Avengement

Síntomas: Cain Burgess (Scott Adkins) escapa de presidio para vengarse de los individuos responsables por su captura.

Diagnóstico: Mensaje urgente para Hollywood: así es como se hace una película de venganza.
Lo cual no significa que Avengement sea perfecta. Su tono es poco irregular, la estructura modular del argumento se vuelve cansada, y el plan de Burgess parece apoyarse en la cooperación de sus enemigos. Sin embargo, la intensidad del protagonista y su complejo arco dramático se conjugan para transformar una genérica historia de venganza en una brutal experiencia cinematográfica, dirigida por Jesse V. Johnson (Triple Threat) con gran estilo y confianza en su estrella principal. Y también ayudan los ocasionales destellos de humor negro para balancear el fatalismo del libreto y las horribles realidades del crimen organizado en Londres (y en cualquier ciudad del mundo, supongo).
Otra advertencia: a pesar de las constantes peleas, Avengement no es una película de acción, sino un thriller "a fuego lento" sobre la evolución de un anti-héroe que trascendió la simple venganza para buscar justicia. Claro, esa evolución va acompañada por sangre y abundante violencia; pero más allá de los golpes, fracturas y "head shots", se manifiestan ambiciosos temas existenciales y textura melodramática para inyectar energía en una vieja fórmula.
A pesar de haber intervenido en varios "blockbusters" y películas "de estudio" (como Doctor Strange, The Bourne Ultimatum y X-Men Origins: Wolverine), Scott Adkins no ha alcanzado la fama necesaria para escapar del "Cine B"; sin embargo Avengement podría ser el empujón que necesita su carrera para entrar a "las grandes ligas", y eventualmente reemplazar a Liam Neeson y Denzel Washington en el cine de acción de alto presupuesto (o mediano, para ser más realistas). Adkins tiene gran carisma, es buen actor (en su nicho específico), y su habilidad física ha quedado ampliamente demostrada en sus proyectos de artes marciales (entre mis favoritas: Universal Soldier: Day of Reckoning y Ninja 2: Shadow of a Tear). Hablando de lo cual, Avengement tampoco es una cinta de artes marciales, ya que las peleas pertenecen al áspero estilo callejero que no busca elegancia, sino máximo daño y despiadada eficiencia.
La mencionada estructura modular representa el obstáculo más grande para apreciar Avengement. Cronológicamente todo ocurre durante unas horas en un modesto "pub" londinense, frecuentado por los criminales responsables por el encarcelamiento de Cain Burgess. Y cuando Cain escapa de presidio, se encierra en el pub con sus enemigos para detallar las penurias que sufrió durante su condena. Esto signfica que Avengement se siente extrañamente "teatral", confinada a una locación, y con múltiples "flashbacks" que interrumpen el flujo de la historia y rompen la tensión de la confrontación "real" entre Cain y sus oponentes. Si no fuera por las peleas, sería una película rígida y aburrida.
Afortunadamente la combinación de drama y acción ofrece un resultado mayor a la suma de sus partes, apoyado por interesantes reflexiones sobre la venganza como algo cruel y desagradable que destruye vidas en vez de salvarlas. Los monólogos de Cain son un poco exagerados, pero también expresan una actitud más honesta que el hueco heroísmo artificial de Taken y demás obras que han usurpado este género en años recientes. Por el contrario, Avengement evoca obras clásicas de los sesentas y setentas, como Point Blank (1967), Get Carter (1971) y Rolling Thunder (1977), donde los héroes salían victoriosos, pero no "ganaban" exactamente, sino que perdían su humanidad por satisfacer sus deseos de venganza. Avengement es como ética y filosofía impartidas con los puños. Y Scott Adkins resultó ser un excelente maestro.
Calificación: 8.5

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Annabelle 3: Viene a Casa (Annabelle Comes Home)

Síntomas: Tras descubrir la energía negativa de la muñeca Annabelle, los investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga) deciden guardarla en su museo de objetos malditos. Pero, un año después, su hija Judy (Mckenna Grace) empieza a ver misteriosas figuras a su alrededor.

