Historias de Miedo Para Contar en la Oscuridad (Scary Stories to Tell in the Dark)

Síntomas: Después de visitar una casa embrujada en Halloween, varios adolescentes encuentran situaciones terroríficas que podrían estar relacionadas con una leyenda local.

Diagnóstico: El director noruego André Øvredal ganó merecida atención internacional con Troll Hunter (2010); posteriormente hizo su debut en los Estados Unidos con la excelente cinta independiente The Autopsy of Jane Doe (2016); y ahora entra a las "grandes ligas" con Historias de Miedo Para Contar en la Oscuridad, bajo los auspicios del productor Guillermo del Toro (¡nada menos!), y con un respetable presupuesto que le permitió crear fantásticas imágenes y grotescas criaturas inspiradas por los libros del autor Alvin Schwartz. Desafortunadamente, la estructura semi-antológica de la película y los problemas comunes de las adaptaciones literarias le restan impacto al producto final, convirtiéndolo en una curiosidad bien hecha, pero muy distante de lo que yo esperaba en una colaboración de estos distinguidos cineastas.
Creo que el problema principal radica en un libreto (co-escrito por Del Toro) que intenta integrar varios relatos cortos en una narrativa global arbitraria y desconectada. Entonces, para compensar ese titubeante desarrollo, Øvredal nos distrae con imaginativas criaturas y violencia "PG-13" libre de suspenso y resonancia emocional, pero con suficiente atmósfera para convencer al espectador de que, en efecto, estamos viendo una legítima película de terror, y no un episodio de Goosebumps o Are You Afraid of the Dark?
Lo cual significa que, como yo temía, estamos en territorio "Young Adult", esa popular categoría de libros (y películas) orientadas a niños y adolescentes con poca experiencia en el género fantástico, y por lo tanto tolerantes a los clichés y fórmulas dramáticas que ningún escritor "serio" se atrevería a utilizar.
Mis disculpas si esto suena excesivamente "snob". Les aseguro que no es mi intención menospreciar el exitoso nicho "Young Adult", sino explicar por qué me cuesta trabajo entusiasmarme con los mismos personajes prefabricados y explicaciones "mágicas" que casi siempre se utilizan en vez de lógica o ingenio narrativo.
Sin embargo, como dije al principio, Historias de Miedo Para Contar en la Oscuridad tiene mucho que ofrecer en el plano visual, con sorprendentes efectos especiales (cortesía del estudio Spectral Motion), vistoso diseño de producción, y un período histórico (fines de los años sesentas) que inspira algunos comentarios sobre los problemas sociopolíticos de aquella época, desde Vietnam hasta el racismo abierto que empañaba la ilusión del Sueño Americano.
Los actores apenas dejan su marca como engranes en la insípida maquinaria modular de Historias de Miedo Para Contar en la Oscuridad, pero en general hacen un trabajo decente. Zoe Margaret Colletti en el papel de Stella Nicholls es la única con personalidad bien definida, y sirve como adecuada líder de los jóvenes que enfrentan los horrores de... lo que sea que encuentran en la casa embrujada. La película está obviamente diseñada como primer capítulo de una franquicia, y Colletti posee talento y presencia para continuar la evolución de Stella. Sus aliados y enemigos pueden ser intercambiables.
A fin de cuentas André Øvredal es un sólido director con buenos instintos para combinar horror y melodrama; gracias a eso Historias de Miedo Para Contar en la Oscuridad resulta razonablemente entretenida para el público adulto, y recomendable como "rito de iniciación" para niños y jóvenes interesados en el cine de terror. Por algo se empieza.
Calificación: 7.5

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The Night Sitter

Síntomas: El investigador paranormal Ted Hooper (Joe Walz) contrata a la joven Amber (Elyse Dufour) como niñera durante una noche. Pero Amber tiene un secreto que pondrá a todos en peligro.

