Mansión Embrujada (Haunted Mansion)

Síntomas: Gabbie (Rosario Dawson) y su hijo Travis (Chase W. Dillon) se mudan a una vieja mansión en Nueva Orleans, y descubren que está embrujada. Entonces contratan a un sacerdote, un científico, y una médium para "limpiar" la casa, o al menos averiguar qué necesitan los espíritus para pasar al "Otro Lado".

Diagnóstico: Mansión Embrujada es una pesadilla... pero no porque sea terrorífica, sino porque desperdicia un buen reparto (por no mencionar efectos especiales, decoración y cinematografía de primera calidad) en una historia insípida y genérica, que realmente parece escrita por una inteligencia artificial para cumplir el mandato de una corporación temerosa de innovar, ofender al público, o comprometerse con una visión creativa. En resumen: los peores defectos del "antiguo" Disney, resucitados en el zombie de una película que murió hace veinte años.
Sí, me refiero a The Haunted Mansion (2003), inspirada en una famosa atracción de Disneylandia, y producida con la esperanza de repetir el éxito de Pirates of the Caribbean (2003). En aquel entonces The Haunted Mansion mostró la ineptitud de Disney para realizar una "comedia de terror" marginalmente divertida; y, desafortunadamente, el "nuevo" Disney no aprendió lo suficiente para corregir la situación.
Pero, bueno... por el lado positivo, el reparto de la nueva Mansión Embrujada tiene suficiente talento para sostener nuestra atención escena por escena, incluso cuando el director Justin Simien pierde el tiempo conectando el melodrama individual de los personajes con el misterio de la casa.
Así tenemos a Gabbie (Rosario Dawson), tratando de iniciar una nueva vida después de una mala experiencia marital; su hijo Travis (Chase W. Dillon), lidiando con "bullies" en la escuela; y los "cazafantasmas" en turno: Ben (LaKeith Stanfield), astrofísico retirado que inventó un "lente cuántico" (?) para retratar fantasmas; el Padre Kent (Owen Wilson), más interesado en el dinero que en la religión; la médium Harriet (Tiffany Haddish) que intentará expulsar a los espíritus; y el historiador Bruce (Danny DeVito), cuyos conocimientos sobre el pasado de Nueva Orleans podrían revelar el origen del embrujo.
El humor de la cinta repite rutinas de Abbott y Costello que ya parecían simplonas hace setenta años (¡Puertas que se abren solas! ¡Objetos flotantes!); pero, eso sí, recreadas con impecables valores técnicos que nos distraen durante las escenas más "emocionantes", como la persecución por el jardín, o el ataque de un cocodrilo fantasma. Y aunque Mansión Embrujada no se acerca ni remotamente al "terror" (o siquiera "miedo"), al menos evoca una convincente atmósfera gótica con elementos que van desde retratos vivientes hasta mazmorras secretas. Claramente Disney pagó buen dinero para crear una experiencia visualmente estimulante; solo faltó la historia para aprovechar los escenarios.
¡Pero no todo está perdido! Los Muppets hicieron su propia versión de The Haunted Mansion en el 2021, en un especial de Halloween para el servicio Disney+; y sobra decir que fue más gracioso, original y creativo que Mansión Embrujada. O, si prefieren ejemplos de Disney experimentando con auténtico terror, siempre quedan las reliquias ochenteras The Watcher in the Woods (1980) y Something Wicked This Way Comes (1983). No tienen humor "meta" ni canciones de Stevie Wonder, pero aún pueden provocar un par de escalofríos. Las veré en la noche para "limpiar el paladar" de Mansión Embrujada.
Calificación: 6 (solo por las imágenes)

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Resident Evil: Death Island

Síntomas: Una nueva variante del Virus-T convierte a sus víctimas en zombies, pero no se transmite por medio de mordidas, sino por inyección directa... lo cual significa que alguien está infectando deliberadamente a los ciudadanos de San Francisco. ¿Quién será, y con qué propósito?

