The Axiom

Síntomas: McKenzie Cody (Hattie Smith) y sus amigos se internan en una zona boscosa conocida como Cinder Lake para buscar a su hermana, quien desapareció hace unos días. Pero lo que encuentran desafía toda explicación racional.

Diagnóstico: Desde hace tiempo me interesé en las tenebrosas historias compiladas por el escritor David Paulides sobre gente que desaparece en el bosque. Tengo la sospecha de que el director/guionista Nicholas Woods leyó esas mismas historias, y realizó The Axiom como una hipotética solución a este gran misterio. Y si bien las ideas de Woods no son particularmente innovadoras, al menos logró plasmarlas con suficiente vigor para crear una cinta tensa y entretenida, con una excelente atmósfera de pesadilla surrealista donde nunca estamos seguros de lo que estamos viendo.
La primera mitad de The Axiom establece una sólida base narrativa, abierta a todas las posibilidades del "horror rural". Los exploradores no parecen particularmente preocupados por la chica desaparecida, ya que tiene fama de irresponsable, y en ocasiones olvida comunicarse con su hermana. Sin embargo McKenzie está ocultando información sobre Cinder Lake, y sus compañeros descubrirán gradualmente que no es un simple campamento de fin de semana. Entonces el grupo se refugia en una cabaña abandonada (¡qué original!), y comienza la parte aburrida de la película.
Para llenar el tiempo, el libreto recurre a los más odiosos clichés del horror, incluyendo discusiones sin motivo, incongruentes decisiones, y la súbita transformación de personajes normales en absolutos idiotas que solo sirven para crear conflictos cuando el drama empieza a decaer. Nadie se preparó para acampar en el bosque, todos quieren tomar un camino distinto (literal y figurativo), y cuando por fin se define un plan de acción, se contradicen de inmediato. Ejemplo: un personaje queda gravemente herido, y es urgente llevarlo al hospital. Entonces alguien decide buscar el automóvil y manejar hasta el pueblo cercano para pedir ayuda. ¿Por qué no usar el automóvil para llevar al herido? Porque eso sería demasiado fácil, y lo que la película necesita son dificultades y melodrama para retrasar la conclusión.
Por el lado positivo, dicha conclusión restaura un poco el suspenso perdido, y ofrece explicaciones parciales a los enigmas que McKenzie y sus amigos enfrentaron durante su odisea campista. El espectador debe deducir el resto de las respuestas, y sacar sus propias conclusiones sobre el misterio de Cinder Lake, lo cual me pareció muy apropiado para una historia que no tiene solución racional.
Los actores me parecieron buenos, destacando Hattie Smith como McKenzie, cuya devoción por su hermana causa constantes problemas y la obliga a tomar decisiones moralmente cuestionables, convirtiéndola en una especie de anti-heroína audaz e impredecible. Zac Titus y Nicole Dambro son la clásica pareja perfecta a punto de casarse... aunque el bosque les depara retos que cambiarán su relación para siempre. Y Taylor Flowers tiene el papel de Edgar, cuyo historial de problemas emocionales lo hacen particularmente vulnerable a la influencia del bosque, pues no sabemos si está sufriendo una crisis paranoica, o si en realidad hay entidades malignas manipulando su comportamiento. Creo que Flowers tiene la mejor actuación de la película... pero también nos atormenta con algunas de las peores escenas de relleno que mencioné hace un momento.
En cuanto a los fenómenos mismos, Woods prefiere usar efectos "en vivo" con mínimo auxilio digital, lo cual hace más tangible la sensación de amenaza, y más bizarras las apariciones en el apacible entorno natural. Creo que al final utiliza una miniatura muy atractiva y bien filmada para disimular la "perspectiva forzada"; me pareció un detalle encantador para esta época de saturación tecnológica.
A fin de cuentas considero que el principio y el final de The Axiom compensan su mediocre desarrollo; y aunque no la clasificaría como "joya oculta", sin duda disfruté sus fascinantes ideas e ingeniosa ejecución técnica. The Axiom es como un híbrido entre la reciente The Endless y la semi-clásica Equinox, con horrores multi-dimensionales que no encajan en géneros convencionales, y nos ponen a pensar en las posibilidades del mundo más allá de nuestros sentidos. En resumen: otra razón en mi lista para nunca visitar el bosque.
Calificación: 7.5

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The Golem

Síntomas: En el siglo diecisiete, los habitantes de Lituania creen que la terrible epidemia que los aflige es por culpa de los judíos, y se preparan para exterminarlos. Entonces Hanna Horowitz (Hani Furstenberg) crea un Golem para proteger a su aldea (o "shtetl").... pero la criatura no es exactamente lo que ella esperaba.