Diagnóstico: ¡Las niñeras están oficialmente de regreso! Claro, podríamos decir que este venerable arquetipo nunca abandonó el cine de terror (algunos ejemplos memorables: When a Stranger Calls, The House of the Devil y la original Halloween). Pero tan solo en los últimos cinco años hemos visto múltiples y muy variadas propuestas de la niñera como figura central de historias tenebrosas, incluyendo versiones donde es la víctima inocente (Better Watch Out), la villana desequilibrada (Emelie), y hasta la "anti-heroína" de ambigua moralidad (The Babysitter). Y ahora, The Night Sitter ofrece un "twist" relativamente nuevo sobre la vieja fórmula, con un resultado imperfecto pero divertido, y con notable estilo visual que rinde tributo al pasado de este sub-sub-género, al mismo tiempo que establece sólidas bases para un alentador futuro.
Basta de palabrería. The Night Sitter nos presenta un interesante misterio con múltiples vectores dramáticos y válidas excusas para desatar el horror sobre sus ingenuos (pero no inocentes) personajes. La joven Amber (Elyse Dufour) llega a la enorme casa del investigador paranormal Ted Hooper (Joe Walz), donde cuidará a los niños Kevin (Jack Champion) y Ronnie (Bailey Campbell). La única regla es no entrar al estudio personal de Ted, donde guarda reliquias con (supuestos) poderes ocultos. Y, naturalmente, nadie hace caso. Los niños quieren ver los objetos malignos por simple curiosidad; y Amber tiene motivos... menos honorables. Entonces las cosas se complican, y al poco tiempo todos están luchando por sobrevivir.
La primera mitad de The Night Sitter me estaba gustando mucho. En el papel de Amber, Elyse Dufour expresa las múltiples facetas de una niñera cuya cálida actitud oculta un carácter cínico y egoísta. Su intención primaria no es cuidar niños... pero necesita simularlo para ganar la confianza del cliente, lo cual provoca algunas situaciones humorísticas y tensos momentos que lucen el excelente desempeño de la actriz.
Por su parte, Jack Champion y Bailey Campbell como Kevin y Ronnie (respectivamente), capturan una divertida dinámica de contrastantes personalidades. Kevin es melancólico y callado por la reciente pérdida de su madre; y Ronnie solo quiere divertirse y sacar provecho de la situación (lo cual incluye "seducir" a la niñera).
Además, como mencioné al principio, los directores Abiel Bruhn y John Rocco adoptan un estilo visual muy atractivo, combinando sombras y luces de colores que evocan la apariencia de los "giallos" italianos, o el cine fantástico de Hong Kong en los noventas. Incluso cuando la trama empieza a flaquear, las imágenes capturan nuestra imaginación y mantienen una atmósfera de pesadilla despierta que casi redime la película.
Lo cual nos lleva a los puntos negativos de The Night Sitter. La segunda mitad pierde energía con alarmante rapidez, y nunca encuentra el ritmo apropiado para aprovechar sus elementos sobrenaturales. La historia se parece mucho a la reciente Annabelle Comes Home (¡otra cinta con niñeras en peligro!), donde los objetos malditos de una colección secreta desatan terroríficos fenómenos... pero el desarrollo de The Night Sitter se siente apático y difuso. Los directores no logran crear suspenso ni inspirar horror, y dejan que la película deambule sin rumbo durante cuarenta y cinco minutos con ocasionales sobresaltos, efectos digitales de mediana calidad, y "gore" abundante, pero libre de impacto visceral. Las cosas simplemente... pasan. Algunos personajes mueren; otros viven... y ninguno me importó en lo más mínimo (con la excepción del perrito Finley, pero eso ocurre casi al principio y fuera de cámara).
El resultado es una decepcionante película con buenas ideas y notables valores técnicos, pero pobre ejecución. Aún así merece una recomendación para estudiosos del horror "indie" cansados de producciones amateur sin el menor rastro de ambición creativa. The Night Sitter es un radiante "performance" visual que podemos disfrutar en su nivel más superficial, y quizás tolerar en el nivel dramático por la calidad de las actuaciones. Solo faltó una visión más concreta para capturar el horror de la situación, y no solo el decorado de interiores.
Calificación: 7

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15 Minutes of War (L'Intervention)

Síntomas: En 1976, cuatro terroristas secuestran un camión escolar lleno de niños como protesta por la ocupación francesa de Djiboutin, en África. Entonces, el gobierno francés envía una unidad especial para rescatar a los rehenes. Y la maestra de los niños decide también ayudar por su cuenta.

