Nobody Sleeps in the Woods Tonight 2 (W Lesie Dzis Nie Zasnie Nikt 2)

Síntomas: Zosia Wolska (Julia Wieniawa), la única sobreviviente de la masacre en el Campamento Adrenalina, está en la cárcel mientras se aclara su situación; y, para empeorar las cosas, los monstruosos hermanos que asesinaron a los campistas están en la celda adyacente...

Diagnóstico: No hay excusa: Nobody Sleeps in the Woods Tonight 2 es una mala película... pero también es una buena secuela.
¿Qué significa eso? En la crítica de Nobody Sleeps in the Woods Tonight mencioné mi interés por explorar el enigmático origen de los asesinos... un par de hermanos deformes que no son simples ermitaños caníbales, ni lunáticos prófugos del manicomio, ni granjeros que odian a la gente de la ciudad (bueno, tal vez un poco).
Y eso fue exactamente lo que hizo Nobody Sleeps in the Woods Tonight 2. Sin arruinar el misterio con demasiadas explicaciones, la secuela nos muestra el proceso de "infección" (voy a llamarlo así para ahorrar tiempo) que convierte a individuos normales en despiadados asesinos. Y, además de la corrupción física que implica esa transformación (apropiadamente grotesca), la historia también se enfoca en el colapso mental de los "infectados" (o lo que sean), cuyo perfil psicológico determina su conducta y su selección de víctimas. Sí, es más complicado de lo que parecía en la primera película; y aunque la mitología creada por el director Bartosz M. Kowalski no siempre es lógica o consistente, al menos revela considerable ambición y un propósito más interesante que el simple desfile de muertes y el despliegue de "gore".
Nobody Sleeps in the Woods Tonight 2 fue más de lo que yo esperaba. El problema es que las novedades tardan mucho en cocinarse; y, cuando finalmente llegan, tienen un bizarro sabor difícil de asimilar. ¿Quieren ser comedia, romance, o ciencia ficción? ¿O tal vez todo junto? Como sea, el resultado es una errática campaña de violencia más confusa que terrorífica, sin mucho suspenso, y sin la variedad de personalidades que adornaron la cinta original.
Hablando de lo cual, el "gore" es de excelente calidad, aunque menos abundante porque ya no hay tantos jóvenes campistas como víctimas desechables. En vez de eso seguimos a los policías que descubrieron la masacre del Campamento Adrenalina, incluyendo al Sargento Waldemar Gwizdala (Andrzej Grabowski) y los jóvenes oficiales Adás (Mateusz Wieclawek) y Wanessa (Zofia Wichlacz). Mientras averiguan lo que realmente ocurrió, encierran en la cárcel municipal a los hermanos asesinos (Michal Zbroja) (sí, es un solo actor en un doble papel) y a Zosia (Julia Wieniawa), la "chica final" de la primera película. Sin embargo, el Sargento quiere respuestas sobre los trágicos eventos de la noche anterior, y lleva a Zosia al campamento para que le explique exactamente cómo ocurrieron las cosas. Y, bueno, sobra decir que nunca regresan. Entonces Adás y Wanessa deciden investigar...
Hubiera sido fácil reciclar la premisa de la primera película; pero en vez de eso Nobody Sleeps in the Woods Tonight 2 intentó ser una genuina continuación, respondiendo algunas preguntas, planteando muchas otras, e introduciendo una nueva dinámica que, con suerte, podremos explorar en la hipotética tercera parte. Entonces, como dije al principio, no podría recomendar Nobody Sleeps in the Woods Tonight 2 por sus propios méritos; pero sí como expansión de un misterio más extraño de lo que parecía. Empezó como "slasher", y podría terminar con el fin del mundo. O tal vez con más romance.
Calificación: 7.5

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Bloody Hell

Síntomas: Después de salir de la cárcel, Rex Coen (Ben O'Toole) descubre que es demasiado famoso para llevar una vida normal, y decide mudarse a Finlandia, donde nadie lo conoce. Pero en vez de tranquilidad y anonimato encuentra una demencial familia con siniestros planes para el ex-presidiario.

Diagnóstico: En su forma más básica, Bloody Hell podría describirse como un relato de "horror rural", con un clan de caníbales persiguiendo a un turista despistado que solo quería descansar, pero tendrá que luchar por su vida.
Sin embargo, Bloody Hell tiene niveles y tangentes inesperadas que la convierten en una experiencia única y tremendamente divertida, con sendas porciones de comedia, acción, y un sincero estudio de carácter que examina la explosiva personalidad de Rex Coen (Ben O'Toole), ex-militar, ex-presidiario, y tal vez plato fuerte de una cena nórdica.
Entre esos niveles tenemos algunas escenas de acción al estilo de John Wick (aunque desde luego no tan buenas); un poco de romance motivado más por desesperación que por amor (lo cual no disminuye su intensidad); y sólidos momentos de comedia subversiva como contraste de las horribles situaciones que atormentan al protagonista, incluso antes de llegar a Finlandia.
En resumen: una exótica combinación de géneros perfectamente integrados bajo la visión del director australiano Alister Grierson, y magníficamente representados por un reparto que afronta todo tipo de escenas con aplomo y buen humor. Incluso diría que Bloody Hell merece el calificativo de "joya oculta", aunque su ecléctica fusión de estilos podría decepcionar al público que esperaba una variedad de "horror rural" más tradicional, en el estilo de Wrong Turn (cualquiera de sus versiones) o The Texas Chainsaw Massacre.
Además de la dirección de Grierson (Sanctum) y el brillante libreto de Robert Benjamin, el ingrediente secreto de Bloody Hell es la actuación de Ben O'Toole en el papel de Rex Coen, un hombre normal atrapado en circunstancias extraordinarias... y con la iniciativa para enfrentarlas sin preocuparse demasiado por las consecuencias.
A riesgo de crear expectativas irreales (buenas o malas), voy a decir que O'Toole es como una versión joven de Nicolas Cage, muy natural en su desempeño y desbordante de energía... pero con la disciplina necesaria para respetar el tono de la película, en vez de seguir sus caprichos personales. Esa disciplina se manifiesta en las escenas donde Rex habla con una versión imaginaria de sí mismo, creando una simpática dinámica que genera risas y además nos comunica su proceso mental. Fue una arriesgada decisión narrativa, pero funciona muy bien, y prácticamente define la película entera.
Los demás actores son buenos dentro de sus limitados papeles, incluyendo a Caroline Craig y Matthew Sunderland como los padres de la demencial familia de granjeros; David Hill como el niño con mucha curiosidad por el extranjero encerrado en el sótano; y Meg Fraser como Alia, la hija mayor del clan de caníbales, quien podría ser una aliada de Rex... o un señuelo para manipular sus emociones. Sin embargo nadie puede competir con el dúo dinámico de O'Toole y O'Toole en los papel de Rex y Rex imaginario.
En lo que respecta al horror, Bloody Hell tiene un poco de sangre, algunas escenas violentas, y grotescas deformaciones genéticas (o algo así). Sin embargo, Bloody Hell no se conforma con un género específico, y es mejor aceptarla como una pesadilla perturbadora, visceral... y muy graciosa. Incluso creo que le gustaría al auténtico Nicolas Cage.
Calificación: 8.5

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Dashcam

Síntomas: Mientras edita un reportaje sobre la muerte accidental de un político, Jake Caul (Eric Tabach) descubre evidencia de una conspiración que contradice la versión oficial de los hechos.