Diagnóstico: Y tampoco fue lo que yo esperaba; pero, bueno, ya hablaremos de eso.
Casi todas las historias de "horror religioso" se fundamentan en la doctrina cristiana. Por eso me gustó descubrir en el 2015 la cinta Jeruzalem, de los hermanos Doron y Yoav Paz, la cual utilizó el dogma judío para transformar un simple relato de zombies en una épica apocalíptica con ángeles, demonios y criaturas gigantes (perdón, ¿spoiler?)
Y ahora, los Hermanos Paz regresan con The Golem, una de las más populares leyendas judías que trascendió su nicho cultural gracias a la memorable película muda de 1920.
Eso no significa que la nueva The Golem sea uno de los más tardíos remakes en la historia del cine, sino tan sólo una nueva interpretación del mito, utilizando una perspectiva relativamente moderna que hace la cinta más apropiada para audiencias contemporáneas, a pesar del arcaico periodo histórico y las extrañas costumbres de la época.
De hecho, parte del subtexto de The Golem incluye una sutil crítica contra las reglas judías acerca del matrimonio, la maternidad y la enseñanza, donde los hombres siempre tenían prioridad, y las mujeres eran básicamente fábricas de niños sin derechos ni posición social. Sin embargo Hanna (Hani Furstenberg) no está conforme con esas reglas, y empieza a espiar las lecturas de la Kabbalah, gracias a lo cual se entera de ciertos rituales prohibidos que utiliza para crear un Golem cuando su "shtetl" es atacado. Pero lo que despierta no es el Golem de la leyenda, sino algo que sacude sus expectativas y genera nuevos problemas para su comunidad.
En este punto sentí una leve decepción porque, naturalmente, yo quería ver al clásico monstruo de arcilla peleando contra los crueles "gentiles" de Lituania. Y ciertamente The Golem ofrece confrontaciones violentas con abundante sangre y enemigos descuartizados; sin embargo, la criatura toma una inesperada forma que lo conecta con una tragedia del pasado (al parecer este cliché es válido para cualquier religión), y despierta contradictorias emociones en Hanna y su familia, por no mencionar los clásicos riesgos de "jugar a Dios". Afortunadamente este inusual Golem complica agradablemente el argumento e inspira niveles adicionales de drama que trascienden la venganza como motivador principal.
En el papel de Hanna, Hani Furstenberg ofrece una actuación excepcional, balanceando el espíritu rebelde de su personaje con la lealtad hacia su pueblo; y todo eso mientras descubre las consecuencias de crear una fuerza natural difícil de controlar. Alexey Tritenko es el líder de los lituanos, cruel y violento, pero a fin de cuentas motivado más por la desesperación que por la intolerancia. También me gustó el desempeño de Brynie Furstenberg como Perla, la curandera local que vio un Golem en su infancia, y reconoce el peligro que implica su presencia. Finalmente, en el papel del Golem, Kirill Cernyakov transmite por debajo de su furia la inocencia de una criatura expuesta a un mundo nuevo y desconocido.
The Golem combina el tono sobrio y reflexivo de un drama histórico con el suspenso y violencia de una buena película de terror (¿mencioné el "gore"?) Su ritmo es un poco lento, y las diferencias culturales podrían confundir al público habituado a los estereotipos del horror católico; pero en lo personal encontré muy interesante la propuesta de los Hermanos Paz, y me gustaría ver más obras de este estilo, que no solo satisfacen como entretenimiento, sino como teología comparativa... con explosiones de cabezas.
Calificación: 8.5

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El Atentado del Siglo: Utoya (Utøya 22. Juli)

Síntomas: El 22 de Julio del 2011 se llevaron a cabo dos ataques terroristas en Noruega. El primero fue un coche bomba en la ciudad de Oslo; y el segundo fue una masacre en un campamento estudiantil en la isla de Utøya, la cual seguimos desde la perspectiva de la joven Kaja (Andrea Berntzen).