Diagnóstico: Seguramente las facciones afectadas por los eventos que dramatiza 15 Minutes of War tendrán opiniones muy distintas sobre la fidelidad e intención de la película... pero yo la vi como un simple thriller con deliciosa atmósfera "retro" que realmente nos transporta al período donde ocurrieron estos eventos. Bajo ese criterio, 15 Minutes of War me pareció una excelente película, muy bien dirigida, y con un perfecto balance entre intriga internacional y los aspectos prácticos de un rescate imposible... o al menos muy difícil de realizar sin convertirlo en una horrible masacre.
El contexto histórico de 15 Minutes of War inspira algunas meditaciones sobre el colonialismo europeo y la manipulación de corrientes ideológicas que a veces contradicen los intereses de las mismas personas que las defienden. Pero, como dije, no es necesario profundizar en lecciones cívicas para apreciar la tremenda tensión del argumento, así como las complicadas decisiones del gobierno francés y de los revolucionarios que exigían la independencia a Djiboutin, la última colonia francesa en África.
Y todo comienza con el secuestro de un autobús escolar lleno de niños (casi todos franceses) en la frontera con Somalia, dentro de la zona neutral donde el gobierno francés no puede intervenir sin cometer un "acto de guerra". La famosa Legión Extranjera establece una base de operaciones para controlar la situación, pero están atados de manos por los políticos que prefieren resolver el asunto por medios diplomáticos. Al mismo tiempo, un equipo especial de asalto se prepara para actuar en caso de violencia... pero nadie quiere llegar hasta ese extremo, no solo por la seguridad de los rehenes, sino por las repercusiones mediáticas de una tragedia accidental.
Ah, y la profesora de los niños, Jane Andersen (Olga Kurylenko) se ofrece voluntariamente para acompañar a sus alumnos y garantizar su bienestar (dentro de lo posible) durante la horrible experiencia.
Olga Kurylenko interpreta a la maestra con férrea determinación que no disimula su temor ante el impredecible comportamiento de sus captores; Kevin Layne es el líder de los terroristas, confiado en su plan, pero dudoso sobre las consecuencias inmediatas; y Sébastien Lalanne encabeza el escuadrón de excéntricos soldados contratados para realizar un trabajo muy específico, del que dependerá el éxito o fracaso de la misión... si es que los políticos les dan permiso de intervenir. Y así, a lo largo de la película, presenciamos la evolución de múltiples estrategias en ambos lados del conflicto, cada quién ajustándose a los movimientos de su antagonista, y buscando el "ángulo" (literal y figurativo) para resolver la crisis con el mínimo derramamiento de sangre. O el máximo impacto político.
Entonces, 15 Minutes of War no es una película de acción, sino una combinación de thriller político y drama personal con más diálogos que balas, y con soldados que pasan más tiempo esperando que peleando. Pero ese tiempo está bien invertido en el desarrollo de los personajes y la exploración de diversas perspectivas sobre una horrible crisis que podría llevar a los "15 minutos de guerra" mencionados en el título de la cinta. Solo diré: la espera vale la pena.
Calificación: 9

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La Vida Secreta de Tus Mascotas 2 (The Secret Life of Pets 2)

Síntomas: Después de su aventura en las calles de Nueva York, los perros Max y Duke (voces de Patton Oswalt y Eric Stonestreet) aprendieron a ser amigos; pero unos años después encuentran un reto mayor cuando su dueña, Katie (voz de Ellie Kemper) tiene un hijo.

Diagnóstico: En el 2016, la película The Secret Life of Pets no me gustó tanto por su argumento, sino por el acertado diseño de los personajes, las vivaces actuaciones, y la simpática interacción de múltiples animales (perros principalmente, lo cual se alinea muy bien con mis gustos personales) ligeramente "humanizados", aunque conservando las características que definen a sus respectivas especies (como la arrogancia de los gatos, o el nerviosismo de los pájaros). Y ahora en la secuela, La Vida Secreta de Tus Mascotas 2, los directores Chris Renaud y Jonathan del Val conservan algunos atributos de la cinta original, pero cometen el error de dividir al equipo, enviándolos en "misiones" separadas que reducen esa chispeante dinámica, y diluyen el impacto de sus respectivas aventuras. Pero aún así encontré suficientes momentos graciosos para salvar la experiencia, por no mencionar el excelente trabajo de los actores de voz, y la precisa recreación de actitudes y movimientos de los personajes cuadrúpedos (y uno que otro bípedo).
En la historia principal, Max (voz de Patton Oswalt, reemplazando a Louis CK por... razones incómodas) y su amigo Duke (voz de Eric Stonestreet, superando exitosamente el cambio de "pareja") encuentran nuevos retos cuando su dueña Katie (voz de Ellie Kemper) se casa y tiene un hijo, lo cual provoca una crisis nerviosa en Max (aunque no por las razones que podríamos imaginar). Entonces, Katie los lleva de vacaciones a una granja, y conocen a un perro ovejero llamado Rooster (voz de Harrison Ford), quien impartirá algunas valiosas lecciones a los mimados perros citadinos. No es una historia particularmente compleja ni relevante, pero se lleva el premio tan solo por la participación de Harrison Ford, cuya rugosa voz expresa toda la experiencia de un perro maduro que aprendió a poner en orden las prioridades de su vida.
Cuando Max se va de vacaciones, le encarga su juguete favorito a Gidget (voz de Jenny Slate), y la perrita acepta gustosa el trabajo porque sigue enamorada de Max... pero pierde casi de inmediato el preciado juguete, lo cual inicia la "Historia B", con la colaboración de la gata Chloe (voz de Lake Bell), quien deberá a enseñarle a Gidget una nueva manera de pensar para encontrar el objeto extraviado. Esta fue, en mi opinión, la historia más graciosa de la película, aunque es igualmente superficial. Gidget y Chloe forman una excelente "pareja dispareja", y los retos que encuentran durante su aventura subrayan con gran humor las diferencias entre perros y gatos... así como sus similitudes.
La tercera historia sigue al conejo Snowball (voz de Kevin Hart), quien adoptó la "personalidad secreta" de un superhéroe dedicado a ayudar animales en problemas. En esta ocasión, Daisy (voz de Tiffany Haddish) le pide ayuda para liberar a un tigre del circo, propiedad de un cruel entrenador que también necesita una lección. Esta fue la historia que menos me gustó, en parte por ser la más "irreal" (sé que es absurdo buscar realismo en una película como ésta, pero al menos esperaba la misma tenue lógica que soporta las demás historias), y la que requiere proezas más inverosímiles y coincidencias más forzadas para funcionar. Pero, a fin de cuentas, ofrece los obstáculos necesarios para unificar el desenlace de la película, cuando Snowball recluta a todos sus amigos para la arriesgada misión.
En resumen, sentí La Vida Secreta de Tus Mascotas 2 más desconectada y menos entretenida que la original, por culpa de esa estructura modular y por la separación de los personajes durante la mayor parte de la película. Sin embargo, como dije al principio, encontré suficiente energía, chistes visuales, y convicción en las actuaciones para divertirme durante ochenta y seis eficientes minutos (no olviden quedarse hasta el final de los créditos para ver algunos simpáticos videos animales), así que puedo recomendarla para amantes de las mascotas y fans de la animación que apreciarán la fenomenal atención a los detalles mostrada por los artistas del estudio Illumination. No me molestaría ver otra secuela, siempre y cuando no pierdan de vista lo que funcionó en las dos primeras películas. Y ojalá ningún otro actor se vea reemplazado por razones... incómodas.
Calificación: 7

