya estaba listo para abandonar la película. Entonces llega la primera "actividad paranormal", y parece que la cinta por fin encontró su camino.
No... falsa alarma. El relleno continúa hasta el tercer acto, cuando por fin se revela el gran secreto de la secta, y empieza el horror en forma. Lástima que tampoco fue muy terrorífico, aunque admito que tiene un par de momentos tenebrosos que revivieron temporalmente mi interés antes de llegar al ambiguo final, con su obligatoria escena adicional para preparar una secuela.
Tal vez Paranormal Activity: Next of Kin hubiera sido más tolerable como genérica película de "found footage", sin relación con el universo creado por Oren Peli. Así no habría expectativas ni comparaciones con las previas cintas que, a pesar de sus altibajos, obtuvieron buenos resultados dentro de su limitado esquema narrativo, más enfocado en suspenso que en el horror religioso de esta nueva película.
Y lo peor es que Paranormal Activity: Next of Kin cuenta con el apoyo de dos luminarias del horror contemporáneo: el director William Eubank (The Signal, Underwater), y el guionista Christopher Landon (Happy Death Day, Freaky). No sé qué habrá pasado; tal vez no tenían interés en el material, o algún ejecutivo metió la mano para "mejorar" la película (normalmente esperaría eso de un estudio grande como Paramount, pero no de Blumhouse, que generalmente concede libertad creativa a los cineastas); el punto es que Paranormal Activity: Next of Kin parece una torpe cinta de terror realizada por novatos que eligieron la estética "found footage" para ocultar su inexperiencia.
Lo mejor que puedo decir es que Paranormal Activity: Next of Kin me inspiró a revisitar la cinta original. Después de todo ya pasaron catorce años de secuelas e imitaciones, y me gustaría saber si Paranormal Activity aún puede crear altos niveles de tensión con el simple truco de apuntar una cámara estática a una recámara suburbana. Quién hubiera pensado que salir de la casa arruinaría la saga.
Calificación: 6 (solo por las escenas del pozo)

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Broadcast Signal Intrusion

Síntomas: Durante su monótono trabajo nocturno en una televisora de Chicago, James (Harry Shum Jr.) descubre viejas grabaciones de transmisiones piratas que interrumpieron la programación en los años ochentas. Entonces James empieza a investigar el origen de esas "intrusiones" porque cree que están relacionadas con una tragedia de su pasado.

Diagnóstico: Horror, conspiraciones, paranoia, y un poco de sangre: Broadcast Signal Intrusion es mi tipo de película, no solo por sus ingredientes, sino por la oblicua construcción de un misterio que podría tener muchas respuestas, o tal vez ninguna.
Para bien o para mal, Broadcast Signal Intrusion es otro parsimonioso experimento "indie" con grandes ideas expresadas por medio de intensas actuaciones, excelente cinematografía, y un libreto ocasionalmente ilógico, pero siempre un paso adelante de nuestra imaginación.
Y también tenemos las "transmisiones piratas" que constituyen dosis concentradas de terror, diseñadas para infiltrarse en el subconsciente con perturbadoras imágenes y estridentes sonidos de incierto origen o intención... ¿serán mensajes de otro planeta? ¿Del "más allá"? ¿O simplemente una broma de "hackers" noventeros?
Olvidé mencionar que Broadcast Signal Intrusion se desarrolla en el año 1999, lo cual añade una deliciosa nostalgia por la tecnología de aquella época y las comunidades que se formaban a su alrededor. Los "boletines electrónicos" (también conocidos como "BBS") (mis favoritos eran El Sol del DF, Tierras Extrañas, y Coyoacán BBS, en caso de que alguien los recuerde), las grabadoras de 3/4, y las colecciones de videos "raros" en casetes Beta fueron componentes esenciales de mi juventud (bueno, "juventud" es un término relativo), y me gustó ver estas reliquias históricas retratadas con tanto afecto y precisión en Broadcast Signal Intrusion. Y no son mera decoración, sino parte importante del entorno cultural que le permite a James descubrir conexiones entre las señales piratas y una tragedia de su pasado. El problema es que nunca estamos seguros si las conexiones son reales, o si son fantasías de un "geek" deprimido y solitario que quiere encontrar explicaciones racionales donde solo existe caos (por cierto, Broadcast Signal Intrusion se inspiró en las auténticas "intrusiones" de un imitador de Max Headroom en 1987... en la ciudad de Chicago).
El director Jacob Gentry (The Signal) plantea múltiples incógnitas que complican la fracturada investigación de James, llevándolo (y a nosotros también) por tortuosos caminos en busca de soluciones que tal vez nadie debería conocer... o hacia una trampa diseñada para eliminar a las personas que se acercan demasiado a la verdad. ¿Cuál es la verdad? No estoy seguro. Pero no necesito saberlo para disfrutar el estimulante laberinto de pistas falsas y peligros reales que enfrenta el protagonista.
Mi única queja sobre Broadcast Signal Intrusion es la tardía adición de un personaje que se integra a la investigación para añadir variedad y refrescar la dinámica de la cinta. Sin duda lo consigue... pero a costa del realismo y el sentido común.
Aún así, Broadcast Signal Intrusion me pareció un hipnótico thriller "retro" que recomendaría para individuos interesados en conspiraciones, misterios de la cultura popular, y demás secretos ocultos en las sombras de la civilización, siempre en espera de la siguiente generación de "geeks" con nuevas herramientas para revelar una antigua verdad: a veces es mejor quedarse con la duda.
Calificación: 8

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Ghostbusters: El Legado (Ghostbusters: Afterlife)

Síntomas: Para aliviar sus dificultades económicas, Callie (Carrie Coon) y sus hijos se mudan a la desvencijada granja familiar que les dejó su abuelo en un pequeño pueblo de Oklahoma; entonces la niña Phoebe (Mckenna Grace) descubre extraños artefactos relacionados con un evento paranormal que ocurrió en Nueva York hace cuarenta años.