Diagnóstico: La película Annabelle (2014) me pareció un innecesario "spin-off" de The Conjuring, pero tuvo suficiente éxito económico para garantizar una secuela. O, mejor dicho, precuela: Annabelle: Creation (2017) superó a la original con un estilo clásico de horror, poniendo mayor énfasis en atmósfera y personajes que en efectos especiales. Y ahora, Annabelle 3: Viene a Casa, combina ambos enfoques para ofrecer una experiencia bastante entretenida, bien actuada, y con varias adiciones a la mitología de The Conjuring que podrían explotarse en futuros "spin-offs" (el Barquero y el "Black Shuck" parecen los mejores candidatos; yo me inclino por el segundo, porque me gustaría ver una "creature feature" como parte de este universo).
Lo cual significa que, estrictamente hablando, la muñeca Annabelle no sale mucho en Annabelle 3: Viene a Casa. Y fue una buena decisión, ya que así logran conservar vivo su misterio, en vez de transformarla en una estereotípica "muñeca asesina" al estilo de Chucky o la franquicia de Puppet Master.
Por el contrario, el director/escritor Gary Dauberman (guionista de las dos películas anteriores, y también de la exitosa It) continúa su filosofía de "menos es más", y permite un gradual incremento en la tensión con esporádicas manifestaciones sobrenaturales que ocurren en la casa de la familia Warren cuando, inevitablemente, alguien desobedece la estricta regla de mantener cerrada la vitrina donde guardan a Annabelle.
No diré quién comete esa indiscreción, pero hay pocas alternativas. Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga)(por cierto, la película está dedicada a Lorraine, quien falleció recientemente en la vida real) aparecen al principio de la historia, y unos minutos al final; pero las auténticas protagonistas son su hija Judy (Mckenna Grace), la niñera Mary Ellen (Madison Iseman), y su amiga Daniela (Katie Sarife), víctima de una reciente tragedia que la motiva a buscar respuestas en el mundo espiritual. Y así, durante una fatídica noche, las tres mujeres enfrentarán terroríficas apariciones y el riesgo de perder sus vidas (y sus almas), cuando la influencia de Annabelle "despierta" los objetos malditos en el museo de la familia Warren.
No es una trama complicada... de hecho, no hay mucha trama. Simplemente un desfile de apariciones y fenómenos que van desde la obligatoria "sombra en la oscuridad", hasta ingeniosas escenas que aprovechan el entorno setentero (la música y la televisión nos recuerdan constantemente el período histórico) para asustarnos y revelar detalles sobre los espíritus y/o demonios que atacan a las jóvenes (como lo que ocurre con la lámpara de noche de Judy).
Entonces, a falta de una historia concreta, Annabelle 3: Viene a Casa se apoya en el suspenso y la creatividad de las secuencias de terror, las cuales funcionaron mucho mejor de lo que yo esperaba, sobre todo considerando que se han repetido (en una u otra forma) a lo largo de esta popular franquicia (la cual incluye The Conjuring y su secuela, las cintas de Annabelle, The Nun, y The Curse of La Llorona). Y, para complementar los sustos, tenemos un trío de competentes actrices que añaden el trasfondo emocional necesario para engancharnos en su modesto melodrama. Gracias a todo eso, Annabelle 3: Viene a Casa me pareció tan buena como la cinta previa, y mejor que los demás "spin-offs" de The Conjuring, lo cual garantiza una recomendación para fans del "Conjurverso", y para audiencias casuales en busca de una sólida experiencia de terror. No sé si la premisa justifica más secuelas, pero por lo pronto lograron producir una trilogía que mejoró en vez de empeorar... algo muy raro en el cine, y sobre todo en el género fantástico. Ojalá logren lo mismo con el Black Shuck.
Calificación: 8.5

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Maestras del Engaño (The Hustle)

Síntomas: Después de cometer numerosos fraudes, Penny Rust (Rebel Wilson) viaja a Francia para escapar de la ley, y conoce a Josephine Chesterfield (Anne Hathaway), una estafadora de alto nivel especializada en engañar millonarios. Al principio se odian, pero Josephine reconoce el potencial de Penny, y decide entrenarla como cómplice en "trabajos" más ambiciosos.

Diagnóstico: Aunque Dirty Rotten Scoundrels es una de mis comedias favoritas, no me parecía mala idea un remake femenino con una sensibilidad más moderna, y con dos actrices cuyo trabajo generalmente disfruto. Desafortunadamente Maestras del Engaño no hizo justicia a su ilustre predecesora, ni encontró el tono correcto para actualizar la historia de dos estafadoras que colaboran para "desplumar" a un joven millonario cuya fortuna podría ser menor de lo que imaginan.
Sin embargo, Maestras del Engaño no es una pérdida de tiempo total (aunque algunos espectadores opinarán lo contrario). Sus escasos aciertos incluyen la química entre Rebel Wilson y Anne Hathaway, perfectamente seleccionadas para interpretar estafadoras con muy distintos métodos y personalidades. Cuando Penny y Josephine se encuentran en la Riviera Francesa, se consideran enemigas instantáneas; pero eventualmente descubren que sería más productivo colaborar en vez de sabotear los planes de su rival. El libreto implementa algunas escenas simpáticas durante esas confrontaciones, donde Penny y Josephine tratan de destruir sus respectivas carreras; Anne Hathaway explota su sofisticada imagen y afectado acento inglés para enfatizar las diferencias entre ambas, mientras que Rebel Wilson repite con gran entusiasmo las desvergonzadas rutinas que la hicieron famosa (aquí es donde entra en juego la opinión de cada espectador... si no tragan a estas actrices, ni se acerquen a la película). Entonces Penny y Josephine hacen las paces y deciden cooperar... y el humor de la película se vuelve automáticamente más blando, los personajes se transforman en caricaturas, y las situaciones de las estafas pierden toda credibilidad, arruinando los escasos elementos positivos que el director Chris Addison (haciendo su debut en largometrajes) había obtenido hasta ese momento.
Además (¿spoiler?) los fans de Dirty Rotten Scoundrels descubrirán que Maestras del Engaño se apega mucho al argumento original, sin grandes innovaciones ni suficiente "modernización" para validar su existencia o desarrollar nuevos "twists" que desafíen las expectativas de quienes vimos (y recordamos) aquella clásica comedia. Lo único que se les ocurrió fue insertar una víctima "hi-tech" que hizo su fortuna programando una exitosa "app"... ¡qué actual!
Pero incluso si no conociera Dirty Rotten Scoundrels, la trama de Maestras del Engaño es tan floja y predecible que nunca genera interés, y mucho menos suspenso. A lo largo de noventa minutos (al menos es corta) surgen varias tangentes dramáticas que podrían aprovecharse para intentar algo nuevo... pero una y otra vez el director prefiere continuar por el camino más seguro de la repetición, esperando que el talento de las actrices se encargue de "mejorar" el humor. Y aunque de vez en cuando Wilson y Hathaway crean sólidos momentos cómicos, no bastan para salvarnos de esta mediocre experiencia.
A veces me quejo de que los re-makes son demasiado diferentes; y ahora me quejo de uno que fue demasiado similar. Cada caso es distinto, supongo. En esta ocasión parecía natural esperar una historia con el encanto de la original, pero con suficiente innovación para forjar una identidad propia  en el entorno cultural contemporáneo. Lamentablemente Maestras del Engaño se cobija en el viejo truco de confiar en el encanto del reparto para salvar la situación. Tal vez eso funciona en las estafas de Penny y Josephine, pero dudo que rescate esta película del fracaso económico. Parece que no aprendieron nada con Ocean's Eight.
Calificación: 6.5

