F9

Síntomas: Dominic Toretto (Vin Diesel) y su equipo deben impedir que un agente enemigo obtenga un dispositivo capaz de controlar cualquier sistema militar. Pero la situación se complica cuando descubren que el agente es Jakob (John Cena), el hermano menor de Dom.

Diagnóstico: F9 tiene escenas de acción más ridículas e inverosímiles que cualquiera de las cintas previas, lo cual ya es decir bastante. Y, aunque nadie espera "realismo" en estas películas, siento que el director Justin Lin por fin rompió el frágil equilibrio entre fantasía y realidad que mantuvo viva la saga durante veinte años. En otras palabras: el cocinero perdió la sazón y arruinó la receta. En mi humilde opinión.
Hipótesis: el ingrediente clave de la receta era el guionista Chris Morgan, quien escribió (o co-escribió) todas las películas de The Fast and the Furious desde la tercera... excepto F9. Mal momento para intentar algo nuevo.
El argumento de F9 es una sinfonía de ruido y confusión, llevando a los personajes por diversos países donde pueden causar destrucción masiva sin interferencia policíaca, sin remordimiento, y sin sentido común. Creo que F9 es la secuela más destructiva hasta el momento, ignorando vidas inocentes que los anti-héroes sacrifican casualmente en su desesperada cacería del villano en turno. Y a fin de cuentas todo resulta inútil, pues ni siquiera entendemos lo que está pasando.
Repito, nadie espera esmero narrativo en el universo de FF, pero en el pasado existía una tenue preocupación por causa y consecuencia... por seguir una secuencia lógica de eventos que incrementaban la escala de la acción y el nivel de peligro. Desafortunadamente Justin Lin decidió que la coherencia interfiere con su visión creativa, y eso le da licencia para hacer lo que quiere, sin cuestionar jamás la integridad de la película. El resultado (al menos en mi caso personal) fue una sensación de aburrimiento que nunca había sentido en esta saga. Por absurda que fuera la acción, y por frívolos que fueran los libretos, las películas de The Fast and the Furious siempre me parecieron entretenidas. Hasta ahora.
Por el lado positivo, F9 mantiene nuestra atención gracias a las dinámicas personales que trascienden el caos sensorial. Pero hasta esas dinámicas se ven afectadas por los excesos del libreto. Lin revive personajes muertos y despacha algunos héroes (o al menos lo intenta, ya que no tiene valor para llevar las cosas hasta sus últimas consecuencias), pero nunca alcanza la profundidad emocional de otras secuelas (creo que The Fate of the Furious destacó en ese aspecto). Nada importa en F9; nada es permanente, y no hay peligro real. Excepto para los incontables vehículos destruidos.
En cuanto a los actores, la adición de John Cena me pareció insípida e innecesaria. La obligatoria Tragedia del Pasado© que separó a los hermanos Toretto no se siente tan significativa como supone el director. Y la química entre Cena y Vin Diesel no logra duplicar la electricidad que generaron Dwayne Johnson y Jason Statham cuando se integraron a la saga y la mejoraron con su presencia. Por cierto, F9 incluye el regreso de varias figuras de la franquicia, pero Hobbs y Shaw brillan por su ausencia... y espero que haya sido porque están trabajando en su nueva película. A estas alturas tengo más interés en la secuela de Hobbs & Shaw que en Fast and the Furious 10, cuyo posible argumento se insinúa en la escena post-créditos (mi sugerencia para el título: Fur10us).
A pesar de tantas quejas, admito que F9 fue más de lo mismo, superando a sus predecesoras en muchos aspectos, pero perdiendo detalles que eran importantes para mi... como una tenue conexión con la realidad, y mayor atención al precario balance entre entretenimiento y espectáculo visual. El primero realmente nos divierte. El segundo solo disfraza el aburrimiento.
Calificación: 7 (gana medio punto por la "persecución magnética")

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The Unholy

Síntomas: En el pequeño pueblo de Banfield, la joven sordomuda Alice Pagett (Cricket Brown) recupera la voz y empieza a hacer milagros en la iglesia local... pero su inspiración tal vez no es divina, sino algo más siniestro. Entonces el reportero fracasado Gerald Fenn (Jeffrey Dean Morgan) trata de aprovechar la noticia para revivir su carrera.

