Popstar: Never Stop Never Stopping

Síntomas: Conner Friel (Andy Samberg) y sus mejores amigos, Owen (Jorma Taccone) y Lawrence (Akiva Shaffer), obtuvieron inmensa fama cuando formaron el trío musical Style Boyz, pero las inevitables diferencias creativas separaron al grupo, y ahora Conner trabaja como solista. Su primer álbum lo consagró como una de las más grandes estrellas de la música pop; y seguramente el segundo será aún más exitoso... si es que Conner logra controlar su ego.

Diagnóstico: La primera película semi-oficial del trío cómico The Lonely Island (integrado por Andy Samberg, Jorma Taccone y Akiva Shaffer) fue Hot Rod, del 2007; y aunque me pareció más o menos graciosa, cometió el error de poner la historia por encima de la comedia. Normalmente apoyaría esa actitud, pero el trabajo colectivo de The Lonely Island indica que su talento se expresa mejor en formatos cortos, como las canciones y sketches que realizaban en Saturday Night Live. Afortunadamente Samberg, Taccone y Shaffer aprendieron la lección de Hot Rod, y ahora su nueva película Popstar: Never Stop Never Stopping (me voy a cansar rápido de escribir ese título) explota al máximo el estilo del trío, con abundantes canciones, excéntricos personajes y momentos de genial incongruencia humorística presentados con vertiginoso ritmo y alto nivel de energía mientras satirizan (con más afecto que malicia) el contradictorio mundo de la música popular y las celebridades desechables que obtienen fama y fortuna por un instante, para luego pasar al olvido.
¿Y la historia? Entre menos se diga, mejor... un pastiche de clichés tomados de Behind the Music y similares documentales sobre ascenso al éxito, estrepitoso fracaso y eventual redención. Pero no importa, porque la cinta ofrece risas casi constantes y brillantes parodias de una industria que las necesita urgentemente.
Estructurada como pseudo-documental, Popstar: Never Stop Never Stopping sigue las aventuras de Conner4Real, un artista con buen corazón, pero tan afectado por la fama que ya perdió contacto con el mundo real. Su "entourage" incluye, entre otros, un especialista en cejas, dos cargadores de paraguas (uno para lluvia y otro para sol), un “manipulador de perspectiva” (no pregunten), y un golpeador de testículos (para mantener la humildad). Y así, entre excesos y crisis personales, vemos cómo colapsa lentamente el imperio de Conner4Real, y los esfuerzos de su manager Harry (Tim Meadows) y su publicista Paula (Sarah Silverman) para mantener viva a la gallina de los huevos de oro.
Pero, como dije, lo importante son los videos musicales, los continuos cameos de figuras populares, desde Ringo Starr hasta Mariah Carey (pongan atención al chef de Conner), y los bizarros desvaríos que tan acertadamente maneja The Lonely Island. Es cierto que no todos funcionan, pero el promedio tiende a ser positivo (en mi humilde opinión); y también ayuda mucho la presencia de sólidos comediantes en papeles secundarios. Además de Silverman y Meadows, tenemos a Maya Rudolph, Joan Cusack, Imogen Poots, Chris Redd, Will Arnett, Chelsea Peretti, Eric André, Bill Hader, y muchos más. Popstar: Never Stop Never Stopping es el tipo de película dispuesta a todo para congraciarse con el público, desde una oscura referencia a Tony! Toni! Toné! hasta un elaborado número musical que sexualiza la muerte de Bin Laden. Y la mayor parte sin cobijarse en vulgaridad excesiva. Desde luego hay drogas, groserías, y un par de escenas bastante explícitas, pero son la minoría; cuando hay tantas y tan variadas ideas para la avalancha de chistes, no hace falta aludir constantemente a fluidos corporales ni obscenidades sin justificación. De cualquier modo dudo que sea una cinta apropiada para niños.
Entonces, para fans de The Lonely Island, Popstar: Never Stop Never Stopping ofrece una gran dosis de su característico humor, a veces en forma de costosas secuencias musicales (como el video "Equal Rights"); a veces en la simple interacción de tres amigos durante un momento emotivo; y a veces en la humillación de Justin Timberlake. Aún así creo que prefiero los cortos digitales, donde la variedad de temas y estilos visuales enriquecía la comedia. Habiendo dicho eso, seguiré esperando la película de Laser Cats.
Calificación: 8

