Skyfire

Síntomas: Cuando era niña, Meng Li (Hannah Quinlivan) perdió a su madre en la erupción del volcán Tianhuo. Y ahora, veinte años después, Meng y su equipo de geólogos monitorean el comportamiento del volcán para garantizar la seguridad del hotel que construyó el millonario Jack Harris (Jason Isaacs) en las faldas de la montaña. Entonces ocurre algo extraordinario que nadie hubiera imaginado jamás: el volcán hace erupción de nuevo.

Diagnóstico: El año pasado, la cinta coreana Ashfall usó la misma premisa de una erupción volcánica, pero añadió nuevos ingredientes que cambiaron (y mejoraron, en mi humilde opinión) la clásica fórmula del cine de desastres. Y ahora China responde con su propia catástrofe volcánica... pero el director británico Simon West y sus productores asiáticos decidieron seguir la vieja fórmula al pie de la letra, porque cuando alguien invierte tantos millones de yuans en una película, prefiere un producto simple y comercial que no confunda al espectador, y que pueda venderse fácilmente en el mercado internacional. Y, hasta cierto punto, esa conservadora estrategia dio buenos resultados. Skyfire es una cinta entretenida y bien realizada, con algunas notables secuencias de destrucción volcánica, y el más tenue drama humano para mantener nuestro interés en sus personajes prefabricados. Sin embargo el lado negativo es la indiferencia que sentimos por una historia que ya vimos muchas veces, tal vez con distintos detalles, pero definitivamente con el mismo mensaje.
En términos muy generales, Skyfire combina elementos de Tornado y Dante's Peak: por un lado tenemos a la joven geóloga Meng Li (Hannah Quinlivan), obsesionada con los volcanes desde que perdió a su madre en una erupción; y esa misma tragedia la distanció de su padre, no solo en el aspecto familiar, sino profesional. Meng desarrolló un avanzado sistema de monitoreo tridimensional que muestra el estado del magma bajo el volcán Tianhuo; pero su padre no confía en la tecnología, sino en el instinto de un buen geólogo. Por otro lado tenemos al arrogante millonario Jack Harris (Jason Isaacs), quien pensó que sería buena idea construir un "resort" en la falda del volcán, donde los turistas pueden tomar un funicular que los lleva al interior del cráter mismo para contemplar las maravillas de la naturaleza. Y justamente el día en que llegan los inversionistas para revisar el proyecto, ocurre lo que nadie imaginó: Zhengnan Xiao (Shawn Dou) le propone matrimonio a Jiahui Dong (An Bal). Y también explota el volcán.
Esa pareja enamorada representa una de tantas sub-tramas que son obligatorias en este tipo de películas. No mencionaré las demás para conservar un poco de "misterio", pero baste decir que podemos predecir con bastante precisión el destino de cada personaje según su rasgo distintivo (el anciano místico, el "geek" tecnológico, el villano corporativo, etc).
El director Simon West siguió los pasos de Renny Harlin (Skiptrace, Bodies at Rest) y emigró a Asia en busca de nuevas oportunidades laborales; su carrera en Hollywood declinó bastante desde los buenos tiempos de Con Air y Lara Croft: Tomb Raider, pero West definitivamente conserva su talento para dirigir tensas secuencias de acción y manejar titánicos efectos especiales para beneficio de la historia... por plana y superficial que sea (los "outtakes" durante los créditos finales revelan la extensión de los efectos prácticos, y me parecieron impresionantes).
Entonces, Skyfire es una típica película de desastre con máximo impacto sensorial y mínimo peso narrativo; pero aún así la puedo recomendar porque, a fin de cuentas, está bien hecha y cumple su misión de entretener al espectador. En otras palabras: no es necesario re-inventar la rueda para disfrutar el paseo, sobre todo si el paseo es por el cráter de un volcán activo. ¿Qué podría salir mal?
Calificación: 8

IMDb

Batman: Soul of the Dragon

Síntomas: Una organización criminal roba una reliquia mágica del templo donde Bruce Wayne (voz de David Giuntoli) aprendió artes marciales; entonces Wayne y los mejores estudiantes de O-Sensei (voz de James Hong) deciden colaborar para encontrar al culpable antes de que destruya el mundo.