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Nightmare Cinema

Síntomas: El misterioso cine Rialto exhibe cinco historias cortas de terror que son perturbadoramente relevantes para la selecta audiencia.

Diagnóstico: Entre las antologías de terror estrenadas en años recientes (algunas de mis favoritas: Holidays, Ghost Stories y A Christmas Horror Story) la nueva Nightmare Cinema se distingue por funcionar como "secuela espiritual" de la aclamada serie televisiva Masters of Horror, transmitida en el 2005 por el canal Showtime, donde se reunió una impresionante colección de directores especializados en el género, y se les dio la libertad hacer lo que quisieran en episodios de una hora. Los resultados fueron... aceptables.
Y ahora Mick Garris, el creador de aquella serie, retoma el concepto en forma de película... con resultados igualmente irregulares, pero a fin de cuentas con suficiente "gore" y energía para rescatar la experiencia.
El concepto de Nightmare Cinema es muy simple: El Proyeccionista (Mickey Rourke) exhibe cortometrajes que muestran el posible futuro de las personas que entran al cine abandonado.
En el primer corto, "The Thing in the Woods", el director Alejandro Brugués (Juan of the Dead) construye un clásico escenario "slasher" con un asesino enmascarado persiguiendo a Samantha (Sarah Withers), una "chica final" valiente y competente; pero, desde luego, las cosas no son lo que parecen. Los puntos buenos de este segmento son el "gore", la actuación de Withers, y un "twist" más o menos ingenioso que desafía los estereotipos del cine slasher.
El segundo corto, "Mirari", sigue a Anna (Zarah Mahler), una joven mujer insegura de su apariencia, hasta que reconoce la importancia de la belleza interna. O algo así. Dirigida por Joe Dante (The Howling, Burying the Ex), "Mirari" resulta bastante predecible, pero tiene un agradable estilo visual y grotescos efectos especiales para distraernos del decepcionante final que no dice nada nuevo... o siquiera viejo. Y la decepción fue mayor al enterarme de que fue escrito por Richard Christian Matheson, el hijo del legendario Richard Matheson, cuyos libretos para la serie original The Twilight Zone básicamente establecieron las bases de la antología fantástica.
Mi favorita fue la tercera historia, "Mashit", donde el suicidio de un niño afecta de inesperadas maneras a los estudiantes de un internado católico. La premisa se siente un poco forzada, y no hay tiempo para crear la tétrica atmósfera que la historia requiere... pero cuando empieza "lo bueno", el director Ryûhei Kitamura (The Midnight Meat Train, No One Lives) se deleita en derramar abundante sangre al mismo tiempo que ataca las buenas costumbres con un desenlace jocosamente trangresor.
"This Way to Egress" es la cuarta y más corta historia. A diferencia de la anterior, el director David Slade (Hard Candy, 30 Days of Night) crea una pesadillesca atmósfera apoyada por la vistosa cinematografía en blanco y negro y la atormentada actuación de Elizabeth Reaser como una mujer que desconfía de su realidad... y sus temores solo empeoran cuando busca la ayuda de un psiquiatra (Adam Godley). Otra vez llegamos a un final estéril, pero todo lo anterior fue apropiadamente siniestro.
La quinta historia es "Dead", donde un asalto callejero tiene terribles consecuencias para el joven Riley (Faly Rakotohavana) y su madre (Annabeth Gish). El director Mick Garris dirige y escribe la historia más "normal" y mejor estructurada de la película. Tampoco es particularmente creativa ni sorprendente, pero todos sus elementos se conjugan para ofrecer el segmento más satisfactorio de la antología (en mi humilde opinión).
Parecería que el tema en común de Nightmare Cinema son los finales mediocres que no hacen justicia a las historias que ofrecían mayor potencial. En otras circunstancias diría "lo importante es el viaje, no el destino", pero creo que el formato del cortometraje requiere un final más contundente para compensar su brevedad. Por otro lado... como dije, las historias que integran Nightmare Cinema están bien realizadas, y los directores hicieron un notable trabajo a pesar de las limitaciones económicas del proyecto. Por cierto, vale mencionar que estos cinco directores no son los únicos "Amos del Horror" que participaron en la cinta. La música de varios segmentos fue compuesta por el genial Richard Band (Re-Animator); uno de los editores fue Mike Mendez (director de Big Ass Spider! y Don't Kill It); los efectos de maquillaje fueron realizados por el aclamado estudio KNB EFX (con sólido apoyo de Vincent Van Dyke Studio); y, bueno, la película está dedicada a Wes Craven, Tobe Hooper y George Romero, así que al menos estuvieron presentes en espíritu.
Tengo la teoría de que Nightmare Cinema fue producida por Mick Garris como "prueba de concepto" para revivir Masters of Horror en alguna plataforma de "streaming", en cuyo caso le deseo toda la suerte del mundo. Nightmare Cinema no fue una antología excepcional, pero sin duda es mejor que muchos chascos que se hacen llamar "horror" en el saturado mercado del video casero. Además, existe una multitud de nuevos "amos" (y "amas") del horror que deberían tener más exposición, y una serie semanal sería el vehículo perfecto para promoverlos. Ojalá Netflix o Amazon tengan la mente abierta para esta posibilidad. Y la cartera aún más abierta.
Calificación: 8