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Hunt for the Wilderpeople

Síntomas: El niño maori Ricky Baker (Julian Dennison) ha sido expulsado de muchos hogares adoptivos por su mala actitud y largo historial de infracciones menores. Entonces, para alejarlo de las tentaciones de la ciudad, la trabajadora social encargada de Ricky lo asigna a Bella (Rima Te Wiata) y Hector Faulkner (Sam Neill), una pareja madura que vive en una remota granja. Bella es tolerante y cariñosa, pero Hector no quiere saber nada de Ricky; sin embargo un trágico evento los obligará a cooperar para sobrevivir en los densos bosques de Nueva Zelanda.

Diagnóstico: Me da gusto que el cineasta neozelandés Taika Waititi (responsable por el genial pseudo-documental What We Do in the Shadows) se haya integrado al Universo de Marvel como director de Thor: Ragnarok (ojalá Hollywood no arruine su talento); pero antes de ver lo que puede hacer con un "blockbuster" de esa magnitud, tenemos oportunidad de disfrutar su peculiar "voz" artística en Hunt for the Wilderpeople, otra astuta comedia donde Waititi muestra igual afecto y comprensión por varios excéntricos personajes rechazados por la sociedad, pero aún así repletos de humanidad.
El concepto básico es poco original: un viejito gruñón y un niño rebelde no se soportan, pero eventualmente cambian de actitud y aprenden muchas cosas uno del otro. Suena como típico drama familiar de Hallmark; sin embargo, bajo la dirección de Waititi (también autor del libreto, inspirado en la novela "Wild Pork and Watercress" de Barry Crump) Hunt for the Wilderpeople revela insospechados niveles de ingenio narrativo, humor al mismo tiempo cálido y subversivo, y un elocuente mensaje sobre la importancia de valerse por uno mismo y forjar su propio camino, independientemente de lo que piensen los demás. "Remar en tu propia canoa", como diría Ron Swanson (con quien el personaje de Hector Faulkner tiene bastantes similitudes).
Sam Neill es absolutamente brillante como Hector, un campesino hosco y lacónico que básicamente viviría como salvaje si no fuera por la influencia positiva de su esposa Bella, interpretada por Rima Te Wiata (quien dejó muy buena impresión en la notable Housebound). La edad le sienta muy bien a Neill, a quien no había visto en una producción neo-zelandesa desde la memorable The Piano (1993); sobra decir que su talento está intacto, y que deberían contratarlo más seguido en Hollywood (también lo veremos en Thor: Ragnarok, aparentemente).
El niño Julian Dennison fue un fantástico descubrimiento, igualando a Neill en talento e instinto humorístico, lo cual se manifiesta por igual durante los momentos cómicos y los pasajes dramáticos o melancólicos. En el fondo Hunt for the Wilderpeople es una amable cinta familiar, pero no teme mostrar algunas crueles realidades de la vida, así como la mejor manera de asimilarlas con ayuda de gente que las entiende.
Y, ¿qué decir de los paisajes neo-zelandeses? Creo que desde la trilogía de Lord of the Rings (o quizás desde Xena: Warrior Princess) no había visto los escenarios naturales de Nueva Zelanda retratados con tal afecto y cruda belleza (cortesía del director de fotografía Lachlan Milne). Hablando de lo cual, Hunt for the Wilderpeople incluye algunas instancias de animales muertos (después de todo Hector vive de la cacería). SPOILER: Y también aparecen dos encantadores perritos ("Zag" y "Tupac", interpretados por Finn y Tuss, respectivamente), pero solo uno sobrevive. FIN DEL SPOILER. Es una escena triste (simulada, desde luego) que me amargó un poco la experiencia, pero me pareció totalmente válida para reafirmar la relación entre Hector y Ricky. Sería injusto disuadir a alguien de ver esta excelente cinta tan solo por esa escena.
En resumen, Hunt for the Wilderpeople probablemente estará entre mis películas favoritas del año. El humor varía entre sutileza y ridiculez, con momentos de auténtica genialidad y sátira de los estereotipos neo-zelandeses (los mejores ejemplos son la trabajadora social y el policía); pero por debajo de la comedia yace una fuerte veta emocional que a fin de cuentas es lo que terminaré recordando de esta maravillosa aventura fílmica. En serio, no puedo esperar para ver qué hace Taika Waititi con Thor. O con los hombres lobo de We're Wolves.
Calificación: 9.5