Diagnóstico: Creo que hubo una confusión. Yo quería ver Dashcam, la nueva película de terror del director Rob Savage (Host), pero accidentalmente renté Dashcam, un eficiente thriller minimalista del director Christian Nilsson. ¿Quién iba a pensar que existirían dos películas con el mismo nombre en el mismo año? Bueno, la verdad es que me pasó lo mismo con Escape Room (¿cuál de todas? No recuerdo, pero no importa porque todas son iguales).
Afortunadamente en esta ocasión mi error tuvo un resultado positivo.
Dashcam me gustó por su ingeniosa premisa y por los detalles visuales de su realización. Gran parte de la película se desarrolla en la computadora del protagonista mientras edita un reportaje para el noticiero local, utilizando aplicaciones que a veces uso en mi trabajo real (como Adobe Premiere y Audition), lo cual le dio a Dashcam un nivel adicional de realismo que capturó mi imaginación.
Aclaro que Dashcam no es "found footage", ni un "thriller de interfase". Hay muchas tomas de la pantalla donde Jack (Eric Tabach) edita el reportaje con video de la cámara policíaca que capturó la muerte del ex-Fiscal de Distrito Dan Lieberman (Larry Fessenden). Pero también vemos escenas "normales" de Jake en su pequeño departamento, reaccionando ante las sórdidas revelaciones del video, y planeando cómo aprovechar la información para mejorar su carrera. Es una buena combinación de estilos que optimiza la breve duración de la cinta y simplifica la narrativa.
Eric Tabach hace un excelente trabajo en el papel principal, expresando sin palabras el conflicto moral de Jake entre su responsabilidad como reportero y la ambición de explotar un escándalo para beneficio personal. En papeles secundarios (que solo aparecen por medio en la computadora o como voces en el teléfono) tenemos a Zachary Booth como el productor del noticiero; Giorgia Whigham como la novia de Jake; y Giullian Yao Gioiello como un vecino racista, encarnando los prejuicios que Jake ha soportado durante toda su vida, y que probablemente contribuyeron a frenar su desarrollo profesional. Pero ahora Jake tiene la oportunidad de cambiar la situación con la explosiva información que cayó en sus manos...
Por el lado negativo, el segundo acto de Dashcam se vuelve monótono por tantas tomas del software que Jake utiliza para reconstruir los hechos reales. Como dije, esas fueron mis escenas favoritas... pero podrían aburrir al público casual que esperaba más acción, en vez de estar viendo el monitor de una computadora durante largos minutos sin explicaciones sobre lo que está ocurriendo.
Fuera de eso, Dashcam me pareció una recomendable cinta independiente que muestra notable creatividad para resolver los retos de la filmación en tiempos de pandemia, lo cual la ubica en la misma categoría de obras como How It Ends, Songbird, y la mencionada Host. Supongo que con el paso del tiempo este nicho cinematográfico se convertirá en una curiosidad histórica; pero por lo pronto merece aplauso por transformar obstáculos en virtudes para entretener al público. ¡Imaginen lo que podrán hacer estos directores cuando llegue la siguiente crisis global!
Calificación: 8

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Injustice

Síntomas: Batman (voz de Anson Mount) y Superman (voz de Justin Hartley) investigan las actividades de Joker (voz de Kevin Pollak) en Metrópolis... pero no logran evitar una catástrofe que cambiará al mundo.

Diagnóstico: La más reciente película del Universo Animado de DC Comics fue territorio desconocido para mi. Injustice está basada en un videojuego que nunca jugué, y en los comics que expandieron ese universo (los cuales tampoco leí). Por eso me declaro incapaz de evaluar la fidelidad de esta película respecto al material original; sin embargo, como simple "historia alternativa" de DC Comics (ni siquiera estoy seguro si califica como "Elseworld"), Injustice me gustó mucho.
Sin ser perfecta, me impresionó la calidad de la animación (del estudio NE4U, Inc), me sorprendieron sus inesperadas desviaciones de la mitología clásica, y hasta me conmovieron las lecciones éticas que imparte. En resumen: un relato audaz y muy entretenido, con algunos problemas lógicos e intervenciones metafísicas que no tragué. Pero aún así la recomendaría para fans de DC, e incluso para audiencias casuales, pues no es necesario conocer a los personajes para comprender el drama que atraviesan.
Conviene aclarar que los fans del videojuego (y sus respectivos comics) tienen una opinión MUY distinta a la mía, y están enojados por los cambios introducidos en esta adaptación animada. Pero, bueno... no se puede complacer a todos (y lo digo sabiendo que muchas veces yo he sido uno de esos "todos").
Regresando al punto, Injustice recicla conceptos de previas cintas animadas, incluyendo Superman: Red Son, Justice League: Gods and Monsters, y Superman vs. The Elite. Pero también tiene momentos poderosos y originales que me dejaron pasmado desde los primeros minutos de la cinta. La premisa es sólida, enfocándose en la turbulenta relación de Batman y Superman, aunque no necesariamente como se ha manifestado a lo largo de los años; después de todo, la gente puede cambiar bajo distintas circunstancias...
Por cierto, Injustice no es una cinta para niños. No es exactamente sangrienta (aunque definitivamente hay sangre) ni inapropiada, pero el argumento nos lleva por perturbadores rincones de la psicología super-heroica, cuestionando los pilares de integridad y moral absoluta que sostienen el género.
Al mismo tiempo, Injustice también es graciosa, con aportaciones humorísticas de héroes y villanos con perspectivas más surrealistas de las tragedias que retrata la cinta. Fue una buena estrategia para evitar que Injustice degenere en un sombrío desfile de nihilismo y depresión (como cierta película de acción viva que no mencionaré).
Hablando del Snyder Cut, el director Matt Peters (Justice League Dark: Apokolips War) reunió un elenco de voces generalmente buenas, aunque algunas sufren el temido "Síndrome de Estudio", suprimiendo toda emoción y espontaneidad porque se grabaron individualmente, sin interacción personal con los demás actores. Afortunadamente no todos tienen ese problema, y mis favoritos en Injustice fueron Anson Mount como Batman; Zach Callison como Robin (en versión adolescente, en vez del niño que escuchamos en Son of Batman); y Gillian Jacobs, irreconocible como Harley Quinn. Me sigue gustando más la interpretación de Melissa Rauch en Batman and Harley Quinn, pero creo que Jacobs es una de las pocas actrices que capturan la "locura" e irreverencia de la Dra. Quinzel sin sonar forzada ni artificial.
Al igual que Injustice, las más recientes películas del Universo Animado de DC Comics mostraron una mejoría considerable en sus valores de producción, lo cual inspira optimismo por los proyectos futuros como Catwoman: Hunted y Green Lantern: Beware My Power. Supongo que el mercado de "streaming" permite mayor inversión en el producto mismo, a diferencia de los viejos tiempos de distribución en DVD, cuando los costos del medio físico requerían ahorros en el proceso de animación. Ojalá Warner Animation mantenga este nuevo nivel de calidad; y ojalá para la próxima no olviden a J'onn J'onzz.
Calificación: 8.5

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Duna (Dune)

Síntomas: La familia Atreides toma control del planeta Arrakis, donde se produce la sustancia más valiosa del universo. Pero la familia Harkonnen se rehúsa a aceptar esa derrota política, y planea retomar el planeta desértico también conocido como "Duna".