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Apocalipsis Zombie (Redcon-1)

Síntomas: Un escuadrón de soldados intenta rescatar al científico responsable por la epidemia zombie que se extiende por la ciudad de Londres, con la esperanza de que pueda sintetizar un antídoto. Y solo tienen tres días para encontrarlo antes de que el gobierno "limpie" la ciudad con armas nucleares.

Diagnóstico: Apocalipsis Zombie es una película tan genérica como su título... un pastiche de escenas, conceptos y personajes que conocemos de memoria, filmados con adecuado estilo visual, pero sin sustancia ni suspenso. En resumen: es como una película de The Asylum con un presupuesto cien veces mayor al que acostumbran invertir.
Aclaro: Apocalipsis Zombie no es un "mockbuster" de The Asylum, sino una ambiciosa película filmada en Escocia e Inglaterra, y con suficiente dinero para crear un "apocalipsis" razonablemente realista, incluyendo cientos de zombies, genuino equipo militar (desde uniformes hasta tanques), y efectos digitales para completar la ilusión de devastación urbana. El director Chee Keong Cheung tiene buen ojo para la acción y el "gore", regodeándose en la violencia de aparatosas confrontaciones donde la sangre fluye libremente, y los "soldados" pueden lucir su talento para el combate cuerpo a cuerpo y las artes marciales.
Por el lado negativo... todo lo demás. Las actuaciones son exageradas y monótonas; los personajes hablan a gritos, y solo podemos identificarlos por sus rasgos principales: el rudo, el rebelde, la mujer, etc. Los actores toman en serio sus papeles, y gritan sus diálogos con genuina convicción... pero no hay nada que expresar. Y tampoco ayuda un "libreto" obtuso y predecible, con "twists" cada vez más absurdos, y drama prefabricado en un desesperado intento por inspirar emoción (ejemplo: el líder de los soldados perdió a su hija en la epidemia, y luego tiene oportunidad de salvar a una niña abandonada). Para inflar un poco esta crítica y no tener que pensar tanto sobre Apocalipsis Zombie, voy a enumerar algunas películas que copió desvergonzadamente: Resident Evil; 28 Days Later; Pandemic; Escape From New York; Doomsday; REC; Train to Busan; Land of the Dead; Day of the Dead; Dawn of the Dead (original y re-make); Zombieland... y, bueno, la lista podría continuar y continuar.
Sin embargo, como dije al principio, Apocalipsis Zombie tiene buenas escenas de acción, "gore" casi constante, y un rebuscado estilo visual que casi rescata la experiencia. Claro, los filtros de color cansan la vista; las escenas en cámara lenta extienden aún más la película, y la frenética edición hace las peleas confusas, robándoles su tenue valor dramático ¿quién le disparó a quién? ¿cuáles son los buenos y los malos? ¿murió alguien importante? No sé. Y, después de dos horas, ya no me importaba mucho. Solo quería llegar al final, apropiadamente melodramático, y también "prestado" de otra película que no mencionaré (Doomsday).
Considerando el renacimiento creativo del cine zombie que hemos disfrutado en años recientes (gracias a películas como It Stains the Sands Red, The Girl With All the Gifts, y I Am a Hero), es difícil recomendar Apocalipsis Zombie por su tediosa repetición de todos aquellos clichés que terminaron arruinando este prolífico sub-género. Sin embargo, dentro de sus estrechos límites narrativos, la película cumplió su propósito, y hasta podríamos considerarla como un experimento "retro" que rinde tributo a una moda que quizás ya pasó, pero indudablemente dejó su marca en la cultura contemporánea. Aún así... ¿dos horas para contar una historia inexistente? Parece el indulgente capricho de un director enamorado de su propio material. Hasta los payasos de The Asylum sabían cuándo terminar sus películas.
Calificación: 6

