Secretos de un Escándalo (May December)

Síntomas: Como preparación para su nueva película, la actriz Elizabeth Berry (Natalie Portman) pasa unos días con Gracie Atherton (Julianne Moore) y Joe Yoo (Charles Melton), una pareja de diferentes edades cuyo "romance prohibido" fue un escándalo nacional en los noventas; pero la presencia de la actriz empieza a afectar la estabilidad de la familia.

Diagnóstico: Tan solo por la dirección de Todd Haynes (Carol) y las actuaciones de Natalie Portman, Julianne Moore y Charles Melton podría recomendar Secretos de un Escándalo como un drama "de prestigio" que explora los complejos niveles psicológicos de un sórdido escándalo mediático. Sin embargo, al final de la película quedé frustrado por su incierto propósito y difuso mensaje, como si Haynes mismo no supiera qué opinar sobre los eventos de la cinta: ¿será una lección de empatía para enseñarnos la realidad humana detrás de los encabezados amarillistas? ¿O tal vez una apología de las relaciones románticas que contradicen la tradición? ¿O una crítica contra la manipulación de Hollywood al transformar "historias reales" en entretenimiento popular? No estoy seguro. Podría ser todo lo anterior, o cualquier otra "explicación" que el espectador quiera encontrar en este enigmático e insatisfactorio relato.
Los personajes de Gracie Atherthon (Julianne Moore) y Joe Yoo (Charles Melton) están basados en Mary Kay Letourneau y Vili Fualaau. Mary era maestra de secundaria cuando tuvo un romance con Vili, su estudiante de doce años; la pareja tuvo dos hijos durante la condena penitenciaria de Mary, y cuando fue liberada en el año 2004 se casaron y vivieron felices para siempre. O al menos durante algunos años.
El libreto de Secretos de un Escándalo cambia los nombres y los detalles, pero utiliza los mismos ingredientes para examinar las consecuencias del escándalo, junto con ciertos secretos que nunca se revelaron, pero que aún persiguen a la familia Yoo. Y la excusa para escarbar en el pasado es la actriz Elizabeth Berry (Natalie Portman), quien interpretará a Gracie en una película, y por eso quiere pasar tiempo con ella para entenderla mejor y representarla de manera realista. Lo que Elizabeth encuentra al principio es una familia normal y aparentemente estable, a pesar de su controversial origen; pero cuando gana la confianza de Gracie y plantea preguntas incómodas, empezamos a dudar de la honestidad de todos... incluyendo de Elizabeth.
Desafortunadamente Haynes fragmenta la trama en escenas que, por un lado, ayudan a armar el rompecabezas de una extraña situación; pero por otro lado empañan la narrativa y nos obligan a saltar de un personaje a otro sin entender cómo encaja en el mensaje global. Hay muchas metáforas interesantes y ostensiblemente profundas (las mariposas monarca, la cacería del zorro) (no vemos lo que le pasa al zorro), pero hasta cierto punto huecas por su ambiguo significado. Y todo eso conduce a un final que intencionalmente nos niega las respuestas que estuvimos esperando a lo largo de dos horas.
No sé... Secretos de un Escándalo podría ser un drama intelectual demasiado sofisticado para mi primitivo cerebro cinéfilo; o podría ser otro ejemplo del embrujo hollywoodense que nos captura con su atractiva apariencia sin ofrecer algo sustancial bajo la superficie. Sin duda hay aspectos recomendables en Secretos de un Escándalo; pero no explica mucho sobre el escándalo. Tal vez ese fue exactamente el punto de Haynes.
Calificación: 7

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Vidas Pasadas (Past Lives)

Síntomas: Nora Young (Greta Lee) y Hae Sung (Teo Yoo) tuvieron una entrañable amistad durante su infancia en Corea del Sur, pero se separaron cuando la familia de Nora emigró a Canadá. Veinticuatro años después se encuentran en la ciudad de Nueva York, y reflexionan sobre lo que pudo haber sido...