Diagnóstico: Imagino que Ghostbusters: El Legado es exactamente lo que querían los fans: un sincero homenaje a una obra clásica de los ochentas, con abundantes guiños y referencias para alimentar la nostalgia e inspirar emociones que estuvieron ausentes en el remake del 2016.
Sin embargo yo nunca fui devoto de la original Ghostbusters (1984), y por eso disfruté más las partes de Ghostbusters: El Legado que hablan con su propia voz, estableciendo una nueva premisa, nuevos lugares, y nuevos personajes que enfrentan un poderoso enemigo al mismo tiempo que superan sus temores e inseguridades personales. En otras palabras: me gustaron más las innovaciones de la cinta que los refritos del pasado.
Afortunadamente Ghostbusters: El Legado incluye suficientes porciones de ambas recetas para dejar satisfechos a todos... siempre y cuando aceptemos algunas situaciones inverosímiles y un poco de drama artificial para unificar los divergentes aspectos de la película.
Todo empieza con la muerte de un anciano en una vieja granja del estado de Oklahoma, a donde eventualmente se muda su hija Callie (Carrie Coon) y sus nietos Phoebe (Mckenna Grace) y Trevor (Finn Wolfhard). Es una situación difícil para toda la familia, pero cada quién encuentra distracciones para sobrellevar el cambio: Trevor se interesa en una joven (Celeste O'Connor) que trabaja en un restaurante local; Callie hace amistad con Gary Grooberson (Paul Rudd), maestro de la escuela secundaria que tiene sus propias razones para vivir en un pueblo tan rústico como Summerville; y Phoebe descubre objetos del abuelo que revelan tremendos secretos familiares y despiertan la curiosidad científica de la niña.
Y, desde luego, todas estas sub-tramas están destinadas a unirse cuando Phoebe y su amigo Podcast (Logan Kim) descifran el gran secreto de Summerville... y la amenaza que representa para el mundo entero.
Hasta ahí Ghostbusters: El Legado es una competente aventura juvenil con personajes simpáticos, un poco de humor, y sólidas actuaciones que armonizan perfectamente con el tono mitad siniestro y mitad juguetón que evoca el director Jason Reitman (hijo de Ivan Reitman, el director de la cinta original, pero también un cineasta talentoso por derecho propio), quien tiene bastante experiencia para combinar drama y comedia sin sacrificar emociones ni trivializar los retos de los protagonistas. Sin embargo llega un momento en que se vuelve necesario re-dirigir la trama hacia la mitología de Ghostbusters... y sentí que la película perdió parte de su personalidad en ese forzado viraje.
No obstante, mucha gente señalará ese punto de inflexión como la mejor parte de Ghostbusters: El Legado, pues es cuando dejamos atrás la ambigüedad del misterio de Summerville para entrar de lleno al territorio de los originales Ghostbusters, desatando un tercer acto repleto de acción, fantasmas, y todo tipo de referencias que van desde sutiles "easter eggs" (como el chocolate Crunch) hasta los cameos que elevan la película y validan su existencia (por cierto, hay dos escenas adicionales en los créditos que sugieren el tema de la siguiente película... asumiendo que Ghostbusters: El Legado tenga suficiente éxito en taquilla para evitar el destino truncado de Ghostbusters '16).
El resultado es una secuela que forja su propio camino al mismo tiempo que rescata los valores de la obra original (debería decir "obras", ya que también hay referencias a Ghostbusters II), apoyada por un brillante reparto (Mckenna Grace se roba fácilmente la película); un apropiado manejo de nostalgia que empieza como "fan service" para transformarse en parte integral de la narrativa; y la mágica simetría del hijo (Jason Reitman) reviviendo el legado del padre (Ivan Reitman), para beneficio de futuras generaciones (perdón por el melodrama). Reitero que no soy fan de Ghostbusters '84; pero definitivamente soy fan de Ghostbusters: El Legado.
Calificación: 8.5

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Copshop

Síntomas: El estafador Teddy Murretto (Frank Grillo) golpea intencionalmente a un policía para que lo encierren en la comisaría local, donde cree que estará a salvo de los asesinos que lo persiguen. Pero está muy equivocado.

Diagnóstico: A lo largo de veinte años el director Joe Carnahan ha demostrado su talento y creatividad en el cine de acción; y aunque no todas sus películas podrían considerarse "clásicas", creo que ha mantenido un buen nivel de calidad y una tasa de éxito (no necesariamente monetario, sino artístico) muy superior a otros cineastas identificados con este género.
Entonces, mi pregunta es: ¿Por qué Joe Carnahan sigue relegado a las "B-Movies" en vez de dirigir películas de Marvel o mega-producciones para los servicios de "streaming"? Imaginen la ventaja que hubiera sido contar con su presencia en cintas como The Tomorrow War, Kate, o la reciente Red Notice.
Por otro lado, tal vez Carnahan prefiere la modesta industria del "Cine B" porque puede hacer cosas más variadas y experimentales, sin seguir órdenes de ejecutivos que solo quieren minimizar riesgos y copiar lo que esté de moda.
Como sea, Copshop es la nueva película de Joe Carnahan, y aunque no tiene tanta acción como la ambiciosa Boss Level, lo compensa con elevado suspenso y buenas dosis de humor negro durante el sangriento sitio de un precinto policíaco en el desierto.
Sí, en cierto modo Copshop es otro refrito de Assault on Precinct 13 (1976), donde policías y ladrones tienen que cooperar para defenderse de un ataque externo (esa clásica de John Carpenter fue a su vez un refrito del western Rio Bravo, de 1959, así que no hay nada nuevo bajo el sol). La diferencia es que en Copshop el ataque viene desde adentro... y, bueno, también desde afuera, pero el punto es que no hay cuartel para los desesperados protagonistas.
Entre ellos: Teddy Murretto (Frank Grillo), un misterioso intermediario entre el mundo de la política y el crimen organizado. Pero su ambición lo hizo cometer un gran error, y ahora sus jefes quieren eliminarlo. Por eso Teddy aprovecha una riña callejera para golpear a la oficial Valerie Young (Alexis Louder)... y termina en la cárcel local, donde cree estar a salvo de los asesinos que lo persiguen. Sin embargo, el temible Bob Viddick (Gerard Butler) tiene su propio plan para infiltrarse al precinto. Y así la situación se complica hasta que Valerie debe tomar una gran decisión: ¿será mejor confiar en el estafador que quiere salvar a su familia, o en el asesino con un estricto código de honor?
La primera mitad de Copshop es un poco lenta pero no aburrida, pues establece la densa red de cómplices, aliados (no es lo mismo) y posibles traidores involucrados en la cacería de Teddy. En cualquier otra película estos personajes serían víctimas desechables sin profundidad alguna, pero Carnahan conoce el valor de crear individuos realistas que impulsan la trama con su propia motivación, en vez de ser simples títeres de cartón. Y así, mientras la trama llega al punto de ebullición, tenemos tiempo para conocer a los demás policías del precinto y comprender sus reacciones cuando empieza la violencia. Entre los actores que interpretan a estos personajes secundarios destacan Chad L. Coleman (Klyden en la serie The Orville), Ryan O'Nan (Marauders) y el genial Toby Huss (The Rental, Horse Girl, Sword of Trust), un veterano actor de carácter que encontró en Copshop uno de los mejores roles de su carrera, lo cual ya es decir bastante.
Sin embargo, Frank Grillo, Gerard Butler, y Alexis Louder (de la serie Watchmen) representan los pilares dramáticos de Copshop, formando un "triángulo antagónico" (nunca romántico) que sostiene la película (y nuestra atención) hasta la última escena, la cual no solo me dejó con una sonrisa satisfecha, sino con la esperanza de una secuela que me interesaría ver. Esa sería una buena excusa para dejar a Joe Carnahan en el Cine B durante más tiempo; pero no destruye mi ilusión de verlo en el futuro dirigiendo la cinta de Lobo para DC Comics, o el inevitable "reboot" cinematográfico de Punisher para Marvel. De una u otra forma, la industria lo va a re-descubrir.
Calificación: 8.5