Diagnóstico: El Atentado del Siglo: Utoya no es un documental, pero está filmado como si lo fuera, poniéndonos literalmente al lado de las víctimas del ataque terrorista y compartiendo su mismo temor, confusión y, sobre todo, la incertidumbre de no saber lo que está pasando, ni cuánto tiempo durará, y mucho menos sus causas. El director tomó una arriesgada decisión creativa para alcanzar un resultado crudo y perturbador, aunque no puede evitar cierto cansancio una vez que nos adaptamos al estilo de la película y nos resignamos a la ausencia total de contexto o explicaciones que podrían darle forma a esta ambigua narrativa.
El Atentado del Siglo: Utoya está filmada en una larga toma continua (o quizás una excelente simulación) que sigue a la joven Kaja, estudiante de ciencias políticas y participante del campamento educativo en la isla noruega de Utøya, donde los organizadores planearon actividades y debates donde los jóvenes podrían exponer distintos puntos de vista sobre temas relevantes para la sociedad noruega. Pero todo se interrumpe cuando se escuchan detonaciones distantes, y Kaja se refugia con varios amigos en un edificio comunitario. Sin embargo la joven está muy preocupada por su hermana Emilie (Elli Rhiannon Müller Osborne), y decide arriesgarse a salir para buscarla.
En eso consisten los noventa minutos de El Atentado del Siglo: Utoya, duplicando la duración del ataque en tiempo real (72 minutos), y acompañando a Kaja durante su frenética búsqueda, a lo largo de la cual tiene fugaces (y a veces trágicas) interacciones con otros adolescentes igualmente aterrados por la impredecible situación.
Andrea Berntzen ofrece una sobresaliente actuación como Kaja, sirviendo como nuestros ojos y oídos durante el ataque, y muchas veces expresando las mismas dudas que estamos pensando. También participan Aleksander Holmen, Brede Fristad y Solveig Koløen Birkeland como amigos de la muchacha o casuales aliados en su lucha por sobrevivir. El trabajo del reparto entero es angustiosamente natural, de modo que es muy fácil aceptar su "realidad", y olvidar que estamos viendo una película.
Desafortunadamente la ilusión se interrumpe durante algunos momentos pasivos, cuando Kaja encuentra refugio temporal, o trata de consolar a alguno de sus amigos con pláticas frívolas que podrían distraerlos de sus horribles circunstancias. En cierto modo creo que El Atentado del Siglo: Utoya hubiera funcionado mejor como lección histórica si hubiera aprovechado esas pausas para responder las incontables preguntas que inspira su desarrollo; pero, por otro lado, eso hubiera traicionado el propósito de honrar la memoria de las víctimas reproduciendo con inflexible rigor su devastadora experiencia. Como dije, una decisión arriesgada, pero a fin de cuentas correcta, pues así nos ofrece una potente alternativa a todas aquellas cintas "basadas en hechos reales", cuyas buenas intenciones no logran disimular su artificialidad cinematográfica. El Atentado del Siglo: Utoya es lo más cercano a la realidad que quisiéramos que no existiera... pero existe. Y esa lección es más importante que los detalles del Quién o el Por Qué.
Calificación: 9

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Feliz Día de Tu Muerte 2 (Happy Death Day 2U)

Síntomas: El joven Ryan Phan (Phi Vu) empieza a repetir el mismo día de su vida. Afortunadamente su amiga Tree Gelbman (Jessica Rothe) tuvo una experiencia similar, y podría ayudarlo a romper el ciclo.

Diagnóstico: De todos los refritos de Groundhog Day producidos en años recientes (incluyendo Before I Fall y ARQ), creo que Happy Death Day fue el más afortunado, pues combinó las fórmulas del "time loop" y el cine slasher con suficiente humor e ingenio para convertirse en un modesto éxito económico... lo cual fue la única excusa que necesitaba el estudio Blumhouse para realizar una secuela. Y ahora Feliz Día de Tu Muerte 2 se estrena como una adición razonablemente divertida a la cinta original, enriqueciendo una mitología que podría convertirse en una tradición semi-anual, al estilo de Saw o Final Destination... pero casi exenta de sangre.
Esa fue mi principal queja sobre Happy Death Day... me gustó la subversión del cine slasher y su travieso manejo del tiempo para atraparnos en las aventuras de Tree Gelbman (Jessica Rothe), estudiante universitaria cuya antipática actitud y malas decisiones de vida se fueron rectificando conforme aprendía nuevas cosas sobre sí misma con cada nueva "resurrección"; pero la ausencia de sangre restó fuerza al aspecto "slasher" y diluyó su impacto como película de terror.
Para bien o para mal, la secuela Feliz Día de Tu Muerte 2 no tiene ese problema porque, irónicamente, el asunto del asesino enmascarado se redujo a un factor incidental que pasa a segundo plano para darle mayor importancia a los elementos de ciencia ficción. El resultado me pareció tremendamente ambicioso, con múltiples sorpresas que confunden nuestras expectativas y hacen la cinta emocionante e impredecible. Pero, por el lado negativo, el director y guionista Christopher Landon (Scouts Guide to the Zombie Apocalypse) tiende a enredar demasiado el argumento y pierde nuestra atención (al menos la mía) en momentos clave de la narrativa.
De cualquier modo merece respeto una secuela que no se limita a reciclar la misma historia... aunque así parece al principio. Ryan Phan (el joven asiático de cabello rubio que aparecía brevemente en la cinta original, abriendo la puerta de la habitación donde despertaba Tree) empieza a experimentar el fenómeno del "loop"... pero gradualmente descubre nueva información que podría indicar la causa de la fractura temporal, al mismo tiempo que se extienden sus consecuencias a los demás personajes, quienes deberán tomar difíciles decisiones para regresar a la normalidad... empezando por determinar en qué consiste esa "normalidad". Como dije, es un poco confuso, y no todas las partes del rompecabezas conectan bien; pero disfruté los nuevos giros y tangentes gracias a la dirección de Landon y al trabajo de un elenco entusiasta y con amplio carisma para distraernos durante las partes más flojas de la película.
Jessica Rothe regresa en el papel de Tree, con su nueva actitud mejorada y amplia experiencia en paradojas temporales. Phi Vu realiza una sólida transición de "comic relief" a un papel co-estelar, aunque no pierde su sentido del humor; y lo mismo aplica a Rachel Matthews como Danielle, la odiosa presidenta de la fraternidad que disfrutaba torturando a Tree; y Ruby Modine como Lori, compañera de cuarto de Tree con un grave secreto que podría arruinarlo todo. O tal vez no, pues nada es exactamente como esperamos.
Entonces, Feliz Día de Tu Muerte 2 cambió la máscara del cine slasher por la bata blanca de la ciencia ficción, y aunque me gustó menos que la primera película, definitivamente admiré su creativo replanteamiento de una premisa que parecía inmutable. Por suerte todo es posible con el viaje en el tiempo... siempre y cuando no esperemos mucha lógica.
Calificación: 8