Diagnóstico: El escritor inglés James Herbert nunca alcanzó la fama de Stephen King o Clive Barker, pero fue uno de los autores que alimentaron mi obsesión con el horror en la adolescencia (mis novelas favoritas de este autor eran "The Rats" y "The Dark"); y, aunque nunca leí su novela "Shrine", me complace que el estudio Ghosthouse (de Sam Raimi y Robert Tapert) haya realizado la adaptación cinematográfica bajo el título de The Unholy, pues podría llevar al re-descubrimiento de este autor por las nuevas generaciones. Por otro lado, dudo que The Unholy sea una película suficientemente buena para alcanzar ese objetivo.
En fin... por lo pronto puedo decir que The Unholy me pareció una sólida muestra de "horror católico", cuya siniestra premisa se diluye por una genérica ejecución sin gran ingenio ni convicción.
The Unholy comienza con un perturbador prólogo ubicado en el año 1845, cuando aún se practicaba la cacería de brujas en el estado de Massachusetts. Después saltamos al presente y conocemos a Gerald Fenn (Jeffrey Dean Morgan), un reportero venido a menos que solo puede encontrar trabajo en un blog de temas paranormales. Entonces, mientras investiga un supuesto caso de "mutilación de ganado", Fenn encuentra una joven sonámbula rezando en voz alta frente a un árbol seco. El reportero lleva a la joven con la Dra. Gates (Katie Aselton)... y se entera que la muchacha es muda de nacimiento. Pero Fenn asegura que la escuchó hablar, y así comienzan los milagros que despiertan el furor católico en el pueblo de Banfield .
Me gustó el principio y el final de The Unholy gracias a la eficiencia del director/escritor Evan Spiliotopoulos. El libreto tiene una estructura lógica con mínimo relleno y adecuada integridad dramática, evitando el "síndrome de adaptación literaria" que siempre resulta en elementos superfluos para complacer a los fans del libro. Supongo que es la ventaja de adaptar una obra de casi cuarenta años, en vez de una novela de moda.
Desafortunadamente el segundo acto se siente lento y repetitivo, con las típicas visiones tenebrosas, pesadillas de ambiguo significado, y ocasionales manifestaciones de la entidad que podría ser responsable por los milagros de Alice (aunque no es difícil resolver el misterio, considerando lo que vimos en el prólogo).
Entonces llega el tercer acto y el horror se incrementa con más muertes, más intriga religiosa (el Vaticano envía un investigador para validar los milagros), y la posibilidad de redención. Además, los fans de Sam Raimi (como yo) encontrarán su huella como productor en algunas secuencias que me recordaron su estilo en Drag Me to Hell y la serie Ash Vs. Evil Dead.
Desde luego Evan Spiliotopoulos no está al nivel de Raimi, pero creo que hizo un buen trabajo como director en The Unholy. Solo le faltó ambición para elevar el material por encima de su blanda mediocridad comercial. En otras palabras: The Unholy es "cine chatarra" de agradable sabor para distraernos por un momento, pero sin valor nutricional a largo plazo. James Herbert merecía algo mejor; espero que alguien le haga justicia en el futuro.
Calificación: 7

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The Superdeep (Kolskaya Sverhglubokaya)

Síntomas: La Dra. Anya Fedorova (Milena Radulovic) y un escuadrón militar descienden doce kilómetros bajo la superficie de la Tierra hasta el laboratorio Kola Superdeep, para investigar una epidemia que afectó a los científicos de la instalación... pero algunas víctimas afirman que lo que encontraron fue el infierno.