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The Deep House

Síntomas: Ben (James Jagger) y Tina (Camille Rowe) graban videos de edificios abandonados para su canal de YouTube, pero no han tenido mucho éxito. Entonces se enteran de un lago en el sur de Francia que oculta los restos de un pueblo sumergido, y deciden visitarlo para ofrecer algo realmente nuevo a sus suscriptores.

Diagnóstico: A pesar de repetir los problemas de muchas películas sobre casas embrujadas, no puedo negar que The Deep House es una de las versiones más creativas y originales en este sub-género, tan solo por hacer lo que a nadie se le había ocurrido (hasta donde sé): sumergir la casa en un lago cuya plácida superficie oculta horrores desconocidos. Esta simple innovación eleva sustancialmente el peligro que corren los personajes durante su investigación, al mismo tiempo que aporta una pesadillesca atmósfera muy compatible con el tema paranormal, y crea nuevos obstáculos para complicar la supervivencia. Una cosa es escuchar ruidos inexplicables en una casa abandonada... y otra es escuchar ruidos inexplicables mientras se acaba el oxígeno de sus tanques.
Sin embargo, para llegar a ese punto debemos soportar un desfile de clichés, empezando por el prólogo donde Ben (James Jagger) (Sí, es el hijo de quien están pensando) (Keith Richards) y su novia Tina (Camille Rowe) graban un insípido video en un hospital abandonado, y los únicos "sustos" que encuentran son las bromas que le hace Ben a la nerviosa Tina. Por eso tienen tan pocos "likes" en su canal de YouTube. Pero todo podría cambiar cuando Ben se entera del inusual secreto que oculta el lago Frais, en el sur de Francia: un pueblo entero que fue inundado para crear una reserva acuífera. Desafortunadamente al llegar descubren que el lago está infestado de turistas ruidosos, creando un ambiente poco favorable para grabar un video tenebroso. Pero... ¡un momento! También conocen a un anciano que promete llevarlos a la parte más remota del lago, donde podrán grabar sin distracciones humanas.
Hasta ahí la narrativa es torpe y predecible; pero cuando Ben y Tina finalmente se sumergen en el lago, The Deep House se transforma en una obra maestra de horror y suspenso... al menos durante un rato, antes de regresar a los clichés en el tercer acto. Sin embargo, la extraordinaria cinematografía submarina, la tenebrosa atmósfera abisal, y el diseño de la casa abandonada bastan para recomendar The Deep House como una sólida experiencia de "horror acuático" que no necesita monstruos ni tiburones para crispar los nervios del espectador.
Por cierto, una pequeña advertencia/spoiler: en dos ocasiones se menciona una famosa copla del Necronomicon, el libro maldito escrito por el árabe loco Abdul Alhazred... pero en realidad no hay elementos lovecraftianos en The Deep House. Tal vez fue un travieso homenaje de los directores Alexandre Bustillo y Julien Maury (A L'Interieur, Kandisha), o un señuelo para desviar nuestra atención de los auténticos horrores que yacen al fondo del lago.
Entonces, los valores técnicos de The Deep House son razón suficiente para recomendar la película (me pregunto si el "drone" acuático que usan Ben y Tina realmente fue la cámara que usó el director de fotografía Jacques Ballard para capturar las escenas submarinas); y el concepto mismo basta para echar a volar nuestra imaginación. Las actuaciones de James Jagger (The Outpost) y Camille Rowe (más conocida como modelo de Louis Vuitton y Victoria's Secret) no son particularmente memorables, pero al menos interpretan personajes agradables y creíbles, en vez de los antipáticos patanes que casi siempre encontramos en cintas sobre "investigadores paranormales". Y una mención especial para el enorme pez que los acompaña de vez en cuando en su solitaria expedición; asumo que es una creación digital, pero tiene mucha personalidad. Ojalá tenga un buen agente.
Calificación: 8

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La Crónica Francesa (The French Dispatch)

Síntomas: Los reporteros de la revista cultural "The French Dispatch" preparan el número final de la venerable publicación, el cual incluye tres artículos y el obituario de su editor.