Diagnóstico: En general me han gustado las películas animadas de Resident Evil, pero no me pidan que explique su mitología ni su conexión con los videojuegos más allá de sus ingredientes básicos: la Corporación Umbrella, el Virus-T, y los personajes clásicos, como Jill Valentine, Leon Kennedy y los Hermanos Redfield (entre otros).
Afortunadamente no se necesita más para disfrutar los simples placeres de Resident Evil: Death Island, una nueva producción del estudio Capcom que existe independientemente de la popular franquicia estelarizada por Milla Jovovich. En esos términos Resident Evil: Death Island me pareció recomendable gracias a su sólida fusión de acción y horror, a la impecable producción digital que se acerca a la realidad, pero sin sacrificar la estética de un videojuego, y a la dirección de Eiichirô Hasumi, cuya visión realmente eleva el material por encima de su modesto propósito. Desafortunadamente esa visión se expresa en momentos breves y en pequeña escala (por ejemplo, la revelación de la primera criatura acuática, mucho mejor dirigida que cualquier escena de Resident Evil: Welcome to Raccoon City), ya que Resident Evil: Death Island no es una épica aventura con espectaculares secuencias de destrucción masiva, sino un thriller "embotellado" en los tortuosos corredores de la prisión de Alcatraz... la "isla de la muerte" que menciona el título, ubicada en la costa de San Francisco.
Parece contradictorio, pero me gustó este enfoque más íntimo y personal de Resident Evil, con un grupo de personas atrapadas en una austera locación, donde enfrentan la nueva variedad de zombies y criaturas infectadas con el Virus-T. Esto decepcionará a los fans de las hordas de zombies corriendo por las calles, pero creo que el aislamiento (literal y figurado) del libreto capturó mejor la paranoia del juego original.
Por el lado técnico tenemos escenarios, texturas e iluminación de gran realismo, así como simulaciones de fluidos que me dejaron con la boca abierta. La isla no solo funciona para separar a los héroes de sus respectivas agencias, sino para crear una nueva variedad de criaturas anfibias que no voy a describir como "lovecraftianas"... aunque ciertamente lo estoy pensando.
Donde falla el realismo es en los rostros humanos; o, mejor dicho, en las actuaciones de los personajes sintéticos. Aunque, como dije, podría ser una decisión intencional para conservar el estilo de los juegos... y para ahorrar dinero en procesos más elaborados de captura facial. Además, los actores que prestan sus voces imprimen suficiente energía para compensar el problema... la mayor parte del tiempo.
Finalmente, aprecié el misterio de la infección que desafía las reglas tradicionales de los zombies, así como la identidad del villano y su motivación para desatar una plaga sobre la humanidad. Y aunque los héroes son figuras de cartón, al menos la acción, el "gore" y la dirección bastaron para pasar noventa minutos de aceptable diversión en una franquicia que nunca me ha decepcionado... aunque tampoco ha alcanzado su pleno potencial. Por eso seguiré viendo mientras sigan intentando.
Calificación: 7

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They Cloned Tyrone

Síntoma: Fontaine (John Boyega) muere acribillado durante una disputa callejera... y despierta al día siguiente sin rastro alguno del ataque. Entonces intenta averiguar lo que realmente ocurrió y descubre algo que amenaza a su comunidad.