Diagnóstico: La base de Kola Superdeep realmente existe en el norte de Rusia, dentro del Círculo Ártico... pero no es un laboratorio subterráneo, sino un simple agujero en el suelo, taladrado en los setentas para averiguar la máxima profundidad que podía alcanzarse con la tecnología perforadora de aquel entonces. El agujero tiene 12 kilómetros de profundidad, y persiste como récord mundial del punto artificial más bajo de la Tierra.
Y ahora, la película rusa The Superdeep toma esa reliquia histórica y usa amplia licencia artística para crear un relato híbrido de horror y ciencia ficción bastante absurdo, pero con suficiente sangre y perversiones orgánicas para satisfacer a los fans del género con bajas expectativas (como yo), y con una cierta afinidad por escenarios claustrofóbicos y amenazas biológicas fuera de nuestra comprensión (también yo). De hecho, The Superdeep es como una versión subterránea de Leviathan (1989), pues comparte similares temas de paranoia, "body horror" e infecciones de incierto origen. Y, al igual que Leviathan, The Superdeep tiene abundantes problemas que sabotean su escasa ambición; pero la imaginación de su premisa y las imágenes conjuradas por los artistas de efectos especiales compensan parcialmente los defectos y redimen la experiencia. Aunque definitivamente no es una buena película.
Primero lo malo: The Superdeep es una producción rusa, pero se filmó en inglés para incrementar su potencial comercial... y luego se dobló al inglés. Sí, filmada en inglés, y doblada al inglés (supongo que el acento ruso de los actores era incomprensible). Esto arruina las actuaciones (ya de por sí mediocres) y elimina toda emoción de los diálogos (ya de por sí torpes), creando personajes que discuten mucho y corren por los pasillos del laboratorio, pero jamás capturan la tensión y angustia de su situación: atrapados en una tumba tecnológica a doce kilómetros de profundidad, y con una misteriosa infección que altera la conducta de los científicos antes de convertir sus cuerpos en grotescas aberraciones sin salvación aparente.
El libreto tampoco es bueno, pero sabe aprovechar los clichés del Cine B para mantener nuestra atención. La Dra. Anya Fedorova (Milena Radulovic) es una "ripley" valerosa y decisiva, aunque un poco blanda... lo cual aplica al elenco entero. Yury (Nikolay Kovbas) es el arrogante Oficial del Partido Comunista que quiere usar la amenaza biológica para garantizar la superioridad militar de la Unión Soviética (la trama se desarrolla en los ochentas). Nikolay (Nikita Dyuvbanov) es el ingeniero rebelde pero eficiente; y Grigoriev (Vadim Demchog) es el director del laboratorio que sabe más de lo que aparenta. Los demás soldados, doctores y burócratas son víctimas potenciales u obstáculos en la misión de Anya.
Hablando de lo cual, el director Arseny Syukhin nunca oculta la influencia de películas como The Thing, Alien, y Underwater, incluso encontrando excusa para dejar a la protagonista en ropa interior al final de la película; no muy creativo, pero útil para las ventas internacionales, supongo.
Entonces, The Superdeep es la versión rusa de una "B-Movie" realizada a bajo costo, con todas las fallas y limitaciones que ello implica. Sin embargo también es un vistoso muestrario de grotescos efectos prácticos, algunos buenos momentos de suspenso, y una interesante propuesta de "historia alternativa", donde la carrera armamentista de la Guerra Fría fomenta el uso de tecnologías ridículamente peligrosas. Algo así como la excelente Sputnik, pero con una cuarta parte del talento.
Calificación: 7

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Batman: The Long Halloween, Part One

Síntomas: Batman (voz de Jensen Ackles), el Comisionado Gordon (voz de Billy Burke) y el Fiscal Harvey Dent (voz de Josh Duhamel) colaboran para identificar al asesino que está matando importantes miembros de la mafia en los días festivos más significativos del año.

Diagnóstico: La novela gráfica The Long Halloween (escrita por Jeph Loeb y dibujada por Tim Sale) es una de mis historias favoritas de Batman porque explora la volátil relación entre Bruce Wayne, James Gordon y Harvey Dent al principio de sus respectivas carreras, cuando apenas enfrentaban las contradicciones de un policía y un fiscal encubriendo las actividades de un vigilante que trabaja fuera de la ley, aunque con el mismo objetivo justiciero.
Y ahora, después de una larga espera, por fin llega la adaptación animada Batman: The Long Halloween, Part One, y me complace decir que cumplió mis elevadas expectativas, destilando los mejores elementos del libro (al menos la primera mitad) en un relato dramáticamente denso, ágil en ritmo, y visualmente espectacular. Y lo mejor de todo es que solo tendremos que esperar un mes para ver la segunda parte de esta memorable historia.
Como siempre, conviene advertir que el director Chris Palmer y el guionista Tim Sheridan (colaborando nuevamente después de Superman: Man of Tomorrow) incorporaron grandes cambios sobre la novela gráfica; pero los cambios se sienten justificados por los requerimientos prácticos de una película animada que debe funcionar por sí misma, y como parte del universo de DC Comics.
En el fondo, Batman: The Long Halloween, Part One es un "noir" con personajes de ambigua moralidad que están indecisos entre seguir su conciencia o cumplir su deber: el Comisionado James Gordon (voz de Billy Burke) quiere confiar en el misterioso Batman (voz de Jensen Ackles), pero no siempre aprueba sus métodos; el Fiscal Harvey Dent (voz de Josh Duhamel) se siente frustrado por las ataduras políticas y legales que le impiden desmantelar la organización criminal de Carmine "The Roman" Falcone (voz de Titus Welliver); y Bruce Wayne (voz de Jensen Ackles) está descubriendo que le falta mucho por aprender en su doble vida como vigilante nocturno... y también como soltero, pues no logra concretar su romance con Selina Kyle (Naya Rivera, en su última actuación) (Por cierto, la película está dedicada a su memoria).
Y, para complicar la situación, alguien está asesinado a los asociados de Falcone, lo cual desestabiliza el inframundo criminal, y genera más violencia entre las "Familias" rivales de la ciudad.
Todo esto significa que Batman: The Long Halloween, Part One no es una película de acción, sino un thriller criminal perfectamente ejecutado y con un fantástico estilo visual "art deco". Siempre me he quejado por la animación "low budget" del Universo Animado de DC Comics, pero Batman: The Long Halloween, Part One establece un nuevo estándar con animación fluida y detallada (realizada por el estudio coreano Edge Animation), atractivos efectos especiales y diseño gráfico que complementa perfectamente la sombría atmósfera del comic original.
Sin embargo, como su nombre indica, Batman: The Long Halloween, Part One es tan solo la primera mitad de la historia, y por lo tanto deja muchas cosas inconclusas (incluyendo un tremendo "cliffhanger" al final de los créditos), así que será mejor esperar la segunda parte antes de colocar The Long Halloween en el mismo pedestal de Batman: Year One o Batman: The Dark Knight Returns. Pero sin duda tiene reservado su lugar.
Calificación: 9