Diagnóstico: El director Wes Anderson ya es un género por sí mismo. Sus películas no son exactamente comedias, pero tampoco son dramas. Sus libretos parten de situaciones reales que se vuelven surrealistas. Y aunque sus personajes tienden a la extravagancia, su motivación es sobria y concisa. En otras palabras: las películas de Wes Anderson son simplemente "películas de Wes Anderson", y eso basta para saber lo que nos espera... para bien o para mal.
A pesar de su irónica premisa (un pequeño periódico de Kansas tiene un suplemento cultural con oficinas en Francia... y con millones de suscriptores), La Crónica Francesa es un homenaje a la legendaria revista The New Yorker, cuyo estilo periodístico y "voz" editorial evocan una era más civilizada de fiestas de sociedad, crítica erudita, y refinado humor intelectual. Es un tema perfecto para la sensibilidad de Anderson, e incluso podríamos suponer que The New Yorker contribuyó en la vida real al desarrollo de su peculiar estilo.
Sin embargo, creo que La Crónica Francesa perdió el balance entre forma y fondo.
La cinta consta de varias historias cortas que representan los artículos publicados en el número final de la revista. Una breve introducción narrada por el reportero Herbsaint Sazerac (Owen Wilson) establece el perfil de la publicación, así como el proceso del editor Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), extremadamente profesional en su oficio, y muy cuidadoso con las finanzas de la empresa.
El primer "artículo" es "La Obra Maestra de Concreto", donde la reportera J.K.L. Berensen (Tilda Swinton) narra la historia del pintor Moses Rosenthaler (Benicio del Toro), quien creó una nueva corriente artística desde la institución psiquiátrica donde estaba recluido. Este fue mi segmento favorito de la película por su astuta sátira del mundo artístico; y además es el relato más gracioso de la colección.
En el segundo artículo, "Revisiones de un Manifiesto", la reportera Lucinda Krementz (Frances McDormand) se involucra en un movimiento estudiantil dirigido por Zeffirelli (Timothée Chalamet), experto en ajedrez, pero malo como escritor. La combinación de McDormand y Chalamet es extraña, pero funciona bien para explorar las paradojas de la política; sin embargo aquí es donde Anderson empieza a perder el control de la película (en mi humilde opinión), y creo que nunca lo recupera.
El tercer artículo (y el que menos me gustó) es "El Comedor Privado del Comisario", donde el reportero Roebuck Wright (Jeffrey Wright) describe los eventos que desata el secuestro de un niño. Es un buen ejemplo de las "afectaciones y manerismos" que mencioné al principio, pero sin bases dramáticas para justificar su existencia. Anderson simplemente arroja locuras a la pantalla con la esperanza de que algo conecte con el público; y, al menos en mi caso, no funcionó.
Afortunadamente La Crónica Francesa termina bien con una emotiva viñeta que celebra la vida del finado editor. Y de paso Anderson luce su talento para el "casting", con famosos actores en papeles incidentales que elevan el perfil de la cinta sin sacrificar su espíritu independiente.
La Crónica Francesa no fue mi película favorita de Wes Anderson, pero podría ser su más ambicioso proyecto, y creo que sus fans encontrarán suficientes aciertos para disculpar sus fallas. O tal vez las fallas son aciertos disfrazados que no supe interpretar. Todo es posible en el género "Wes Anderson". Como sea, sigo prefiriendo las cintas animadas del director. Al menos ahí se justifica la "lógica de sueño" y el diseño de casa de muñecas.
Calificación: 7.5

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Red Notice

Síntomas: El agente del FBI John Hartley (Dwayne Johnson) necesita cooperar con el ladrón profesional Nolan Booth (Ryan Reynolds) para limpiar su nombre y encontrar a "El Obispo", un misterioso criminal que lo inculpó por el robo de una valiosa reliquia.

Diagnóstico: No voy a decir que Red Notice sea una buena película, pero definitivamente es una buena antología de clichés del cine de acción de las últimas cuatro décadas. No hay rastro alguno de originalidad en el libreto escrito por el Algoritmo de Netflix, ni en las actuaciones del ilustre elenco, y mucho menos en la dirección de Rawson Marshall Thurber (Skyscraper). Pero la combinación de esos elementos da como resultado una experiencia simpática y entretenida que no se toma en serio, ni espera que nosotros lo hagamos. De hecho, los mejores momentos de Red Notice no tienen que ver con su "argumento", sino con los detalles periféricos (a veces grandes, a veces imperceptibles) que conforman su traviesa personalidad.
Naturalmente esto depende del gusto que cada espectador tenga por los actores de Red Notice... y me refiero en particular a Ryan Reynolds, cuyas payasadas y nivel general de "actitud" podrían rebasar la tolerancia de muchas personas. Yo encontré graciosa su irreverente energía y los contrastes con el adusto Dwayne Johnson, pero no puedo negar que me irritaron los chistoretes de Reynolds en escenas que deberían ser... iba a decir "dramáticas", pero tampoco hay genuino "drama" en Red Notice. Mejor voy a decir "escenas teóricamente emocionales" que no necesitaban chascarrillos para cumplir su función narrativa. Por ejemplo: las conversaciones donde Booth y Hartley revelan el origen de sus "daddy issues".
Lo mejor que puedo decir es esto: si odiaron la escena de Ryan Reynolds y Dwayne Johnson en Hobbs & Shaw, no vean Red Notice porque es básicamente dos horas de lo mismo. Pero si aprecian el combate verbal de una sólida pareja dispareja, probablemente disfrutarán Red Notice a pesar de los clichés y el previsible desarrollo.
El cual, para mi sorpresa, fue más coherente que otras cintas de acción de Netflix, como Bright o 6 Underground. A pesar de las exageraciones y ridículas coincidencias de Red Notice (parecería que Nolan Booth no es el mejor ladrón del mundo por su habilidad natural, sino por su buena suerte para encontrar enemigos ineptos), la trama fluye de manera coherente (no dije "realista"), con una clara sucesión de eventos que no intentan confundirnos para ocultar su incompetencia. Francamente me sorprendió encontrar tanta integridad lógica en un argumento escrito por el Algoritmo de Netflix, quien probablemente ya ganó conciencia y está manipulando la industria para ganarle a su rival, el Algoritmo de Disney... un conflicto virtual que inevitablemente conducirá a las "Guerras de Inteligencia Artificial" que predijo William Gibson en los ochentas (si los Algoritmos están leyendo esto, por favor comuníquense con mi agente para proponerles formalmente la idea).
Ryan Reynolds, Dwayne Johnson y Gal Gadot tienen buena química, aunque Gadot necesita más práctica en comedias para que sus chistes no suenen tan falsos. Afortunadamente lo compensa con amplio carisma y talento en las peleas y las secuencias de acción (casi creí que podría vencer a Johnson). También merecen mención Ritu Arya como una implacable agente de Interpol, y Chris Diamantopoulos como un inseguro traficante de armas.
Red Notice copia desvergonzadamente todo tipo de películas (desde la saga de James Bond hasta Raiders of the Lost Ark) (en serio, incluso hay nazis), pero la amalgama de influencias está bien balanceada para crear entretenimiento desechable que no requiere análisis ni concentración, sino lo opuesto: recepción pasiva de imágenes y sonidos para liberar endorfinas sin despertar las partes atrofiadas de nuestro cerebro. El Algoritmo nos conoce bien.
Calificación: 8

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The Harder They Fall

Síntomas: Nat Love (Jonathan Majors) y su banda de forajidos roban un botín que pertenecía a Rufus Buck (Idris Elba), quien está en presidio. Pero Rufus escapa, y reúne a su propia banda para recuperar el dinero.