Diagnóstico: Vidas Pasadas no es una película romántica, sino una reflexión del "espacio negativo" producido por la ausencia del romance; dos personas conectadas por las posibilidades de una relación que nunca se concretó, aunque definitivamente afectó sus vidas. En resumen: un fascinante experimento rebosante de carácter y emoción... aunque, francamente, demasiado pasivo para hacer justicia a la intensidad del concepto.
Afortunadamente las actuaciones de Greta Lee y Teo Yoo compensan la difusa narrativa, y nos atrapan en los detalles de sus expresiones y lenguaje corporal, más elocuentes que cualquier monólogo sentimental.
Greta Lee captura la incertidumbre de una complicada situación que no puede tener final feliz. Cualquiera que sea su decisión, alguien terminará sufriendo; y, aunque hay un poco de suspenso a lo largo del camino, la directora Celine Song deja perfectamente claro que el punto de la película no es la catarsis emocional, sino el conflicto entre nostalgia y razón. O cualquier otro valor que el espectador quiera adjudicar a los vectores del triángulo romántico. Excepto que, como dije, "romántico" no es el adjetivo correcto.
La dirección de Song me recordó la mezcla de distanciamiento e intimidad de Sofia Coppola. Utilizando astutos encuadres y edición, Song enriquece cada escena más allá de su contenido textual, a veces confundiendo nuestras expectativas, y a veces tomando el camino más obvio porque, bueno, así sucede en la vida real.
Habiendo dicho eso, la sensación de "vida real" puede ser contraproducente en ausencia de una estructura más convencional. Sin duda admiro la convicción de la directora para contar la historia en sus propios términos (aparentemente inspirada en eventos auto-biográficos)... pero tampoco puedo negar el cansancio de los largos silencios y momentos de contemplación que repiten ideas previamente establecidas. Incluso podría imaginar Vidas Pasadas como un brillante cortometraje destilado hasta obtener la máxima concentración de sus ingredientes dramáticos; pero en forma de largometraje se siente largo y redundante, sobre todo para cínicos (como yo) que no siempre encuentran interesantes los vaivenes del corazón. Me gustan las películas que me obligan a pensar; pero no siento igual tolerancia por las que me hacen bostezar.
Como sea, Vidas Pasadas ofrece una innovadora perspectiva de un tema popular en el cine comercial, aunque rara vez examinado desde un punto de vista tan profundo y racional. Solo faltó un ritmo más ágil para evitar que la historia se diluya por su excesiva indulgencia. Una cosa es dejar que las escenas "respiren"... y otra es permitir que se duerman.
Calificación: 7.5

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Argylle: Agente Secreto (Argylle)

Síntomas: La escritora Elly Conway (Bryce Dallas Howard) se mete en problemas cuando su más reciente novela de espías se acerca demasiado a la realidad.