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Obsesión (Serenity)

Síntomas: Baker Dill (Matthew McConaughey) está obsesionado con pescar un atún gigante que ha burlado su anzuelo en múltiples ocasiones. Entonces llega su ex-esposa Karen (Anne Hathaway) con una oferta difícil de rechazar.

Diagnóstico: Obsesión empieza como un thriller erótico de Cinemax, burdo y predecible, con horribles diálogos y afectadas actuaciones que se sienten inconsistentes con el talento del reparto. Entonces la cinta empieza a transformarse en algo totalmente distinto... lo cual no mejora la situación. Aunque, para ser justos, ese bizarro "twist" explica parcialmente las malas actuaciones y diálogos pseudo-noir que parecen escritos por un estudiante de secundaria que acaba de descubrir a Dashiell Hammett (de hecho hay una cita de The Maltese Falcon). Pero, como dije, las explicaciones no mejoran la ridícula experiencia de Obsesión.
Habiendo dicho eso, el director Steven Knight (más conocido como guionista de algunas excelentes películas, como Eastern Promises y Dirty Pretty Things) merece respeto por arriesgarse a realizar un experimento tan descabellado como éste, y por haber convencido a Matthew McConaughey y Anne Hathaway para acompañarlo en una aventura destinada al fracaso... en el mejor de los casos. La otra alternativa sería un grave caso de "pena ajena" para todos los involucrados. Solo espero que, por lo menos, les hayan pagado muy bien.
Otros actores/víctimas de Obsesión: Diane Lane como la ocasional pareja de Baker, que siempre está buscando a su gato extraviado (¿asumo que es una metáfora de su sexualidad?), y ve con desconfianza a Karen, pero no como rival romántica, sino como inminente peligro para Baker. También tenemos a Djimon Hounsou como el timonel del bote Serenity, aunque su auténtica función es como conciencia del capitán, "alejándolo de la tentación" y dándole buenos consejos que desde luego serán ignorados. Y, finalmente, Jason Clarke es el odioso nuevo esposo de Karen, abusivo y arrogante, pero con suficiente dinero para resolver los problemas económicos de Baker.
Un sólido reparto, sin duda. Y tal vez Obsesión sería una película mediocre pero tolerable si se hubiera mantenido en la fórmula del thriller romántico. Desafortunadamente Knight decidió implementar el mencionado "twist" que le roba a la película todo rastro de dignidad y realismo. Desde luego no voy a revelarlo, pues las personas que paguen por ver este chasco tienen derecho de asombrarse y sacudir la cabeza cuando descubran el gran secreto. Y, créanme, será uno de los momentos más memorables de la cinta.
Por lo demás, Obsesión es una competente producción con buena cinematografía, idílicas locaciones (la historia de desarrolla en la ficticia isla de Plymouth, pero se filmó en Mauritius, al este de Madagascar), y excelente diseño de producción para completar la ilusión del pescador fracasado cuya obsesión representa todo aquello que perdió en el pasado, así como la esperanza de redimirse y encontrar la felicidad. Sí, todo es muy simbólico y poético hasta que se revele la terrible (estúpida) verdad.
No puedo recomendar Obsesión, pero sospecho que con el paso del tiempo podría volverse objeto de culto, o al menos de curiosidad, para devotos del cine que fracasó porque no reconoció sus errores antes de cometerlos.
En resumen: me pregunto si Cabela's súbitamente decidió diversificarse y producir películas.
Calificación: 4

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Aterrados

Síntomas: Después de una tragedia en el hogar de la familia Blumetti, tres expertos en asuntos paranormales realizan una investigación con resultados inesperados. Y mortales.