Diagnóstico: Es difícil cultivar suspenso cuando el título de la película revela la solución del misterio; pero aún con ese obstáculo They Cloned Tyrone (disponible en Netflix) ofrece suficiente humor, acción e intriga para entretener por igual a los fans de la ciencia ficción y del cine "blaxploitation", al cual rinde tributo sin caer en afectaciones "retro" que nos distraigan del comentario social sobre el racismo institucional en todos los niveles de la sociedad norteamericana.
They Cloned Tyrone empieza con toda la seriedad de un moderno thriller criminal sobre vicio y prostitución en un barrio africano-americano; pero rápidamente adquiere un irreverente sentido del humor que hace la historia más divertida y accesible... aunque también disipa la tensión y permite algunos "atajos creativos" un poco exagerados después de un comienzo tan realista.
Todo empieza con la rivalidad entre el "dealer" Fontaine (John Boyega) y una pandilla que quiere invadir su territorio... lo cual conduce a su eventual asesinato. Al día siguiente Fontaine despierta y cree que todo fue un sueño; pero sus "clientes" Slick Charles (Jamie Foxx) y Yo-Yo (Teyonah Parris) quedan sorprendidos, pues lo vieron morir la noche anterior. Y así comienza una investigación improvisada que revela una conspiración con graves consecuencias para la Humanidad.
Al principio me molestaron los cambios tan abruptos en el tono de They Cloned Tyrone (drama, comedia, ciencia ficción, sátira política, etc.); pero la fantástica química de los protagonistas contrarresta los altibajos de la trama y nos enfoca en sus respectivas transformaciones. John Boyega (Attack the Block, The Force Awakens) interpreta a Fontaine como un indolente criminal dedicado a su propia supervivencia; pero los secretos que descubre lo obligan a cuestionar su identidad y aceptar su responsabilidad como parte de una comunidad. En el papel de Slick Charles, Jamie Foxx (Day Shift, Project Power) empieza como "comic relief", pero desarrolla el valor y empatía de un individuo altruista que reprime sus emociones como mecanismo de defensa. Finalmente, Teyonah Parris (Candyman, If Beale Street Could Talk) interpreta a Yo-Yo, una joven prostituta con gran talento para resolver misterios gracias a su afición por cierta detective literaria. La interacción del trío genera un alto nivel de energía con oportunas risas que no trivializan los aspectos más serios de la historia; y al mismo tiempo nos distraen de los agujeros lógicos y coincidencias del libreto co-escrito por el director Juel Taylor y el guionista Tony Rettenmaier.
Hablando de lo cual, encontré muy interesante que la premisa de They Cloned Tyrone evoca obras como Black Dynamite, Undercover Brother y hasta Cleopatra Jones (1973), donde el gobierno, el "hombre blanco", o la elite económica tratan de controlar a la población africano-americana usurpando sus estereotipos culturales, lo cual podría señalar la semilla fundamental de la represión racial que persiste hasta nuestros días.
Pero, bueno... ese es tema para otro día (y para mejores cabezas que la mía). Solo resta decir que They Cloned Tyrone me pareció un recomendable thriller de ciencia ficción, ocasionalmente irregular, pero muy divertido gracias a su excepcional elenco e ingeniosa fusión de comedia y comentario social. Ojalá más gente lo descubra en Netflix una vez que pase el furor de Barbie y Oppenheimer. ¡Y ni siquiera hay que salir de casa!
Calificación: 8

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Oppenheimer

Síntomas: Biografía de J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) que incluye sus estudios en la Universidad de Cambridge, su participación en el diseño de la primera bomba atómica, y las consecuencias políticas y psicológicas de crear el arma más devastadora del mundo.

Diagnóstico: Oppenheimer tiene los ingredientes ideales de una excepcional "bio-pic"... solo fallaron las porciones.
Por el lado humano tenemos la formación de J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy): sus estudios universitarios, su interés en física cuántica cuando era un tema desconocido en América, y sus escabrosos romances con dos mujeres que tendrían gran influencia en su vida.
Por el lado práctico tenemos las teorías que hicieron posible una reacción atómica de inmenso poder; el trabajo de Oppenheimer como director del Proyecto Manhattan, coordinando múltiples disciplinas para lograr algo imposible; y su volátil relación con el General Groves (Matt Damon), encargado de mantener estrictos protocolos de seguridad que a veces interferían con el desempeño de los científicos.
Y finalmente tenemos el conflicto interno de Oppenheimer, indeciso entre su curiosidad científica, la lealtad hacia su país, y la ética de un instrumento de destrucción que cambiaría el curso de la Historia. Las razones para usarlo parecían convincentes, pero ¿el fin justificaría los medios? ¿Y qué consecuencias tendría para los Estados Unidos, y para Oppenheimer mismo?
Christopher Nolan emplea su legendaria visión artística y precisión técnica en cada escena, creando una experiencia audiovisual abrumadora. Oppenheimer juega con el tiempo y el espacio, entrelazando períodos históricos que evolucionan, se alimentan, y multiplican su impacto dramático. Incluso diría que Oppenheimer es la película más accesible del director (ciertamente mas que Inception o Tenet) gracias al lenguaje cinematográfico que nos ayuda a mantener el orden cronológico de los eventos y las afiliaciones de individuos que pueden ser aliados o enemigos según el clima político del momento.
Mi única queja es que Nolan dedica demasiado tiempo a los aspectos menos interesantes de la historia: la vida personal de Oppenheimer, con demasiado drama romántico; y los trucos legales que el gobierno usó para limitar el poder político del científico.
No niego que sean pasajes esenciales de su biografía; pero J. Robert Oppenheimer es famoso POR CREAR LA BOMBA ATÓMICA, no por engañar a su esposa, ni por participar en otro vergonzoso caso de "pánico comunista". Sin embargo Nolan minimiza la manufactura de la bomba para darle prioridad a eventos periféricos que no merecían tanta atención. Claro, la escena más memorable gira en torno a las pruebas nucleares en Trinity, Nuevo México... pero yo quería más sustancia y menos relleno. Y Oppenheimer resultó ser casi todo relleno. En mi humilde opinión.
Habiendo dicho eso, la opulenta producción, la maravillosa cinematografía de Hoyte Van Hoytema, la música de Ludwig Göransson (necesita hacer espacio en su repisa para otro Óscar), y las actuaciones de Cillian Murphy, Robert Downey Jr., Matt Damon, Emily Blunt, y Florence Pugh (entre muchos otros) bastan y sobran para recomendar Oppenheimer, una bio-pic intelectualmente estimulante y visualmente espectacular, aunque menos satisfactoria que algunos documentales sobre el mismo tema. A veces el hombre es más grande que su obra; pero a veces la bomba es más grande que el hombre.
Calificación: 8