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Censor

Síntomas: Durante el apogeo del video casero en los ochentas, Enid Baines (Niamh Algar) trabaja en el Ministerio de Cultura Británico, censurando películas de terror y prohibiendo la distribución de las obras más extremas. Entonces llega a su oficina una película que podría estar relacionada con una tragedia en su pasado, y empieza a borrarse la línea entre ficción y realidad.

Diagnóstico: En los ochentas les llamaban "video nasties" a las películas de terror prohibidas en Inglaterra por usar excesiva sangre o violencia... aunque eso solo incrementó el interés de los fans, y creó un próspero mercado negro de copias en VHS importadas de otros países.
Y ahora la cinta Censor examina ese fenómeno desde el punto de vista de Enid Baines (Niamh Algar), una "censora" que analiza las películas más sangrientas para editar escenas explícitas, o simplemente prohibir su distribución comercial.
Tan solo con esa premisa Censor hubiera sido una fascinante lección de historia sobre la censura bajo el gobierno de Margaret Thatcher, los criterios oficiales que determinan el contenido "ofensivo", y las consecuencias que sufren los censores por pasar tanto tiempo viendo películas de terror para "proteger a la sociedad".
Sin embargo la directora Prano Bailey-Bond (haciendo un impresionante debut en largometrajes) decidió llegar más lejos, utilizando el proceso burocrático como marco de un thriller con múltiples niveles psicológicos que quizás fue demasiado ambicioso para la modesta ejecución de Censor; pero al mismo tiempo la convierte en una audaz reflexión sobre identidad, libertad de expresión, y el eterno debate sobre el cine violento como inspiración de crímenes reales. Son muchas cosas para una cinta tan breve (1 hora 24 minutos); y por eso algunos de sus mejores elementos desaparecen cuando la trama se enfoca en la crisis personal de Enid, provocada por su trágico pasado.
Y ahí es donde empieza el horror. La película (ficticia) "Don't Go in the Church" llega a la oficina de Enid y despierta recuerdos dolorosos, pero también inspira la esperanza de redimir antiguos errores y encontrar respuestas a un misterio que la atormenta desde niña. Sin embargo, la fijación de Enid con esa película (y con su enigmático director) altera su percepción y borra la línea entre realidad y fantasía.
La actriz Niamh Algar interpreta con gran realismo la transformación de Enid conforme la devora su obsesión y empieza a perder objetividad profesional. Es un papel difícil por las caóticas emociones que impulsan a Enid, pero Algar se mantiene fiel al carácter del personaje hasta en las más descabelladas situaciones.
La dirección de Prano Bailey-Bond incluye ingeniosos trucos visuales para mezclar la realidad de Enid con las grotescas películas que analiza en su trabajo; y, aunque Censor utiliza ocasionalmente la estética "retro" del video VHS, la cinta se filmó en película Kodak para obtener la genuina textura del horror ochentero.
Por el lado negativo, la fusión de temas tan variados no siempre es congruente; y, como dije, Bailey-Bond abandona varias sub-tramas que ofrecían bastante potencial (como el escándalo mediático por un terrible asesinato). Sin embargo Censor funciona mejor como un intenso estudio de carácter ubicado en un contexto cultural pocas veces explorado en este género, pero siempre relevante para devotos del horror (como yo) que estén interesados en la nebulosa conjunción de arte y comercio, ya de por sí problemática, y más complicada aún cuando interviene el gobierno. Igual que todo en la vida.
Calificación: 8.5

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Luca

Síntomas: En la idílica costa de Italia, dos "monstruos marinos" desafían las leyes de su gente y abandonan el mar para explorar el mundo de los humanos en la superficie.