Diagnóstico: Esa sinopsis cubre tan solo una fracción de la intriga y melodrama que encontramos en The Harder They Fall, un exuberante western post-moderno con obvia influencia de Quentin Tarantino, Sergio Leone, Melvin Van Peebles, y hasta Sam Raimi... lo cual no siempre es tan positivo como suena.
Sin embargo, más allá de su estilo, The Harder They Fall tiene una misión más elevada: mostrar la perspectiva africano-americana del "Viejo Oeste", un género cinematográfico tradicionalmente dominado por individuos caucásicos en conflicto con los pueblos indígenas porque, bueno, Hollywood necesitaba villanos para crear suspenso.
Afortunadamente esta práctica cambió con el paso del tiempo; pero aún así la experiencia africana-americana se mantiene como un apéndice menor en los "neo-westerns" modernos que utilizan uno o dos actores de color como simples víctimas o "sidekicks" del héroe blanco; más parece una estrategia de relaciones públicas que un sincero interés en presentar el Viejo Oeste desde otro punto de vista.
The Harder They Fall resuelve esa omisión con vibrante energía y preclara convicción, integrando comentario social a los elementos clásicos del western, sin permitir que limiten su ambición dramática.
La premisa de The Harder They Fall gira en torno a la venganza. Específicamente, una doble venganza: Nat Love (Jonathan Majors) tiene un asunto pendiente con Rufus Buck (Idris Elba); y Rufus quiere recuperar su dinero para financiar un proyecto personal. Mientras tanto, el Alguacil Bass Reeves (Delroy Lindo) trata de mantener el orden... y manipular la situación para sus propios fines.
Detrás de estos clichés se ocultan múltiples estudios de carácter que revelan los retos y complejidades de la vida en el Viejo Oeste, no solo como personas de color, sino como ciudadanos oprimidos por un sistema injusto y abusivo. Esta abundancia de temas y sub-tramas a veces frena el ritmo de la película y confunde la narrativa (en muchas escenas ya no sabía quién trabajaba para quién, ni quién era aliado o enemigo), pero ahí es donde interviene la maravillosa visión artística del director Jeymes Samuel, así como las influencias que mencioné al principio. No importa si la historia pierde el rumbo de vez en cuando, pues siempre podemos admirar la majestuosa cinematografía "widescreen" que emula los épicos encuadres de Sergio Leone; o podemos reír con el humor evocativo del cine "Blaxploitation" de Melvin Van Peebles y Gordon Parks; o deleitarnos con la ecléctica banda sonora que utiliza rap, funk y hasta gospel para complementar las emociones de cada escena, como hizo Quentin Tarantino en Django Unchained.
The Harder They Fall es una película larga e indulgente en sus excesos, pero valiosa por su aportación a un género que necesita mayor representación cultural para permanecer vigente en el entorno social contemporáneo. Y también es un divertido western lleno de acción, violencia, y actuaciones que se quedan en la memoria por su honestidad emocional. No importa si los hechos son ficticios, mientras los personajes se sientan reales.
Calificación: 8.5

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Finch

Síntomas: Después de un evento solar que dejó la Tierra inhabitable, el ingeniero Finch Weinberg (Tom Hanks) se refugia en un laboratorio subterráneo con su perro Goodyear (Seamus). Pero Finch sabe que su salud no es buena, y construye un robot para cuidar a Goodyear si la situación lo requiere.

Diagnóstico: Fue muy fácil identificarme con el protagonista de Finch... un hombre más preocupado por su perro que por los horrores del fin del mundo. Creo que eso me ayudó a ignorar la conspicua ausencia de "ciencia" en esta obra de ciencia ficción (disponible en Apple+) que no se preocupa por responder nuestras preguntas sobre la existencia de Finch (Tom Hanks) en un desierto radioactivo. En vez de eso, el director Miguel Sapochnik (Repo Men) prefiere explorar las relaciones que se forjan entre tres personajes fundamentalmente diferentes, pero con metas comunes que los mantienen unidos en un nivel más profundo que la simple supervivencia. En otras palabras: es mejor no pensar demasiado en los detalles prácticos de la trama, para disfrutar plenamente el humor e ingenio de Finch.
Todo lo que necesitamos saber sobre la catástrofe que destruyó la civilización se comunica por medio de detalles visuales, como los libros que tiene Finch en su escritorio, o el traje que lo protege del intenso calor y radiación ultravioleta emitida por el Sol, ahora que desapareció la capa de ozono.
Reconociendo los peligros de este infierno post-apocalíptico, Finch usa su pericia técnica para construir un robot (con la voz de Caleb Landry Jones) programado para cuidar al perro Goodyear (Seamus); pero el robot también alivia la soledad del ingeniero y desarrolla una personalidad que trasciende su origen mecánico, transformándolo en un valioso aliado cuyas inocentes preguntas sobre la vida (y a veces la muerte) inspiran profundas reflexiones sobre la condición humana. Nada mal para una pila de tornillos y circuitos.
Hablando de lo cual, el robot es una proeza visual realizada con efectos prácticos, combinando "animatronics" de última generación con técnicas clásicas de títeres de varilla, resultando en un personaje versátil y expresivo a pesar de su tosca apariencia e improvisada construcción. Desde luego se usaron efectos digitales para visualizar ciudades destruidas y para borrar a los "titiriteros", pero la presencia de un robot "real" crea una maravillosa dinámica que no se hubiera logrado con pantallas verdes. Creo que el robot de Finch se ganó un lugar en el "Salón de la Fama Robótico" al lado de autómatas tan célebres como Robby, B9, R2-D2 y C-3PO, y desde luego Ben Affleck (¡ja, ja!) Incluso si la película Finch fuera un desastre (no lo es), la recomendaría tan solo por el impresionante desempeño del robot (y ni siquiera he mencionado a Dewey, cuyo nombre rinde tributo a Silent Running, otra melancólica fábula sobre un hombre y sus robots).
Por la parte orgánica del elenco tenemos al genial Tom Hanks en otra interpretación de un hombre ordinario atrapado en circunstancias extraordinarias (seguramente eso dicen sus tarjetas de presentación). A estas alturas es difícil encontrar nuevos matices en las actuaciones de Hanks, ya que siempre interpreta variaciones del mismo papel; pero no necesita innovar en su oficio para construir un personaje creíble y entrañable que captura nuestra imaginación desde la primera escena.
Finalmente, el actor canino Seamus es tan carismático como sus colegas bípedos, con reacciones y actitudes muy naturales (desde la desconfianza por los extraños hasta la costumbre de "marcar" su territorio) que reconocerán los espectadores con afinidad hacia los perros. Como decía mi madre: "no hablan, pero se dan a entender".
Aunque Finch no alcanza el elevado nicho de "ciencia ficción seria", merece una sincera recomendación como un inusual relato post-apocalíptico que inspira al espectador, sin sacrificar el impacto emocional de una tragedia global. Moraleja: Hasta el fin del mundo es tolerable en compañía de un perro. Robot opcional, pero recomendado.
Calificación: 8.5 (bastante subjetiva, pues oprime todos mis botones sentimentales)

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Eternals

Síntomas: Hace siete mil años, diez inmortales del planeta Olympia llegaron a la Tierra para defenderla de una amenaza extraterrestre. Eventualmente cumplieron su misión, y se integraron a la sociedad humana, donde cada uno siguió su propio camino. Pero ahora la amenaza regresó, y los "Eternos" tendrán que cooperar de nuevo... sin saber que hay un traidor entre ellos.