Diagnóstico: El director Matthew Vaughn se especializa en películas que podríamos describir como "comics vivientes", donde la violencia hiper-estilizada y los exuberantes personajes se conjugan en relatos ostensiblemente absurdos, pero con firmes bases dramáticas y emociones sinceras para balancear su fantasía. Y aunque los resultados de esta fórmula pueden variar en calidad, podemos confiar en que Vaughn siempre ofrecerá experiencias únicas en el cine de acción.
Desafortunadamente Argylle: Agente Secreto podría ser su primer gran fracaso por culpa de un libreto torpemente construido, donde el misterio se complica hasta el punto de la incoherencia. Como fan de Matthew Vaughn, admiré su irrefrenable visión artística; pero como devoto del cine de espías, Argylle: Agente Secreto me pareció un desastre sin pies ni cabeza.
La premisa tiene potencial, al menos al principio: Elly Conway (Bryce Dallas Howard) es la exitosa escritora de las novelas del Agente Argylle, un invencible espía capaz de realizar extraordinarias proezas, evadir cualquier amenaza, y seducir a todas las mujeres que encuentra. Sin embargo, el más reciente libro de la serie menciona una organización criminal que resulta ser real, lo cual pone a Elly en peligro porque todos creen que sabe más de lo que aparenta. Y así, con ayuda del agente Aidan Wilde (Sam Rockwell), Elly trata de sobrevivir mientras descubre que el espionaje real es muy distinto del que imaginó en sus libros.
Hasta ahí todo va razonablemente bien. El "gimmick" de la película es que Elly imagina al ficticio Agente Argylle (interpretado por Henry Cavill) en las mismas situaciones de peligro que comparte con el Agente Wilde, un patán arrogante y desaliñado que es totalmente lo opuesto de Argylle. La yuxtaposición de realidad y fantasía nunca es tan graciosa como el director supone, pero genera ocasionales momentos satíricos que aluden las exageraciones del cine de espías moderno, al estilo de Mission: Impossible o The Bourne Identity.
Y así transcurre la mitad de la película, con Elly y Aidan siguiendo la pista de los villanos en glamorosos escenarios europeos. Entonces llega el obligatorio "twist" donde Nada Es Lo Que Parece®, y la película empieza a desmoronarse bajo el peso de incongruentes conspiraciones, ridículas sorpresas, y una confusa mitología que me desconectó por completo de Elly y su crisis existencial. Lo único que me preocupaba es que el gato Alfie (Chip) saliera vivo de las surrealistas situaciones que son la especialidad de Vaughn.
Lo cual nos lleva a los mejores elementos de la cinta: creo que Argylle: Agente Secreto tiene las secuencias más espectaculares en la filmografía de Matthew Vaughn. Sí, parece difícil superar aquella masacre en la iglesia de Kingsman: The Secret Service; pero Argylle: Agente Secreto ofrece rutinas más ambiciosas, complicadas, y visualmente estimulantes... por no mencionar inverosímiles. Pero, bueno, es obvio que no debemos tomarla en serio.
¿Bastan esas excusas para recomendar Argylle: Agente Secreto? No estoy seguro. Otro obstáculo es la falta de química entre Bryce Dallas Howard y Sam Rockwell, sólidos actores por derecho propio, pero no necesariamente compatibles como extremos opuestos con mutua atracción. Y hasta los fans de Henry Cavill quedarán decepcionados por su breve e intrascendente participación. En resumen: Argylle: Agente Secreto me pareció una mala película de espías, pero un excelente muestrario del talento visual de Matthew Vaughn. Por eso recomiendo esperar unos meses, y disfrutar las mejores escenas en YouTube.
Calificación: 6

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The Moon (Deo Mun)

Síntomas: La primera misión lunar de Corea del Sur terminó en catástrofe; y ahora, cinco años después, tres astronautas hacen un nuevo intento por llegar a la Luna; pero una tormenta solar podría arruinar sus planes.

Diagnóstico: Quería un antídoto para "limpiar el paladar" de la cinta coreana Concrete Utopia (no porque sea mala, sino deprimente), y así encontré The Moon, una entretenida fusión de Apollo 13 y The Martian realizada con los altos valores de producción del cine coreano, pero con un libreto plagado de clichés y barato melodrama. Y aunque nadie calificaría The Moon como "ciencia ficción seria", ciertamente ofrece suficiente suspenso y acción espacial para satisfacer mi apetito de fantasía "pulp" cocinada al estilo de EC Comics. En resumen: pudo ser mejor, pero me conformo con lo que logró.
The Moon emplea una clásica premisa de exploración planetaria para capturar nuestra imaginación: tras el fracaso de la primera misión lunar de Corea del Sur, el gobierno quiere restaurar el orgullo nacional y demostrarle al mundo que poseen la capacidad científica para alcanzar la proeza que muy pocos países han logrado. Desafortunadamente, cuando el módulo Wooh-ri se acerca a su destino, una tormenta solar afecta los sistemas de la nave, y pone en peligro las vidas de los astronautas. Entonces el Director de Vuelo (Kim Jae-guk) de la previa misión debe salir del retiro para salvar la situación... y tal vez restaurar su honor.
Primero lo bueno: la producción de The Moon es absolutamente espectacular, con efectos especiales de primera línea y diseño impecablemente realista... incluso cuando los eventos de la película se vuelven absurdos, lo cual ocurre con creciente frecuencia conforme se acumulan los problemas que el Director de Vuelo deben resolver para completar la misión.
No voy a inventar apologías ni negar las pifias de The Moon: hay muchas escenas que me hicieron reír, no solo porque desafían las leyes físicas, sino porque muestran peligros catastróficos que nadie podría sobrevivir... y sin embargo el frágil módulo lunar se mantiene entero, y el espectáculo continúa.
Una vez que aceptamos eso, podremos reconocer el ingenio del director y guionista Yong-hwa Kim para crear retos imposibles que incrementan el suspenso y abordan temas que le dan profundidad a la película; entre ellos, los impredecibles vaivenes de la diplomacia internacional entre naciones rivales. Baste decir que los villanos de la película son los clásicos burócratas más preocupados por la imagen pública que por las vidas humanas. Desde luego la "acción espacial" es la principal atracción de The Moon, pero también disfruté las discusiones sobre política exterior ubicadas en prosaicas oficinas y salas de control. Casi nunca vimos eso en Weird Science Fantasy.
Entonces, The Moon tiene momentos extremadamente inverosímiles, y pierde demasiado tiempo en tedioso melodrama personal. Sin embargo las fantásticas imágenes, la tensión del rescate, y el inesperado contenido político fue suficiente para mantener mi atención y dejarme satisfecho como fan de la ciencia ficción "pulp". Desde luego prefiero la ciencia ficción "seria", pero no la necesito cuando me estoy divirtiendo tanto.
Calificación: 7.5 (para Neil deGrasse Tyson sería probablemente 5)