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Infierno en la Tormenta (Crawl)

Síntomas: El pequeño pueblo de Brightrock fue evacuado por un huracán, pero Haley Keller (Kaya Scodelario) está preocupada por su padre Dave (Barry Pepper), y decide buscarlo en medio de la tormenta, sin saber que encontrará una amenaza más grande que el clima.

Diagnóstico: Me gustó Infierno en la Tormenta, pero no fue lo que yo esperaba de una película dirigida por Alexander Aja (Haute Tension) y producida por Sam Raimi (The Evil Dead).
O tal vez Infierno en la Tormenta fue exactamente lo que debí esperar, considerando que ambos cineastas se han alejado gradualmente del horror más crudo y visceral que practicaron al principio de sus respectivas carreras.
Como sea, Infierno en la Tormenta es un thriller ágil, tenso y muy entretenido, cuya modesta ambición se ve ampliamente excedida por la energía de la dirección, los notables efectos visuales, y la inquebrantable actuación de Kaya Scodelario, quien debe haber sufrido durante la filmación tanto como el personaje que interpreta.
La trama no podría ser más simple: Haley Keller busca a su padre durante un huracán de Categoría 5, y finalmente lo encuentra herido en el sótano inundado de su casa; pero un enorme cocodrilo impide el escape de padre e hija. Y ese es tan solo el comienzo de sus problemas.
El libreto de Michael y Shawn Rasmussen (The Ward) sigue puntillosamente la fórmula de "hombre contra bestia" (o "mujer contra bestia"), exagerando lo necesario para elevar el suspenso, pero sin pisotear por completo el realismo de la situación. Claro, los personajes toman malas decisiones de vez en cuando, y el fotogénico cocodrilo siempre encuentra el momento oportuno para darnos un sobresalto; pero la trama se desarrolla lógicamente, con obstáculos creíbles y soluciones congruentes con el perfil de los personajes.
Hablando de lo cual, la amenaza del reptil también sirve como excusa para explorar la relación entre Haley y su padre. Aquí es donde aparecen los inevitables clichés del conflicto familiar... un divorcio, rencores del pasado, y similares "secretos" que afloran en momentos de crisis para inspirar reflexiones sobre lo que realmente importa en la vida. Por ejemplo, evitar que el cocodrilo los devore. Pero también reconocer que los padres nunca son tan perfectos como parecían cuando éramos niños. O algo así.
Regresando a "lo bueno", me gustó el balance entre efectos animatrónicos y criaturas digitales. Y tampoco puedo olvidar el espectacular trabajo realizado por el estudio Rodeo FX para recrear un huracán, con toda la devastación que ello implica. La primera mitad de Infierno en la Tormenta es un poco lenta, apretando las tuercas del suspenso; pero afortunadamente Aja guarda lo mejor para el final, y no nos deja descansar hasta el cuadro final. Por cierto, no voy a revelar el destino del perrito "Sugar", porque participa en algunas de las escenas más emocionantes de la película.
Si tuviera alguna queja sobre Infierno en la Tormenta es que, a pesar de sus considerables aciertos, nunca alcanza la inefable "magia" que podría elevarla a nivel clásico. Creo que es una buena película en todos los aspectos... pero nada sobresale lo suficiente para volverse auténticamente memorable.
Aún así Infierno en la Tormenta merece una recomendación, y me atrevería a decir que será mejor recibida por el público casual que no conoce el ilustre historial de Alexander Aja y Sam Raimi. Sin duda hay violencia, y al menos una escena que me dejó boquiabierto, pero definitivamente no es una cinta "gore"... simplemente un sólido thriller que se puede disfrutar en un cine con buen sonido (¿mencioné la ruidosa recreación del huracán?), o en la comodidad del hogar cuando llegue a Netflix o VoD, donde no perderá su impacto. Y ahora, solo falta esperar a que John Carpenter y Pascal Laugier colaboren en una película navideña de Hallmark.
Calificación: 8.5

IMDb

Furie (Hai Phuong)

Síntomas: Hai Phuong (Veronica Ngo) dejo atrás su pasado criminal en la gran ciudad, y se mudó a un pequeño pueblo pesquero para criar a su hija Mai (Cat Vy). Pero cuando la niña es secuestrada, Hai debe recurrir a sus antiguos contactos en Saigón para encontrarla.