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The Wolf's Call (Le Chant du Loup)

Síntomas: Durante una operación militar de alto riesgo a bordo del submarino "Titán", el especialista en sonar "Socks" Chanteraide (François Civil) detecta una señal acústica que jamás había escuchado, y su incertidumbre casi arruina la misión. Entonces, desobedeciendo a sus superiores, Socks investiga por su cuenta el origen de la misteriosa señal.

Diagnóstico: Me gustan las películas sobre submarinos, pero reconozco que casi siempre siguen la misma fórmula para crear suspenso y sumergirnos (ja, ja) en las aventuras de estos valientes navegantes que aceptaron uno de los trabajos más arriesgados del planeta. Entonces, el secreto para hacer una buena película de este SUB-género (ja, ja, Parte II) está en los detalles, y creo que The Wolf's Call (disponible en Netflix) encontró un buen ángulo para sustentar los clichés y rutinas que conocemos de memoria.
Para empezar, los primeros veinte minutos de la película incluyen una secuencia tensa y perfectamente editada, que simultáneamente funciona como introducción a los personajes y al uso del sonar para identificar sonidos acuáticos con increíble precisión. Estoy seguro de que la cinta exagera bastante, pero la sólida dirección e inteligente libreto nos convencen del excepcional talento de Chanteraide (François Civil), y eso es todo lo que necesitamos para aceptar la realidad de la situación.
De hecho, el problema principal de The Wolf's Call no es el "súper-oído" del protagonista, sino las inverosímiles vueltas que da el libreto para ponerlo en el lugar y momento exactos donde puede salvar alguna situación desesperada. Es demasiado notoria la manipulación del guionista para garantizar que Chanteraide siempre esté presente cuando alguien necesita identificar un sonido extraño.
Pero, bueno... para ser justos, creo que solo ocurre dos veces en la película entera; y todo lo demás está tan bien realizado, que no tuve problema disculpando estas incongruencias que, a fin de cuentas, contribuyen al desarrollo de una historia repleta de tensión y fuerza emocional.
En el papel principal, François Civil es bastante convincente como un oficial joven con talento innato que no siempre lo salva de sus impulsivas decisiones. Y además tiene excelente química con sus oficiales superiores, interpretados por Omar Sy como el Oficial Ejecutivo cálido y compasivo, y el gran Mathieu Kassovitz como un pragmático almirante con buen balance entre deber y humanidad.
Los efectos especiales son buenos, pero me gustaron más las escenas donde se utilizaron auténticos submarinos de la Marina Francesa; definitivamente no hay reemplazo de la realidad para convencernos del poder e imponente presencia de estos espectaculares navíos.
Habiendo dicho eso, lo mejor de The Wolf's Call es el libreto (con las excepciones antes mencionadas) que desarrolla orgánicamente una secuencia de eventos lógica y creíble donde no solo está en juego la vida de los tripulantes, sino el balance del poder global. Además, el subtexto político de la cinta plantea interesantes preguntas sobre el futuro militar de Europa, y la necesidad de "pelear sus propias batallas" sin apoyo de la "otra" potencia mundial en la que ya no pueden confiar. El director maneja con sutileza estos mensajes, pero sirven para darle contexto a los terribles sacrificios que la tripulación del "Titán" enfrentará para cumplir su misión.
Entonces, a pesar de sus tropiezos, The Wolf's Call podría ser la mejor película sobre submarinos que he visto en años recientes. Me gustó más que Hunter Killer, Black Sea, y... bueno, creo que no hay otras. La competencia es escasa, pero eso no disminuye las virtudes de The Wolf's Call, demostrando una vez más el potencial del cine europeo para competir en calidad visual y narrativa con el producto de Hollywood, al mismo tiempo que incorporan su propio sabor cultural y nuevos héroes de acción que usan el cerebro (y el oído) en vez de los puños.
Calificación: 8.5