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Pasión por las Letras (Genius)

Síntomas: En la ciudad de Nueva York, al borde de la Gran Depresión de 1929, Maxwell E. Perkins (Colin Firth) se ha convertido en el editor estrella de la Casa Editorial Scribner, y ha trabajado con luminarias literarias como Ernest Hemingway (Dominic West) y F. Scott Fitzgerald (Guy Pearce); pero cuando recibe el primer manuscrito de Thomas Wolfe (Jude Law), Perkins reconoce un raro talento en bruto que necesita refinarse para convertirse en uno de los más exitosos novelistas de su época.

Diagnóstico: Las palabras clave son: "de su época". A pesar de mi gusto por la lectura, debo admitir que nunca había oído del autor Thomas Wolfe (no confundir con el moderno Tom Wolfe, más conocido por vestir siempre de blanco y por haber escrito The Right Stuff, The Bonfire of the Vanities y The Electric Kool-Aid Acid Test). Sin embargo, la película Pasión por las Letras me enseñó que Thomas Wolfe fue un novelista muy famoso en la primera mitad del siglo veinte, y que su obra influyó en escritores de la talla de William Faulkner, Jack Kerouac y Ray Bradbury. Sin embargo, como otras oblicuas biografías, Pasión por las Letras no se enfoca en Wolfe mismo, sino en Maxwell Evarts Perkins, el editor de la Casa Scribner (que aún existe, pero como parte de Simon & Schuster) que reconoció el talento de Wolfe por debajo de su exuberante personalidad y caótico proceso creativo.
Al principio parece extraño dedicar una película a la relación entre Perkins y Wolfe, en vez de utilizar a los más famosos Hemingway y Fitzgerald, quienes aparecen en la cinta como figuras secundarias, aconsejando a Perkins o sirviendo como contraste del excéntrico Wolfe; pero eventualmente me di cuenta de que Pasión por las Letras (al igual que la novela de A. Scott Berg que la inspiró) busca trascender la simple función biográfica para sumergirnos en el arcano proceso de edición, donde un individuo mitad artista y mitad mercadólogo se "atreve" a modificar una obra literaria (en colaboración con el autor, desde luego), con el fin de mejorarla e incrementar sus posibilidades de éxito económico. Es una volátil mezcla de arte y comercio poco comprendida, incluso por los aficionados a la lectura.
Y ahí es donde encontramos el poder de Pasión por las Letras; además de mostrarnos la vida profesional y doméstica de dos individuos unidos por la literatura, presenciamos el fascinante proceso de moldear una novela a través de un incansable "estira y afloja" entre la pasión del artista y la inexorable lógica del editor.
Sí, ya sé... no suena como un tema particularmente dinámico o emocionante; pero para eso están los carismáticos actores que se encargan de enganchar nuestra atención, aportando energía y vitalidad a las secas escenas en polvorientas oficinas y bares de mala muerte (aparentemente el alcohol es parte esencial del proceso de edición). Colin Firth es perfecto como Maxwell Perkins, irónicamente lacónico a pesar de su vasto conocimiento del lenguaje. Pocos actores podrían expresar tanto con un minúsculo giro de ojos o discreta sonrisa. Jude Law interpreta lo opuesto: un genio pomposo y grandilocuente con auténtico talento que su ego es incapaz de controlar. La interacción entre ambos extremos crea drama creíble y escenas sin duda impactantes... siempre y cuando disfrutemos discusiones sobre adjetivos, sintaxis y el balance entre lírica y mensaje. Un similar contraste existe entre sus esposas Louise Perkins (Laura Linney) y Aline Bernstein (Nicole Kidman); Louise brinda balance a la vida personal de Maxwell, mientras que Aline es tan apasionada que llega a sentir celos por el tiempo que Thomas pasa con su editor. Sus actuaciones son igualmente buenas, aunque la sub-trama de Aline me pareció el elemento más prescindible de la película.
Sobra decir que Pasión por las Letras es una película madura y parsimoniosa que podría recomendar para aficionados al drama adulto que no necesariamente atrae un público casual. Las actuaciones bastan para justificar la película, pero lo más interesante para mi fue el análisis del proceso creativo-comercial que convierte un manuscrito en un auténtico libro. Aunque no diré que me dieron ganas de leer la obra de Thomas Wolfe. Demasiado florido para mi gusto.
Calificación: 8