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Barbie

Síntomas: En Barbieland todo es perfecto, todos son felices, y cada día es el mejor día de todos. Entonces Barbie (Margot Robbie) empieza a reflexionar sobre la muerte, y todo cambia.

Diagnóstico: Si fuera cínico diría que Barbie es una astuta estrategia mediática para limpiar la marca de Mattel y borrar décadas de acusaciones sobre estereotipos dañinos y roles obsoletos que las muñecas Barbie implantaron en millones de niñas alrededor del mundo. Fue una gran idea producir la película Barbie en este momento histórico (el proyecto llevaba más de diez años gestándose con equipos creativos que incluyeron en su momento a Diablo Cody, Anne Hathaway y Amy Schumer), cuando el público se ha vuelto más selectivo y difícil de engañar con simples campañas de relaciones públicas. Y, para bien o para mal, creo que la estrategia tendrá el resultado esperado, en vista del furor que el estreno de Barbie desató en el "zeitgeist" cultural.
Por el lado menos cínico, me complace el estreno de un "blockbuster" para toda la familia dedicado a predicar ideas feministas que antes solo encontrábamos en el cine independiente, o en proyectos tan radicales que terminaban alejando al público que más necesitaba escuchar su mensaje.
Conclusión: La propaganda corporativa puede volverse útil cuando tiene potencial de efectuar un cambio positivo en la sociedad, o al menos abrir los ojos de algunas niñas para ver más allá de las lecciones de maquillaje en TikTok y las "influencers" de Instagram que ahora se encargan de propagar los estereotipos de perfección corporal. No sé si esto redime a Mattel, pero fue un paso en la dirección correcta.
Haciendo a un lado mi análisis sociológico (probablemente erróneo), Barbie me pareció una comedia visualmente atractiva y medianamente graciosa, con un saturado libreto que intenta hacer demasiadas cosas al mismo tiempo y termina tropezando con sus buenas intenciones.
Al principio conocemos a Barbie (Margot Robbie) y su perfecta vida en Barbieland, donde viven muchas Barbies y Kens con distintas características y profesiones. Entonces Barbie empieza a tener pensamientos contrarios a su naturaleza, y emprende un viaje al Mundo Real para encontrar el origen del problema.
Y así comienza el contraste entre los idealizados valores de Barbie y la cruel realidad de la vida moderna, donde muchas mujeres aún enfrentan obstáculos que Barbie creía extintos. Mientras tanto, en Barbieland, Ken (Ryan Gosling) descubre las ventajas del patriarcado y la majestuosidad de los caballos.
La premisa es razonablemente creativa, y la directora Greta Gerwig (Little Women, Lady Bird) trata de mantener el balance entre los temas serios del libreto (co-escrito con Noah Baumbach) y la sátira de Barbie enfrentando a sus creadores (literalmente) mientras cuestiona sus valores y su existencia misma. El problema es que algunos de esos temas son demasiado serios para trivializarse con personajes de caricatura y arbitrarias resoluciones que realmente no resuelven nada... solo nos distraen con forzados chistes y eventos dramáticamente inertes. Al igual que la protagonista, Barbie quiere arreglar cosas que están fuera de su alcance, y por eso recurre al auto-engaño y la ofuscación de la realidad. O al menos esa fue mi reacción mientras bostezaba con la Gran Batalla Final, y el consecuente número musical que casi me puso a dormir.
Sin embargo, el arma secreta de Greta Gerwig es Margot Robbie... una extraordinaria actriz que ha rescatado proyectos mediocres con su mera presencia. Su talento y carisma logran que Barbie transmita el conflicto y las emociones que el libreto no supo expresar. Y cuando añadimos el fantástico diseño de producción y las actuaciones del reparto secundario (incluyendo a Ryan Gosling, Kate McKinnon, Michael Cera, Rhea Perlman, y América Ferrera, quien tiene la MEJOR escena de la película), tenemos como resultado una obra divertida a pesar de sus imperfecciones, y recomendable por su existencia misma. Pudo ser peor, supongo. Y ahora, ¿dónde está mi película de Kid Acero?
Calificación: 7.5