Diagnóstico: La nueva película animada Batman: Soul of the Dragon anuncia sus intenciones desde los créditos iniciales, realizados en el estilo de James Bond, pero con elementos del "kung fu" y el cine "blaxploitation" de los años setentas. Claramente estamos en territorio de "Elseworlds", donde se exploran versiones alternas de los héroes de DC Comics en épocas y situaciones distintas a la continuidad oficial.
Al principio de Batman: Soul of the Dragon vemos el entrenamiento de Bruce Wayne (voz de David Giuntoli) en un templo oculto en las montañas de Asia, donde el venerable O-Sensei (voz de James Hong) solo admite a los estudiantes que considera dignos de sus lecciones. Entre ellos: Shiva (voz de Kelly Hu), Richard Dragon (voz de Mark Dacascos), y Ben Turner (voz de Michael Jai White). Como jóvenes ambiciosos e impulsivos, a veces pelean entre ellos, pero los une la lealtad por el sabio O-Sensei. Varios años después, cuando Bruce Wayne apenas empieza a usar la identidad de Batman, Richard Dragon lo busca para informarle que alguien robó del templo una reliquia mágica. Entonces, con el apoyo de Shiva y Ben Turner, el cuarteto investiga el robo, y descubren algo que podría acarrear el fin del mundo.
Obviamente no hay nada original en el argumento de Batman: Soul of the Dragon, pero ese es exactamente el punto: rendir tributo al cine de acción de los años setentas, sin sacrificar el carácter de los héroes (y villanos) involucrados en esta historia alternativa. Y creo que el director Sam Liu (Superman: Red Son) y el escritor Jeremy Adams (Mortal Kombat Legends: Scorpion's Revenge) hicieron un fantástico trabajo integrando los clichés de aquella época a un dinámico argumento donde la acción es tan divertida como la interacción de los personajes.
Como la voz de Batman/Bruce Wayne, David Giuntoli (13 Hours) no hace un mal trabajo, pero se siente un poco blando junto a los rudos veteranos del "cine B" que prestan sus voces a los demás papeles: Mark Dacascos (John Wick: Chapter 3 - Parabellum) como el super-espía Richard Dragon; Kelly Hu (The Tournament) como la lideresa criminal Lady Shiva; y Michael Jai White (Black Dynamite) como el "vigilante" Ben Turner. La experiencia de estos actores en el cine de acción "real" les ayuda a comprender instintivamente el tono del material y el temperamento de sus personajes, tomándolos en serio, pero con un sutil sentido del humor que hace más accesible el melodrama retro. De hecho, me gustaría ver una película de acción viva con este mismo elenco, con o sin Batman.
El director Sam Liu también toma en serio la acción, cuidando que la coreografía de artes marciales sea clara y represente los distintos estilos de cada personaje. Richard Dragon está basado en Bruce Lee (incluso le dan ese icónico gesto de limpiarse la boca con la mano); Shiva podría ser una combinación de Michelle Yeoh y Angela Mao; y Ben Turner comparte la actitud y apariencia de Jim Kelly y Richard Roundtree. Por su parte, Bruce Wayne se mantiene como personaje secundario para mantener la atención en los estudiantes que quieren vengar a su querido maestro... una clásica premisa del cine "kung fu" que adquiere nueva dimensión en el Universo de DC Comics.
Mi única queja es que el final deja muchas preguntas sin respuesta; pero, bueno, no puedo negar que es bastante "cool", y consistente con el espíritu de las películas a las que Batman: Soul of the Dragon rinde tributo. Además, para eso sirven los "Elseworlds"... para jugar con los mitos clásicos sin preocuparse por las consecuencias. Esa libertad es el mejor alimento de la imaginación.
Calificación: 8

IMDb

PG: Psycho Goreman

Síntomas: La niña Mimi (Nita-Josee Hanna) y su hermano Luke (Owen Myre) descubren una criatura extraterrestre enterrada en el jardín de su casa, y deciden aprovecharla para mejorar sus vidas.