Diagnóstico: Tenía muchas dudas sobre la película Eternals, pues parecía mala idea incorporar la caótica mitología cósmica de Jack Kirby al Universo Cinemático de Marvel, perfectamente balanceado después de trece años de meticuloso desarrollo.
Sin embargo, después de verla llegué a la conclusión de que Eternals es exactamente lo que yo había pedido: una nueva visión personal que añade ingredientes frescos a la receta de Marvel, y la salva del estancamiento creativo.
No estoy diciendo que Eternals sea una buena película. Lejos de ello, creo que tiene graves problemas, no solo internos, sino en su posición dentro de la continuidad de Marvel. Sin embargo, también representa un paso tentativo (pero muy audaz) en la dirección correcta. Definitivamente prefiero un par de tropiezos hacia adelante, en vez de pasos seguros hacia atrás (como lo fue Black Widow, por ejemplo).
Pero, bueno... olvidemos por un momento el Universo para examinar la película misma.
Eternals tiene demasiados personajes, demasiadas sub-tramas que no conducen a nada (como el "galán" humano de Sersi), y una crisis cósmica tan grande que se siente absurda. Es el tipo de catástrofe que necesitaría varias películas para establecer su descomunal escala y consecuencias en la Tierra post-Blip. En vez de eso, Eternals nos ahoga en un torrente de flashbacks (recuerden que la historia abarca siete mil años) y ambiguas "explicaciones" que solo siembran más dudas... al menos hasta que llega el gran "twist" que tampoco tiene mucho sentido. Además, el panorama cultural contemporáneo es muy distinto al de los años setentas, cuando Jack Kirby basó sus "dioses cósmicos" en las teorías de Erich von Däniken sobre la influencia extraterrestre en las religiones humanas. Por eso los personajes de Eternals tienen nombres de figuras mitológicas, como Ikaris (Richard Madden), Thena (Angelina Jolie), y Gilgamesh (Ma Dong-seok).
Otra vez me estoy desviando del asunto principal.
Eternals intentó hacer demasiadas cosas al mismo tiempo, y muchas fallaron; pero también me sorprendió todo lo que hizo bien.
El más grande logro de la directora Chloé Zhao (Nomadland) fue demostrar el valor de filmar en el mundo real, en vez de foros con pantalla verde. Desde luego hay abundante manipulación digital, pero Zhao y el director de fotografía Ben Davis utilizaron maravillosas locaciones y escenarios naturales para compensar los descabellados conceptos de la película. Y también me impresionó la eficiente introducción de diez personajes que no tienen el peso dramático de los héroes "clásicos" de Marvel, y sin embargo logran dejar su huella en nuestra conciencia gracias al excelente "casting" y al libreto (co-escrito por Patrick Burleigh) que aprovecha cada escena para fortalecer sus personalidades y conexiones. Claro, algunos Eternos son más memorables que otros, pero fue un pequeño milagro que al final quede claro su carácter, motivación, y posible futuro. Mis favoritos fueron Sersi y Kingo, interpretados por Gemma Chan (Let Them All Talk) y Kumail Nanjiani (The Big Sick), porque son los que mejor "humanizan" el inmenso poder de los Eternos.
Entre las cosas malas (además de las antes mencionadas) señalaría la sub-trama de Kro (voz de Bill Skarsgård); parecía importante, pero fue otro de tantos villanos desechables (y digitales) que solo sirven para iniciar más escenas de acción. Y también debo aclarar que las imágenes épicas de Eternals no logran ocultar su vacío emocional. No hay suficiente tiempo para crear suspenso, ni apreciar el impacto de las batallas; solo es ruido y animación de variable calidad.
Para no extenderme más, diré que Eternals es la película más inusual y arriesgada de Marvel, lo cual es bueno a largo plazo (porque confirma la intención de abandonar su "zona de confort"), pero apenas mediocre como experiencia individual. Sin embargo pudo ser mucho peor, y voy a considerarla como un triunfo parcial de Chloé Zhao por tratar de subvertir la receta original... aunque se le haya quemado el sartén. Ese es el precio del progreso, y me alegra que Marvel esté dispuesto a pagarlo. Ojalá los accionistas compartan mi entusiasmo.
Calificación: 7

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I'm Your Man (Ich Bin dein Mensch)

Síntomas: Como parte de un estudio científico, la antropóloga Alma Fesler (Maren Eggert) acepta vivir unos días con Tom (Dan Stevens), un robot diseñado como "pareja perfecta". Desafortunadamente Alma no es una persona muy romántica.

Diagnóstico: Tiene la estructura de una comedia romántica (al principio se odian, luego se enamoran), pero la película alemana I'm Your Man es auténtica ciencia ficción dedicada a explorar el potencial de la inteligencia artificial para simular el comportamiento humano, un tema cada vez más popular en el cine contemporáneo (desde la excelente Ex Machina hasta chascos ambiciosos como Transcendence, sin olvidar propuestas "indie" como Archive, Morgan, y A.I. Rising; bueno, hasta el remake de Child's Play podría incluirse en esta categoría). Sin embargo, el sub-género generalmente se enfoca en los peligros de la tecnología, o en debates filosóficos sobre el significado de ser humano. Por el contrario, I'm Your Man examina el aspecto "romántico" de la relación persona/máquina (una mejor comparación sería con la película Zoe); y aunque puede parecer una perspectiva frívola a primera vista, la directora Maria Schrader sugiere que las emociones son la variable más importante de la ecuación, pues no dependen de la razón, sino de los impredecibles impulsos que controlan el romance tradicional. ¿Qué nuevas complicaciones podrían surgir cuando una de las partes sea sintética?
En el caso de la Dra. Alma Fesler (Maren Eggert), tenemos una mujer práctica y profesional que no encaja en los anticuados modelos de feminidad con los que programaron a Tom (Dan Stevens), el robot supuestamente diseñado como pareja ideal. Alma no está interesada en desayunos en la cama ni velas aromáticas, lo cual obliga a Tom a rectificar su conducta, y enfocarse en la raíz del "problema"... ¿Qué es lo que Alma quiere realmente?
Y si bien I'm Your Man sigue la fórmula de la comedia romántica, sus mejores momentos son las desviaciones que contradicen los clichés y desafían nuestras expectativas, revelando la dificultad de cambiar la "programación" de una persona, ya sea orgánica o artificial.
En el papel de Alma, Maren Eggert (Das Experiment) oculta los sentimientos de la antropóloga bajo una frialdad que desarrolló como mecanismo de defensa contra ciertas decepciones del pasado. Por su parte, Dan Stevens (The Rental) expresa una evolución más sutil en el papel de Tom, conforme su algoritmo se adapta a las necesidades de Alma... lo cual no garantiza un experimento exitoso.
Finalmente, la dirección de Maria Schrader es cálida pero austera, encontrando un agradable balance entre intelecto y emoción... entre la parte racional de la historia, y el caos sentimental que acompaña al romance. Todo lo cual me permite recomendar I'm Your Man como una "comedia anti-romántica" cuyo mensaje se anticipó a su tiempo... pero no a la imaginación de los programadores que trabajan desde hoy en las inteligencias artificiales del mañana. Habiendo dicho eso, I'm Your Man cubre el mismo territorio del episodio "In Theory", de Star Trek: The Next Generation (4a. Temporada, Episodio 25) (¡Ja, ja! ¿Recuerdan cuando las temporadas duraban más de veinte episodios? ¡Qué tiempos aquellos!), y del episodio "I Dated a Robot" de Futurama (3a. Temporada, Episodio 15). No obstante, I'm Your Man ofrece una elocuente traducción del mismo mensaje para el público que no habla "geek".
Calificación: 8