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Dark Glasses (Occhiali Neri)

Síntomas: Mientras huye de un maniático que quiere asesinarla, Diana (Ilenia Pastorelli) sufre un accidente automovilístico en el que pierde la vista; y cuando sale del hospital trata de adaptarse a su nueva situación con ayuda de la trabajadora social Rita (Asia Argento). Entonces regresa el asesino para terminar lo que empezó.

Diagnóstico: La nueva película (ya no tan nueva) del legendario director Dario Argento tardó tanto tiempo en distribuirse internacionalmente que ya la había olvidado. Pero el algoritmo de FlixFling me la recomendó, y por fin logré verla... con expectativas muy bajas debido a las decepciones que tuve con los proyectos recientes del otrora virtuoso cineasta. ¿Sería Dark Glasses otra mancha en el legado de Dario Argento, o un triunfal regreso al estilo que lo hizo famoso?
60% lo primero, y 40% lo segundo. Siendo generosos.
Sé que Argento siempre ha sido más estilo que sustancia, y que sus libretos no necesitan rigurosa lógica para atraparnos en el surrealismo de sus mejores obras, donde el trágico/hermoso ballet de violencia toma prioridad sobre cualquier consideración narrativa. Pero aún con ese margen de tolerancia me costó trabajo aceptar la obtusa estructura de Dark Glasses, el incomprensible comportamiento de los personajes, y la torpe edición que arruina escenas donde Argento casi recobra sus poderes de antaño. El resultado es una cinta marginalmente entretenida por derecho propio (en parte por su breve duración que no permite rodeos ni distracciones), y adornada con sólidos valores de producción; pero también es muy frustrante por los detalles que pudieron mejorarse poniendo más atención en los ingredientes básicos del cine.
En fin... será mejor enfocarse en lo bueno, y disfrutar los sórdidos placeres de un clásico "giallo" más lúcido de lo habitual, aunque no por ello menos inverosímil. Es parte de su encanto, supongo.
Dark Glasses evoca la atmósfera de otras películas sobre heroínas con limitaciones físicas enfrentando un criminal (desde la venerable Wait After Dark hasta la reciente See For Me). Pero el perezoso libreto de Argento y Franco Ferrini (aparentemente escrito hace varias décadas) sigue la ruta del menor esfuerzo, diluyendo el misterio (¿quién será el asesino?), y restando impacto a la violencia. Por cierto, Dark Glasses comienza con un eclipse solar, lo cual me hizo pensar que habría algún componente "extra-sensorial" en la trama, pero no fue así. Tal vez Argento usó el eclipse como ominoso augurio del futuro de Diana; o como analogía de los lentes oscuros que identifican su condición. Como sea, al menos añadió un poco del surrealismo que mencioné al principio; con más toques creativos como ese, tal vez Dark Glasses se hubiera redimido como "cine raro".
Hablando de redención, lo mejor de Dark Glasses fueron los aspectos técnicos, incluyendo la cinematografía de Matteo Cocco, la música de Arnaud Rebotini que evoca los ritmos electrónicos de Goblin, y los efectos prácticos de Sergio Stivaletti, fiel colaborador de Argento desde "los buenos tiempos", y uno de los mejores artistas del "gore" en Europa.
Fuera de eso... no sé. Para espectadores casuales Dark Glasses podría ser un mediocre thriller con una atractiva protagonista y un par de momentos memorables (los accidentes automovilísticos están muy bien logrados); pero para fans "old school" de Dario Argento (como yo), Dark Glasses es otra desilusión que, sin embargo, no me arrepiento de haber visto, pues al menos fue mejor que Dracula 3D, y podría indicar un cambio de dirección en la carrera de un visionario en el umbral del retiro. ¿Alguien más quiere una secuela de Phenomena?
Calificación: 6

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Bird Box: Barcelona

Síntomas: Nueve meses después del evento que desató una epidemia de suicidios masivos alrededor del mundo, Sebastián (Mario Casas) y su hija Anna (Alejandra Howard) buscan refugio en las calles de Barcelona, y encuentran un grupo de sobrevivientes en un depósito de autobuses... pero las cosas no son lo que parecen.