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Kubo y la Búsqueda Samurai (Kubo and the Two Strings)

Síntomas: El niño Kubo (voz de Art Parkinson) vive en una cueva junto al mar, donde cuida a su madre enferma con dinero que gana animando figuras de origami con la magia de su "shamisen" (guitarra de tres cuerdas). Pero cuando Kubo intenta contactar al espíritu de su padre durante el Festival de los Ancestros, desata la ira de varias entidades sobrenaturales que deberá combatir con ayuda de un escarabajo samurái (voz de Matthew McConaughey) y de un mono llamado... Mr. Monkey (voz de Charlize Theron).

Diagnóstico: Fue una revelación descubrir que las dos películas animadas que más me han gustado este año (la otra fue Zootopia) no tienen nada que ver con Pixar. Supongo que era inevitable pues, por un lado, ya no veo tanta películas animadas como antes; y por otro lado, Pixar dejo de ser garantía de calidad excepcional desde hace mucho tiempo (¿en que año se estrenó Cars? Eh, no importa).
Kubo y la Búsqueda Samurái (¿qué demonios significa eso?) fue realizada por el estudio americano Laika, y lo primero que llama la atención es su inusual técnica, combinando la hermosa estética artesanal de las maquetas y stop motion, con la flexibilidad y realismo de la animación digital. Ya habíamos visto algo similar en las previas cintas de este estudio (como Coraline y ParaNorman), pero rara vez con la escala y ambición de Kubo y la Búsqueda Samurái; en serio, después de ver la película busquen el "detrás de las cámaras" (aquí está) para asombrarse con todas las cosas que parecían digitales y resultaron ser prácticas. Y lo mejor es que esta fusión de técnicas no solo resulta notable por las extraordinarias imágenes que produce, sino por su valiosa contribución a la narrativa de la película. En otras palabras, el diseño y ejecución de lugares y personajes forman parte integral de la historia, en vez de ser mero adorno para distraer a los niños y vender juguetes (personalmente me gustaría comprar el samurái de origami que ayuda a Kubo durante su aventura).
Dicha historia, sin embargo, se siente un poco ordinaria, al menos desde el punto de vista estructural; se trata simplemente de otro niño "especial" con una imposible misión que requiere sobreponerse a sus inseguridades, resolver sus sentimientos hacia una figura paterna desaparecida, y aprender a colaborar con aliados (y quizás enemigos) que representan metafórica o literalmente los retos de la madurez y las responsabilidades de la vida adulta. Básicamente otro relato "coming of age" envuelto en un contexto fantástico para hacerlo más asimilable y atractivo.
Afortunadamente la genialidad de Kubo y la Búsqueda Samurái reside en los detalles; desde el ambiguo período histórico de la película, rico en cultura japonesa pero sin ceñirse a una época específica; hasta la facilidad con la que el director Travis Knight y sus guionistas introducen elementos fantásticos sin requerir complicadas explicaciones ni estorbosos preámbulos tan comunes en este tipo de cine. Otros directores se hubieran protegido con una torpe narración introductoria, pero Knight empieza en plena acción y deja que los eventos y personajes llenen gradualmente los huecos del argumento; e incluso se atreve a dejar muchas preguntas sin respuesta, añadiendo misterio y la sensación de que apenas estamos atisbando un rincón de un complejo universo mitológico.
Los actores de voz (muchas gracias al distribuidor por traer a México la versión subtitulada) realizan un excelente trabajo, ya sean famosos (Matthew McConaughey como el escarabajo, Charlize Theron como el mono) o relativamente desconocidos (Art Parkinson como Kubo, expresando el punto exacto entre inocencia infantil y responsabilidad adulta). Y desde luego Knight reclutó algunas voces memorables para elevar ciertos papeles secundarios, incluyendo a Ralph Fiennes, Rooney Mara, Brenda Vaccaro y el inimitable George Takei. De hecho es muy imitable. Escuchen esto: "Oh, my". Je, je. Idéntico.
Rara vez me dan ganas de ver dos veces una película en el cine; y aunque en este caso sería más por las imágenes que por la historia, Kubo y la Búsqueda Samurái (¿la búsqueda misma tiene propiedades de samurái, o debería ser "la Búsqueda DEL Samurái, o simplemente metieron la palabra "samurái" para indicar acción y artes marciales?) sigue siendo una experiencia absolutamente recomendable para toda la familia, y elocuente testimonio de la capacidad del stop motion para competir con cualquier obra digitalmente animada. Sí, incluyendo las de Pixar; hay algo mágico en la existencia física de escenarios y personajes que la computadora simplemente no puede imitar. Quizás son aquellas microscópicas imperfecciones que evocan nuestra propia falibilidad. Suena cursi, pero ahora díganlo con la voz de George Takei.
Calificación: 9