Diagnóstico: Hace un par de años la película Leprechaun Returns me pareció mediocre pero medianamente entretenida como secuela/reboot de una ridícula franquicia noventera. Sin embargo, personalmente fue una decepción porque no mostró rastro alguno del delirante estilo que el director Steve Kostanski había utilizado en sus previas películas, ya fuera como cineasta independiente (The Void), o como miembro del colectivo artístico Astron-6 (Father's Day, Manborg, The Editor). Bueno, pues me complace decir que PG: Psycho Goreman representa un glorioso regreso a la exuberante visión de Kostanski, la cual incluye copioso "gore", humor deliciosamente subversivo, y grotescos efectos prácticos diseñados con gran imaginación. En resumen: exactamente lo que yo esperaba (¡y más!) en una película de este maniático canadiense.
Por el lado negativo, entiendo que esa bizarra fusión de ingredientes no es para todos los gustos. PG: Psycho Goreman podría describirse como un alucinante episodio de Power Rangers con extrema violencia, abundante sangre... y una sincera historia de amor fraternal que pone a prueba la lealtad entre la niña Mimi (Nita-Josee Hanna) y su hermano mayor Luke (Owen Myre). Kostanski se divierte con los excesos visuales de PG: Psycho Goreman, pero sabe que la película solo funciona si existe una conexión emocional con los personajes, lo cual desde luego respeto... aunque también reconozco que la película podría ofender a algunas personas por incluir niños inocentes en esta sangrienta orgía de monstruos extraterrestres. Ni hablar... no se puede complacer a todos.
Sin embargo, quienes acepten el irreverente universo de PG: Psycho Goreman, encontrarán una simpática historia familiar con múltiples niveles dramáticos que añaden complejidad a la batalla entre el bien y el mal... porque, en cierto modo, no hay mucha diferencia entre héroes y villanos.
Mimi es una niña simpática pero ligeramente psicópata, que se divierte atormentando a su hermano Luke con juegos que no tienen sentido, excepto como excusas para golpearlo y humillarlo. Pero Luke, como hermano mayor, tolera a Mimi y le sigue la corriente para vigilar que no se meta en problemas. Por su parte, sus padres Susan (Alexis Kara Hancey) y Greg (Adam Brooks) tienen sus propios problemas maritales, y el descubrimiento de un monstruo en el jardín de su casa solo hace más tensa su situación. Finalmente, el villano extraterrestre Psycho Goreman (interpretado por Matthew Ninaber, con la voz de Steven Vlahos) quiere vengarse de la organización intergaláctica que lo condenó a pasar la eternidad en una pocilga como la Tierra; pero su convivencia con los niños empieza a modificar su actitud, enseñándole a valorar principios y emociones que nunca consideró cuando trataba de destruir el Universo. Clásico "pez fuera del agua" que aprende de los demás, mientras los demás aprenden de él.
Los efectos especiales son excelentes, aunque claramente de origen "artesanal", lo cual significa que no podemos esperar batallas épicas ni destrucción masiva, sino peleas cuerpo a cuerpo que casi siempre terminan con decapitaciones, desmembramientos, o similares atrocidades que no inspiran horror sino risas (al menos, como dije, para quienes disfruten este tipo de entretenimiento). El título de "PG" no solo representa las iniciales de Psycho Goreman, sino que alude a la clasificación del cine familiar (PG = "Parental Guidance"), sugiriendo que Steve Kostanski realizó su versión de una película infantil con un mensaje positivo de cooperación y tolerancia. Simplemente añadió la sangre y violencia que no vemos frecuentemente en este género, y el resultado en una "película para niños" para adultos... o para toda la familia, siempre y cuando los pequeños no se traumen cuando una víctima despedazada diga con su último aliento "Gracias por matarme". Podría provocarles pesadillas, pero es un precio justo para aprender las duras realidades de la vida.
Calificación: 8.5

IMDb

News of the World

Síntomas: Después de la Guerra Civil, el Capitán Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks) viaja por el sur de los Estados Unidos, llevando noticias recientes a las comunidades más aisladas. Entonces encuentra una niña huérfana, y decide ayudarla.

Diagnóstico: No esperaba menos del director Paul Greengrass (United 93). Su nueva película, News of the World, es un western ubicado en 1870, pero incluye situaciones relevantes para el mundo contemporáneo, creando ingeniosos paralelos entre las retrógradas actitudes del siglo diecinueve, y los problemas sociales del siglo veintiuno. Sin embargo, creo que la excesiva ambición del libreto (basado en la novela de Paulette Jiles) le impidió profundizar en estos temas, y nos presenta una versión simplificada del Viejo Oeste con lecciones morales demasiado obvias y pobremente integradas a la historia principal. Afortunadamente esa historia incluye suficiente emoción y suspenso para rescatar la película y unificar su estructura.
El sincero y mesurado estilo de Tom Hanks es perfecto para interpretar al Capitán Kidd, un soldado retirado que participó en la Guerra Civil... pero, a diferencia de muchos ciudadanos del Sur, Kidd no siente resentimiento por el nuevo orden social que trajo consigo la abolición de la esclavitud. Por el contrario, Kidd agradece que la guerra haya terminado, y disfruta su trabajo leyendo noticias a los habitantes de pueblos pequeños donde no llegan los periódicos, o la gente no sabe leer. Entonces encuentra una niña extraviada (Helena Zengel) y la lleva con las autoridades, pero nadie tiene tiempo de encargarse del problema, de modo que Kidd decide llevarla al pueblo donde tal vez viven sus parientes. Y así empieza el largo viaje que transformará a ambos mientras enfrentan grandes peligros y comparten nuevas experiencias.
La estructura de "road movie" sirve para visitar los temas modernos que mencioné al principio. Durante su recorrido, Kidd encuentra violencia contra esclavos recién liberados; pero no solo es cuestión de racismo, sino del miedo que siente el "hombre blanco" por perder sus privilegios, o sentirse reemplazado por individuos que considera "inferiores". Kidd y la niña también visitan una comunidad donde el capitalismo empieza a convertirse en opresión, alimentado por extrema codicia que ignora el bienestar del futuro. Y, desde luego, Kidd sigue ejerciendo su oficio durante el viaje, aunque a veces el público solo quiere escuchar las noticias que confirman sus creencias. En otras palabras, una versión análoga y primitiva de las redes sociales donde las noticias ya no se ajustan a la realidad, sino a las expectativas del usuario, lo cual es un método ideal para perpetuar mentiras y suprimir la verdad.
Esta exploración sociopolítica del Viejo Oeste añade un fascinante contexto cultural a la misión altruista del Capitán Kidd; y si Greengrass hubiera llegado más allá de la superficie, tal vez News of the World sería un clásico del "neo-western" existencial. Pero incluso con su ocasional ligereza me pareció una película entretenida y satisfactoria, gracias a la dirección de Greengrass, al estelar desempeño de Tom Hanks y la niña Helena Zengel, y al apoyo de sólidos actores de carácter en papeles secundarios, incluyendo a Ray McKinnon, Mare Winningham, y la siempre maravillosa Elizabeth Marvel. En conclusión, News of the World es una película recomendable por derecho propio, que además confirma la relevancia del western en el nuevo siglo (ya no tan nuevo), porque la mejor manera de predecir el futuro es examinar el pasado. Los medios y la tecnología avanzan, pero la comunicación a veces se estanca.
Calificación: 8.5