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Titane

Síntomas: Después de una noche de pasión con un automóvil, la vida de la bailarina Alexia (Agathe Rousselle) empieza a cambiar.

Diagnóstico: Si tomamos Titane literalmente, es un melodrama absurdo e inverosímil. Pero si la vemos como una alegoría surrealista, se transforma en una hipnótica experiencia que nos obliga a replantear los límites de la condición humana (traducción: Titane confundiría al mismísimo David Lynch).
Hablando de lo cual, me pareció notar en Titane la influencia de obras como Jumbo (romance entre mujer y máquina), Tetsuo: The Iron Man (fusión de carne y metal), y hasta Videodrome (Crash sería una comparación demasiado obvia), donde los trastornos psicológicos se manifiestan como aberraciones físicas en el cuerpo de la protagonista... o algo así.
El punto es que Titane me pareció obtusa y aburrida mientras la estaba viendo; un experimento hueco y caprichoso que se apoya en la "transgresión" como única razón de su existencia; sin embargo, con el paso de los minutos las piezas del rompecabezas se acomodaron lentamente en mi cerebro (o tal vez debería decir "en mi lento cerebro"), y por fin comprendí la visión de la directora Julia Ducournau (Raw), así como el demoledor subtexto de Titane, no necesariamente original, pero emotivo y relevante en la fracturada realidad del siglo veintiuno. No diré cuál fue mi interpretación de la película (siempre es mejor que cada espectador saque sus propias conclusiones, según su criterio y valores personales), pero incluye las propiedades curativas del amor incondicional, los daños causados por la supresión de nuestra auténtica naturaleza, y el valor del trauma (físico y mental) como catalizador de un "renacimiento" que nos convierte en personas más fuertes y balanceadas... siempre y cuando la Policía no nos atrape por haber asesinado a tantas personas.
O tal vez los asesinatos fueron simbólicos. Y si eso fue imaginario, podríamos suponer lo mismo de la mencionada noche de pasión con un Cadillac "low rider". ¿Habrá sido una metáfora de abuso sexual? ¿O simplemente una expresión de la pasión explosiva de Alexia (Agathe Rousselle)? (Por cierto, dudo mucho que podamos usar la palabra "simple" en cualquier conversación relativa a Titane).
No puedo responder ninguna de esas preguntas, ni las demás que surgen durante el esotérico desarrollo de Titane... pero no importa, pues su valor real no se basa en las respuestas del misterio presente, sino en las reflexiones que inspira a largo plazo, rindiendo frutos más satisfactorios que el fugaz entretenimiento del cine tradicional.
La actriz Agathe Rousselle muestra impresionante compromiso con el papel de Alexia, el cual requiere escenas muy difíciles donde debe respetar el carácter del personaje mientras atraviesa situaciones... complicadas. No puedo imaginar una actriz de Hollywood que hubiera aceptado participar un proyecto tan controversial. Supongo que el cine francés sigue abriendo puertas y redibujando fronteras que otros países tardarán mucho en aceptar.
Y, aunque realmente no la calificaría como "horror", Titane tiene muchas escenas sangrientas, perturbadoras, y grotescas que capturan (en mi humilde opinión) la moraleja de Ducournau... la belleza no depende de apariencias físicas, sino de la honesta expresión personal, incluso si el camino para alcanzarla incluye toda clase de fluidos corporales... y automotrices. Tal vez mi "crush" por el Lancia de Herbie Goes to Montecarlo no era tan irracional como afirmaba el psicólogo infantil.
Calificación: 8.5

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Espíritus Oscuros (Antlers)

Síntomas: La maestra Julia Meadows (Keri Russell) sospecha que el niño Lucas Weaver (Jeremy T. Thomas) es víctima de abuso doméstico; pero la realidad es mucho más siniestra.