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Sangre de Mi Sangre (Blood Father)

Síntomas: Cuando la joven Lydia Carson (Erin Moriarty) se mete en problemas con una banda de criminales, decide contactar a su padre John (Mel Gibson), a quien no había visto en muchos años. John acepta ayudarla pero, ¿qué podrá hacer un ex-presidiario ex-alcohólico y acabado?

Diagnóstico: ¿Una hija en peligro y un padre dispuesto a todo para protegerla? ¿Estamos viendo otro refrito de Taken? Afortunadamente no. En todo caso diría que Sangre de Mi Sangre se parece más a la reciente Term Life, pero como casi nadie la vio, no hay problema.
Por cierto, el título mexicano de Sangre de Mi Sangre me hizo creer por un momento que se trataba de la cinta italiana de vampiros que tanto me han recomendado... pero obviamente no fue así; sólo otro chasco del Maestro Traductor cuya misión en la vida es confundir al público tanto como sea posible. Fin del comentario editorial.
Regresando al punto, Sangre de Mi Sangre no es un clon de Taken, pero eso no significa que sea particularmente original. Aún así la competente dirección de Jean-François Richet (responsable por el sólido remake de Assault on Precinct 13) y las enérgicas actuaciones de Mel Gibson y Erin Moriarty (más conocida como Hope en Jessica Jones) rescatan la situación, creando un denso trasfondo emocional que rara vez encontramos en el moderno Cine B. Porque, a fin de cuentas, eso es Sangre de Mi Sangre... una modesta B-Movie que entretiene con máxima eficiencia, sin adornos ni relleno innecesario. Bueno, exceptuando esa larga secuencia con Michael Parks como ex-biker; me gustó verlo actuando de verdad, aunque no fuera muy relevante para la trama.
Incluso diría que todo el asunto de los criminales sirve tan sólo como catalizador de la relación entre el padre y su hija, separados durante tanto tiempo que son prácticamente desconocidos; sin embargo persiste el inquebrantable afecto familiar que los motiva a superar sus debilidades para ofrecerse mutuo apoyo.
¿Qué es esto, una película del canal Lifetime?
Habiendo dicho eso, la historia no puede evitar ocasionales tropiezos; la relación entre John y Lydia progresa con inverosímil rapidez; la joven parece demasiado "normal" para el estilo de vida que llevaba; y cuando John busca información entre sus antiguos colegas, las respuestas llegan muy fácil y con convenientes conexiones con figuras de su pasado; supongo que todos los delincuentes pertenecen al mismo club, o algo así. De cualquier modo el libreto de Peter Craig y Andrea Berloff (basados en una novela de Craig) mantiene un buen nivel de inteligencia, añadiendo agradables destellos de humor y suficiente honestidad en los puntos clave de la historia para ayudarnos a tragar las aventuras de esta disfuncional familia, en la cual incluiría al personaje de Kirby, el mejor amigo de John, interpretado por el siempre confiable William H. Macy (la "H" es inicial de "Hall"; siempre tuve esa curiosidad). Mel Gibson nos confirma que sigue en plena forma, aprovechando su madurez para añadir carácter al abrumado personaje... y también explotando su historial de racismo, con algunos graciosos/ofensivos insultos contra México. En fin, digamos que esa es la opinión del ficticio John, y no del real Mel (espero).
Por su parte, Erin Moriarty hace un buen trabajo como hija pródiga, a veces muy avispada, a veces ingenua, pero siempre sincera en su misión de redimirse sin arruinar la incipiente relación con su padre. Finalmente, Diego Luna evita las habituales exageraciones de los villanos en B-Movies, dándole mayor realismo como agente de bienes raíces con un "hobby" demasiado lucrativo.
En cuanto a la acción, la cinta incluye algunas balaceras y persecuciones, pero son bastante esporádicas; Sangre de Mi Sangre encaja mejor en el género de thriller, con mayor énfasis en suspenso que en violencia.
En resumen, Sangre de Mi Sangre me pareció una cinta modesta pero bastante entretenida, recomendable para pasar el rato sin grandes complicaciones. Los fans de Mel Gibson se alegrarán de re-encontrar su viejo talento; y sus detractores verán que aprendió algo de sus errores públicos. Sobrevivir a toda costa en una industria que nunca olvida... no esperaba menos del original Mad Max.
Calificación: 8