Diagnóstico: Dune, de Frank Herbert, es una de mis novelas favoritas de toda la vida. La he releído muchas veces, y fue una importante influencia en mi desarrollo personal (para bien o para mal... ¡kull wahad!) También siento gran afecto por la adaptación cinematográfica que hizo David Lynch en 1984. Me pareció un maravilloso complemento audiovisual del libro... lo cual significa que fracasó como película. Pero aún así me gusta mucho.
Habiendo dicho eso, no voy a gastar tiempo en comparaciones con la nueva versión de Dune, realizada por el director Denis Villeneuve con tremenda visión y suficiente profundidad para conservar los temas del libro (ecología, colonialismo, religión, etc.), pero sin quedar atrapado en el denso simbolismo; y todo eso mientras desarrolla el arco dramático del protagonista, sus aliados y sus enemigos.
Desde luego hay problemas a lo largo de Dune, empezando por la cantidad de personajes secundarios que tienen una o dos escenas, y desaparecen sin haber establecido su función en la trama, su relación con los demás, o siquiera su nombre (entre los más desperdiciados señalaría a David Dastmalchian como Piter de Vries, Stephen McKinley Henderson como Thufir Hawat, y Dave Bautista como Rabban). Lo mismo aplica a muchas escenas que serían útiles para clarificar las maquinaciones políticas de las Casas rivales, pero Villeneuve las trata como eventos casuales que no requieren mayor explicación (por ejemplo, la presencia de las tropas Sardaukar, la profecía de Shadout Mapes, o la dualidad de Liet Kynes). Y si todo eso parece palabrería sin sentido, solo confirma que el director dejó muchas cosas sin respuesta para... no sé... ¿confundirnos? ¿O simplemente para insinuar una vasta mitología detrás de la intriga? "¡Larga vida a Muad'Dib!" Pero también, "¿Quién diablos es Muad'Dib?" (SPOILER: El auténtico muad'dib es absolutamente adorable).
Esto significa que los actores afrontan la responsabilidad de mantener nuestra atención durante dos horas y media... y creo que lo consiguen.
Tenía muchas dudas sobre Timothée Chalamet en el papel de Paul Atreides, pero hizo un notable trabajo transformando un príncipe indolente en un revolucionario que reconoce el potencial (y el peligro) de sus decisiones. Rebecca Ferguson es fenomenal como Jessica Atreides, balanceando sus funciones diplomáticas con el enigmático entrenamiento de la orden Bene Gesserit (¡más palabras que nadie explica!) Finalmente, Zendaya parece perfecta en el papel de Chani; aunque, como muchas cosas en Dune, apenas alcanza a introducirse antes del abrupto final, y tendremos que esperar la secuela (¿o secuelas?) para completar la historia. Asumiendo que Dune tenga suficiente éxito para hacer otra película de tres horas, lo cual dudo un poco. La ciencia ficción "seria" siempre ha sido económicamente riesgosa, sobre todo cuando el final se siente "Meh", en vez de "¡Ya quiero ver lo que sigue!"
Lo cual nos lleva a lo mejor de Dune: las extraordinarias imágenes concebidas por el estudio Double Negative, y una docena de empresas dedicadas a efectos digitales, vestuario y decoración. Dune probablemente será la película más espectacular del año (lo cual no dice mucho en un año de pandemia, pero bueno... de cualquier modo sigue siendo impresionante), con un virtuoso diseño de producción y una abrumadora escala épica en cada escena, ya sea una mudanza interplanetaria, o el rescate de un vehículo dañado.
Entonces, Dune tiene suficientes atributos para merecer una entusiasta recomendación como ciencia ficción visualmente opulenta e intelectualmente estimulante. La historia tiene grandes agujeros y múltiples cabos sueltos, pero quiero pensar que la hipotética secuela se encargará de llenar los huecos y consolidar los temas que apenas se esbozan en esta fastuosa introducción. Además, no pierdo la esperanza de escuchar a Thanos cantando.
Calificación: 9

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Night Teeth

Síntomas: En su primera noche como chofer, el joven Benny (Jorge Lendeborg Jr.) conduce a dos mujeres que quieren asistir a varias fiestas en la ciudad de Los Ángeles. Lo que Benny no sabe es que sus pasajeras están instigando una guerra civil entre los clanes vampíricos de la ciudad.

Diagnóstico: A pesar de esa sinopsis, Night Teeth no es una película de terror. Desde luego hay vampiros, un poco de sangre, y una sórdida conspiración para mantener en secreto su existencia; sin embargo, Night Teeth se inclina más por el caótico tono de thrillers como After Hours, Go, o incluso Collateral, con un inocente conductor atrapado en un conflicto que no comprende, hasta que es demasiado tarde.
Pero, bueno... aunque no sea estrictamente horror, la idea me pareció buena, y el director Adam Randall (I See You) la adorna con un virtuoso estilo visual que transforma cada escena en una obra de "arte pop", con vivos colores e impresionante arquitectura que refleja la sofisticación y decadencia de los vampiros ocultos entre la élite social de Los Ángeles. En serio, lo que no gastaron en música (la banda sonora "techno" me pareció terrible) lo invirtieron en la renta de exóticas locaciones que despiertan envidia por la glamorosa no-vida de los vampiros. Pero, desde luego, todo tiene un precio.
También me gustaron los personajes y su dinámica. Benny (Jorge Lendeborg Jr.) es un humilde estudiante universitario que vive con su abuela, aunque su auténtica pasión es la producción musical (esa es la excusa para la mediocre banda sonora, supongo). Entonces, para ayudar a su hermano, Benny acepta conducir a Zoe (Lucy Fry) y Blaire (Debby Ryan) en un frenético recorrido nocturno para asistir a múltiples fiestas antes del amanecer (¿por qué será?). Y, bueno, eventualmente Benny descubre que los vampiros son reales, y que Zoe y Blaire están en una sangrienta misión de conquista territorial.
Jorge Lendeborg Jr. (Bumblebee) me pareció un buen protagonista, interpretando a Benny como un joven entusiasta y despistado (pero no estúpido), que deberá tomar complicadas decisiones conforme descubre su complicidad en una encarnizada lucha por el poder. Lucy Fry (Bright) y Debby Ryan (Horse Girl) forman el clásico balance de "yin y yang": una es compasiva y racional, mientras que la otra es violenta e impulsiva, con la arrogancia de alguien que ha vivido doscientos años sin preocuparse por las consecuencias de sus actos. Los papeles secundarios incluyen a Raúl Castillo (Army of the Dead) como Jay, el hermano mayor de Benny con su propio melodrama callejero; Marlene Forte (Knives Out) como la clásica abuela latina, más astuta de lo que parece; y, representando a los líderes de los clanes vampíricos tenemos una sucesión de cameos que incluyen a Sydney Sweeney (Nocturne), Megan Fox (Till Death) (advertencia: solo sale dos minutos), Alfie Allen (Jojo Rabbit), y Alexander Ludwig (Bad Boys for Life). Sin esforzarse demasiado añaden personalidad y energía a la floja narrativa.
Lo cual nos lleva al gran problema de Night Teeth: el libreto es largo y difuso, con numerosas tangentes de dudosa relevancia (por ejemplo: el asunto de la joven secuestrada). Hay mucho relleno que desvía nuestra atención del conflicto principal, y diluye la divertida interacción de los protagonistas. Aún así Night Teeth me pareció recomendable como simple experiencia "cool" dirigida por un cineasta con genuina visión, a diferencia de tantas otras "originales" de Netflix que parecen pálidas fotocopias de éxitos pasados. Ojalá tenga suficiente éxito para modificar los parámetros del Divino Algoritmo que maneja nuestras vidas.
Calificación: 7.5 (Si Megan Fox y Sydney Sweeney hubieran sido las pasajeras de Benny, la calificación sería considerablemente superior)

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Old

Síntomas: Varios huéspedes de un hotel tropical visitan una playa privada de impresionante belleza... pero con una extraña propiedad que pone en peligro sus vidas.

Diagnóstico: Para bien o para mal, la cinta Old refuerza mi teoría de que M. Night Shyamalan sigue siendo un brillante director, pero un mediocre guionista. Al menos esta vez "colaboró" simbólicamente con otros escritores, adaptando una novela gráfica de Pierre-Oscar Lévy y Frederick Peeters, la cual al parecer tenía sus propios problemas (según los críticos de Goodreads). En fin... tal vez en veinte años el ego de Manoj finalmente le permitirá compartir crédito con otras personas, y entonces podrá regresar a la gloria de antaño.
Mientras tanto, trataré de enfocarme en los elementos positivos de Old, ignorando las escenas más ridículas que casi arruinan el potencial de una fascinante premisa pobremente ejecutada.
En circunstancias normales no revelaría el "secreto" de la misteriosa playa donde se desarrolla el argumento; pero en vista de que ya lo conoce todo el mundo (por no mencionar el título mismo), sería inútil ocultar que los visitantes envejecen a un ritmo tan acelerado que sus vidas podrían extinguirse en un par de días, o incluso en unas horas (sí, esa es la única función del perrito Gustav). Es una idea bastante original que se presta para algunos impactantes momentos de horror físico (como lo que ocurre en la cueva), y para analizar las consecuencias psicológicas de una situación inexplicable (como el monólogo de los colores en la mente). Desafortunadamente gran parte de la cinta se desperdicia en los conflictos de personas normales que expresan su angustia y frustración por medio de peleas y recriminaciones que solo sirven para inflar la película y simular "drama" donde solo hay ruido.
Los turistas atrapados abarcan una diversa gama de edades, razas y ocupaciones que el director aprovecha para comentar sobre los temas de moda, desde racismo hasta lucha de clases. No son mensajes nuevos ni resonantes, pero ayudan a establecer el carácter de los personajes, al mismo tiempo que siembran las semillas del inevitable "twist" que nos espera al final, el cual intenta subvertir nuestras expectativas y generar debate sobre las terribles decisiones de ciertos individuos. Sí, desde el principio es obvio que hay algo raro en el "resort" demasiado perfecto para ser verdad. Y la "explicación" es ciertamente inesperada, aunque demasiado absurda si la analizamos durante más de veinte segundos... un problema frecuente en las películas de Shyamalan.
¡Twist! Dije que iba a enfocarme en lo positivo, e hice exactamente lo contrario. Pero también diré que me gustó mucho la dirección de M. Night Shyamalan, utilizando sus habituales trucos para crear escenas tensas y enigmáticas que se apoyan más en nuestra imaginación que en los efectos especiales, los cuales son esporádicos y bien diseñados para inspirar horror sin perder la clasificación PG-13.
Algunos actores hacen un mejor trabajo que otros (mis favoritos fueron Aaron Pierre como un rapero famoso; Thomasin McKenzie como una adolescente confundida; y Abbey Lee como la típica "esposa trofeo" obsesionada con su apariencia) (mis disculpas si "esposa trofeo" ya se convirtió en un término ofensivo, pero captura perfectamente la actitud del personaje y su relación con su esposo, interpretado por Rufus Sewell). Dentro de la filmografía de Shyamalan, Old me pareció superior a Lady in the Water, The Happening, y After Earth, pero muy inferior a sus mejores obras, como The Sixth Sense, Split... y Signs (¡doble twist!) A fin de cuentas seguiré interesado en la carrera de M. Night Shyamalan, porque tiene indudable talento para respaldar sus caprichos de "autor". Pero le urge reconocer sus limitaciones antes de que se acabe su tiempo (ja, ja), y la paciencia del público.
Calificación: 7