Diagnóstico: Después de varias películas con temas "maduros" enfocados al público adulto (como Onward y Soul), el estudio Pixar regresa con una cinta infantil llena de simpáticos personajes y valiosas lecciones morales sobre amistad, familia, y realización personal. En otras palabras: lo mismo de siempre, ejecutado con maravilloso estilo visual, pero con un argumento flojo y predecible que nunca nos atrapa emocionalmente, por mucho que el director Enrico Casarosa recurra al sentimentalismo barato del cine familiar.
El epónimo Luca (voz de Jacob Tremblay) pertenece a una civilización acuática de criaturas que se transforman en humanos cuando están en tierra firme... pero nadie lo hace por el gran peligro que representan los "monstruos de la superficie" (los humanos). Entonces Luca conoce a Alberto (voz de Jack Dylan Grazer), y deciden visitar el pueblo pesquero de Portorosso, haciéndose pasar por humanos, con el fin de encontrar el objeto que capturó su imaginación: una motoneta Vespa.
En serio, esa es la premisa de Luca: un monstruo marino quiere una moto Vespa.
Para ser justos, el "mcguffin" podría haber sido cualquier cosa, pues el propósito de Luca es examinar a la humanidad desde la perspectiva de los visitantes marinos, lo cual conduce a las mencionadas lecciones morales y al peligro de la intolerancia y el miedo a lo desconocido.
En un nivel más general, Luca es un sublime homenaje a la cultura italiana, con hermosas imágenes y sincera devoción por los elementos más representativos de aquel país, desde los paisajes hasta la comida, y todo ello expresado con la idiosincrasia de un pueblo respetuoso de los valores tradicionales, pero abierto a las nuevas maravillas del mundo... lo cual no necesariamente incluye monstruos marinos. Y ese es el reto que enfrentan Luca y Alberto: infiltrarse en la comunidad, conocer a los humanos, y hacer amigos que los ayudarán en su cruzada existencial.
Regresando a las imágenes, ¿qué puedo decir? El nivel de detalle y realismo de la animación es impresionante, junto con el diseño y los efectos que me hipnotizaron de principio a fin, y me ayudaron a sobrellevar la monotonía del argumento. Los artistas de Pixar nunca decepcionan... pero los productores y escritores tienen serios problemas para mantener la calidad narrativa que Pixar lucía en los buenos tiempos de Toy Story 2, The Incredibles y Finding Nemo, cuando tomaban literalmente años para afinar los libretos y presentar historias creativas, innovadoras, y profundamente emotivas. Ahora parece que solo oprimen los botones de "pareja dispareja", "conflicto familiar" y "final feliz" en sus mágicas computadoras, y asumen que el público seguirá aplaudiendo como antes. Y, bueno, no puedo negar que en ocasiones funciona; pero otras veces encontramos películas como Luca. De ninguna manera es mala; solo mediocre para estándares de Pixar.
Calificación: 7

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Undine

Síntomas: De acuerdo a una leyenda de la mitología nórdica, la historiadora Undine Wibeau (Paula Beer) tiene que matar al hombre que la abandonó.