IMDb

A Sun (Yangguang Puzhao)

Síntomas: A lo largo de los años, la familia Chen atraviesa momentos difíciles que transforman su perspectiva del mundo.

Diagnóstico: Creo que necesito redefinir mi concepto de "drama familiar". O tal vez A Sun pertenece a un nuevo género... algo así como una "novela visual" que conjuga múltiples historias en una experiencia globalmente impactante, pero al mismo tiempo satisfactoria en sus componentes individuales. En resumen: un épico relato familiar que puede apreciarse en cada uno de sus detalles gracias a su impresionante visión artística.
A Sun es una película bastante larga (dos horas y media) y un poco lenta, pero nunca se siente aburrida porque el director Mong-Hong Chung nos obliga a sentir cada emoción de los personajes, como si fuéramos miembros de la familia afectados por los mismos problemas y malas decisiones.
Todo empieza cuando el hijo menor, A-ho (Chien-Ho Wu), es arrestado por participar en un delito violento. Su madre, la Sra. Qin (Samantha Shu-Chin Ko) trata de ser tolerante, pero su padre, el Sr. Chen (Yi-Wen Chen) no muestra afecto ni compasión, porque considera a A-Ho como una causa perdida. Por el contrario, el hermano mayor A-Hao (Greg Han Hsu) estudia mucho y tiene un prometedor futuro como doctor... aunque tiene sus propios secretos. Y así, con el paso del tiempo llegan nuevas sorpresas e inesperadas tragedias que podrían destruir a la familia, o fortalecer sus tenues lazos.
A Sun es una producción taiwanesa, pero comparte muchas características con el cine de Corea del Sur, empezando por un tono impersonal que hace el drama más intenso que cualquier exageración hollywoodense. No entiendo exactamente cómo funciona este truco, pero el estilo frío y distante del cine asiático consigue efectos devastadores que parecen inversamente proporcionales a la moderación de las actuaciones, o la sobriedad de la dirección. Supongo que esa es exactamente la magia de "menos es más".
Como sea, los actores aportan profundidad y empatía a sus personajes, enfocándose en las contradicciones típicas en cualquier familia: por muy decepcionados que sientan los padres, nunca pierden el amor por los hijos... aunque en ocasiones se manifiesta en formas inesperadas. Y por mucho rencor que acumule la generación joven, siempre persiste el respeto por la autoridad paterna que moldeó su personalidad (para bien o para mal). El conflicto primario de A Sun se desarrolla entre el padre y el hijo menor, lo cual hace más lucidoras las actuaciones de Chen Yi-Wen y Wu Chien-Ho (respectivamente). Pero tampoco podemos ignorar el trabajo de Samantha Ko y Xu Guang-Han como la madre y hermano mayor, ni de Ivy Yin y Apple Wu como una mujer e hija que se involucran en el drama de la familia Chen y alteran su dinámica para siempre.
Al igual que las actuaciones, la cinematografía de Nagao Nakashima y la dirección de Mong- Hong Chung son tan naturales que se vuelven invisibles. A Sun es una de esas películas que borran todo rastro de artificialidad para convencernos de que estamos en la misma realidad que los personajes. Es raro (al menos para mi) sentir este grado de inmersión, y esa es la mejor recomendación que puedo darle a esta obra maestra taiwanesa (disponible en Netflix). Se siente real... pero afortunadamente no lo es.
Calificación: 9

IMDb

Synchronic

Síntomas: Durante su labor como paramédicos en la ciudad de Nueva Orleans, Steve Denube (Anthony Mackie) y Dennis Dannelly (Jamie Dornan) empiezan a encontrar víctimas de una nueva droga llamada "Synchronic", la cual produce extrañas alucinaciones. Aunque tal vez no son alucinaciones.