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Old Henry

Síntomas: En 1906, Henry McCarthy (Tim Blake Nelson) trata de mantener su pequeña granja en el estado de Oklahoma con ayuda de su hijo Wyatt (Gavin Lewis). Entonces encuentran un jinete herido con una bolsa llena de dinero, y sus vidas se complican.

Diagnóstico: La trama de Old Henry no es muy original (¿cuántas veces hemos visto la premisa de "bolsa llena de dinero" en incontables thrillers, dramas, y hasta comedias?); su manufactura es relativamente modesta, con sólidos valores de producción que no indican grandes aspiraciones artísticas; y la dirección de Potsy Ponciroli muestra la misma eficiencia en forma y fondo, libre de excesos dramáticos y floritura visual. Sin embargo, el secreto de Old Henry está en el carácter de los personajes y la increíble actuación de Tim Blake Nelson como el epónimo "Viejo Henry".
A pesar de su ilustre carrera en todo tipo de películas (desde dramas hasta reboots de superhéroes), siento que la presencia física de Tim Blake Nelson se presta particularmente para el "western"; no por nada ha encontrado en este género algunos de sus mayores éxitos críticos (por ejemplo O Brother, Where Art Thou?, y la reciente The Ballad of Buster Scruggs). Y ahora Nelson puede añadir otra marca a su pistola con Old Henry, un western minimalista que deja la acción para el final, como recompensa a nuestra paciencia, y como perfecto remate del suspenso que cultiva durante su preciso desarrollo.
La situación del Viejo Henry refleja las penurias de la vida en la "nueva frontera"... aunque ya no era tan nueva en 1906, cuando la era moderna empezaba a amenazar las tradiciones de los granjeros que estaban acostumbrados a hacer todo con sus propias manos, sudando de sol a sol para sobrevivir, y eso sólo si el clima les favorecía. Por su parte Wyatt (Gavin Lewis), el hijo adolescente de Henry, sabe que detrás de las colinas existe un mundo lleno de maravillas que jamás conocerá mientras permanezca en la granja, alimentando cerdos y gallinas. Y así, entre los amargos recuerdos de su esposa fallecida y el conflicto generacional con su hijo, el Viejo Henry encuentra un jinete herido (Scott Haze) con una bolsa llena de dinero. Y también hay rastros de sangre, lo cual podría indicar algún tipo de actividad criminal. ¿Ayudará Henry al misterioso visitante, o lo abandonará a su suerte?
A partir de ese dilema el director Potsy Ponciroli construye un interesante drama familiar que se transforma en un thriller doméstico, para culminar en inevitable violencia. Sin duda hay muchos clichés y personajes pre-fabricados (particularmente los villanos), pero Old Henry se apoya en la familiaridad de esos elementos para confundir nuestras expectativas y arrojar algunas sorpresas que alteran la naturaleza de los personajes, pero sin traicionar su espíritu.
El western tradicional nació como una fantasía escapista para aliviar las depresiones (tanto anímicas como económicas) de la primera mitad del siglo veinte. Y ahora, casi cien años después, el western regresa con una cínica actitud más apropiada para las injusticias del siglo veintiuno, cuando ya no es fácil tragar el concepto de "buenos contra malos". Es un mensaje deprimente... pero bastante entretenido gracias a películas como Old Henry. Al menos esta forma de escapismo no niega los horrores de la naturaleza humana.
Calificación: 9

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Halloween: La Noche Aún No Termina (Halloween Kills)

Síntomas: Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) y su familia se recuperan en el hospital después de la cruenta confrontación con Michael Myers (James Jude Courtney); pero su misión no ha terminado.

Diagnóstico: Halloween Kills empieza exactamente donde terminó Halloween (me refiero a la versión del 2018, y no a la original de 1978, aunque en un momento hablaremos de ella), estableciendo el estado crítico de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis), y el trauma psicológico de su hija Karen (Judy Greer) y su nieta Allyson (Andi Matichak) al confirmar que las "fantasías" paranoicas de Laurie eran completamente ciertas. Hasta ahí todo va bien. Entonces Halloween Kills salta al pasado y nos receta quince sólidos minutos de "retcon", mostrando aquella fatídica noche de 1978 desde diversos puntos de vista que sirven para introducir al nuevo protagonista de la saga: el pueblo de Haddonfield, Illinois.
Sí, a mi también me costó trabajo asimilar ese cambio fundamental en el enfoque del director David Gordon Green (Our Brand is Crisis). Su propuesta de Halloween Kills pone en segundo plano la historia de Laurie Strode para explorar las consecuencias que tuvieron los crímenes de Michael Myers en los habitantes actuales de Haddonfield. Y de eso trata la película. Francamente, no sé qué pensar.
Por un lado, es una estrategia indudablemente audaz y original que no recuerdo haber visto en el cine de terror (la única comparación que se me ocurre -y no es muy exacta- sería con el excelente remake de The Town That Dreaded Sundown). Por otro lado, esta inesperada decisión desperdicia los mejores elementos de la cinta anterior, y nos obliga a aceptar una serie de disparates que casi descarrilan la saga entera.
Vamos por partes: Halloween Kills respeta el espíritu del cine "slasher" con más víctimas y muertes más sangrientas, creando momentos de gran impacto visual (la muerte que más me "dolió" fue el cuchillo en la axila... no es muy sangrienta, pero me provocó una reacción visceral que no había sentido en mucho tiempo) (creo que la última vez fue con Terrifier). Y, aunque quedan relegadas durante gran parte de la película, me gustó la continuación del arco emocional de Laurie Strode y su familia, recuperándose de sus heridas (literales y metafóricas), mientras restauran los lazos afectivos que se habían extinguido por la obsesión de Laurie. Como siempre, Jamie Lee Curtis es lo mejor de la película, rescatando algunas torpes escenas con su inquebrantable convicción y dominio de un personaje que conoce mejor que nadie (incluyendo a Gordon Green, desafortunadamente).
En el papel de Karen, Judy Greer encarna el instinto maternal que Laurie nunca mostró; y Andi Matichak interpreta a Allyson como la parte reactiva del trío, saltando impulsivamente a la acción sin pensar en las consecuencias. Es una perfecta receta dramática que merecía mayor desarrollo; pero, como dije, el director tiene otros planes.
Parece que David Gordon Green y el co-guionista Danny McBride (más conocido por sus roles cómicos en cintas como Land of the Lost y Your Highess) reunieron a todos los personajes secundarios de la original Halloween (1978), y los convirtieron en protagonistas de Halloween Kills. No diré más para evitar "spoilers", pero básicamente es un relato donde los "easter eggs" tomaron control de la narrativa. Lo cual no es necesariamente malo; el problema viene cuando las muertes inspiran más risa que terror por la pasmosa ineptitud de los personajes (un buen ejemplo es la escena de la pistola y la puerta del automóvil). Bajo la visión de Gordon Green, Michael Myers ya no es un implacable asesino con eficiencia inhumana; simplemente persigue víctimas demasiado idiotas para sobrevivir.
Habiendo dicho todo eso, Halloween Kills nunca me aburrió (aunque me irritó con alarmante frecuencia); las muertes son brutales; y la tremenda música de John y Cody Carpenter se encarga de generar el suspenso que Gordon Green olvidó incluir (a pesar de ser el ingrediente más importante de la cinta original). Siento que Halloween Kills será una de esas películas que dividen al público: algunos la aclamarán como una genial re-invención del cine "slasher", mientras que otros dirán que arruinó (por tercera vez) una saga que merecía algo mejor, aunque solo fuera para honrar el compromiso de Jamie Lee Curtis con el papel que la consagró. A fin de cuentas recomendaría Halloween Kills como una curiosidad cultural; pero no como una buena película.
Calificación: 7.5