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La Fiesta de las Salchichas (Sausage Party)

Síntomas: La salchicha Frank (voz de Seth Rogen) está enamorada de una medianoche llamada Brenda (voz de Kristen Wiig), pero no pueden "consumar" su relación porque están atrapados en sus respectivos paquetes. Entonces ambos son accidentalmente liberados y emprenden una aventura que los llevará por los más exóticos pasillos del supermercado... y, de paso, revelará terribles secretos sobre la vida en el mundo exterior.

Diagnóstico: La Fiesta de las Salchichas es una de esas "comedias" que extiende su único truco a noventa minutos, lo cual es aproximadamente ochenta minutos más de lo que justificaría su rancia premisa: los artículos que compramos en el mercado pueden hablar, aspiran a ser sexualmente activos, y casi todo lo que dicen son groserías.
Si eso suena gracioso, perfecto... la mitad de la batalla está ganada. Desafortunadamente yo no encontré mucho humor en La Fiesta de las Salchichas, cuya única ambición es retar la sensibilidad del espectador con sadismo, alusiones sexuales e incorrección política. El problema es que si extirpamos la vulgaridad y las voces del famoso elenco, lo único que queda es una patética copia de Toy Story (¡la comida tiene vidas secretas!) con un inepto aderezo de sátira social (el pan árabe odia al "bagel" judío, por ejemplo); y, para colmo, con horrible diseño de producción y animación tan pobre que me me remitió al abismo negro de los de los noventas, cuando todos los estudios intentaban imitar a Pixar. Desde luego yo no esperaba calidad Pixar en La Fiesta de las Salchichas, pero aún así es imposible disculpar la mediocridad en todos los aspectos de su producción. Supongo que eso ocurre cuando cada paso del proceso está supervisado por "stoners" que encuentran infinitamente hilarante la palabra "shit".
Para no gastar tiempo describiendo cada elemento o decisión negativa en esta película (además de las muchas ya señaladas), será más rápido enumerar los tenues puntos positivos (en mi humilde opinión) que aliviaron un poco mi aburrimiento: me gustó el trabajo de Kristen Wiig como Brenda; incluso con horribles diálogos y nula caracterización, está actriz muestra convicción suficiente para interesarnos en su personaje. También me gustó un "flashback" realizado en animación tradicional, con un estilo gráfico similar al de Ralph Bakshi; y el desenlace que, si bien se siente forzado e innecesario, fue más violento y "meta" de lo que yo esperaba.
Fuera de eso, no tengo muchas cosas buenas que decir sobre La Fiesta de las Salchichas. Desde luego no es una película para niños; aunque, irónicamente, quizás sólo ellos podrían apreciar el humor infantil de Seth Rogen y sus cómplices habituales (Evan Goldberg, Jonah Hill, James Franco, etc.), cuyo libreto parece escrito por pre-adolescentes que acaban de aprender su primera grosería y no se cansan de repetirla, porque suena "cool". Asumo que dicho libreto se escribió en un miasma de marihuana y Cheetos durante un frenético fin de semana, donde tomaron muy en serio aquello de "no hay malas ideas" (y, por cierto, sospecho que la película está diseñada para disfrutarse en ese mismo estado).
Que quede claro; no odié La Fiesta de las Salchichas porque me haya ofendido su constante vulgaridad (incluso terminé respetando la diversidad de su mal gusto, el cual permite agraviar múltiples religiones, grupos étnicos, y hasta a los admiradores del Dr. Stephen Hawking). La odié porque no me pareció graciosa. Todos sus chistes llevan el estigma de ser "lo primero que se nos ocurrió", y no se nota el menor esfuerzo por trascender el chascarrillo fácil y obvio. Y, no, su "mensaje" anti-religión no cuenta, pues tampoco pasa de ser otro vano esfuerzo por escandalizar al espectador. Ni hablar... tendremos que esperar a que Matt Stone y Trey Parker produzcan su propia película animada para gozar una alternativa "para adultos" con auténtica profundidad. Un momento... ¡ya la hicieron! Y dos veces, si contamos Team America: World Police. Ni hablar, Seth Rogen... zapatero a tus zapatos; escuché por ahí que los "milenarios" quieren (irónicamente) una secuela de Superbad (Superbro: The College Years).
Calificación: 5