Diagnóstico: En muchas ocasiones he dicho que una buena película de terror debe funcionar primero como drama. Sin embargo, la cinta argentina Aterrados confirma nuevamente que no sé de lo que estoy hablando.
Aterrados carece de estructura dramática; la caracterización es casi inexistente; y la historia es tan simple como cualquier episodio de Ghost Hunters. Sin embargo, bajo la diestra mano del director/escritor Demián Rugna, Aterrados hace exactamente lo que promete, sin relleno alguno ni melodrama que nos distraiga del delicioso horror inspirado por sus grotescas escenas y creativas manifestaciones paranormales. En resumen: una muy recomendable experiencia para fanáticos del género (como yo), quizás un poco superficial, pero muy entretenida y satisfactoria. Y ciertamente terrorífica.
Aterrados comienza con una secuencia impactante que establece el tono de la cinta y el nivel de suspenso que sentiremos hasta la escena final. La historia no es complicada, pero incorpora ingeniosos detalles que nos mantienen a la expectativa, y al mismo tiempo generan una atmósfera de amenaza inminente que compartimos con los personajes.
Será difícil continuar los halagos sin revelar las sorpresas que nos reserva Aterrados; baste decir que Rugna y su increíble equipo técnico crearon un entorno perfectamente mundano (un vecindario de clase media), donde el horror aparece donde menos esperamos... y a veces aparece exactamente donde esperamos, pero en una forma rara vez manejada por el horror convencional. Ejemplo: el niño. Fue un placer presenciar una escena tan perturbadora en su concepto y ejecución, que no necesita recurrir a los trucos del horror moderno para sacudir la percepción del espectador. Y, como esa, existen múltiples escenas en Aterrados, donde lo viejo parece nuevo y lo normal se vuelve aberrante.
Los actores aportan genuina intensidad a sus respectivos papeles, llenando con su talento los huecos que deja el libreto (quizás intencionalmente), y dibujando los rasgos básicos que definen su personalidad. Maxi Ghione es el Comisario Funes, dudoso de los eventos que lo rodean, pero con suficiente experiencia en el trabajo policíaco para confiar en sus sentidos. Agustín Rittano y Natalia Señoriales son la pareja que escucha extraños ruidos en la cocina; y Demián Salomón interpreta a Walter, su vecino, con sus propios problemas difíciles de explicar. Finalmente, Norberto Gonzalo, Elvira Onetto y George Lewis forman el trío de investigadores con fascinantes teorías sobre el origen de los fenómenos, cada uno con su respectiva metodología, y todos compartiendo el entusiasmo de pioneros científicos.
Los efectos especiales son excelentes, combinando técnicas tradicionales con manipulación digital para amplificar su impacto y crear imágenes realmente inolvidables. No me extrañaría verlas muy pronto plagiadas en producciones norteamericanas, porque Aterrados es demasiado buena para ser ignorada... y Hollywood siempre prefiere copiar en vez de imaginar sus propias pesadillas.
Pero, bueno... mientras eso ocurre, recomiendo con entusiasmo Aterrados, disponible en Netflix, y perfecta para un maratón nocturno de terror en español junto con Verónica y El Habitante. Nunca pensé que podría usar esa frase; casi me inspira optimismo en el futuro del horror hispanohablante.
Calificación: 9

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Lords of Chaos

Síntomas: A mediados de los ochentas, el joven Øystein "Euronymous" Aarseth (Rory Culkin) inició el movimiento de "auténtico metal noruego" como protesta contra las bandas europeas; pero su extrema ideología y nihilista actitud tendrán consecuencias fatales para algunos de sus seguidores.