IMDb

V/H/S/94

Síntomas: Varios policías catean el templo de un culto, y descubren a los feligreses muertos enfrente de incontables televisores donde se proyectan videos de eventos inexplicables.

Diagnóstico: Las antologías V/H/S tomaron el concepto del "found footage" en direcciones creativas e inesperadas, confirmando que la técnica de "cámara en mano" no estaba limitada a la exploración de edificios abandonados por "cazafantasmas" estúpidos y antipáticos. En su momento las cintas de V/H/S ofrecieron una perspectiva fresca que revitalizó el sub-género "pseudo-documental", y probablemente extendió su vida mucho más allá de su fecha de caducidad. Pero no los voy a criticar por eso.
Y ahora, diez años después de la película original, se estrena V/H/S/94, una nueva antología que llega muy tarde a la fiesta, cuando el fenómeno del "found footage" parecía creativamente agotado y culturalmente obsoleto. ¿Qué más podrían añadir sin repetir los éxitos de antaño?
La respuesta es: nada.
Afortunadamente eso no significa que V/H/S/94 sea una mala película. Por el contrario, me pareció una experiencia variada y divertida que aprovecha los avances tecnológicos de la última década para crear imágenes aún más realistas, combinando extremas dosis de "gore" con demenciales ejemplos de "body horror", exóticas criaturas, y el indispensable comentario social sobre los vicios del nuevo siglo, contemplados desde la perspectiva del año 1994, donde se ubican los cortometrajes de esta colección.
El "segmento envolvente" ("Holy Hell", dirigido por Jennifer Reeder) sigue un tenso operativo policíaco que explora un supuesto laboratorio de drogas ilegales... aunque en realidad es el templo de un culto religioso basado en señalas transmitidas por televisión.
Las señales son:
"Storm Drain" (de Chloe Okuno): La reportera Holly Marciano (Anna Hopkins) y su camarógrafo investigan avistamientos de un "hombre rata" en el sistema de alcantarillas... y descubren algo más siniestro de lo que imaginaban. La trama es buena, pero demasiado predecible; lo mejor son los efectos especiales y la presencia de Anna Hopkins, una de mis actrices favoritas (categoría: televisión canadiense).
"The Veggie Masher" (de Steve Kostanski): Parodia de los "infomerciales" nocturnos que venden productos absurdos para televidentes con insomnio. Desde mi punto de vista, "The Veggie Smasher" fue la mayor decepción de la película, no porque sea malo, sino por su brevedad e intrascendencia. Yo esperaba un cortometraje "real" del genial director Steve Kostanski (The Void, Psycho Goreman), y lo que encontré fue un chiste desechable de un minuto. En fin... al menos me hizo reír.
"The Empty Wake" (de Simon Barret): La joven Hayley (Kyal Legend) prepara la capilla de una casa funeraria para el velorio de un difunto... y empieza a escuchar ruidos provenientes del féretro. Creo que fue mi historia favorita como simple relato de terror, pues el director Simon Barret (Seance) crea excelente atmósfera y aprieta las tuercas del suspenso conforme se acumulan los fenómenos inexplicables, complementando la sólida actuación de la protagonista.
"The Subject" (de Timo Tjahjanto): Un científico loco crea perversos híbridos bio-mecánicos en un laboratorio secreto de Jakarta. El segmento más largo, violento, y sangriento de la antología utiliza sus excesos visuales para compensar una historia simple y sin rumbo fijo (incluso para los estándares de un cortometraje). Aún así demuestra la versatilidad del director Timo Tjahjanto con un estilo muy distinto a sus películas de horror sobrenatural.
"Terror" (de Ryan Prows): Un grupo militante quiere destruir el gobierno de Bill Clinton con una poderosa arma de origen sobrenatural. Me gustó mucho el replanteamiento de un mito clásico del horror en una forma que nunca había imaginado. Y también confirma que las divisiones políticas en los Estados Unidos no han cambiado mucho desde 1994.
Generalmente me gustaron los cortos, pero el más grave problema de V/H/S/94 (en mi humilde opinión) es que, con excepción de "Storm Drain" y "The Veggie Masher", ninguno de los cortos necesitaba ser "found footage", e incluso perdieron claridad narrativa por emplear esa técnica. Peor aún, en el caso de "The Subject", Tjahjanto ni siquiera usó la estética "retro" del video análogo, pues está claramente grabado en video digital de alta resolución. Claro, se ve increíble y luce el "gore" con espectacular detalle... pero entonces, ¿cuál fue el punto de ubicarlo en 1994?
De cualquier modo me da gusto que la franquicia V/H/S reviva después de un merecido descanso. Todavía hay mucho que satirizar en el mundo moderno, más obsesionado que nunca con el consumo de video que nos persigue en todas las plataformas imaginables. Solo espero que la quinta parte no sea una colección de 100 micro-cortos de horror extraídos de TikTok.
Calificación: 7.5

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The Manor

Síntomas: Después de sufrir una crisis médica en su septuagésimo cumpleaños, Judith Albright (Barbara Hershey) ingresa voluntariamente a una casa de reposo, pues no quiere convertirse en una carga para su familia. Entonces descubre que algo o alguien está matando a los pacientes de la institución... y ella podría ser la siguiente víctima.

Diagnóstico: Tenía particular interés en The Manor por la directora Axelle Carolyn. Además de disfrutar sus artículos en Rue Morgue y Fangoria (en la era prehistórica cuando aún compraba revistas físicas), me gustó el cortometraje que dirigió para la antología Tales of Halloween, donde fue uno de las pocos segmentos que generaron suspenso y horror en un formato tan breve. Desafortunadamente Carolyn no obtuvo el mismo resultado en el largometraje The Manor, aunque su sólido instinto dramático respalda esta metáfora sobre el maltrato de la gente mayor en la sociedad contemporánea.
Para bien o para mal, The Manor (disponible en Prime Video como parte de la serie "Welcome to the Blumhouse") tomó ideas prestadas de Bubba Ho-Tep (ancianos combatiendo una criatura sobrenatural), I Care a Lot (abuso contra personas mayores), y The Ritual (o, para el caso, cualquier relato de "horror folclórico" británico). Sin embargo, su mayor acierto fue contratar a Barbara Hershey (Hannah and Her Sisters, The Last Temptation of Christ, Black Swan) en el papel principal, aprovechando su talento y carisma para establecer una firme base emocional, sin la cual la película se derrumbaría como castillo de naipes.
Judith Albright (Barbara Hershey) es una mujer fuerte e independiente que reconoce los primeros síntomas de deterioro físico, y decide mudarse a la casa de reposo Golden Sun Manor antes de convertirse en un problema para su hija Barbara (Katie Amanda Keane) y su nieto Josh (Nicholas Alexander). La transición es difícil al principio, pero encuentra amigos de su edad que la integran a sus actividades recreativas y le dan consejos para hacer su estancia más tolerable. Lo más importante es evitar la apariencia de demencia senil, pues eso reduciría la poca libertad que tiene. Eso fue lo que pasó con Annette (Nancy Linehan Charles), la compañera de cuarto de Judith que tiene que dormir atada a su cama para evitar que se lastime durante sus pánicos nocturnos. Pero, ¿serán ataques de pánico provocados por la demencia, o realmente habrá algo que la asusta en las noches? Entonces Judith empieza a ver una siniestra figura en su cuarto, y no sabe qué pensar; solo sabe que algo raro está pasando en el hospital, pero desde luego nadie le cree.
Ni el argumento ni el comentario social de The Manor son originales, pero sirven para lucir un reparto geriátrico rebosante de humor y carácter. Y si bien el misterio de "la Mansión" tiene momentos inesperados, a fin de cuentas sigue esquemas que hemos visto en incontables cintas de terror (el nieto de Judith hace referencia a una de esas películas clásicas... y no está equivocado).
Creo que Axelle Carolyn hizo un trabajo decente en su segundo largometraje (el primero fue Soulmate), poniendo especial esmero en la atmósfera, la cinematografía, y desde luego en las actuaciones, las cuales bastan para darle una modesta recomendación a The Manor. El problema fue un libreto lento y predecible, cuyas buenas intenciones no compensan la sensación de que ya vimos esta historia demasiadas veces para inspirar auténtico terror. En todo caso podríamos clasificar The Manor como adecuada "carta de presentación" de una nueva directora con amplio potencial... siempre y cuando encuentre mejor material. Como sea, Axelle Carolyn merece admiración por el gran salto que dio su carrera desde que perseguía entrevistas con Eli Roth y Alexandre Aja. Nadie le puede quitar eso.
Calificación: 7