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High Life

Síntomas: A bordo de una nave espacial con incierto destino, el astronauta Monte (Robert Pattinson) se esfuerza por mantener los arcaicos sistemas en funcionamiento, al mismo tiempo que cría a la bebé Willow (Scarlett Lindsey).

Diagnóstico: "Papá Soltero... ¡En el Espacio!" fue lo que pensé durante las primeras escenas de High Life. Sin embargo, la trama se complica rápidamente y termina como un híbrido de Silent Running, Prospect, y Dark Star, pero con un bizarro subtexto psico-sexual que altera por completo el tono de la película. El mensaje de la directora Claire Denis parece ser que cualquier situación, por terrible que sea, siempre pueden empeorar por la arrogancia, egoísmo, y bajos instintos humanos. No puedo negar que High Life fue una película compleja y fascinante... pero a fin de cuentas me pareció demasiado larga y diluida para dejar una impresión duradera.
Entre lo bueno: las actuaciones de un valeroso elenco que enfrenta perturbadoras escenas sin adecuado respaldo narrativo... al menos al principio. Afortunadamente la directora y co-guionista ofrece abundantes "flashbacks" para mostrar cómo Monte y la pequeña Willow llegaron a esa desesperada situación, viajando por el espacio en una desvencijada nave con pocas esperanzas de regresar a la Tierra, y sin seguridad de alcanzar su destino, cualquiera que sea.
Fue en esas explicaciones donde encontré los aspectos más interesantes de High Life. La descabellada misión original de la nave, las volátiles personalidades de los tripulantes, y las horriblemente disfuncionales relaciones que se manifiestan a bordo de la nave "7" dibujan una devastadora imagen del futuro que, a pesar de sus exageraciones, se siente bastante consistente con el "zeitgeist" actual. Esa acumulación de detalles se transforma en épicas ideas que flotan en la conciencia del espectador y revelan los auténticos temas de la cinta. Mi teoría es que la directora quiso mostrar los efectos del aislamiento y soledad (son dos cosas distintas) en individuos ya de por sí inestables, como parte de un grotesco experimento que solo podría ocurrir en una sociedad cruel y deshumanizante... a la que nos acercamos rápidamente. O algo así.
Y ahora, lo malo. El diseño de producción de High Life es sencillamente atroz. Quiero pensar que fue otra misteriosa decisión de Claire, quizás para reproducir la estética de la ciencia ficción "filosófica" de los años setentas, o para rechazar agresivamente la tendencia "high tech" tan popular en Hollywood (por cierto, High Life es la primera cinta en inglés de esta cineasta francesa). Por la razón que haya sido, High Life se ve tan barata e improvisada que las imágenes se convierten en una distracción de la historia. No pude evitar recordar los increíbles escenarios y brillante diseño de algunas recientes cintas "indie" de ciencia ficción, como la mencionada Prospect, A.I. Rising, y Beyond White Space. Pero, bueno... respeto la visión de la directora que no temió contrariar a los "geeks" (como yo) con sus escenarios de cartón, torpes escenas en "gravedad cero", y mediocres secuencias de "blue screen".
Sin embargo, todas estas "fallas" visuales y confusas digresiones no lograron opacar las potentes ideas que se esconden en la periferia del argumento central. Por otro lado, es difícil mantener la atención cuando todo es tan lento, tan gris y emocionalmente frío. No todos aceptarán este reto, pero los que se atrevan a enfrentarlo... podrían quedar igualmente decepcionados. No sé... High Life no es para todos los gustos. Y quizás estoy tratando de racionalizar lo que me gustó. Pero es una experiencia tan diferente que merece el beneficio de la duda.
Calificación: 7.5

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Hotel Mumbai: El Atentado (Hotel Mumbai)

Síntomas: Dramatización de los múltiples ataques terroristas perpetrados en la ciudad de Mumbai durante Noviembre del 2008, incluyendo el que se desarrolló en el Hotel Taj Mahal.