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Sobrevivientes Después del Terremoto (Concrete Utopia - Konkeuriteu Yutopia)

Síntomas: Los sobrevivientes de un devastador terremoto tratan de forjar una nueva vida en el único edificio de Seúl que no se derrumbó.

Diagnóstico: Debido a las experiencias telúricas que hemos vivido en mi país, siempre siento un poco de ansiedad cuando veo películas sobre terremotos. Sin embargo, el catastrófico evento que destruye la ciudad de Seúl en la película Sobrevivientes Después del Terremoto trasciende cualquier definición que tenemos del concepto. Y además ocurre en una brevísima escena en los primeros segundos de la cinta, así que no hay tiempo para preocuparse. Esto significa que Sobrevivientes Después del Terremoto no es una típica "película de desastre" enfocada en destrucción y efectos especiales, sino en lo que ocurre después: la lucha por sobrevivir cuando cae la Civilización y despiertan los peores instintos de la Humanidad. Y eso fue más terrorífico que los terremotos digitales de San Andreas o The Quake.
Incluso me atrevería a clasificar Sobrevivientes Después del Terremoto como un drama político, debido a la representación de una micro-sociedad que debe tomar difíciles decisiones (no siempre correctas) para proteger la integridad del enorme edificio Hwang Gung, el único que permanece en pie después del terremoto. Los retos inmediatos son agua, alimento y refugio (el terremoto ocurre en invierno); pero eventualmente surgen los inevitables problemas de la convivencia forzada, incluyendo luchas de poder y la creación de una jerarquía que beneficia a unos y perjudica a otros. En resumen, Sobrevivientes Después del Terremoto es un fascinante experimento sociopolítico en el estilo de la venerable novela Lord of the Flies (1954), virtual fundadora de este sub-género.
Hace un momento mencioné que Sobrevivientes Después del Terremoto no es una película enfocada en efectos especiales, pero eso no significa que no los tenga. Por el contrario, las vistas de la ciudad destruida son espectaculares y sobrecogedoras, sobre todo porque forman parte integral de la narrativa y definen las "misiones" de los sobrevivientes, desde la búsqueda de alimento hasta los conflictos con "invasores" que solo quieren protegerse del frío.
El director Tae-hwa Eom conduce la cinta con mesurado ritmo, complementando la tragedia del presente con "flashbacks" del pasado que nos muestran a los personajes en sus vidas anteriores. En particular destacan Park Seo-joon y Park Bo-young como una joven pareja con una perspectiva más flexible de la situación; y Lee Byung-hun (Ashfall) como el "delegado" elegido por la turba para hacer que se cumplan las reglas. Pero, naturalmente, el poder no siempre es buen consejero.
Por el lado negativo... Sobrevivientes Después del Terremoto fue una experiencia pesada y deprimente, debido a su cruda exploración de una comunidad desesperada por sobrevivir. Yo esperaba una aventura post-apocalíptica emocionante y entretenida, y lo que encontré fue una amarga dosis de realidad sobre la naturaleza humana sin el tenue barniz de civilización que hace tolerable la vida diaria. Es una lección sin duda valiosa... pero no necesariamente agradable en un formato de entretenimiento popular. Y ahora necesito ver un par de episodios de MST3K para recuperar el optimismo.
Calificación: 7.5

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Destroy All Neighbors

Síntomas: El ingeniero de sonido William Brown (Jonah Ray Rodrigues) tiene problemas con su novia, problemas en el trabajo, y además su vecino Vlad (Alex Winter) hace ruido todo el día. Entonces William decide confrontar a Vlad, y las cosas se complican.