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Venom: Carnage Liberado (Venom: Let There Be Carnage)

Síntomas: El reportero Eddie Brock (Tom Hardy) trata de mantener una vida normal a pesar de compartir su cuerpo con Venom, el "simbiote" extraterrestre que le da poderes sobrehumanos. Pero la situación se complica cuando el asesino serial Cletus Kasady (Woody Harrelson) escapa de presidio con ayuda de otro parásito alienígena.

Diagnóstico: Decidí revisitar la original Venom (2018) antes del estreno de Venom: Carnage Liberado para refrescar mi memoria y entender mejor esta inusual tangente del Universo de Marvel. "Ni es de aquí, ni es de allá", como dicen en mi país.
Gracias a eso pude apreciar la perspectiva del director Andy Serkis (!), quien ignora las tradicionales catástrofes y amenazas globales del cine de superhéroes para enfocarse en el conflicto interno entre Venom y Eddie Brock (Tom Hardy), aún compitiendo por controlar el cuerpo del reportero, pero con una traviesa dinámica de "pareja dispareja" que añade humor y define la peculiar visión de la película. En otras palabras: Serkis preservó los temas de la cinta original, en vez de hacer un viraje forzado al épico estilo de Marvel, lo cual me pareció admirable... hasta cierto punto. Hablando de virajes, no olviden la escena adicional durante los créditos finales. Me pareció... interesante.
Regresando al punto, Venom: Carnage Liberado, mantiene la historia enfocada en la vida doméstica de Venom y Eddie Brock en un departamento de soltero donde ocurren las mejores escenas de la película (como la preparación del desayuno). Es como un "sitcom" surrealista con un "loser" y un monstruo que son buenos amigos, pero se irritan constantemente con sus malos hábitos. Entre ellos: Venom quiere comer gente (o al menos gallinas) (SPOILER: No le pasa nada a las gallinas), mientras que Eddie se rehúsa a aprovechar los poderes del simbiote para eliminar a la gente mala del mundo. Después de muchas rutinas cómicas de variable calidad (las personas que odiaron al Peter Parker chistoso de Spider-Man 3 probablemente gritarán cuando vean a Venom en una fiesta de Halloween), la trama empieza a tomar forma cuando Eddie entrevista al asesino serial Cletus Kasady (Woody Harrelson), y pasan varias cosas que no voy a revelar. Solo diré que Cletus gana poderes especiales, y además encuentra un motivo para eliminar a Eddie.
Entonces llegan las obligatorias secuencias de acción ruidosas y sobre-producidas, pero razonablemente entretenidas gracias a los efectos especiales que dan vida a Venom y Carnage. No sé si Andy Serkis realmente dirigió estas escenas, o si dejó que los artistas digitales siguieran sus propios caprichos (me inclino por lo segundo), y el resultado es visualmente impresionante, pero tan genérico como cualquier cinta de superhéroes. Los guionistas Kelly Marcel y Tom Hardy encuentran excusas para traer de regreso a Michelle Williams en el papel de Anne, la ex-novia de Eddie (supongo que la actriz firmó un contrato por dos películas y su abogado no pudo liberarla del compromiso); y también introducen a Naomie Harris en el papel de Frances Barrison, el interés romántico de Kasady. Por cierto, Woody Harrelson ya no usa la ridícula peluca roja de Anita la Huerfanita que le pusieron al final de Venom; pero el peinado de "Frankenstein Emo" tampoco le hizo muchos favores. Aún así su actuación es apropiadamente exagerada para competir con el "bromance" de Eddie y Venom, y también para recordarnos su trabajo en Natural Born Killers, la cual obviamente influyó en ciertas escenas de Venom: Carnage Liberado.
Creo que Venom: Carnage Liberado me gustó más que la cinta original porque no pierde tiempo en explicaciones y tiene un mejor villano; sin embargo la trama deambula sin rumbo durante gran parte de la película, y la violencia se mantiene a nivel PG-13, en vez de seguir el ejemplo de Deadpool para hacerle justicia a la psicótica naturaleza de Venom y Carnage. ¿Quién sabe? Tal vez para la tercera parte dejarán de tenerle miedo a la sangre digital.
Calificación: 7.5

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La Casa Oscura (The Night House)

Síntomas: Cuando la viuda Beth Parchin (Rebecca Hall) revisa los efectos personales de su finado esposo, descubre secretos que la hacen cuestionar su matrimonio... aunque también podrían explicar los extraños fenómenos que ocurren en su hogar.

Diagnóstico: Tal vez "David Bruckner" no es un nombre que asociamos con los modernos "Amos del Terror", pero creo que The Night House rectificará esa situación.
Después de una breve pero respetable carrera en el género (la cual incluye cintas como The Signal y The Ritual, así como sólidos segmentos en las antologías Southbound y V/H/S), Bruckner se consagra con The Night House, un intenso thriller sobrenatural con una firme base emocional y un argumento engañosamente simple que desafía los arquetipos de la clásica "casa embrujada".
Beth Parchin (Rebecca Hall) quedó devastada por la muerte de su esposo Owen (Evan Jonigkeit), no solo por la repentina soledad, sino por las trágicas circunstancias de su deceso. Entonces, sumida en una profunda depresión, Beth empieza a escuchar ruidos en su casa, y tiene pesadillas que se sienten demasiado reales. ¿Será el espíritu de su esposo tratando de comunicarse? ¿O será algo distinto, relacionado con los documentos que ocultó Owen antes de morir?
Afortunadamente Bruckner tiene planeado algo más interesante que simples fantasmas, y para ello se enfoca en las experiencias de Beth conforme descubre los secretos de su esposo. Rebecca Hall ofrece una de sus mejores actuaciones (lo cual ya es decir bastante) en un papel que requiere la expresión simultánea de emociones contradictorias como respuesta a una tragedia sin sentido. No solo es tristeza, sino ira, celos, y la confusión general de Beth al sentir que no conocía realmente a su esposo. O quizás lo conocía mejor de lo que supone, pero nunca supo interpretar su comportamiento.
En papeles secundarios tenemos a Sarah Goldberg como la mejor amiga de Beth que se esfuerza por sacarla de su depresión, y ofrecer explicaciones racionales para los fenómenos que atormentan a su amiga; y Vondie Curtis Hall interpreta a Mel, el afable vecino que comprende lo que Beth está sintiendo, pues también perdió a su esposa (SPOILER: No le pasa nada a su perro).
Sin embargo, lo que más me gustó de The Night House fue la dirección de David Bruckner, mostrando excepcional sensibilidad para combinar drama y horror, así como un brillante estilo visual para crear escenas terroríficas que no se basan en sobresaltos ni ruidos estridentes, sino en la ambigüedad de la percepción en momentos de estrés psicológico. Además, el diseño de la "casa embrujada" (a orillas de un pintoresco lago), y la cinematografía de Elisha Christian conspiran para crear una inquietante atmósfera que nos contagia los temores de la protagonista y nos obliga a cuestionar la realidad objetiva.
The Night House podría parecer lenta y cansada para el público que prefiere historias de fantasmas más lineales, al estilo de The Conjuring o sus imitadoras, lo cual no tiene nada de malo (a mi también me gustan mucho). Sin embargo, fue un placer descubrir una versión más madura y cerebral de este venerable sub-género, que se atreve a rascar bajo la superficie hasta encontrar el origen del horror. Lo que nos asusta no es el fantasma mismo, sino el reflejo de nuestra mortalidad.
Calificación: 9

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Black as Night

Síntomas: En la ciudad de Nueva Orleans, la joven Shawna (Asjha Cooper) descubre un viejo edificio infestado de vampiros, y decide combatirlos con ayuda de sus amigos.