Diagnóstico: Debo confesar que en los ochentas yo también pertenecía a la cultura del "heavy metal". Desde luego no era tan radical como los personajes de Lords of Chaos... pero suficientemente similar para reconocer la línea divisoria entre "imagen inofensiva" y "nocivo estilo de vida". En otras palabras, yo era un "poser" declarado. Pero aún así conservo buenos recuerdos, y Lords of Chaos me hizo agradecer que nunca tomé muy en serio aquella faceta de mi adolescencia. Fin del párrafo nostálgico.
A pesar de su estrecho nicho histórico y cultural, el mensaje de Lords of Chaos es relevante para nuestro presente: hay lugar para todo tipo de ideologías, siempre y cuando eviten el extremismo que pisotea los derechos de los demás. Ya sea que tales derechos incluyan escuchar a Scorpions, ir a la iglesia, o simplemente vivir sin temor a ser acuchillado por un patán que ya perdió toda noción de realidad y fantasía.
Y todo comienza en 1987, cuando Øystein "Euronymous" Aarseth (Rory Culkin) funda la banda Mayhem con su propio estilo de "metal noruego", más brutal, más profano, y con absoluto desprecio por la religión y las reglas de la sociedad. Al principio parece una excusa para hacer ruido, emborracharse e impresionar chicas. Pero su círculo de seguidores se extiende gradualmente hasta atraer psicópatas sin nada que perder... y ahí es donde empiezan los problemas.
El director Jonas Åkerlund está en una posición única para contar esta historia (inspirada por hechos reales, pero no necesariamente fiel a la realidad), pues participó en la explosión del metal europeo como baterista del seminal grupo Bathory, antes de convertirse en un reconocido director de cine y videos musicales (apenas hace unas semanas se estrenó en Netflix su divertida cinta de acción Polar). Esto significa que Åkerlund comprende las sutilezas de esta cultura, y nunca se burla del estilo de vida "metalero", ni acusa a la música de corromper a la juventud, y tampoco emite juicios arbitrarios sobre su valor artístico. Simplemente muestra lo que ocurre cuando alguien lleva sus creencias hasta niveles enfermizos, con un resultado de violencia y vidas arruinadas. Lo mismo podría ocurrir en el pop o en la música country. En resumen: Åkerlund realizó un sobresaliente análisis sociológico con pleno conocimiento de causa, e impecable reputación que respalda su perspectiva personal. Es como si Roger Taylor hubiera dirigido Bohemian Rhapsody.
Rory Culkin es apropiadamente enigmático como Øystein Aarseth, líder autodidacta con suficiente carisma para promover su manifiesto musical; aunque nunca estamos seguros si solo quiere impresionar a sus amigos, o si realmente cree lo que propone. Creo que ni siquiera él estaba seguro, lo cual expresa Culkin con maravillosa ambigüedad. Jack Kilmer tiene el papel de Pelle "Dead" Olmin, el cantante obsesionado con la muerte (en este caso no hay duda alguna sobre su dedicación a los principios del "metal noruego"). Y Emory Cohen interpreta a Kristian "Varg" Vikernes, fanático de Mayhem que se infiltra gradualmente en el "círculo interno" de adeptos hasta tomar control del culto.
Es una historia relativamente simple, pero impactante por la intensidad de las emociones y la convicción de los involucrados, tal vez cegados por su juventud, o por el clásico impulso de rebeldía contra el "establishment" (en uno de los países más prósperos y seguros de Europa), o simplemente porque todos estaban haciendo lo mismo, y es más fácil seguir la corriente que pensar por sí mismo.
Entonces, Lords of Chaos me pareció una recomendable lección de pseudo-historia con sólidas actuaciones y un estilo narrativo más maduro, revelando el crecimiento de Jonas Åkerlund como director "serio" que no necesita los trucos visuales de sus previas incursiones en la cultura alternativa (como la memorable Spun). La abundancia de heavy metal en la banda sonora (no solo noruego, sino de bandas como Accept, Sigur Rós y Carcass) es el adorno perfecto para esta historia, y será un atractivo más para los fans del género. Pero la lección que imparte Lords of Chaos es vital para cualquier espectador: Scorpions son posers. O algo así.
Calificación: 8.5

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The Man Who Killed Hitler And Then the Bigfoot

Síntomas: Calvin Barr (Sam Elliott) participó en la más peligrosa misión de la Segunda Guerra Mundial. Pero ahora, en su vejez, no sabe qué hacer con su tiempo. Entonces el gobierno le pide ayuda para resolver una crisis en los bosques de Canadá.

Diagnóstico: Parece que el título lo dice todo, pero no en la forma que imaginamos. Los dos eventos que se mencionan en The Man Who Killed Hitler and Then the Bigfoot ciertamente están presentes en la película, pero ocurren con sorprendente rapidez y, como dice el protagonista, "no es el comic que querías ver". Por el contrario, la parte importante del título es "el hombre", y no las hazañas que realizó en distintos momentos de su vida.
Esto significa que The Man Who Killed Hitler and Then the Bigfoot no es una comedia "grindhouse", sino un parsimonioso estudio de carácter enfocado en la psicología de un lacónico protagonista que dice mucho sin necesidad de hablar.
Cuando conocemos a Calvin (Sam Elliott), es un anciano retirado, tratando de llenar sus días con visitas al bar local, paseos con su perro Ralph (Sally), y conversaciones ocasionales con su hermano Ed (Larry Miller). Calvin no está solo, pero ciertamente vive aislado porque no quiere (o no puede) compartir los recuerdos y secretos que carga consigo desde hace décadas. Además, solo un hombre en su posición es capaz de comprender el precio de la guerra, y la necesidad de sentirse útil en un mundo que lo está dejando atrás.
Paralelamente, por medio de "flashbacks", seguimos la misión que emprendió el joven Calvin (ahora interpretado por Aidan Turner) durante la Segunda Guerra Mundial, infiltrándose en territorio nazi con ayuda de espías rusos. Y, sí, eventualmente vemos su enfrentamiento con Hitler... pero nada en esta película es aparatoso o espectacular. El director y guionista Robert D. Krzykowski mantiene un tono mesurado y hasta melancólico, donde no se celebra el heroísmo, sino el código de conducta de Calvin. Fue una sorpresa descubrir que los mejores momentos de The Man Who Killed Hitler and Then the Bigfoot no fueron sus encuentros con esas célebres figuras, sino las escenas que nos muestran la vida normal del anciano, interactuando con sus vecinos, o explicando su filosofía a los agentes que lo admiran como leyenda, aunque no saben exactamente por qué.
Y por supuesto nada sería lo mismo sin el virtuosismo de Sam Elliot, extraordinario actor de carácter cuya simple presencia eleva esta modesta película y transmite todo lo que necesitamos saber sobre Calvin. Me dio mucho gusto encontrarlo en una "B-Movie" que trasciende esa descripción gracias a su inteligente libreto y sobrias actuaciones, entre las cuales también destacan al mencionado Larry David como el comprensivo hermano de Calvin; Ron Livingston y Rizwan Manji como los agentes gubernamentales que solicitan ayuda con la situación de Bigfoot; y Caitlin FitzGerald como la novia de Calvin en los años cuarentas... probablemente la más importante influencia en su vida pasada y presente.
The Man Who Killed Hitler and Then the Bigfoot me recordó la clásica Bubba Ho-Tep, pues ambas utilizan excéntricas premisas para explorar temas serios y profundos que nos toman por sorpresa: la dignidad de la vejez; la futilidad de la violencia; y el significado del legado que dejamos en el mundo. No esperaba nada de eso cuando empecé a ver una película sobre Hitler y Bigfoot... pero fue un placer descubrir sus virtudes en compañía de un gran actor. Siempre habrá más "B-Movies" con sangre y violencia; por otro lado, rara vez encontraremos dramas tan ingeniosos y emotivos.
Calificación: 9