Diagnóstico: No me entusiasmaba la premisa de "vecinos en guerra", pero Destroy All Neighbors la utiliza como base de una pesadilla ontológica que combina elementos de David Lynch, George Romero y Groucho Marx... una grotesca fábula con lecciones sobre perseverancia y responsabilidad personal, presentada con sangrientos efectos especiales y un irreverente sentido del humor que subraya las ideas del director Josh Forbes y su equipo de guionistas.
Como siempre, habrá quien prefiera ignorar el mensaje para enfocarse en el horror (o la comedia), pero al final me sorprendió el fino equilibrio entre drama existencial y los aspectos más "psicodélicos" de la película, realizados con perversa creatividad y pericia técnica por el veterano de efectos especiales Gabe Bartalos (From Beyond, Guyver) y su estudio Atlantic West Effects.
Sin embargo, a pesar del "gore" y los excesos, Destroy All Neighbors nunca descuida el subtexto filosófico. Las atrocidades que cometen los personajes podrían existir únicamente en la mente de William Brown (Jonah Ray Rodrigues), un ingeniero de sonido obsesionado con el rock progresivo que quiere grabar su propio álbum a pesar de las burlas de sus compañeros de trabajo y el escepticismo de su novia Emily (Kiran Deol). Incluso podríamos decir que la obsesión musical de William es un mecanismo de defensa para evadir sus problemas en el mundo real y crear excusas para su estancamiento emocional. Entonces, cuando William por fin se atreve a pedirle a su vecino Vlad (Alex Winter) que no haga tanto ruido, se desata una cadena de tragedias que podrían arruinar la vida del joven... o darle la confianza necesaria para seguir sus sueños. Claro, asumiendo que sobreviva las consecuencias de sus actos.
No negaré que Destroy All Neighbors tropieza ocasionalmente con sus abruptos cambios de tono. El desfile de catástrofes que se acumulan sobre la conciencia de William mantienen cierta lógica, pero a veces se nota la manipulación del director para resolver situaciones imposibles. Sin embargo las emociones del libreto, la exuberante dirección de Forbes (mención especial para la cinematografía de Will Stone) y la simpatía de Jonah Ray Rodrigues (Satanic Hispanics, Christmas Bloody Christmas) nos ayudan a navegar los altibajos del libreto, sobre todo cuando la línea entre fantasía y realidad se borra por completo y quedamos atrapados en la pesadilla viviente de William, compartiendo su locura... pero también su entusiasmo por enderezar su vida y superar los obstáculos que frenaron su crecimiento personal. O algo así.
Entonces, Destroy All Neighbors me pareció una recomendable combinación de temas serios y surrealista ejecución. Su caótica presentación podría desorientar al público que esperaba una "comedia de terror" convencional, pero Destroy All Neighbors desafía nuestras expectativas con una historia simultáneamente absurda y reflexiva, donde el horror siempre tiene algo que decir. Depende de nosotros si queremos escuchar, o tan solo reír con las decapitaciones, mutaciones orgánicas, y pretensiones del "prog rock".
Calificación: 8

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One More Shot

Síntomas: El Teniente Jake Harris (Scott Adkins) salvó a Amin Mansur (Waleed Elgadi) de los mercenarios contratados para silenciarlo (como vimos en One Shot); pero aún no aparece la "bomba sucia" que los terroristas quieren detonar en la ciudad de Washington. Entonces Harris comprende que su misión no ha terminado...