Diagnóstico: No esperaba mucho de Bird Box: Barcelona, pero quedé gratamente sorprendido con esta "secuela lateral" que no se limita a reciclar la trama de Bird Box (2018), sino que introduce nuevos factores de riesgo y conflictos ideológicos, al mismo tiempo que ofrece una enigmática mirada a lo que podríamos esperar en futuras secuelas, donde tal vez nos darán las respuestas que quedaron en el aire.
Al principio de Bird Box: Barcelona conocemos al ingeniero Sebastián (Mario Casas) y su hija Anna (Alejandra Howard), varios meses después de la llegada de las criaturas (o lo que sean) que provocan el suicidio de las personas que las ven. Entonces Sebastián encuentra un grupo de sobrevivientes con un sistema para navegar a ciegas las ruinas de la ciudad, y con un refugio relativamente seguro; pero cuando Sebastián les pide ayuda, las cosas se complican.
Paralelamente vemos por medio de "flashbacks" la historia de Sebastián y su familia, desde el inicio de la crisis, hasta la tragedia que cambió su vida... aunque también le dio un nuevo propósito para continuar la lucha entre los escombros de la civilización.
Los directores David y Álex Pastor (Carriers) abordan el tema post-apocalíptico con una sensibilidad muy europea, poniendo más énfasis en las interacciones humanas que en el espectáculo visual; aunque desde luego hay épicas tomas de Barcelona semi-destruida, e interesantes "stunts" (con un poco de sangre) para ilustrar los suicidios de las víctimas que tienen la mala fortuna de ver directamente a los invasores (mención especial para el trabajo de Orca Studios y Lamppost VFX).
Hablando de lo cual, me gustó la teoría sobre la naturaleza de las criaturas, añadiendo un ángulo racional a las actitudes semi-religiosas de algunos personajes (y además la propone un mexicano) (sabemos que es mexicano por su repertorio de groserías); aunque eso no explica la procedencia de las entidades ni su misión, si es que la tienen.
Por el lado negativo, Bird Box: Barcelona incluye una inherente ambigüedad narrativa que hace más difícil "conectar" con los personajes; ojalá pudiera explicarlo mejor, pero sería un gran "spoiler". Y el libreto (escrito por los directores) utiliza malas decisiones e incongruentes cambios de conducta para alargar la película; pero bueno, es un problema tan común en el cine moderno que ya casi aprendí a ignorarlo. Casi.
En resumen, Bird Box: Barcelona es más modesta que su predecesora, pero en cierto modo me gustó más por su ingeniosa expansión de la mitología y sus especulaciones científicas. En lo personal me interesa más el misterio de las criaturas que otro gastado conflicto familiar o la clásica "niña en peligro". Finalmente, creo que Bird Box: Barcelona estableció un óptimo formato para continuar la saga, examinando diferentes perspectivas nacionales sobre el fin del mundo. ¿Será igual el apocalipsis en España, la India, o Corea del Norte? No lo sé, pero me gustaría averiguarlo, de preferencia con cineastas locales que conozcan los retos y virtudes de sus respectivos países. Como siempre, el horror es el mejor embajador cultural.
Calificación: 7.5

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Misión Imposible: Sentencia Mortal - Parte Uno (Mission: Impossible - Dead Reckoning Part One)

Síntomas: Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo buscan la llave de una bóveda donde se esconde algo que puede destruir al mundo... o salvarlo.