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Maligno (The Prodigy)

Síntomas: El niño prodigio Miles Blume (Jackson Robert Scott) tiene una inteligencia muy avanzada para sus ocho años de edad; pero su madre Sarah (Taylor Schilling) empieza a sospechar una influencia sobrenatural que podría destruir a su familia.

Diagnóstico: Parece inútil escribir una sinopsis de Maligno sin mencionar la primera escena, donde nos explican claramente el origen del misterio, y el probable rumbo que tomará la película.
Sin embargo, conforme avanza la cinta me di cuenta de que lo importante no es descifrar las causas del misterio, sino descubrir cómo Sarah resolverá una situación imposible que realmente nos pone a pensar. Bueno, tanto como puede hacerlo una mediana película de terror con una buena idea inicial, y un desarrollo ligeramente insípido.
En el año 2012, el director Nicholas McCarthy realizó The Pact, una de mis películas de terror favoritas de esta década. Su siguiente película, At the Devil's Door (también conocida como Home) representó un paso atrás; y luego participó en la antología Holidays con un segmento apenas mediano. Y ahora, con Maligno, McCarthy se redime parcialmente, aunque estoy sospechando que nunca repetirá los aciertos de su opera prima.
Como sea, Maligno ofrece excelentes actuaciones para complementar un libreto que aprovecha la clasificación "R" no para derramar sangre, sino para orquestar escenas realmente perturbadoras que desafían tabús y provocan revulsión, lo cual me pareció perfectamente apropiado para el esquema del "niño diabólico". Además, la explicación inicial no requiere adornos ni complicadas mitologías para atraparnos en las terribles disyuntivas que enfrenta la familia Blume. Creo que una buena película de terror (¿ya he mencionado esto?) debería funcionar como drama ANTES de introducir los elementos sobrenaturales. En el caso de Maligno ambos aspectos son inseparables, pero ofrecería iguales niveles de suspenso y angustia con una explicación más mundana.
El niño Jackson Robert Scott interpreta a Miles con sorprendente realismo, pues debe expresar por igual la inocencia de un niño atormentado por fenómenos que no comprende, y la malicia de un psicópata precoz y manipulador que podría estar jugando con las emociones de sus padres... o ser genuina víctima de influencias ajenas a su control. Taylor Schilling muestra de nuevo su afinidad por el género fantástico (previamente la vimos en The Titan) en el papel de Sarah, la madre de Miles que, como siempre, parece más abierta a las explicaciones que trascienden la ciencia convencional. Además, algunas escenas que comparte con su "hijo" son tan inquietantes que debe haber sido difícil conservar el dominio del personaje sin destruir el delicado balance establecido por el director.
En el papel de John, Peter Mooney no tiene mucho que hacer, excepto mostrar el clásico escepticismo del padre pragmático que no cree en las patrañas sobrenaturales sugeridas por su esposa, hasta que es demasiado tarde. Y entonces debe tomar decisiones absolutamente estúpidas para mantener la trama en movimiento. El actor no tiene la culpa, pero "John" es uno de los menos afortunados elementos de la cinta.
Hablando de "menos afortunados", debo advertir una vez más sobre el fenómeno de "perro víctima para demostrar que las cosas van en serio". Al igual que muchas cosas en Maligno, es una escena bastante predecible, pero no por ello menos impactante.
Y esa es la frase que podría describir la experiencia de Maligno: su desarrollo carece de sorpresas o "twists", y es muy fácil adivinar la ruta que seguirá el libreto de Jeff Buhler (The Midnight Meat Train). Sin embargo la disciplinada dirección de McCarthy y las excelentes actuaciones (por no mencionar los escabrosos temas que maneja la historia) nos atrapan de principio a fin, obteniendo una película superior al promedio, cuyas ocasionales limitaciones no impiden pasar un buen rato de horror doméstico con un final amargo y melancólico (aunque la última escena me pareció innecesaria... como si necesitáramos confirmación de lo que ya sabíamos desde hace hora y media). En resumen: una de las más efectivas cintas de "niño diabólico" en tiempos recientes, y buen augurio para la carrera futura del director Nicholas McCarthy. Fue un placer verlo de regreso en el camino correcto.
Calificación: 8