Diagnóstico: One Shot fue una de mis películas favoritas del 2021 (categoría: acción directa a video) por la asombrosa ejecución técnica que elevó una típica historia de "estado de sitio". Lo que no sabía en aquel entonces es que el director británico James Nunn estaba planeando una trilogía; y ahora la segunda parte, One More Shot, nos ofrece otra frenética dosis de acción en tiempo real sobre la cacería de un prisionero con información sobre un posible ataque terrorista. Y el único que puede evitarlo es un Marine empeñado en completar su misión por cualquier medio necesario.
Antes que nada, no creo que sea indispensable haber visto One Shot para apreciar las virtudes de One More Shot. La trama no es particularmente complicada (básicamente "Die Hard en un aeropuerto"); y aunque el libreto incluye vagas referencias a una conspiración, creo que serán más relevantes para la conclusión de la trilogía (por cierto, espero sinceramente que el gran Michael Jai White tenga más escenas en la tercera parte). Fuera de eso, One More Shot puede disfrutarse como una sólida B-Movie con virtuosa dirección, ingeniosas rutinas de artes marciales, y el carisma de Scott Adkins, quien ya merece ser "descubierto" por los grandes estudios de Hollywood. Sí, su participación en John Wick: Chapter 4 fue un buen comienzo (ni siquiera voy a contar su cameo en Doctor Strange), pero lo que necesita es un proyecto individual que lo mande a las "grandes ligas".
En fin... regresando al punto, One More Shot se filmó en un aeropuerto real, donde Nunn y su equipo de stunts encontraron nuevas oportunidades para coreografiar acción creativa y visceral. Escaleras, túneles de servicio, y hasta pistas de aterrizaje se convierten en escenario de peleas y balaceras que me dejaron doblemente impresionado... primero por su brutalidad, y después por la coordinación requerida para mantener la ilusión del "plano secuencia". Desde luego One More Shot no se filmó realmente en una toma continua, pero las "costuras" de la edición están bien disimuladas, y las escenas fluyen con mayor naturalidad, favoreciendo actuaciones más creíbles y espontáneas... dentro de los estándares del cine B directo a video.
Habiendo dicho eso, la monotonía del aeropuerto hace la acción un poco confusa, con un laberinto de locaciones tan genéricas que me costó trabajo seguir los movimientos de los personajes, o entender sus estrategias. Bajo cualquier criterio One More Shot es una película más grande y ambiciosa... pero creo que la reducida escala de One Shot la hizo más clara y accesible para el público general.
Afortunadamente es una queja menor que no me impide recomendar One More Shot como competente secuela, y como entretenida experiencia de acción para fanáticos del género que sepan apreciar lo mucho que James Nunn logró con muy poco. Esperaré con impaciencia la tercera parte (¿"Last Shot"?), así como nuevas obras de este cineasta con genuina afinidad por el género. Finalmente, un pequeño detalle "geek": One More Shot se filmó en el aeropuerto Stansted de Londres, el cual tiene su propio misterio ufológico... pero nada tan famoso como el Parque Bentwaters en la película anterior. Ni hablar... tal vez para la próxima.
Calificación: 8

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Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One

Síntomas: Barry Allen (voz de Matt Bomer) salta incontrolablemente entre dimensiones paralelas, donde versiones alternas de la Liga de la Justicia enfrentan una amenaza que podría destruir el Multiverso.