Diagnóstico: Es difícil imaginar el entusiasmo que deben sentir los directores de "blockbusters" hollywoodenses, con cientos de millones de dólares a su disposición para crear un épico espectáculo limitado tan solo por su imaginación (y la del ejército de técnicos y artistas que sudan sangre para hacerlo realidad); pero al mismo tiempo sufren inmensa presión por cumplir las expectativas de estudios que no solo exigen un éxito de taquilla seguro, sino un regreso a "los buenos tiempos" del cine como líder absoluto del entretenimiento popular. Todo lo cual ayuda a explicar el fenómeno de las películas de tres horas que hacen hasta lo imposible (ja, ja) por vender más boletos, atraer más público, y mantener (o elevar) el valor de la "propiedad intelectual" que seguirá siendo explotada por los siglos de los siglos.
Eso me hicieron pensar las palabras "Parte Uno" en el título de Misión Imposible: Sentencia Mortal; y aunque mi temor de una historia innecesariamente larga se volvió realidad, no me impidió disfrutar una de las películas más entretenidas del año, posiblemente la más ambiciosa de la franquicia (lo cual ya es decir bastante), y una brillante evolución de la saga que empezó allá por el año 1966 con un modesto programa televisivo sobre espías y máscaras de látex.
Sirva este preámbulo para advertir que Misión Imposible: Sentencia Mortal - Parte Uno dura demasiado y tiene más personajes de los que necesita (incluyendo dos de mis favoritos). Sin embargo, la virtuosa dirección de Christopher McQuarrie y la irrefrenable energía de Tom Cruise nos mantienen cautivos con tantas distracciones que no hay tiempo para pensar entre persecuciones, peleas, y reuniones secretas en exóticas locaciones. Sí, es lo mismo de siempre, pero ejecutado con impecable calidad y la legendaria audacia de Tom Cruise para realizar "stunts" que ya se convirtieron en parte integral de Misión Imposible, distinguiéndola de las insípidas rutinas digitales de la competencia (¿alguien dijo "Marvel"?)
Habiendo dicho todo eso, el libreto de Misión Imposible: Sentencia Mortal - Parte Uno tiene problemas que empañan la delirante experiencia audiovisual (en mi humilde opinión). Hay un par de coincidencias demasiado inverosímiles (como la entrada al tren), y profundas grietas en la estructura narrativa, incluyendo la conexión entre el villano Gabriel (Esai Morales) y el agente Ethan Hunt (Tom Cruise). El misterioso pasado que comparten motiva algunas extremas decisiones de Hunt, y lo obliga a cuestionar su trabajo para el IMF; pero el misterio nunca se explica adecuadamente (no, un breve "flashback" no basta), y por eso pierden fuerza las escenas que representan el clímax emocional de la cinta.
Sin embargo, como dije, son obstáculos menores en el huracán multisensorial de Misión Imposible: Sentencia Mortal - Parte Uno, así que solo resta recomendarla con algunas reservas sobre su excesiva indulgencia, y sobre el villano que hace la película más actual y relevante, pero también menos compatible con los parámetros de "realismo" utilizados en las previas cintas. No diré más. Solo pediré un "spin-off" con los personajes de Hayley Atwell y Pom Klementieff, por favor.
Calificación: 9

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Asteroid City

Síntomas: En 1955, varias personas llegan al pueblo de Asteroid City para asistir a un concurso científico estudiantil, y enfrentan extrañas experiencias que cambiarán sus vidas, y tal vez su concepto del Universo.

Diagnóstico: Los primeros minutos de Asteroid City son tan "Wes Anderson" que ya me estaba resignando a sufrir otra película donde el estilo opaca por completo la historia (como ocurrió con la reciente The French Dispatch, en mi humilde opinión). Sin embargo, conforme avanza Asteroid City la narrativa toma forma, las ideas se concretan, y las personajes dejan de ser simples juguetes en la maqueta del director para convertirse en humanos capaces de expresar una amplia variedad de emociones. Por eso creo que Asteroid City es la obra más ambiciosa de Wes Anderson, y al mismo tiempo la más accesible gracias al mensaje que no solo explica los caprichos de la película, sino la carrera del director, y tal vez hasta el Cine mismo como expresión artística. O al menos esa fue mi interpretación de un argumento típicamente oblicuo que podría tener distintos significados para cada espectador... aunque todos conducen a la misma conclusión.
Sobre la trama solo diré que sigue las vivencias de varios individuos en el pueblo desértico de Asteroid City, el cual tomó su nombre de un meteorito que ahora sirve como atracción turística. Algunos visitantes llegaron accidentalmente por fallas mecánicas de su vehículo; otros hacían una escala en autobús; y un grupo de estudiantes acudió al concurso científico patrocinado por una fundación cultural (aunque el Ejército también está involucrado). Entonces, con el paso de los días, los visitantes se conocen mejor, desarrollan nuevas relaciones, y enfrentan situaciones que alteran su percepción del mundo.
Asteroid City probablemente cuenta con el reparto más distinguido en la filmografía de Wes Anderson, lo cual ya es decir bastante. Entre ellos: Bryan Cranston, Edward Norton, Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Maya Hawke, Jeffrey Wright, Liev Schreiber, Tom Hanks, Matt Dillon, Steve Carell, Tilda Swinton, Jeff Goldblum, Adrien Brody, Willem Dafoe y Margot Robbie. Algunas de las "estrellas" tienen intervenciones muy breves, mientras que los actores menos conocidos cargan la mayor parte del peso dramático; pero todos enriquecen la cinta a su propia manera, ya sea en cameos, o en diálogos filosóficos que nos ponen a pensar al mismo tiempo que nos hacen reír. Como dije, el principio es un poco confuso por la cantidad de personajes y sub-tramas, pero eventualmente todo encaja en su lugar, y el resultado me pareció fenomenal.
Hablando de lo cual, Asteroid City podría ofrecer las imágenes más impresionantes del año, llevando la estilizada visión de Anderson hasta sublimes niveles de artificialidad intencional y detalle artesanal. Casi nunca veo "Detrás de las Cámaras" en YouTube, pero cuando terminó la película busqué de inmediato el "Making Of" de Asteroid City, pues genuinamente no sabía qué era real, y qué era ilusión. Spoiler: casi todo es real. Sí, hasta el correcaminos.
Tan solo por eso Asteroid City merece una entusiasta recomendación. Tal vez el estilo supera la historia; pero las actuaciones, la dirección, y la traviesa estructura pseudo-teatral crean una experiencia cinematográfica única, que servirá como antídoto perfecto contra el genérico "cine espectáculo" de la temporada veraniega (o invernal en el hemisferio sur). En serio, no puedo dejar de pensar en el correcaminos.
Calificación: 9