Diagnóstico: En los noventas, el cine de acción asiático se producía principalmente en Hong Kong, y tuvo suficiente influencia para inspirar el desarrollo de nuevas industrias cinematográficas en países como Corea del Sur e Indonesia, cuyas películas se convirtieron en el nuevo estándar de la región, y hasta ganaron reconocimiento internacional (en varios géneros además de la acción). Y ahora me complace descubrir que Vietnam se suma al movimiento con la sobresaliente cinta Furie, la cual transforma una antigua premisa en moderno entretenimiento de alto impacto con amplias dosis de violencia y estilo visual.
Sí, Furie utiliza el rancio concepto de "hija secuestrada" para detonar la acción, pero se siente distinta gracias al "sabor" cultural de la película, a la intensidad de la dirección, y al talento de Veronica Ngo, cuyo carisma y desempeño físico es comparable al de las grandes estrellas de las artes marciales. Espero sinceramente que el futuro le depare una brillante carrera, así como el inevitable "tour" por Hollywood (de hecho ya tuvo un pequeño papel en The Last Jedi).
Furie es la primera película vietnamita que he visto (creo), y aunque comparte algunos elementos del cine tradicional asiático (obviamente), tiene una identidad propia que el director Le-Van Kiet aprovecha para enriquecer la historia. El recorrido que comienza en el apacible pueblo pesquero y termina en las saturadas calles de Saigón refleja los contrastes de un país en transición, donde el choque de modernismo y tradición crean un caótico entorno que abruma los sentidos y hace más difícil la desesperada búsqueda de la protagonista.
El estilo visual de Furie es atractivo y elegante, pero sin volverse artificial. La cinematografía explota las variadas locaciones, y el diseño de producción expresa la energía de una ciudad viviente, donde cualquier esquina puede ocultar la muerte... o un adorable restaurante casero.
Y si bien las persecuciones y peleas de Furie no son tan espectaculares como en otras películas, el director compensa sus limitaciones con abundante creatividad, sincronizando las contundentes rutinas de los actores con fluidos movimientos de cámara que prácticamente nos vuelven parte de la acción. Es una fantástica combinación de expresión artística y destreza técnica que debería servir como ejemplo para los perezosos cineastas norteamericanos que siguen recurriendo a la odiosa "shaky cam" para hacer las peleas más "cool" (traducción: confusas).
Pero, más allá de sus atributos técnicos y visuales, Furie se distingue por lograr lo que ninguna de las películas occidentales de Liam Neeson (y similares) consiguen: contagiarnos la angustia de la madre que busca a su hija, e inspirar genuina preocupación por su destino final. Veronica Ngo expresa sin palabras la fuerza interna de Hai Phuong, pero no es invulnerable a los riesgos de su desesperada misión.
Entonces, la trama de Furie sugiere comparaciones con Taken y sus imitadores, pero sería más apropiado ubicarla en un nicho cercano a modernas joyas de acción como John Wick y Atomic Blonde, donde la violencia se transforma en arte, y la venganza en derecho divino. O cursilerías similares. Como sea, Furie fue una gran adquisición de Netflix para ponerla al alcance de fans del género que sabrán apreciar sus virtudes y disculpar sus fallas.
Calificación: 8.5

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Coyote Lake

Síntomas: Ester (Camila Mendes) y su madre Teresa (Adriana Barraza) viven en una región de la frontera mexicana-americana infestada de narcotraficantes y "coyotes" humanos. Entonces reciben visitas indeseables, y tienen que hacer lo necesario para defenderse.