Diagnóstico: Black as Night pertenece al experimento anual de Welcome to the Blumhouse (disponible en Prime Video), donde el estudio promueve nuevas voces en el género de terror, con ideas frescas y subversivas que no encajan necesariamente en su modelo de distribución comercial. Es una excelente estrategia de Blumhouse para diversificar la industria y cultivar talentos que eventualmente extenderán el imperio cinematográfico del productor Jason Blum, así que todos ganan. Por el lado negativo, las películas de Welcome to the Blumhouse a veces se sienten baratas y semi-amateur debido a la inexperiencia de sus autores y a los presupuestos extremadamente bajos con los que tienen que trabajar.
Lo cual nos lleva a Black as Night, una fusión urbana de Buffy the Vampire Slayer y The Lost Boys que usurpa la leyenda vampírica para divulgar un comentario social sobre las divisiones de la comunidad africana-americana de los Estados Unidos, y específicamente en la ciudad de Nueva Orleans.
Todo comienza una noche cuando Shawna (Asjha Cooper) regresa a su casa después de una fiesta, y es atacada por una pandilla de malvivientes... o al menos eso parecen, pero en realidad son vampiros que cazan a los indigentes de la comunidad, porque saben que nadie se preocupará por buscarlos. Shawna logra escapar, pero nadie cree su historia, hasta que alguien de su familia empieza a mostrar síntomas de infección. Entonces, con ayuda de varios amigos, Shawna busca la guarida de los vampiros en los barrios pobres... y descubre algo que no esperaba.
Primero lo malo para salir del paso: Black as Night es una burda producción carente de recursos y energía. La directora Maritte Lee Go hace lo que puede con lo que tiene, pero el problema principal es la insípida narrativa que no inspira suspenso ni emoción a pesar de contar con ingredientes adecuados. No diría que la dirección es mala; por el contrario, la película fluye bien, y su estructura establece el misterio de los vampiros para luego sorprendernos con un "twist" que revela su auténtica intención. Sin embargo siento que Black as Night necesitaba un estilo visual más audaz y contundente, así como una "actitud" más desafiante para convencernos de que un grupo de "adolescentes" (interpretados por actores de treinta años, para variar) realmente son capaces de enfrentar un nido de vampiros motivados por algo más que la mera supervivencia.
Micro-crítica gratuita: Otra película en esta entrega de Welcome to the Blumhouse fue Bingo Hell, una caótica fábula sobre los ancianos de una comunidad hispana en peligro de desaparecer por un desarrollo inmobiliario que quiere expulsarlos de sus casas para construir departamentos de lujo. El libreto es un desastre sin pies ni cabeza; pero la directora Gigi Saul Guerrero tiene un exuberante estilo visual que derrama humor y energía en cada escena. Black as Night necesitaba esa visión para complementar su ambicioso argumento. Desafortunadamente Maritte Lee Go dirigió su película como un comercial de detergente, y el resultado fue menor a la suma de sus partes.
Aún así, Black as Night se sostiene por la elocuencia de sus ideas y la simpatía de los personajes (mención especial para el gran Keith David, tan carismático como siempre). No la recordaré por mucho tiempo, pero cumplió su misión de enriquecer el mito del vampiro con un interesante subtexto social; y seguramente sirvió como valiosa experiencia para mejorar los futuros proyectos de Maritte Lee Go. Incluso podría colaborar el próximo año con Gigi Saul Guerrero, y entonces tendremos un mejor equilibrio entre forma y fondo.
Calificación: 7

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The Guilty

Síntomas: El Oficial Joe Baylor (Jake Gyllenhaal) recibe la llamada de emergencia de una mujer secuestrada, y decide romper todas las reglas para ayudarla antes de que sea demasiado tarde.

Diagnóstico: Al parecer The Guilty es el remake norteamericano de la película danesa Den Skyldige. Si hubiera visto la original, probablemente estaría repitiendo mi típica letanía de "remakes innecesarios", y "motivación mercantilista". Pero, como no la vi, The Guilty (disponible en Netflix) me pareció un sólido "thriller minimalista" por méritos propios, ubicado en una sola locación, y sostenido por la actuación de Jake Gyllenhaal en el papel de un policía obsesionado con la llamada de auxilio de una mujer secuestrada.
Imagino que el director Antoine Fuqua eligió este proyecto como un reto (o quizás un respiro) después de pasar tantos años en el cine de acción. ¿Podría obtener el mismo nivel de suspenso y emoción en el prosaico entorno de una central telefónica?
La respuesta es... sí y no. The Guilty se desarrolla exactamente como imaginamos durante la primera hora. El Oficial Joe Baylor (Jake Gyllenhaal) fue asignado al despacho telefónico de la Policía como castigo por una infracción que cometió durante el cumplimiento de su deber, y por eso no toma muy en serio su trabajo. Sin embargo, cuando una mujer llamada Emily (voz de Riley Keough) se comunica con angustiosos susurros desde una camioneta en movimiento, Joe reconoce el peligro inminente de un secuestro, y trata de ayudarla sin que el secuestrador escuche la conversación.
El argumento está bien planteado (Nic Pizzolatto se encargó de adaptar el libreto original), dividiendo el drama entre la crisis existencial de Joe y las revelaciones que complican la situación de Emily, incluyendo múltiples catástrofes que afectan a la ciudad de Los Ángeles (desde incendios hasta manifestaciones callejeras), y retrasan la asistencia de policías y bomberos demasiado ocupados con tantos problemas.
Lo que cuesta trabajo aceptar es el comportamiento absolutamente irresponsable de Joe como operador nocturno del número telefónico "911". Claro, ya sabemos que no es su trabajo "real", y quizás carece del entrenamiento necesario para manejar llamadas de gente en estado de pánico, o bajo la influencia de alguna droga, o de individuos que desconfían de las autoridades. Pero aún así parece irreal que Joe pueda cometer tantos errores sin que lo noten sus superiores. Por otro lado, su arrogancia e impaciencia con la gente común podría explicar la infracción que lo llevó a este ingrato trabajo de escritorio.
En el papel de Joe, Jake Gyllenhaal sostiene nuestra atención con su inmenso talento y convicción; y aunque se siente un poco exagerado en algunas escenas (sobre todo al final), creo que fue una decisión intencional para enfatizar la evolución del personaje durante una fatídica noche que cambiará su vida. Prestando sus voces en papeles "invisibles" tenemos a Riley Keough como Emily y Peter Sarsgaard como el secuestrador, y ambos hacen un excelente trabajo. Finalmente, mención especial para el director de fotografía Maz Makhani por encontrar emplazamientos y encuadres que hacen más dinámica la película sin complicar su ejecución.
A pesar de algunos tropiezos iniciales, The Guilty se redime en el tercer acto con una serie de "twists" que alteran por completo la trama y expanden su visión. Ojalá Fuqua hubiera tomado menos tiempo para acomodar las piezas del rompecabezas; pero indudablemente encontró la manera de generar buen impacto emocional en un relato cuya aparente simplicidad oculta connotaciones culturales profundas y relevantes para la sociedad contemporánea. Habiendo dicho eso, prefiero sus películas de acción.
Calificación: 7.5

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Sin Tiempo Para Morir (No Time to Die)

Síntomas: James Bond (Daniel Craig) sale del retiro cuando un viejo enemigo intenta asesinarlo... pero el peligro real está más cerca de lo que imagina.