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Love & Friendship

Síntomas: Utilizando su considerable talento para manipular a los demás, la viuda Lady Susan Vernon (Kate Beckinsale) se infiltra en las vidas de dos familias adineradas para garantizar la prosperidad futura de su tímida hija Frederica (Morfydd Clark).

Diagnóstico: Love & Friendship está basada en la novela corta "Lady Susan", escrita por Jane Austen en 1794, aunque nunca se publicó en vida de la autora. La razón podría ser la relajada moralidad del libro, donde la protagonista no muestra escrúpulo alguno para manipular por medio de sus "encantos femeninos" (mentiras y sexualidad) a las personas que la rodean, con el fin de obtener beneficios sociales y económicos. No solo hubiera sido un libro demasiado atrevido para la sociedad de aquella época, sino doblemente escandaloso por el género de su autora.
Afortunadamente muchas cosas cambiaron en los doscientos años transcurridos desde su eventual publicación, pero me alegra decir que el sutil humor e ingenio de "Lady Susan" siguen vigentes en la película Love & Friendship, gracias al director Whit Stillman y al excepcional elenco que muchas veces debe expresar emociones contradictorias al mismo tiempo que declama con perfecta dicción los complejos diálogos repletos de circunloquios y alusiones pasivo-agresivas que los personajes emplean para decir lo que necesitan decir, pero sin revelar lo que realmente piensan. Suena familiar.
Además, el libreto (adaptado por el mismo Stillman) se apoya en una inusual estructura que imita la naturaleza epistolar del libro original. "Lady Susan" se escribió en forma de cartas, fragmentos de diarios personales y noticias sociales (similar al estilo de Dracula, de Bram Stoker), de modo que en Love & Friendship rara vez presenciamos los eventos relevantes de la historia. Hay múltiples peleas, confrontaciones y adulterio... pero casi siempre nos enteramos hasta después, como cuando Lady Susan comenta su más reciente conquista con su mejor amiga Alicia Johnson (Chloë Sevigny); o cuando Reginald DeCourcy (Xavier Samuel) niega a su hermana Catherine (Emma Greenwell) los rumores de encuentros ilícitos con la viuda Vernon; o cuando Lady Manwaring (Jenn Murray) se queja con su mentor, Mr. Johnson (Stephen Fry), sobre las andanzas de su esposo con una misteriosa mujer que, desde luego, es la misma Susan en busca de esposo para su hija Frederica, a quien persigue incansablemente Sir James Martin (Tom Bennett), un bobalicón de primera... pero con una fortuna que supera su incompetencia romántica.
Y así transcurre esta incisiva comedia costumbrista que denuncia y satiriza la hipocresía de la alta sociedad inglesa durante el período de la Regencia, añadiendo amplias dosis de artero proto-feminismo (casi diría "feminismo depredador") y pocos rastros del romance e idealismo cultural que distinguieron las posteriores novelas de Jane Austen.
Entonces, Love & Friendship es una película "de época" realizada con apropiado celo histórico y rigurosa fidelidad al libro que la inspiró... lo cual podría hacerla demasiado anticuada para audiencias modernas. Incluso los fans de Downton Abbey podrían decepcionarse, pues el bajo presupuesto de Love & Friendship impide lucir los impresionantes palacios, elegantes interiores y refinados vestuarios de aquella serie. Es básicamente cine "indie" enfocado en los problemas de la gente bonita de hace dos siglos, en vez de los hipsters modernos. Y, como tal, Love & Friendship me gustó mucho, aunque no fue una experiencia fácil o particularmente accesible. Pero, como diría Lady Susan: "En nuestro sufrimiento viene nuestra oportunidad".
Calificación: 8.5