Diagnóstico: El dueto de Justin Benson y Aaron Moorhead se encuentra muy arriba en mi lista de "las voces más interesantes en el cine independiente", gracias a películas como Spring y The Endless, ambas difíciles de describir, pero genuinamente virtuosas en concepto y ejecución... dentro de sus modestos recursos, desde luego.
La metodología de Benson y Moorhead consiste en tomar una intensa relación personal (en Spring fue el romance entre dos adolescentes; en The Endless fue el lazo entre dos hermanos), someterla a una situación pesadillesca, y utilizar el drama resultante como marco de profundas reflexiones sobre la naturaleza humana, manteniendo un sano balance entre las esotéricas ideas que desafían nuestra imaginación, y el conflicto emocional que motiva a los personajes. Muy simple, en realidad (sarcasmo).
En Synchronic, la relación que funciona como eje de la historia es la amistad entre Steve (Anthony Mackie) y Dennis (Jamie Dornan), forjada bajo la presión que comparten como paramédicos en la ciudad de Nueva Orleans. Steve y Dennis tienen problemas individuales que tratan de ocultar (o al menos ignorar) para que no interfieran con su trabajo ni empañen su amistad; pero al mismo tiempo se está generando entre ellos una tensión que podría volverse tóxica si no se atiende oportunamente. Entonces empiezan a recibir llamadas para atender sobredosis de "Synchronic", una nueva droga con síntomas muy extraños, y Steve decide investigar su origen.
Tal vez esto suena similar a la reciente película de Netflix Project Power, pero son completamente distintas en fondo y forma. Como ejemplo puedo señalar su respeto por la ciudad de Nueva Orléans... en Project Power la pobreza era un mero adorno visual, mientras que Synchronic integra orgánicamente la dolorosa historia de la ciudad en su tejido narrativo (desde el racismo generacional hasta el huracán Katrina).
Con estos ingredientes Benson y Moorhead construyen un potente misterio que combina elementos de horror, ciencia ficción, y temas lovecraftianos, aunque en una forma totalmente distinta a la que vimos en The Endless. De hecho, encontré Sychronic más alineada a las teorías "mágikas" de Grant Morrison (heredadas a su vez de Timothy Leary y Carlos Castañeda) sobre el uso de sustancias psicodélicas para percibir aspectos del multiverso que nuestros sentidos no alcanzan a captar. Pero, bueno... no quiero revelar los secretos de la película. Además, a pesar de su ambigua estructura, Synchronic no es tan complicada como parece, y se mantiene accesible en todo momento gracias a la estricta lógica interna que gobierna sus exuberantes ideas.
En los papeles principales Anthony Mackie y Jamie Dornan construyen una amistad sincera pero claramente limitada por los traumas personales de Steve y Dennis. Es el tipo de relación donde una conversación abierta solucionaría muchos problemas; pero ambos son demasiado orgullosos para revelar sus secretos, y demasiado respetuosos para meter la nariz en asuntos ajenos. Los acompañan en papeles secundarios Katie Aselton como la esposa de Dennis, Ally Ioannides como su hija adolescente, y Ramiz Monsef como un misterioso criminal que podría saber algo sobre el origen de la droga. Mención especial para Hawking (Hollywood), el simpático perro de Steve que podría ayudar en la investigación a su propia manera (no diré si le pasa algo, porque es un punto importante en la película).
Mi única queja (además de lo que le pasa al perro) (¡Perdón!) es que el libreto de Benson y Moorhead emplea una coincidencia absolutamente inverosímil para resolver el misterio... y creo que ni siquiera era necesaria. Fuera de eso, Synchronic me gustó mucho, y podría recomendarla como uno de los más estimulantes híbridos de horror y ciencia ficción que he visto recientemente, apoyado por buenas actuaciones, tremenda imaginación, y ambiciosas imágenes que cumplen su función dramática, aunque no compiten con los grandes espectáculos de Hollywood.
Hablando de lo cual: me dio mucho gusto enterarme de que Benson y Moorhead fueron reclutados por Marvel para dirigir la serie de televisión Moon Knight. Si les permitan seguir su propia visión, el resultado podría ser fenomenal. Si no, no hay problema... siempre pueden regresar al cine independiente para seguir explorando la conexión entre las maravillas del infinito y los enigmas del subconsciente. De todos modos ganamos.
Calificación: 8.5

IMDb

Outside the Wire

Síntomas: En el año 2036, el Teniente Harp (Damson Idris) pilotea "drones" para apoyar a la resistencia ucraniana contra las tropas invasoras rusas. Entonces Harp desobedece órdenes en un momento crítico, y es transferido al frente de batalla para apoyar al Capitán Leo (Anthony Mackie) en una misión humanitaria. Sin embargo, nada es lo que parece... empezando por el Capitán Leo.