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The Blackening

Síntomas: Para celebrar el décimo aniversario de su graduación universitaria, varios amigos se reúnen en una casa de campo... y descubren que no están solos.

Diagnóstico: The Blackening se está promocionando como una versión políticamente relevante de Scream, y en cierto modo así fue... pero solo parte del tiempo.
El primer acto me gustó mucho, combinando los estereotipos del cine slasher con acertadas observaciones sobre los prejuicios e injusticias que sufre la población africano-americana en los Estados Unidos, así como los clichés raciales perpetuados por los medios de comunicación... especialmente las películas de terror. Es un auspicioso comienzo que casi se siente como una película de Jordan Peele, si Peele hubiera conservado la astuta sátira de su serie televisiva Key & Peele.
Desafortunadamente el director Tim Story (Taxi, Fantastic Four) no es Jordan Peele, y el segundo acto hace a un lado el comentario social para enfocarse en el humor burdo y estridente de las peores "comedias de terror", reduciendo los personajes a irritantes caricaturas, y extirpando todo rastro de la inteligencia que mostraron al principio. En resumen: un desafortunado cambio de tono que casi me arruinó la película. Aunque, para ser justos, The Blackening se redime parcialmente al final, cuando llegan las explicaciones del misterio: ¿quién es el asesino, y cuál es su motivación para matar? La respuesta no fue la que yo esperaba... aunque tampoco se aleja mucho de la fórmula slasher.
Y lo peor es que The Blackening tampoco funciona como película de terror. Las muertes no son particularmente creativas ni sangrientas; el asesino enmascarado carece de personalidad; y el suspenso brilla por su ausencia, no por culpa del humor, sino de la insípida dirección que desperdicia buenas locaciones y el talento de un reparto que merecía mejor material para transmitir su mensaje.
Los actores hacen un genuino esfuerzo por conciliar el tema serio del racismo con las flojas payasadas del libreto. Los guionistas Tracy Oliver y Dewayne Perkins les asignan roles típicos del horror, incluyendo la chica seria (Grace Byers), el galán (Sinqua walls), la fiestera (X Mayo), el nerd (Jermaine Fowler), el "comic relief" (Dewayne Perkins), etc. Las interpretaciones son buenas, sobre todo al principio, cuando Story pone más atención en el carácter y dinámicas de los personajes; pero durante el resto de la película se transforman en bufones que gritan, discuten, y toman las peores decisiones posibles para prolongar la película y crear "chistes" que no encontré particularmente graciosos, porque ya los había visto hace cuarenta años en Sanford and Son. Bueno, excepto las referencias "meta"; esas sí son modernas, pero no por ello graciosas.
A fin de cuentas entiendo y respeto la intención de The Blackening, y desde luego aprecio la utilidad del humor para expresar ideas que podrían incomodar a una parte del público (sobre todo en los Estados Unidos, donde las discusiones sobre raza se han convertido en herramientas políticas indispensables para manipular a los votantes). Sin embargo, las mejores intenciones del mundo no rescatan una mediocre película de terror, ni vuelven graciosos los antipáticos chistes de una mala comedia. Keegan-Michael Key: es tu momento para intervenir.
Calificación: 6.5

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