Diagnóstico: Al menos eso afirma Undine (Paula Beer) al principio de la película, pero tal vez nunca cumplirá su amenaza porque está muy ocupada dando conferencias de historia y arquitectura en el Instituto Cultural de Berlín, al mismo tiempo que inicia una nueva relación romántica con Christoph (Franz Rogowski), a quien conoció en un accidente que involucra una pecera y una misteriosa voz. ¿Fue la imaginación de la mujer? ¿O un presagio de su futuro?
Es difícil adivinarlo con pistas tan ambiguas. Afortunadamente el director y guionista Christian Petzold sabe construir un sólido misterio con elementos tan incongruentes como cátedras sobre el origen de Berlín (aparentemente el nombre significa "pantano"), lo cual ocupa los primeros veinte minutos de la película, y sirve para distraer a Undine del rompimiento con Johannes (Jacob Matschenz), el hombre que la traicionó.
Después pasamos otros veinte minutos con Christoph, un buzo industrial que repara la turbina alimentada por un lago cercano. Parece un trabajo normal, hasta que aparece "Big Gunther", un legendario pez gato de gran tamaño, que Christoph logra filmar en su cámara de seguridad.
Entonces ocurre el mencionado accidente con la pecera, y comienza el romance de Christoph y Undine. Y también empiezan nuestras sospechas de que alguien está ocultando algo, pero será necesaria una crisis para revelar la verdad.
Aunque no soy aficionado al cine romántico, Undine tiene una textura totalmente distinta al romance hollywoodense, empezando por la química entre Paula Beer y Franz Rogowski. Sin necesidad de cursilerías ni "grandes gestos", la relación entre Undine y Christoph se desarrolla de manera cálida y natural, con algunos tropiezos tentativos que solo refuerzan el compromiso de la pareja, y resuelven sus diferencias culturales. Christoph disfruta las conferencias de Undine, y Undine aprende algo nuevo buceando con Christoph en las ruinas al fondo del lago. Sin embargo hay algo extraño bajo la superficie (literal y figurada) que podría separar a la pareja, y destruir su felicidad. Y no, no es "Big Gunther".
Supongo que Undine podría describirse como "realismo mágico", donde la "magia" se mantiene oculta durante gran parte de la película, aunque arroja una tenue sombra sobre cada escena y se filtra en nuestra conciencia de manera casi subliminal. Además, Undine no busca un forzado "twist" al final; el misterio no es muy secreto (es una leyenda común en Europa, que ya se había explorado en películas como Ondine, de Neil Jordan), y el componente fantástico de la historia solo funciona como subtexto emocional, sin usurpar el objetivo principal del argumento.
¿Cuál es ese objetivo? No estoy seguro, pero podría decir que Undine es un pariente muy lejano de The Shape of Water, enfocado en la experiencia humana en vez de la biología anfibia. Y, más allá de eso, Undine es un drama romántico con excelentes actuaciones y grácil dirección que genera suspenso hasta llegar al final agridulce que remata los temas de la película... incluyendo la influencia del Tiempo y la Arquitectura en nuestro destino, en una escala tan grande que es difícil comprender. Y tal vez ocurre lo mismo con las leyendas mitológicas; las encontramos todos los días, pero rara vez las reconocemos.
Calificación: 8.5

IMDb

Drunk Bus

Síntomas: Durante su labor nocturna como conductor de un autobús público, Michael (Charlie Tahan) encuentra muchos pasajeros ebrios, lo cual genera constantes conflictos. Entonces la compañía contrata un guardia llamado Pineapple (Pineapple Tangaroa) para proteger a Michael, y empieza a crecer una amistad que cambiará sus vidas.

Diagnóstico: Un joven apático y sin rumbo en la vida enfrenta situaciones que alteran su perspectiva y lo obligan a tomar grandes decisiones sobre el futuro. ¿Cuántos melodramas "indie" utilizan esta premisa? ¿Y por qué los encuentro tan entretenidos? (Ambas preguntas son retóricas, pero voy a enumerar algunas de mis películas favoritas de este género: Adult Life Skills, Mr. Roosevelt, Little Sister, The King of Staten Island y Dave Made a Maze).
En el caso de Drunk Bus, la "situación" que inspira el cambio es Pineapple (Pineapple Tangaroa), un rudo inmigrante de Samoa con tatuajes en el rostro y una filosofía pragmática y directa que contrasta de inmediato con la indolencia de Michael (Charlie Tahan), el chofer del "autobús para borrachos" que tenía grandes planes al salir de la universidad, pero nunca encontró la energía para ponerlos en acción. Por eso aceptó el primer trabajo que encontró en la compañía local de transportes, y gradualmente perdió todo rastro de ambición y gusto por la vida. Ah, y también perdió a su novia Amy (Sarah Mezzanotte), lo cual contribuye significativamente a su depresión actual. Entonces, bajo la influencia de Pineapple, Michael empieza a ver el mundo de forma distinta... pero los cambios siempre tienen un precio, y no siempre conducen a los resultados que esperamos.
No tengo bases para afirmarlo, pero Drunk Bus se siente autobiográfica por los detalles tan específicos que incorpora a las frustraciones de conducir un autobús. No me extrañaría que los directores John Carlucci y Brandon LaGanke (o el escritor Chris Molinaro) hayan ejercido esa profesión en algún momento de sus vidas. Pero, bueno, sin importar de donde vino la inspiración, Drunk Bus me pareció un relato honesto y simpático sobre sueños perdidos, la fragilidad de nuestra ambición, y el peligro de la rutina que se convierte en conformismo.
Habiendo dicho eso, admito que la estructura de Drunk Bus incluye elementos anacrónicos que podrían ser homenajes al cine "coming of age" de los ochentas (no me refiero a las comedias juveniles, sino a la variedad más existencial, como The Breakfast Club, St. Elmo's Fire o Mystic Pizza); o también podrían ser clichés que han perdido popularidad por su incorrección política... como el famoso "negro mágico" que ilumina al "hombre blanco" con su rústica sabiduría. Claro, Pineapple pertenece a un grupo étnico distinto, pero la dinámica no deja de ser similar.
Como sea, creo que Charlie Tahan y Pineapple Tangaroa hacen muy buena "pareja dispareja", y me hizo reír la colisión de ideologías tan distintas en su forma, pero similares en origen: un descontento general con la vida, y la mala costumbre de culpar a los demás por nuestros propios errores. No son lecciones nuevas ni particularmente profundas, pero añaden un subtexto didáctico al humor absurdista de Drunk Bus, que va desde un indigente con la misma respuesta a todas las preguntas, hasta un "dealer" fanático de Devo que realmente disfruta las conversaciones con sus clientes.
Aunque Drunk Bus no tiene estrellas de cine ni altos valores de producción, definitivamente cuenta con algo más importante para fans del cine "indie" (como yo): personajes divertidos, valiosas ideas (aunque algo añejas), y una una visión artística que expresa algo mayor a la suma de sus partes. En otras palabras: fracaso comercial seguro, pero una experiencia más satisfactoria que cualquier bufonada de Hollywood.
Calificación: 8