Diagnóstico: Las películas "basadas en hechos reales" siempre me inspiran un poco de desconfianza, no solo por su cuestionable fidelidad histórica (aunque también influye bastante), sino por el potencial de explotar una auténtica tragedia humana para entretenimiento público, aunque sea bajo el disfraz de "rendir tributo a las víctimas" o "recordar los hechos para que nunca se repitan". Francamente, no sé si es un argumento válido para disculpar a los estudios que se benefician económicamente con estas películas; pero bueno... tampoco puedo negar que he disfrutado muchas obras "basadas en hechos reales" como simples historias con buenas actuaciones, sólida dirección, y elevados valores de producción.
Sirva lo cual para explicar por qué no intentaré evaluar la motivación política de Hotel Mumbai: El Atentado, ni sus méritos sociales, y mucho menos la controversial imparcialidad de religiones y culturas que algunos críticos han denunciado (para variar, una tragedia en un país lejano se examina desde el punto de vista norteamericano).
Entonces, amparado por esta (cobarde) advertencia, puedo enfocarme exclusivamente en las cualidades intrínsecas de Hotel Mumbai: El Atentado como un competente thriller con un buen balance entre el "nivel de entretenimiento" (mucho suspenso, excelentes actuaciones, y virtuosa dirección que casi borra la línea entre ficción y realidad) y el "nivel histórico" que nos envuelve en el horror de las múltiples masacres cometidas en la ciudad de Mumbai a fines de Noviembre del 2008.
El director Anthony Maras explora múltiples puntos de vista para comprender la extensión y crueldad de los ataques, así como la mentalidad de los terroristas que, como siempre, están absolutamente convencidos de la rectitud de sus acciones. Entre esos divergentes puntos de vista: Arjun (Dev Patel), empleado del Hotel Taj Mahal que pone su vida en peligro en múltiples ocasiones para salvar tantos huéspedes como sea posible... aunque la muerte podría llegar en cualquier momento, desde cualquier dirección; David y Zahra (Armie Hammer y Nazanin Boniadi), una pareja con mucho dinero y gran influencia, que podrían ser más importantes como rehenes que como víctimas; y los acompaña Sally (Tilda Cobham-Hervey), la niñera del bebé recién nacido cuyo inoportuno llanto podría costarles la vida. También seguimos a Vasili (Jason Isaacs), un arrogante empresario ruso con dudosa moralidad; al flemático Sr. Oberoi (Anupam Kher), jefe de cocina con el más alto sentido del deber hacia el hotel y sus empleados; a un grupo de policías mal equipados e insuficientemente entrenados para lidiar con la terrible situación; y, finalmente, a los terroristas mismos, en constante comunicación con el organizador de los ataques, quien sabe exactamente qué decir para convencerlos de cometer las más brutales atrocidades.
Como su nombre implica, Hotel Mumbai: El Atentado cubre principalmente el ataque sobre el Hotel Taj Mahal (no, no es el auténtico Taj Mahal, sino un elegante hotel con el mismo nombre), pero las escenas más violentas y desgarradoras probablemente son las que muestran los ataques "menores" en cafeterías, tiendas, y en las calles de la ciudad, donde la población está más expuestas y menos consciente de lo que está ocurriendo, hasta que es demasiado tarde. Durante esas escenas podemos sentir el caos, pánico e incertidumbre con mayor intensidad e impacto emocional.
Pero quizás el más grande obstáculo de Hotel Mumbai: El Atentado es la ausencia de estructuras dramáticas que hagan la experiencia más asimilable dentro del formato cinematográfico. Algunos personajes viven; otros mueren; y todos sufren de una u otra manera. Nunca llega John McClane para eliminar a los malos, ni hay catarsis gratuitas para sentirnos mejor después de tanto sufrimiento. Fue una audaz decisión de Maras, pero solo así puede mantener un cierto nivel de respeto por los hechos reales. Cualquier otra cosa sería una perversión mercantilista... y ya hay bastantes personas que opinan eso. Desde mi punto de vista: buena película, y dejémoslo ahí.
Calificación: 8.5

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Ecos Mortales (I Still See You)

Síntomas: Un misterioso evento mató a miles de personas en la ciudad de Chicago, y dejó "remanentes espectrales" de las víctimas... fantasmas intangibles e inofensivos que repiten una y otra vez las rutinas de su vida anterior, y desaparecen en unos segundos. Diez años después, la humanidad se adaptó a esta extraña situación; pero la joven Verónica Calder cree que uno de esos "remanentes" está intentando comunicarse con ella.