IMDb

¿Podrás Perdonarme? (Can You Ever Forgive Me?)

Síntomas: Durante los setentas y ochentas, la autora Lee Israel (Melissa McCarthy) escribía biografías de gente famosa, pero su antipática personalidad y malas decisiones la dejaron sin trabajo. Entonces, a principios de los noventas, al borde de la bancarrota, Lee concibe un audaz plan para ganar dinero con ayuda de su amigo/cómplice Jack Hock (Richard Grant).

Diagnóstico: Al principio de ¿Podrás Perdonarme? encontramos a Lee Israel tratando de convencer a su agente literaria (Jane Curtin) para que venda su nuevo libro, una biografía de Fanny Brice. Pero la agente responde que nadie sabe quién fue Fanny Brice, y por lo tanto nadie comprará el libro.
Tengo la teoría de que esa escena simboliza los retos que enfrentaron los productores de la película ¿Podrás Perdonarme?: una "biopic" de una autora desconocida cuyos patéticos crímenes ciertamente merecen análisis, pero de ninguna manera constituyen material convencional para un "blockbuster" contemporáneo.
A pesar de esos obstáculos, la directora Marielle Heller encontró la manera de construir un relato fascinante que humaniza a la artista/criminal que en la década de los noventas falsificó reliquias literarias para ganar dinero. Y ni siquiera era dinero para gozar una vida decadente, sino simplemente para pagar la renta, comprar medicinas para su gato y, sobre todo, para emborracharse diariamente en un inmundo bar de Nueva York. Como dije, nada cercano a las biografías de grandes hombres y mujeres que cambiaron el mundo.
Aún así, ¿Podrás Perdonarme? me pareció mejor que todas esas infladas historias de virtud y heroísmo, gracias a las excelentes actuaciones de Melissa McCarthy y Richard Grant, interpretando personajes de cuestionable moralidad que podríamos odiar desde el principio por su hostilidad y agria disposición; pero Heller y los guionistas Nicole Holofcener y Jeff Whitty revelan gradualmente la calidez oculta tras la adusta fachada endurecida por malas experiencias y el alcohol. En resumen, es una experiencia deprimente y triunfal de fracaso y pseudo-redención.
Las más recientes películas de Melissa McCarthy fueron repudiadas por el público y la crítica (por ejemplo The Happytime Murders y Life of the Party), pero en lo personal las encontré divertidas dentro de sus modestas ambiciones, y ambas confirmaron (por si teníamos dudas) el increíble rango de esta actriz, que desde hace mucho superó la simple clasificación de "comediante" con repetidas muestras de su habilidad para interpretar cualquier papel... independientemente de la calidad del libreto en turno.
Afortunadamente ¿Podrás Perdonarme? está ganando reconocimiento por las actuaciones de su brillante elenco... más vale tarde que nunca. Y McCarthy no está sola, pues la acompaña el siempre entretenido Richard E. Grant, escapando (parcialmente) su nicho de "inglés arrogante" para interpretar un inglés pícaro y desvergonzado que complementa la misantrópica actitud de Lee, e incluso logra sacarla de su coraza emocional para apreciar selectos aspectos del mundo que la rodea.
También me gustó mucho la actuación de Dolly Wells en el papel de Anna, dueña de una librería que intenta hacer amistad (y quizás algo más) con Lee. Ambas comparten una maravillosa escena durante una cena donde todo va muy bien... hasta que Lee dice algo inapropiado que desinfla la velada. Y ni siquiera es un insulto o un comentario hiriente, sino tan solo una manifestación del daño interno que la impulsa a rechazar cualquier atisbo de vulnerabilidad.
Entonces, a pesar de sus sórdidos personajes, ¿Podrás Perdonarme? alcanza lo que pocas biografías aspiran (y muchas ignoran): trascender los hechos históricos para dibujar una completa y detallada imagen de una persona excepcional... para bien o para mal. No sé si el mundo necesitaba esta historia, pero me alegra que pueda existir para celebrar el talento literario, cualquiera que sea su expresión.
Calificación: 9

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