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Caveat

Síntomas: Barret (Ben Caplan) contrata a su amigo Isaac (Jonathan French) para cuidar a su sobrina Olga (Leila Sykes) en una remota casa de campo, pues la joven sufre graves problemas psicológicos. Pero algo más los acompaña en la vieja mansión.

Diagnóstico: Como indica el título, Caveat requiere una advertencia antes de disfrutar su delicioso suspenso y álgidos momentos de horror: la historia es demasiado inverosímil.
Por un lado tenemos ingredientes clásicos del género: una decrépita casa alejada de la civilización (en una isla, nada menos), un misterio del pasado, y enfermedades mentales que podrían explicar los fenómenos paranormales de la casa. Hasta ahí todo va bien. Pero los detalles de Caveat desafían el sentido común, y parecen trucos del director/escritor Damian Mc Carthy (así escribe su apellido) para complicar la fórmula tradicional de "casa embrujada" y darle nuevos retos a Isaac (Jonathan French), quien descubre gradualmente que el trabajo de "niñero" no será tan fácil como describió su amigo Barret (Ben Caplan).
Sin embargo, eventualmente dejé de cuestionar las imposibilidades del libreto y me enfoqué en las numerosas virtudes de Caveat, incluyendo la belleza "grunge" de los escenarios rústicos, la intensidad de las actuaciones, y las terroríficas situaciones que crispan los nervios a pesar de su engañosa simplicidad. En otras palabras: horror puro que no necesita "realismo" para alcanzar su meta emocional.
Supongo que algunos espectadores serán menos indulgentes con los agujeros de la trama (¿de dónde viene la electricidad en una isla tan remota? ¿Qué comen los personajes? Y, sobre todo, ¿cómo demonios aceptó Isaac un trabajo en condiciones tan absurdas?) Pero yo diría que los "agujeros" tienen la función de manipular nuestra percepción y llevar la historia a un nivel surrealista donde no aplican las reglas de la realidad objetiva.
Y así, alterando mis expectativas, pude admirar la potente atmósfera gótica conjurada por la dirección de Mc Carthy, la cinematografía de Kieran Fitzgerald, y el diseño de Damian Draven (el conejo tamborilero es uno de los mejores "props" que he visto en el cine de terror, y me encantaría tener una réplica como artículo de colección... de preferencia con sus mismos atributos místicos), todo lo cual le permite al director prescindir de la lógica sin sacrificar los fundamentos del horror. No siempre sabemos lo que está pasando, ni podemos confiar en las intenciones de los personajes, pero la incertidumbre alimenta nuestra paranoia y estimula nuestra imaginación para llenar los huecos que Mc Carthy dejó intencionalmente abiertos.
Entonces, Caveat me gustó mucho como experiencia visceral de terror, y podría describirla como "joya oculta" del género, con algunas pequeñas imperfecciones que empañan su brillo. Además de las incongruencias antes mencionadas, el segundo acto da demasiadas vueltas para inflar la película y prolongar la confusión de Isaac (y la nuestra, desde luego). Tampoco tragué por completo los bizarros síntomas de Olga que solo aparecen cuando le conviene al director. Y, finalmente, no entendí la función dramática del perro Jed (Charlie) atado en el patio de la casa (Spoiler: no le pasa nada). Pero la tensión es palpable, las imágenes poseen una grotesca belleza, y hasta la minimalista música (de Richard G. Mitchell) complementa perfectamente el tono oscuro de Caveat (literal y figurado), demostrando que es posible hacer una buena película rompiendo las reglas... pero conservando la esencia del horror. Creo que voy a soñar varias noches con ese conejo...
Calificación: 8