Diagnóstico: Ecos Mortales se basa en un concepto bastante creativo, con fascinantes implicaciones pseudo-científicas, y repercusiones emocionales para las familias que deben "convivir" con espectros de sus parientes fallecidos. En el caso de Verónica, su padre aparece diariamente durante el desayuno, leyendo el periódico como hacía en vida. ¿Cómo afectaría esto a la sociedad moderna? ¿Qué nuevos mercados abriría un "planeta embrujado"? ¿Cuál sería la reacción de las religiones alrededor del mundo?
Desafortunadamente nada de eso le interesa al director Scott Speer, quien decidió explorar esta intrigante premisa de la manera más pueril posible: una joven estudiante forma una alianza con el chico malo de la escuela, para investigar la aparición de un "remanente" que intentó comunicarse con ella. Y así comienza un desfile de clichés que hemos visto en incontables cintas de terror, lo cual resulta penosamente irónico en un proyecto que pretendía distanciarse de las fórmulas del género... los "fantasmas" no son fantasmas, su origen es científico, y sus apariciones son simples inconveniencias que ya no asustan a nadie.
En vez de continuar por ese camino, Speer regresa de inmediato a la clásica investigación paranormal que incluye algunas visiones tenebrosas, un anciano que sabe más de lo que aparenta, y el romance latente entre Veronica y Kirk (Richard Harmon), el estudiante rebelde que sigue sus propias reglas y desafía a la autoridad ¡qué original! También tenemos un profesor "cool" que quiere ayudar a resolver el misterio; búsquedas en Internet que revelan el tortuoso pasado del espectro que acecha a Verónica, y el inevitable "twist" que adivinamos media hora antes de su revelación oficial.
Ecos Mortales (no tiene relación alguna con Stir of Echoes, la película con Kevin Bacon que se estrenó en México en 1999 bajo el mismo título hispano) está basada en la novela de Dan Waters "Break My Heart One Thousand Times" (sí, pertenece al nicho "Young Adult", lo cual explica algunos de sus problemas), así que no sé exactamente a quien atribuirle la culpa de este chasco. Pero, para ser justos, Ecos Mortales tiene sólidos efectos especiales, buena atmósfera que combina tensión post-apocalíptica con indolencia suburbana; y algunas escenas visualmente interesantes (como la mujer del vestido blanco). Además, entre todo el inútil "techno-babble" se esconden un par de ideas bastante ingeniosas que me hubiera gustado examinar con mayor detenimiento (como las fechas del periódico). Sin embargo son detalles menores en una cinta confusa y pesada, donde las "explicaciones" solo empeoran la situación y conducen a un flojo desenlace que no solo resulta absurdo, sino frustrante. Había material para hacer algo mejor, pero tomaron la ruta del menor esfuerzo.
Las actuaciones, sin ser horribles, tampoco contribuyen sustancialmente a la película. En el papel principal, Bella Thorne expande su imagen con una peluca negra; y Richard Harmon (algunos lo recordarán por la serie Continuum) añade una pizca de carisma para evitar que "Kirk" se confunda con los escenarios. Por su parte, Dermot Mulroney (¿o es Dylan McDermott?) aligera un poco la solemnidad de Ecos Mortales con su accesible interpretación del Profesor Bittner; se me ocurre que los productores querían un nombre semi-famoso para atraer al público adulto, y esto fue lo mejor que consiguieron.
Y lo mismo podríamos decir de la película entera: altas aspiraciones saboteadas por una inepta ejecución. Hasta Ghostbusters logró más realismo en su fusión de fantasmas y pseudo-ciencia.
Calificación: 6

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Toy Story 4

Síntomas: Forky (voz de Tony Hale), el nuevo juguete favorito de la niña Bonnie (voz de Madeleine McGraw), se pierde cuando la familia está de vacaciones, y el vaquero Woody (voz de Tom Hanks) decide encontrarlo... con catastróficas consecuencias. Entonces Buzz Lightyear (voz de Tim Allen) y los demás juguetes organizan una doble misión de rescate.