Diagnóstico: Uno de los retos más difíciles de la ciencia ficción es imaginar tecnología avanzada para nuestro tiempo, pero razonablemente consistente con la era del relato en cuestión. En el caso de Outside the Wire, me costó trabajo tragar su propuesta del "soldado del futuro", no solo por los extraordinarios avances (hipotéticos) que sería necesario realizar en los siguientes quince años, sino por los factores sociales y políticos que permitirían una situación como la que nos presenta el director Mikael Håfström (Escape Plan). Pero, bueno... no me afectó demasiado porque la trama no se enfoca en la tecnología, sino en la relación entre el Teniente Harp (Damson Idris) y el Capitán Leo (Anthony Mackie), soldados cuyas opuestas perspectivas de la guerra generan tensión y desconfianza durante una misión que parece benevolente, hasta que se transforma en algo más peligroso.
Esa batalla ideológica entre Harp y Leo aporta un interesante subtexto a la acción de Outside the Wire, pero tampoco resulta particularmente innovadora. Como piloto de "drones", Harp desarrolló una actitud analítica que le ayuda a resolver situaciones de alto riesgo por medio de lógica y sentido común; por su parte, Leo colabora con la resistencia ucraniana, enfrentando las horribles consecuencias del "daño colateral", y adoptando una "moralidad gris" que le permite salvar vidas aunque tenga que aceptar alianzas con individuos detestables.
Este contraste alimenta el débil drama de Outside the Wire e inspira flojas emociones durante las secuencias de acción, bien realizadas por derecho propio, pero demasiado similares a los tiroteos callejeros, infiltraciones en edificios abandonados, y similares clichés del combate urbano que hemos visto en incontables thrillers modernos.
La única variación son los soldados mecánicos (conocidos como "gumps") de las fuerzas norteamericanas y rusas, que intervienen ocasionalmente para incrementar el peligro y recordarnos que, en efecto, estamos en el futuro. Me gustó mucho el diseño de los robots; y aunque no tienen mucha relevancia narrativa, su potencial podría extenderse en futuras secuelas... suponiendo que Outside the Wire tenga mucho éxito, lo cual dudo.
Anthony Mackie adopta con gran intensidad (y demasiada "actitud") la mentalidad de un soldado rebelde que rompe las reglas para obtener resultados. Y aunque Damson Idris interpreta un personaje similar, sus actuaciones son muy distintas, lo cual demuestra el talento de ambos actores y la volátil química que comparten. Definitivamente no es una "buddy movie" donde se odian al principio y se aprecian al final, sino algo más complicado... al menos para los estándares del cine de acción.
Finalmente, la dirección del sueco Mikael Håfström no es mala, pero tampoco muestra una particular visión artística... simplemente un adecuado manejo de recursos para cumplir su trabajo y entregar un producto de razonable calidad que será popular durante unos días en Netflix, y se olvidará cuando llegue el siguiente gran estreno. En resumen: "Meh" de principio a fin... pero a veces eso basta para pasar un buen rato enfrente del televisor, teléfono o tableta. Si ésta es la evolución de los "blockbusters", no tengo mucha objeción; al menos no tuve que salir de casa, y siempre existe la esperanza de que la siguiente semana nos traerá algo realmente bueno. O la siguiente semana. O la siguiente.
Calificación: 7

IMDb

Promising Young Woman

Síntomas: Consumida por una tragedia en su pasado, la joven Cassandra Thomas (Carey Mulligan) persigue y castiga hombres abusivos y depredadores sexuales.