Diagnóstico: Con esa descripción pensé que Coyote Lake sería un thriller de "invasión doméstica", pero lo que encontré fue un sobrio drama familiar con profundas reflexiones sobre moralidad y supervivencia en un entorno hostil, donde la violencia se ha vuelto una realidad cotidiana, y la compasión puede ser una trampa mortal.
Claro, para expresar estás ambiciosas ideas, la directora Sara Seligman recurre a fórmulas de telenovela y "twists" ocasionalmente inverosímiles, pero aún así me gustó Coyote Lake por su eficiente manufactura, excelentes actuaciones, y ambigua moralidad que nos invita a cuestionar las decisiones de personajes que no son buenos ni malos, sino el producto de experiencias que no nos gustaría compartir.
En el papel de Ester, Camila Mendes (más conocida por la popular serie Riverdale) ofrece un punto de vista relativamente inocente para compensar la gravedad de su situación. El personaje se mantiene pasivo durante la mayor parte de la película, sometida a la influencia de su madre Teresa, y a las órdenes de los criminales que entran a su hogar con siniestras intenciones; pero eventualmente Ester encuentra la fuerza interna para controlar su destino... el cual no será necesariamente positivo. Por su parte, Adriana Barraza ofrece una fantástica actuación como la madre que sinceramente quiere lo mejor para su hija, aunque eso implique manipular sus emociones y ocultar duras verdades del mundo exterior. Andrés Vélez y Manny Pérez son Paco e Ignacio, los criminales que están huyendo de un negocio que no salió como esperaban; y Neil Sandilands completa el reparto como Dirk, el dócil ayudante de Teresa que tal vez sabe más de lo que aparenta.
Con esos simples ingredientes, Seligman y su diestro equipo técnico cocinan un melodrama lleno de tensión y giros inesperados... así como algunas coincidencias que encontré un poco forzadas. Pero, bueno, lo importante es que todo encaja satisfactoriamente al final, cuando algunos personajes se redimen y otros reciben su merecido... aunque tal vez no como imaginábamos.
Sabía que Coyote Lake no era una película de terror, pero aún así yo esperaba algo más violento y visceral (tal vez en la línea de You're Next, con sabor "Tex-Mex"). Sin embargo, mis expectativas de vieron agradablemente confundidas con un producto más maduro y relevante para la situación en la frontera, aunque sin perder los atributos de "B-Movie" que la hacen dinámica y accesible. En resumen: lo mejor de dos mundos... una historia con mensaje, que no olvida su propósito primordial de entretener.
Finalmente, me gustaría ver a Camila Mendes en una auténtica película de terror, pero después de Coyote Lake creo que puede hacer cualquier cosa. Tal vez sea momento de revisitar Riverdale.
Calificación: 8.5

IMDb

Alcanzando Tu Sueño (Teen Spirit)

Síntomas: La joven Violet Valenski (Elle Fanning) vive en la granja de su madre, y no tiene amigos en la escuela... pero le gusta cantar. Entonces los productores de la competencia musical "Teen Spirit" llegan a su pueblo en busca de candidatos, ofreciendo la oportunidad a Violet para cambiar su vida.

Diagnóstico: El argumento de Alcanzando Tu Sueño no es muy creativo ni original; la música es accesible, pero olvidable; y los retos que enfrentan los personajes siguen la misma fórmula de incontables historias sobre "ascenso a la fama".
Sin embargo, la diferencia está en los detalles... el sabor cultural de la Isla de Wight; la inclusión de un inesperado aliado para sazonar el drama; y una actriz con genuino talento musical, que no teme mostrar su "lado malo" para ilustrar la evolución artística de Violet, así como las enseñanzas de su irascible tutor.
Habiendo dicho todo eso... creo que los "detalles" positivos no bastaron para rescatar una película plana y desangelada que nunca consigue transmitir el entusiasmo sugerido por su título original (Teen Spirit), ni logra atraparnos en los altibajos emocionales de la protagonista. Imagino que quisieron hacer A Star is Born con adolescentes, pero el resultado apenas alcanza el impacto de una "película de la semana" del canal Lifetime. O quizás Nickelodeon sería una comparación más apropiada. Como sea, el punto es que Alcanzando Tu Sueño se siente como una oportunidad desperdiciada, especialmente en un género tan compatible con la obsesión de fama instantánea que infesta la cultura contemporánea.
Tal vez el problema fue la ambición artística del director primerizo Max Minghella (más conocido como actor en películas como Into the Forest, Not Safe For Work y The Social Network), lo cual no es necesariamente malo. Y, a decir verdad, Alcanzando Tu Sueño tiene un estilo visual bastante interesante, con astuta edición y excelente cinematografía para contrastar las diferencias entre la vida cotidiana de Violet y su súbito ingreso al "show business", donde el talento no es garantía de éxito, y donde las apariencias tienen más importancia que la sustancia. Además, Minghella y su equipo técnico desafían el modesto presupuesto de la cinta para orquestar elaborados números musicales que no solo funcionan como distracciones, sino como eficientes "montajes" que realmente contribuyen al desarrollo de la historia.
El problema es que todos los aspectos de Alcanzando Tu Sueño se sienten... blandos. Inofensivos. Sin la intensidad necesaria para respaldar la transformación de Violet y aprovechar su rebeldía contra las etiquetas sociales (Violet y su madre sufren cierta segregación por ser inmigrantes polacos), o explorar las inseguridades que deberá conquistar para vencer a los demás competidores.
Elle Fanning hace un buen trabajo dentro de estas limitaciones dramáticas; y también me gustó el desempeño de Agnieszka Grochowska como su madre María, cuyas rígidas reglas no buscan reprimir a la muchacha, sino protegerla de las mismas decepciones que ella misma sufrió en su juventud. Pero mi personaje favorito fue Vlad (Zlatko Buric), un anciano alcohólico con un pintoresco pasado que le ayuda a reconocer el talento innato de Violet. Como dije... nada original, pero con ocasionales momentos positivos que solo terminan exacerbando la apatía general de la producción.
En resumen: Alcanzando Tu Sueño tiene buen "look" y adecuada “voz”, pero nunca pasaría a la segunda ronda del concurso. Si sigue estudiando, quizás el próximo año tendrá más suerte.
Calificación: 7 (solo por Elle Fanning y los números musicales)