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In the Heights

Síntomas: Múltiples vidas se entrelazan por medio de música, danza y romance en el barrio latino de Washington Heights, en la ciudad de Nueva York.

Diagnóstico: Varios años antes de ganar fama mundial con "Hamilton", Lin-Manuel Miranda incursionó en Broadway con la obra musical "In the Heights", una exuberante celebración de la cultura hispana en los Estados Unidos representada por el barrio neoyorquino de Washington Heights, ocupado principalmente por inmigrantes latinoamericanos que enfrentan grandes retos económicos, legales y culturales en su búsqueda del mítico "sueño americano". Y, desde luego, los fans de "Hamilton" encontrarán en la película In the Heights el mismo "staccato hip hop" que Miranda utiliza para expresar el diálogo interno de sus personajes, revelando su carácter, aspiraciones, e indomable espíritu.
Todo es cuestión de gustos, pero disfruté más la música de In the Heights que su lenta y difusa narrativa, lo cual subraya el gran problema del cine musical: cuando el argumento empieza a ponerse interesante, se interrumpe con alguna canción. Si la música funciona, rescata la película. Si no funciona, se vuelve una tediosa letanía con mínima cohesión narrativa (algunos ejemplos MUY subjetivos de musicales que odio: Into the Woods, Sweeney Todd, y Les Miserables).
El argumento de In the Heights toca temas de gran importancia para la población hispano-americana, reflejados en las experiencias de los habitantes de Washington Heights. Usnavi de la Vega (Anthony Ramos) trabaja en una pequeña tienda, pero añora regresar a República Dominicana para cumplir el sueño de su padre; Nina Rosario (Leslie Grace) enorgulleció a su familia y al barrio entero cuando fue aceptada en la Universidad de Stanford, pero secretamente quiere abandonar sus estudios; Vanessa Morales (Melissa Barrera) trabaja en un salón de belleza y está ahorrando para establecer su propia línea de ropa; y Sonny de la Vega (Gregory Diaz IV), el sobrino de Usnavi, quiere prosperar en su nuevo país, pero su situación legal podría arruinar sus planes.
Esas cuatro historias constituyen una pequeña fracción de un inmenso elenco que también incluye a Jimmy Smits como el padre de familia que hizo enormes sacrificios para pagar los estudios de Nina; Corey Hawkins como Benny, empleado de Kevin y pretendiente de Nina; y Olga Merediz como la "Abuela" del barrio y pilar espiritual de la comunidad. Hay muchos más, y cada uno representa una faceta de la cultura hispana, los problemas de los inmigrantes, y los sueños de superación en la (supuesta) tierra de las oportunidades.
El mensaje que transmite In the Heights es emotivo, inspirador, y a veces deprimente. El director Jon M. Chu (Crazy Rich Asians) y los escritores Quiara Alegría Hudes y Lin-Manuel Miranda capturan una compleja situación con múltiples perspectivas y sin soluciones simples. Pero entre más avanza In the Heights, más revuelto se vuelve el argumento, hasta que se pierde de vista la intención original. Y tampoco ayuda que la cinta dure dos horas y media; claro ejemplo de que los caprichos artísticos de Broadway no siempre se traducen armónicamente a la fábrica comercial de Hollywood.
Sin embargo, como dije, los números musicales mantienen viva la película, y hay momentos genuinamente espectaculares en In the Heights. Mis números musicales favoritos fueron la introducción de Usnavi; el asombroso baile en la escalera de incendio; y el manifiesto inmigrante "Paciencia y Fe", que me hizo un nudo en la garganta.
Siento que In the Heights funciona mejor como "performance" audiovisual que como película tradicional. La historia no es mala, y sus ideas son más relevante hoy que cuando Lin-Manuel Miranda escribió la obra original hace más de diez años. Pero, en lo personal, necesito un argumento mejor construido para sostener mi atención. De otro modo, parece una serie de atractivos videos musicales interrumpidos por escenas de telenovela. Aún así In the Heights me gustó mucho y volvería a verla... pero solo por la música.
Calificación: 8

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