Diagnóstico: Sí, otra historia de superhéroes sobre los problemas del Multiverso. Sin embargo, para ser justos, la mini-serie original Crisis on Infinite Earths se publicó en 1985, convirtiéndola no solo en pionera del género, sino en la guía que han seguido prácticamente todos los relatos sobre dimensiones paralelas.
Y ahora el director James Wamester (Justice League: Warworld, Legion of Super-Heroes) afronta la ingrata labor de adaptar Crisis on Infinite Earths al Universo Animado de DC Comics, tratando de hacer que lo viejo parezca nuevo, y que los mismos clichés de siempre capturen el interés de un público agotado por las repeticiones de la misma premisa.
Y creo que lo logró, al menos para fans de DC Comics suficientemente indulgentes para aceptar los cambios en la trama original, así como algunos ajustes para integrarla a la continuidad actual. ¿Es pedir demasiado? No sé, pero en lo personal me gustó.
La nueva película animada Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One recurre nuevamente al poder de Barry Allen (voz de Matt Bomer) para viajar entre mundos paralelos... aunque alguien más está controlando sus saltos interdimensionales. Entonces Allen encuentra distintas versiones de la Liga de la Justicia enfrentando una catástrofe que podría destruir al Multiverso. Pero... ¿logrará Flash convencerlos para cooperar antes de que sea demasiado tarde?
La respuesta es obvia, pero razonablemente bien desarrollada por Wamester y el guionista James Krieg, quien merece aplauso por resumir la magna obra de Marv Wolfman y George Pérez (a quien está dedicada la película) en noventa densos minutos con buen balance entre drama y acción. Tal vez hay demasiadas escenas dedicadas al romance de Isis West (voz de Ashleigh LaThrop) y Barry Allen, pero en retrospectiva sirven para humanizar la crisis cósmica, y para delinear un marco cronológico que puede volverse confuso.
Por lo demás, Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One ofrece ingredientes rancios pero aún apetecibles, incluyendo versiones alternas de héroes y villanos, batallas entre aliados que se convierten en rivales (y viceversa), y una saludable selección de personajes olvidados para deleitar a los "geeks" (como yo) que crecieron con estos comics. La dirección de Wamester arrastra sus típicos problemas de edición, pero reconozco que ha mejorado bastante desde sus primeros chascos. Y aunque la animación no es tan detallada como en otras recientes cintas del Universo Animado, cumple su misión de reflejar la escala del Multiverso, así como el abrumador concepto de las "Terras Infinitas" aludidas en el título.
Hablando de lo cual, Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One es tan solo la primera parte, lo cual significa que tendremos que esperar varios meses para ver cómo se resuelve el tremendo "cliffhanger" del final; sin embargo la Primera Parte cuenta una historia satisfactoria por sí misma, y ese es el mejor halago que puedo darle.
En resumen: Justice League: Crisis on Infinite Earths - Part One llegó muy tarde a la moda del Multiverso, pero me pareció una sólida adaptación de los comics que sentaron las bases de este popular sub-género. Y aunque está orientada primariamente a los fans que apreciarán los "deep cuts" de la trama, creo que también podría disfrutarla el público con curiosidad sobre este clásico tema. Claro que, en ese caso, también podrían leer la novela gráfica, más filosófica en su fondo y más nostálgica en su forma.
Calificación: 8.5

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Maestro

Síntomas: Biografía del compositor Leonard Bernstein (Bradley Cooper), enfocada en su matrimonio con la actriz chilena Felicia Montealegre (Carey Mulligan).

Diagnóstico: Creo que Maestro es una excelente biografía que captura al hombre detrás de la leyenda, poniendo en segundo plano la carrera musical de Leonard Bernstein (compositor, pianista y conductor de orquesta) para explorar los contrastes de su vida personal, empezando por su notoria bisexualidad, su irrefrenable creatividad, y las consecuencias que ambas tuvieron en su matrimonio.
El desempeño de Bradley Cooper me pareció fantástico enfrente y detrás de la cámara. Como actor desarrolla un personaje profundo y complicado, pero siempre accesible por su pasión en todas las facetas de su vida, ya sea que esté seduciendo colegas deslumbrados por su talento, o discutiendo teoría musical. Su transformación física también es impresionante, apoyada por el maquillaje prostético de Kazu Hiro (discípulo de Rick Baker, nada menos). Y en los breves momentos cuando el látex no es cien por ciento convincente, la actuación de Cooper se encarga de completar la ilusión. Lo mismo podemos decir de Carey Mulligan en el papel de Felicia Montealegre, compañera inseparable que aceptó a Bernstein a pesar de sus deslices, aún sabiendo que conducirían a momentos difíciles.
Como director, Bradley Cooper emplea una narrativa espontánea y natural (mención especial para la extraordinaria cinematografía de Matthew Libatique), sumergiéndonos en complejas discusiones sin explicaciones ni contexto. Tal vez algunas personas entenderán quiénes son "Jerry" (Jerome Robbins) y "Stevie" (Stephen Sondheim), sus colaboradores en la puesta teatral original de West Side Story (Bernstein compuso la música); pero como no es información necesaria para entender las emociones de la escena, Cooper deja los detalles en el aire... porque sabe que podemos leerlos en cualquier enciclopedia.
Lo cual me lleva a la única gran queja que tengo sobre Maestro: en vista del tremendo compromiso que Cooper mostró en A Star is Born (su debut como director), yo tenía la esperanza de que Maestro abordaría el aspecto musical con igual fervor artístico. Maestro (disponible en Netflix) dura más de dos horas, pero solo vemos a Bernstein dirigir una orquesta durante cinco minutos. Creo que Maestro hubiera sido una perfecta oportunidad para introducir la música clásica a una nueva generación, y también para definir el papel del conductor en una interpretación sinfónica. Hay una maravillosa escena casi al final de la película donde Bernstein está dando clase, y sus consejos nos permiten un fugaz atisbo a los misterios de la conducción musical. Con más escenas como esa, y menos discusiones con su esposa, Maestro sería una biografía auténticamente integral, asignando igual importancia al hombre y a su obra. Pero, bueno... Cooper tomó un camino distinto, y aunque realizó una recomendable biografía de un hombre excepcional, siento que pudo llegar más lejos como celebración de la música misma. Incluso nos hubiera ayudado a entender mejor la genialidad de Bernstein.
Calificación: 8.5