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Rápidos y Furiosos: Hobbs & Shaw (Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw)

Síntomas: A pesar de su odio mutuo, Luke Hobbs (Dwayne Johnson) y Deckard Shaw (Jason Statham) son reclutados por la CIA para encontrar a Hattie Shaw (Vanessa Kirby), la hermana de Deckard, quien aparentemente robó un arma biológica con inmenso poder destructivo. Pero Hattie sabe que el auténtico culpable es el misterioso mercenario Brixton Lore (Idris Elba).

Diagnóstico: Mitad Fast and the Furious, mitad Mission: Impossible, mitad "pareja dispareja", y mitad comedia bromántica; solo con cuatro mitades puede completarse la ecuación de Hobbs & Shaw, un hueco pero entretenido "spin-off" construido con piezas sobrantes de varias franquicias, hábilmente disfrazadas con mucha "actitud" y aparatosas escenas de acción... lo cual, para ser honestos, era exactamente lo que yo esperaba de esta película. En ella, dos hombres que apenas se toleran deben resolver sus diferencias y colaborar para el bien común, aprendiendo durante el proceso algunas lecciones de vida, y reconociendo al final que no son tan distintos como pensaban, y que tal vez podrían llegar a ser amigos... o algo más.
Es broma. Le dejaré la "slash fiction" a los especialistas de Reddit. Pero, hablando en serio, uno de los mejores ingredientes de Hobbs & Shaw fue la dinámica entre los rudos protagonistas, distintos en la superficie (Shaw conduce un McLaren; Hobbs una desvencijada camioneta Chevrolet), pero similares en su predilección por los insultos y la violencia como herramientas para cumplir su misión. El libreto empieza señalando sus diferencias para hacernos reír, y luego se enfoca en los atributos que comparten para formar un formidable equipo.
Y, para aliviar la monotonía de esa interacción (¿mencioné los insultos?), el guionista Chris Morgan (escritor de cinco de las siete películas de FF) introduce a Hattie Shaw (Vanessa Kirby), tan hábil como su hermano, y tan celosa de su deber como Hobbs. De este modo los conflictos iniciales se transforman en colaboración, y eventualmente revelan al auténtico enemigo: Brixton Lore (Idris Elba).
Como villano, Brixton introduce elementos de ciencia ficción que hasta el momento no se habían utilizado en la saga... pero funcionan razonablemente bien para establecer un antagonista capaz de vencer a Hobbs y Shaw, lo cual era necesario para alcanzar un nivel adecuado de tensión y peligro. Además, si van a utilizar un villano aficionado a los monólogos, al menos eligieron un buen actor que aporta gravedad a sus diatribas sobre "evolución humana" para justificar sus planes genocidas. ¿Cuántas veces han usado esto en Mission: Impossible? ¿O en la saga de James Bond? No importa, porque ninguna de esas películas tenía una motocicleta inteligente a la que solo le falta hablar para ser K.I.T.T.
Hablando de lo cual, no puede faltar en Hobbs & Shaw el fetiche automovilístico que identifica a la saga, incluyendo el clásico viaje por el interior del motor para acentuar momentos de apoteótica superioridad mecánica (¡y no es en el McLaren!). Y también hay oportunidad para revivir los temas de lealtad y familia que tanto repiten en estas películas. Excepto que en esta ocasión la "familia" es literal para ambos personajes... Shaw tratando de balancear la complicada relación con su hermana y su madre (Helen Mirren, en un breve cameo); y Hobbs esforzándose por ser un buen padre para su hija Moan... perdón, Sam (Eliana Su'a). Ninguna de esas sub-tramas resulta particularmente relevante, pero añaden el componente emocional que motiva a los héroes más que cualquier recompensa mercenaria de dinero o poder.
En el aspecto visual, la escala de la acción podrá ser menor (nada como la secuencia de "automóviles vs. submarino" que vimos en The Fate of the Furious), pero eso no le impide al director David Leitch (Deadpool 2) orquestar descabellados "stunts" que ciertamente se ven "cool", aunque desafían toda lógica y leyes de física... incluso para los relajados estándares de esta franquicia. Sin embargo, como dije al principio, eso es lo que el público espera de estas películas, así que no podemos culparla por darnos lo que pedimos. Y a veces un poco más... pero todo está incluido en el boleto. Cuatro mitades por el precio de dos.
Calificación: 8

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