Diagnóstico: Alguien señaló (no recuerdo si fue Bruce Campbell o Stan Lee) que el clásico espíritu de las "B-Movies" infectó a Hollywood con el paso de las décadas, no solo en horror y ciencia ficción, sino en géneros más "respetables" (lo cual significa que recauden mucho dinero o involucran cineastas populares). Por ejemplo, las simplistas películas de vaqueros (Rio Bravo, The Gunfighter) se convirtieron en dramas existenciales como The Unforgiven y The Hateful Eight. Las frívolas aventuras de "hot rods" (Thunder Alley y Speedway) evolucionaron hasta darnos la saga de The Fast and the Furious; y el cine de venganza femenina (I Spit on Your Grave, Thriller: A Cruel Picture) ganó seriedad y conciencia social con cintas como The Girl With the Dragon Tattoo y Thelma & Louise.
Promising Young Woman pertenece a ese movimiento de "cine A" con premisa de B-Movie... aunque la directora Emerald Fennell hizo suya la historia con algunos cambios realmente sorpresivos, y un tono melancólico que no busca el fácil placer de la venganza, sino algo más complicado... ¿tal vez justicia? No estoy seguro. Pero definitivamente hay consecuencias para las terribles acciones de los personajes.
En otras palabras: no hay que esperar un desfile de asesinatos sangrientos donde los hombres abusivos reciben su merecido, sino un lento drama que explora los estragos psicológicos de la violencia sexual, no solo en las víctimas, sino en las personas cercanas a ellas.
En cierto modo esto hizo Promising Young Woman menos satisfactoria de lo que yo esperaba (al menos en el nivel visceral); pero lo compensa con un análisis profundo de la mentalidad que permite estos crímenes, así como el sistema social y legal que hace muy difícil condenar (o incluso acusar) a los culpables. Y si bien Promising Young Woman no es la primera película que maneja estos temas (A Vigilante y The Light of the Moon ofrecen perspectivas igualmente válidas del problema), su devastador nivel de realismo hace irrelevante la comparación con obras similares. Como dije, el punto no es la venganza, sino la denuncia del privilegio y la ignorancia que perpetúa la situación.
La marea de emociones que navega Cassandra contagia a la película entera, de modo que cuesta trabajo definir el tono de Promising Young Woman. A veces se siente como un legítimo thriller; en otras escenas parece una comedia negra; y la primera mitad emula un melodrama "indie" sobre una mujer adulta que aún vive con sus padres porque nunca definió su camino en la vida. Quiero pensar que esta ambigüedad es intencional, para reflejar los múltiples aspectos de la vida que afecta el trauma sexual, y la escasez de recursos para curar esas heridas invisibles.
Entonces llega el tercer acto, y la película cambia por completo... o tal vez solo continúa por la ruta lógica que estuvo ocultando todo este tiempo, gracias al increíble trabajo de Carey Mulligan en el papel de Cassandra, aparentemente firme en su convicción, pero con algunas dudas sobre el resultado de la misión que prácticamente arruinó su vida. Adam Brody, Bo Burnham, Christopher Mintz-Plasse y Chris Lowe interpretan hombres que Cassandra encuentra en su vida, algunos como aliados y otros como enemigos. Alison Brie y Alfred Molina son figuras del pasado con distintos grados de complicidad. Y Clancy Brown y Jennifer Coolidge son los padres comprensivos, pero un poco impacientes por la falta de iniciativa de su hija. Si solo supieran...
Entonces, yo esperaba una típica cinta de venganza femenina, y lo que encontré fue una ambiciosa reflexión que confunde nuestras expectativas (al menos las mías), y evita el camino fácil de la catarsis para ofrecer algo más memorable y sustancial. Definitivamente recomendaría Promising Young Woman... pero no es una experiencia fácil de asimilar. Lo cual, pensándolo bien, quizás sea la única forma posible de expresar algo relevante sobre este tema.
Calificación: 8.5

IMDb

Another Round (Druk)

Síntomas: El profesor Martin (Mads Mikkelsen) está cansado de su trabajo, de su vida familiar, y de la apatía de sus estudiantes. Entonces, en colaboración con otros profesores, empieza a tomar alcohol durante el día para ver si mejora su desempeño social y profesional.

Diagnóstico: Another Round empieza como un sobrio (ja, ja) estudio de carácter sobre un hombre que atraviesa una devastadora crisis existencial; pero gradualmente se transforma en algo más optimista... una celebración de la perspectiva que brindan los años, y un sincero homenaje al potencial de la edad madura para seguir descubriendo cosas nuevas, cuando parecía que ya no había más sorpresas.
O también podría ser un inusual manifiesto a favor del alcoholismo. Pero me inclino más por lo primero.
Antes que nada, hay que tomar en cuenta la cultura donde se ubica Another Round. Aparentemente la sociedad de Dinamarca es más abierta al uso de alcohol; pero al mismo tiempo la población tiende a ser más responsable en su consumo... con algunas excepciones. Los jóvenes alumnos del profesor Martin tienen intensas borracheras durante los fines de semana, y por eso no pueden poner atención en sus clases de historia. Al mismo tiempo, Martin perdió el entusiasmo por enseñar, y ya no sabe "enganchar" a sus estudiantes, lo cual crea un círculo vicioso de indiferencia y depresión.
Entonces, durante una reunión de maestros, alguien menciona una teoría sobre los beneficios del alcohol en la elocuencia y confianza de las personas, y propone un experimento: Martin y otros tres profesores mantendrán un nivel de alcohol en la sangre continuo de 0.05%, para ver cómo altera su desempeño en la escuela.
No diré cuáles son los resultados del experimento, pero baste saber que cambian la vida de Martin y sus amigos, a veces de manera positiva y a veces negativa. Al mismo tiempo, la percepción del protagonista se agudiza (¿o será simple paranoia?) y puede reconocer por primera vez la crisis que tiene en su propia casa, con una familia que perdió interés en Martin por la misma razón que perdió a sus alumnos.
Another Round suena como una historia deprimente, pero la maravillosa dirección de Thomas Vinterberg (It's All About Love) mantiene un sutil sentido del humor que se manifiesta en los detalles de las actuaciones. Sin embargo, el mejor elemento de la película (y razón suficiente para recomendarla) es la actuación de Mads Mikkelsen (Polar), mostrando la asombrosa transformación de Martin conforme avanza su arriesgado experimento. Las sub-tramas de los demás profesores también son interesantes, y van de lo gracioso a lo trágico; pero Mikkelsen se apropia de la película y nos comparte la complicada gama de emociones que atraviesa en su nuevo despertar a la vida... lo cual tampoco es garantía de felicidad. Y, bueno, ¿qué puedo decir de ese final al mismo tiempo amargo y jubiloso que revela una sorprendente faceta de Mikkelsen que jamás había visto? Sospecho que los fans de la serie Hannibal quedarán particularmente boquiabiertos.
En fin... regresando al mensaje de Another Round, es posible que algunas personas la interpreten como una irresponsable apología del alcoholismo, pero creo que su auténtica misión es señalar que no existen soluciones mágicas para los grandes problemas de la vida, y que el primer paso para levantarse es reconocer que nos caímos. Y, bueno, al menos estar suficientemente sobrios para lograrlo.
Calificación: 9