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Beekeeper: Sentencia de Muerte (The Beekeper)

Síntomas: El apicultor Adam Clay (Jason Statham) quiere vengar la muerte de una amiga, sin saber que los culpables están conectados con más altos niveles de la burocracia norteamericana. O algo así.

Diagnóstico: Parece otra típica película de venganza con Jason Statham, pero Beekeeper: Sentencia de Muerte tiene el valor agregado del director David Ayer (End of Watch, Fury) y el guionista Kurt Wimmer (Equilibrium, Ultraviolet), asegurando una visión artística más sofisticada de la que generalmente encontramos en el cine B. Entonces... ¿por qué Beekeeper: Sentencia de Muerte no me dejó tan satisfecho como otras cintas menores del género "Jason Statham"?
La respuesta, en mi humilde opinión, es que Beekeeper: Sentencia de Muerte complica la trama con dos elementos que no siempre "conectan" armoniosamente.
El primero es la obtusa mitología de una organización secreta conocida como "Los Apicultores", quienes protegen la "colmena humana" (la sociedad) de los peligros que amenazan su estabilidad... o algo así. Es un poco confuso, pero sirve para justificar la destreza sobre-humana del ex-agente Adam Clay (Jason Statham), "apicultor" retirado que ahora pasa su tiempo atendiendo sus panales de abejas. Sí, el apicultor metafórico es ahora apicultor literal. ¡Qué creativo!
El segundo elemento es la denuncia de los más grandes villanos del siglo veintiuno: los defraudadores por Internet. Claramente David Ayer leyó artículos de Wired y The Verge sobre el riesgo que presentan estos criminales, sobre todo entre individuos de cierta edad que no han escuchado términos como "phishing", "ingeniería social", y "ransomware". Es una denuncia indudablemente merecida, pero torpemente implementada porque el guión intenta conectarla con el gobierno, con los "tech bros" de Silicon Valley y, bueno, con cualquier otro villano de moda en los blogs políticos. David Ayer quiere educar al público y entretenerlo al mismo tiempo, lo cual me parece admirable; pero el resultado fue una revoltura de géneros insuficiente en ambos niveles. Aprecio el mensaje, pero no sé si la mejor manera de expresarlo fue entre peleas de Jason Statham.
Por el lado positivo tenemos esas mismas peleas de Jason Statham, tan brutales y creativas como siempre, con el beneficio adicional de estar dirigidas contra villanos repulsivos que representan los peores aspectos de la codicia corporativa y la impunidad política. Y todo eso con el socarrón humor de Statham que nunca se toma completamente en serio.
Entonces, Beekeeper: Sentencia de Muerte es una película indecisa sobre su intención: podría haber sido un thriller "hi-tech" sobre el peligro de los "scammers" en Internet; o una cinta de venganza orgullosa de sus clichés, sin contaminar el placer visceral de la violencia. La combinación de dos estilos tan distintos no fue mala... pero tampoco particularmente recomendable para invertir nuestro tiempo en el cine. Sería mejor esperar su estreno en Netflix, y mientras tanto divertirnos con Homefront, Wrath of Man, o alguna otra cinta del género "Jason Statham" con menos delirios de grandeza.
Calificación: 7

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