Diagnóstico: Desde luego me gustan las películas de Toy Story y sus entrañables personajes animados, cuyas actuaciones digitales parecen más sinceras que muchos actores humanos. Pero, aceptémoslo, la saga viene repitiendo el mismo argumento desde hace veinticinco años: alguien se pierde, y los demás deben rescatarlo, mientras viven aventuras que representan metafóricamente la transición de niño a adulto. Siempre es lo mismo.
Por otro lado, la fórmula sigue funcionando porque evoca poderosas emociones asociadas a la nostalgia por la niñez y los amigos que nos apoyan en momentos difíciles de la vida. Además... ¿mencioné los entrañables personajes? Woody, Buzz y sus pintorescos amigos se han convertido en íconos culturales que "crecieron" al mismo tiempo que sus fans, e influyeron positivamente en su desarrollo gracias a las lecciones sobre los altibajos de la naturaleza humana. No puedo imaginar el regocijo de las personas que disfrutaron la original Toy Story durante su infancia, allá por 1995, y ahora llevarán a sus hijos a ver Toy Story 4, compartiendo su afecto por esta mágica mitología y los mensajes que transmite. Debe ser una experiencia apoteótica... lo mismo que a mí me ocurre con Star Wars o Evil Dead.
Afortunadamente, como robot insensible sin hijos ni corazón humano, creo que puedo evaluar la nueva película Toy Story 4 sin la influencia de aquellos sentimientos que contaminan la percepción de los fans. Y el diagnóstico es: Toy Story 4 me pareció muy divertida y muy recomendable, pero con una innegable sensación de que ya vimos todo esto demasiadas veces.
Lo cual, como dije, no es necesariamente malo. Josh Cooley hace su debut como director en esta cinta, pero lleva años trabajando con Pixar, de modo que conoce la sensibilidad del estudio y los elevados estándares narrativos que (casi siempre) mantienen en sus proyectos. Esto significa que la reciclada premisa sirve como punto de partida para explorar interesantes cuestiones filosóficas que no solo atañen a los juguetes ("¿Por qué estoy vivo?"), sino a las reglas del universo que creíamos inmutables (¿es la felicidad compatible con la soledad?) Gracias a estas reflexiones el libreto se vuelve más profundo y ambicioso; y, aunque sin duda nos divertirán los chistes, escapes y secuencias de acción, creo que el valor real de Toy Story 4 (al menos para el público adulto)(bueno, al menos para mi) reside en esas inesperadas digresiones que nos ponen a pensar mientras sonreímos con las peripecias de los juguetes.
Hablando de lo cual, Toy Story 4 extiende el universo con nuevos aliados y enemigos que tiene las voces de Christina Hendricks, Tony Hale, Keanu Reeves y el dúo dinámico de Keegan-Michael Key y Jordan Peele, resucitando la excelente química de su serie televisiva. Y, por supuesto, regresan Tom Hanks, Tim Allen, Annie Potts y el resto del equipo... aunque la abundancia de personajes obliga a que muchos permanezcan en segundo plano durante gran parte de la cinta.
Entonces, Toy Story 4 es más de lo mismo, pero tan bien realizado que podemos disculpar otra visita al mismo manantial creativo... por no mencionar ese agridulce final que nos deja con un nudo en la garganta, pero también con la satisfacción de un arco dramático perfectamente planteado y ejecutado. Es posible que Toy Story 4 haya empezado como una estrategia mercadológica para exprimir más millones antes de retirar la franquicia... pero me alegra decir que le resultado justifica plenamente su existencia, no solo por el entretenimiento que ofrece, sino por el respeto que muestra por los personajes y su evolución emocional. Hasta los villanos inspiran compasión (eso no ocurría en Evil Dead).
Calificación: 8.5

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The Head Hunter

Síntomas: Un guerrero (Christopher Rygh) quiere vengarse de la criatura que mató a su hija (Cora Kaufman).

Diagnóstico: Y eso es todo, básicamente. The Head Hunter es una "B-Movie" de bajo presupuesto, pero todos los aspectos de su producción muestran excelente calidad, logrando la apariencia de una película "de estudio", aunque bastante minimalista en fondo y forma.
La simplicidad de la trama se complementa con una multitud de detalles que añaden profundidad y emoción a las aventuras de un hombre obsesionado con destruir al monstruo que mató a su hija. Y aunque ha obtenido bastantes "trofeos" (las cabezas decapitadas de varias criaturas), aun no encuentra al auténtico culpable.
La actuación de Christopher Rygh es casi muda. De vez en cuando "habla" con la tumba de su hija, o con los cadáveres momificados de otros guerreros caídos en la batalla. "¿Quién te mató? ¿Un troll?"
Hablando de lo cual, The Head Hunter ocupa un nicho estético indefinido pero perfectamente reconocible para los fans de los juegos de rol (como yo). Su argumento incluye componentes de las leyendas arturianas, rasgos de la cultura vikinga, y el bestiario de la mitología nórdica. También hay algunos anacronismos (como un molino manual de café), pero todo armoniza perfectamente para crear esa indefinible aura de fantasía heroica que no requiere contexto histórico formal, porque existe solo en nuestra mente, y con eso basta para asimilar sus reglas y reconocer sus estereotipos.
La cinematografía, iluminación y diseño de producción determinan el "look" general de una película, y casi siempre revelan las carencias de un proyecto "indie". Sin embargo, el director Jordan Downey tuvo la inmensa fortuna (o conexiones, o talento) para encontrar colaboradores capaces de capturar su visión con gran precisión técnica y sensibilidad artística. También podemos apreciar el diseño de producción, sonido, y efectos especiales, todos ejecutado con óptimo balance entre calidad y economía. Es raro encontrar este nivel de competencia en el cine independiente, y más aún cuando respalda un argumento inteligente y bien escrito, que sabe aprovechar sus circunstancias en vez de limitarse por ellas.
Finalmente, la dirección de Downey refleja el mismo esmero y eficiencia narrativa, obligándonos a poner atención y pensar en el significado individual de cada escena, así como su función en el contexto de la trama completa, lo cual podría frustrar a los espectadores más impacientes que solo querían ver peleas medievales (de las cuales solo hay una, y muy breve). El enfoque de Downey es muy distinto; por ejemplo, en una película de apenas 72 minutos (incluyendo créditos) parecería una imperdonable indulgencia dedicar cinco minutos a la preparación de una poción curativa... pero cuando vemos sus resultados, reconocemos la importancia de esa secuencia, y se convierte en tiempo bien invertido. Entonces, apoyándose en la vieja máxima de "muéstralo, no lo digas", Downey construye un emotivo relato que desafía su nicho cultural: cine épico con un solo actor y mínimas locaciones, donde no necesitamos monstruos digitales ni destrucción global para sumergirnos en el drama de un padre que extraña a su hija.
Calificación: 8

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