Diagnóstico: Después de quince años y cinco películas, Daniel Craig cierra su legado de James Bond con Sin Tiempo Para Morir. Es el fin de una era... y tal vez el inicio de otra, cuando se revele quién manejará el Aston Martin en futuras secuelas. Mi recomendación: James Bond no necesita un reemplazo; necesita jubilarse.
Sin Tiempo Para Morir no es una mala película, pero revela el cansancio de una franquicia que se rehúsa a morir a pesar de su evidente obsolescencia  (igual que su protagonista). Claro, los productores llevan años tratando de "modernizar" a James Bond, pero solo cambian detalles superficiales (como reducir el sexismo e incrementar la diversidad, lo cual desde luego apoyo), sin fijarse en el gran problema que vienen arrastrando desde hace décadas: las películas de James Bond ya no son divertidas.
Los productores se preocuparon tanto por remodelar los valores de la serie que olvidaron la esencia de James Bond (me refiero al Bond cinematográfico, no al literario). Ya no hay humor, ya no hay suspenso, y mucho menos la satisfacción de triunfar contra algún villano interesante. Ahora todo es drama, muerte, y conflicto sin sustancia narrativa. James Bond perdió el gozo de vivir, y también se extinguió mi interés en una saga que admiraba desde niño.
Aclaro que no estoy defendiendo las ridiculeces de Die Another Day, ni la insultante estupidez de The World is Not Enough. Me refiero simplemente al deseo de contar historias que capturen nuestra imaginación sin recurrir a los clichés de una telenovela.
Lo cual nos lleva a Sin Tiempo Para Morir, un melodrama familiar sobre un hombre retirado que abandona a su novia por una aparente traición; pero después se reconcilia con ella porque necesitan interrogar a un enfermo que tiene información sobre otro maniático (llamado Lucifer, nada menos) (bueno, "Lyutsifer") (Rami Malek) que quiere destruir el mundo, o algo así. No me pregunten por qué. Tal vez vio demasiadas películas de James Bond. Ah, y su base está en una isla fortificada de la Segunda Guerra Mundial.
Por el lado positivo, esta indigesta indulgencia cinematográfica de casi tres horas tiene algunas buenas escenas de acción (como la fiesta en Cuba con Ana de Armas); y los personajes secundarios encuentran más oportunidades de extender su función dentro del gran universo de James Bond. En particular me gustó la interacción de Moneypenny (Naomie Harris) con Q (Ben Whishaw), y la nueva dinámica entre M (Ralph Fiennes) y otros agentes de la división "00".
El director Cari Joji Fukunaga (Beasts of No Nation) hizo un buen trabajo balanceando nostalgia con innovación. Me gustaron los primeros diez minutos que rinden tributo al Bond "clásico" de Sean Connery; y me encantó la secuencia del avión que evoca la obsesión tecnológica de la era de Roger Moore. Sin embargo, Fukunaga tiene que apegarse al nuevo mandato de seriedad, y ahí fue donde mis ojos empezaron a cerrarse con cada escena supuestamente dramática que no inspira emoción alguna, ya sea la muerte de un viejo aliado, las remembranzas de un enemigo derrotado, o los altibajos de un romance inerte y libre de pasión. Tal vez si Daniel Craig y Léa Seydoux tuvieran mejor química en sus escenas "románticas", Sin Tiempo Para Morir alcanzaría una fracción del impacto que intenta causar; pero, entre todas las "chicas Bond", tuvieron que elegir a la que se ve más incómoda en ese cuestionable papel.
Tratando de ser objetivo, terminaré diciendo que Sin Tiempo Para Morir es más de lo mismo, lo cual será bueno o malo según la opinión que cada espectador tenga de la saga de James Bond en los últimos quince años. Para mi fue una cinta mediocre, parcialmente redimida por burbujas de ingenio que flotan de vez en cuando en el pantano de la tragedia. Sin embargo, sostengo mi sugerencia inicial (con una pequeña modificación): retiren a James Bond, pero conserven la serie con los personajes existentes (M, Q, Moneypenny, y otros agentes como los que interpretan Ana de Armas y Lashana Lynch), creando nuevas aventuras que exploten su fuerza como grupo. Así la familia Broccoli no perderá su ganso de los huevos de oro... solo lo diversificará en un universo más amplio y flexible.
Calificación: 7.5

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No One Gets Out Alive

Síntomas: Una joven mexicana llega a la ciudad de Cleveland para iniciar una nueva vida, y se hospeda en una vetusta casa de huéspedes con rentas muy bajas. Pero de inmediato encuentra fenómenos que podrían descarrilar su búsqueda del "Sueño Americano".

Diagnóstico: En cierto modo No One Gets Out Alive es la versión latina de His House (ambas están en Netflix), pues emplea el marco del horror para explorar los retos e injusticias que sufren muchos inmigrantes cuando tratan de adaptarse a un nuevo país. Las circunstancias que llevaron a la joven Ámbar a la ciudad de Cleveland son muy distintas a las que vimos en His House, pero los ideales de prosperidad y superación son los mismos, lo cual aprovecha el director Santiago Menghini y los guionistas Jon Croker y Fernanda Coppel (basados en una novela de Adam Nevill) para construir una historia realista y convincente desde antes de introducir el componente sobrenatural.
Una vez que comienza el horror encontramos las rutinas clásicas del género, incluyendo ruidos nocturnos, pesadillas, y amenazadoras figuras que acechan en los rincones del viejo edificio donde Ámbar Cruz (Cristina Rodlo) se hospeda mientras ahorra dinero para adquirir documentos falsos que le permitirán encontrar un buen empleo. Mientras tanto Ámbar trabaja en una fábrica textil, donde sufre improperios de un jefe abusivo que exige mucho y paga poco. Y, para complicar la situación, Ámbar tiene cicatrices psicológicas relacionadas con la muerte de su madre, de modo que no estamos seguros si las manifestaciones sobrenaturales son externas, o la internalización del trauma que sufrió recientemente.
Sin embargo, gracias a un breve prólogo ubicado en México (filmado con la estética "retro" de las viejas películas Super8), sospechamos que los ruidos y sombras no son simples fantasías, sino algo más siniestro, relacionado con una excavación arqueológica... o algo así. No One Gets Out Alive empieza como un típico relato de casa embrujada y se transforma en una sólida muestra de "folk horror" basada en leyendas mesoamericanas que me gustaría explorar con mayor detalle... ¿tal vez en una secuela?
Cristina Rodlo construye un personaje entrañable y expresivo, con pequeños detalles que revelan la humanidad detrás del cliché cultural. En papeles secundarios tenemos a Marc Menchaca como Red, el administrador de una casa de huéspedes exclusiva para mujeres, lo cual despierta nuestras sospechas; y también hay otras inquilinas como Freja (Vala Noren) y Petra (Cosmina Stratan), demasiado preocupadas con sus propios problemas como para ayudar a Ámbar.
Lo cual nos lleva a los mejores elementos de No One Gets Out Alive. La premisa de casa embrujada oculta un exótico misterio que Menghini desarrolla con buen ritmo y suspenso hasta el gran final, donde podemos apreciar la experiencia del director en la industria de los efectos especiales. También merece mención la decadente atmósfera urbana obtenida por el director de fotografía Steven Murphy (por cierto, excelentes locaciones rumanas haciendo las veces de "Cleveland"); y la música de Mark Korven adereza el horror sin recurrir a los sobresaltos ni sonidos estridentes tan populares en el género. Menghini confía en el material y también en el público; cosa rara en el cine moderno.
Mi única queja es que los temas de la cinta nunca se integran correctamente. El asunto de la inmigración solo sirve como contexto del horror en vez de complementarlo, y termina sintiéndose como un truco para generar simpatía por Ámbar. Pero, bueno... el truco funciona bastante bien, y puedo recomendar No One Gets Out Alive por su hábil manejo de sangre y folclor, apoyados por un mensaje social que sigue siendo válido a pesar de su desconexión con el resto de la película. No One Gets Out Alive haría buena pareja con The Old Ways; ojalá el algoritmo de Netflix opine lo mismo para que más gente las descubra.
Calificación: 8

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