IMDb

Parallel

Síntomas: Cuatro programadores descubren un portal a otras dimensiones... y lo usan para terminar más rápido su "app".

Diagnóstico: Bueno, estoy simplificando demasiado la trama de Parallel con esa sinopsis, pero quiero enfatizar las extrañas decisiones que tomó el director Isaac Azban con una increíble premisa que no cumple su enorme potencial.
Las películas que realizó Azban en México me gustaron bastante (El Incidente, del 2014, y Los Parecidos, del 2015), y me alegra que haya logrado incursionar en el mercado norteamericano con Parallel, su primer largometraje en inglés (aunque tardó dos años en llegar a servicios de streaming). Sin embargo, sospecho que fue a costa de ciertas condiciones que le hicieron comprometer su visión al tratar de crear un producto más comercial y menos "experimental".
Traducción: personajes "cool" con problemas fáciles de asimilar para el público joven, pero a fin de cuentas incompatibles con el fascinante concepto central. Parallel comienza con un perfecto prólogo que promete un misterio muy interesante, y prepara el terreno para algo más creativo e inteligente. Y el primer acto es bastante bueno, estableciendo la dinámica de los personajes mientras llega el gran descubrimiento del portal que conduce a dimensiones paralelas similares a la nuestra, pero con pequeñas diferencias que los jóvenes tratan de aprovechar para su beneficio personal.
Y ahí es donde Parallel (no confundir con Parallels, del 2015) empieza a descarrilarse... pero no por completo, lo cual hizo la experiencia más frustrante, al menos para mi. Una y otra vez encontramos tremendas ideas que se desperdician en trivialidades, ignorando alternativas más audaces que podrían haber hecho a Parallel una cinta de ciencia ficción "seria", en el estilo de Primer (con la cual comparte muchas similitudes) o Coherence. O también hubiera podido adoptar un tono más excéntrico y gracioso, como Rick & Morty, o aquel episodio de Futurama donde el portal era una caja que contenía múltiples universos ("The Farnsworth Parabox", cuarta temporada, episodio 10).
Creo que también hubiera ayudado ofrecer más explicaciones sobre las propiedades del portal y la mecánica del viaje trans-dimensional. Eventualmente podemos seguir los eventos de la película, pero sentí un poco de confusión durante los primeros experimentos de los jóvenes. Y no fue el tipo de confusión que alimenta la curiosidad en una buena historia de ciencia ficción, sino la confusión de un libreto difuso y apresurado.
Sin embargo, como dije, hay tantas cosas buenas en Parallel que merece una recomendación a pesar de sus ocasionales incongruencias.
Azban emplea un distintivo estilo visual para separar los eventos que ocurren en las dimensiones alternas, lo cual se vuelve importante conforme crece la ambición de los jóvenes y se borran las líneas entre realidades adyacentes. Y aunque Parallel no depende de efectos especiales, incluye memorables imágenes con un buen balance de ingenio práctico y trabajo digital.
Las actuaciones de Martin Wallström, Georgia King, Mark O'Brien y Aml Ameen son generalmente buenas, mostrando la evolución de los personajes por medio de los principios morales que a veces detienen y a veces aceleran el abuso de la peligrosa tecnología (¿o será magia?) que descubrieron. En particular aprecié una "tragedia del pasado" que forma parte integral del drama, en vez de ser el perezoso truco para añadir motivación que hemos visto en incontables cintas inferiores.
Definitivamente hay gran talento detrás de Parallel, así como una sólida premisa con tremendo potencial; pero siento que la ejecución se simplificó demasiado para lograr un producto más comercial. O tal vez esa fue la intención del director: mostrar el contraste entre las extraordinarias posibilidades del multiverso, y los pueriles caprichos de nuestra vida cotidiana. Como sea, siento que Parallel pudo llegar más lejos en todos los sentidos; pero incluso en su forma diluida es una experiencia recomendable que nos invita a reflexionar sobre decisiones, consecuencias... y el "Efecto Mandela".
Calificación: 7.5

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