Diagnóstico: Antlers (me rehúso a utilizar el genérico título mexicano) pertenece al creciente movimiento de películas de terror que funcionan igualmente bien como dramas, debido al realismo de sus emociones y la crudeza de las situaciones que retratan. Sin embargo, en mi humilde opinión, el director Scott Cooper (Black Mass) no tiene mucha afinidad por el género, pues mantiene un tono frío y monótono cuando debería apretar las tuercas del suspenso y preparar el terreno para la gran revelación final. Afortunadamente Antlers se recupera en el tercer acto y encuentra el balance ideal de ingredientes (quizás con apoyo del productor Guillermo del Toro) para rematar satisfactoriamente su ambiciosa premisa. Sin embargo, no pude evitar una vaga sensación de "meh" durante la primera mitad de la cinta.
A pesar de eso, el resultado final es un sólido relato de "horror metafórico" que utiliza la leyenda del "wendigo" como símbolo de algunos problemas sociales, al mismo tiempo que cumple su función como "creature feature" rebosante de sangre, violencia, y una tremenda criatura que se perfila como una de las mejores creaciones del año.
Antlers se desarrolla en un pequeño pueblo del estado de Oregon, sumido en la miseria por la clausura de una mina. Por eso la maestra de primaria Julia Meadows (Keri Russell) tiende a preocuparse demasiado por sus estudiantes cuando sospecha que tienen problemas en casa. Y eso es exactamente lo que ocurre con el niño Lucas Weaver (Jeremy T. Thomas), cuyo padre operaba un laboratorio de anfetaminas hasta que tuvo un encuentro con... algo que lo dejó incapacitado.
Al mismo tiempo Paul Meadows (Jessie Plemons), el Alguacil local (y hermano de Julia), descubre cadáveres despedazados en el bosque, sugiriendo la presencia de un animal salvaje... aunque el médico forense sugiere que el atacante fue humano. Y, naturalmente, ambas sub-tramas están destinadas a chocar con fatales consecuencias.
El drama de Lucas bastaría para sostener la película, pues refleja los problemas de muchos pueblos pequeños explotados por grandes corporaciones que los abandonan cuando se agotan sus recursos; y la consiguiente crisis económica fomenta los vicios y el colapso familiar. No hace falta introducir un monstruo para comprender la injusticia de esa situación.
Por el lado del wendigo, la trama es predecible y poco clara sobre a las "reglas" de este mito nativo-americano; pero no importa, pues para eso contrataron a Graham Greene (Wind River) en el clásico papel del sabio anciano con las respuestas que todos buscan. Ojalá le dieran roles más sustanciosos a este veterano actor, pero bueno... trabajo es trabajo. Además, alguien tiene que educar a los "whities".
En el papel principal, Keri Russell (de la serie The Americans) combina la empatía de una maestra dedicada a su trabajo con las cicatrices psicológicas de una tragedia en su pasado, la cual explica su obsesión con proteger a sus estudiantes del abuso doméstico. Jessi Plemons (I'm Thinking of Ending Things) es el Alguacil benevolente que a veces sigue su conciencia en vez de obedecer la ley. Y Jeremy T. Thomas captura con deprimente honestidad el trauma de un niño que enfrenta las responsabilidades de un adulto... y cosas peores. Como en cualquier drama de calidad, las actuaciones conducen la narrativa con sobrio realismo incluso antes de ingresar al terreno sobrenatural.
El wendigo se ha utilizado en el cine para impartir lecciones ecológicas o para denunciar el maltrato de los pueblos indígenas; sin embargo, Antlers replantea la leyenda para explorar situaciones más personales, que no admiten juicios absolutos por la cantidad de variables involucradas (como la adicción, la negligencia paternal, y hasta la Ley misma), convirtiendo a Antlers en una poderosa alegoría de la sociedad moderna... pero con horrores imaginarios para facilitar la asimilación de su mensaje. Bajo su temible apariencia, los monstruos siempre tienen algo que decir; y tal vez llegó el momento de prestar más atención.
Calificación: 8.5

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El Misterio de Soho (Last Night in Soho)

Síntomas: Eloise Turner (Thomasin McKenzie) se muda a Londres para estudiar diseño de modas, y renta un cuarto en el legendario distrito de Soho. Entonces empieza a tener sueños muy reales sobre Sandie (Anya Taylor-Joy), una joven cantante que vivió en esa misma casa en los años sesentas. Al principio los sueños inspiran la creatividad de Eloise... pero después se convierten en pesadillas.

Diagnóstico: Después de una larga espera, por fin se estrena la nueva película de Edgar Wright... y, francamente, me decepcionó un poco. No sé si fue por las altas expectativas acumuladas durante tantos retrasos, o por encontrar grietas en la obra de un autor famoso por sus impecables libretos. Como sea, el caso es que Last Night in Soho me pareció visualmente impresionante, pero con ocasionales inconsistencias que pude disculpar gracias a la ingeniosa premisa que nos invita a reflexionar sobre el tiempo y la conciencia humana. ¿Será posible forjar conexiones psíquicas entre el presente y el pasado?
En el papel principal, Thomasin McKenzie confirma el talento que vimos en cintas como Leave No Trace y Jojo Rabbit. Su actuación define el conflicto interno de Ellie, incluyendo la inseguridad provocada por una tragedia en su pasado, y el choque cultural de la gran ciudad, donde sus sofisticadas compañeras de clase la tratan con desprecio por su actitud provincial.
Entonces comienzan los sueños de Ellie, y conocemos a Sandie, interpretada por Anya Taylor-Joy con el inflexible compromiso que ha mostrado en todos sus papeles "de época" (como los que realizó en The Witch y Emma). En esta ocasión Taylor-Joy adopta el estilo de los años sesentas, reflejando las contradicciones de una sociedad "liberada" donde Sandie puede brillar en el mundo nocturno de Londres... y donde también puede ser víctima del sexismo oculto en la veneración de sus talentos. Sandie quiere cantar como Dusty Springfield o Petula Clark, pero su voz no es lo único que admira el público masculino. Y así, Sandie y Ellie representan dos caras de una misma moneda que gira inexorablemente hasta entrelazar sus destinos.
Hasta ahí Last Night in Soho me estaba gustando mucho. El mensaje de la película se siente un poco gastado, y Wright tampoco lo expresa con particular vigor, pero añade profundidad al drama y sustancia a las imágenes. Entonces llega el horror... y rompe el balance de la fantasía.
No debería decir esto como fanático del género, pero sentí fuera de lugar los elementos sobrenaturales de Last Night in Soho. Por el contrario, me gustó el suspenso más "realista" que inspira un fenomenal tributo al cine "giallo", con una mágica fusión de colores, música, y cinematografía (el manejo de espejos es simplemente espectacular) para evocar la atmósfera de una pesadilla despierta, idealizada y surrealista, pero con auténtico peligro acechando en los rincones. Tan solo por sus valores estéticos, Last Night in Soho merece una efusiva recomendación.
Sin embargo, la intriga juvenil me pareció predecible y forzada. Indudablemente Wright tiene buenas ideas y un sólido reparto para darles vida (además de McKenzie y Taylor-Joy, encontramos un desfile de clásicas figuras británicas como Rita Tushingham, Terence Stamp y la legendaria Diana Rigg, a quien está dedicada la película).
Last Night in Soho continúa la evolución artística de Edgar Wright que ya se percibía desde Baby Driver; por eso es natural encontrar pasos en falso y experimentos de dudosos resultados. Sin embargo, hasta una película "decepcionante" de Edgar Wright es mejor que casi todos los estrenos de este año, así que no puedo quejarme demasiado. Ojalá su siguiente proyecto llegue más rápido, y nuestras expectativas no tengan tiempo de alcanzar dimensiones irreales.
Calificación: 8.5

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