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La Asesina (The Assassin - Nie Yin Niang)

Síntomas: En el siglo octavo, la provincia china de Weibo está ganando suficiente fuerza para independizarse del Emperador. Entonces la joven Yinniang (Qi Shu), experta asesina, es enviada para eliminar a Lord Tien (Chen Chang), el líder local que tiene tan preocupada a la Corte Imperial. Pero, desde luego, los sentimientos de Yinniang interferirán con su misión.

Diagnóstico: Lo primero que hay que entender para disfrutar La Asesina (o al menos apreciar sus múltiples virtudes) es que no se trata de una cinta de acción, sino de un parsimonioso drama histórico que examina la intriga y manipulaciones políticas entre la Corte Imperial China y varias provincias con diversas razones para buscar o rehusar la independencia. Al mismo tiempo La Asesina es un lánguido estudio de carácter centrado en el conflicto interno de una mujer indecisa entre su deber y sus emociones.
Cierto, el título de la película es un poco engañoso; y aunque el argumento incluye algunas escenas de artes marciales, son demasiado rápidas para emocionarse, además de que terminan de manera tan ambigua que no siempre entendí quién había ganado, o cual fue el auténtico propósito de la confrontación.
Todo es parte del oblicuo estilo adoptado por el aclamado director chino Hsiao-Hsien Hou (ganador del premio a la Mejor Dirección en el festival de Cannes del 2015), quien no busca explicarnos cada pequeño detalle de la trama (como quién es quién, donde estamos, o qué está pasando), sino que nos transporta a la sociedad China de hace mil años con la confianza de que eventualmente deduciremos la función y motivaciones de los personajes, así como los factores culturales y políticos que incitan el drama retratado en la pantalla.
No niego que esta estrategia narrativa a veces se vuelve confusa y hasta frustrante... pero después de 105 minutos creo que asimilé suficientes elementos de la historia para salir satisfecho del cine, por no mencionar maravillado con los impresionantes escenarios naturales y la espectacular cinematografía que captura con rigurosa nitidez cada hoja de pasto, cada flor y árbol de la campiña china; mi única queja sería con algunas escenas nocturnas donde las áreas oscuras se ven "sucias"... no sé si fue una limitación de filmar con cámaras digitales, o un simple problema del cine donde vi esta película (poco probable, pues fue en Cinépolis Universidad, donde siempre he disfrutado excelente calidad de proyección)(Nadie me pagó por decir eso)(Pero estoy abierto a "menciones patrocinadas").
De hecho, diría que el talento de Hsiao-Hsien consiste justamente en omitir explicaciones y darnos la información necesaria para deducirlas por nuestra cuenta; solo hay que observar comportamientos y escuchar conversaciones para comprender lo que está pasando. En muchas ocasiones los personajes hacen cosas arbitrarias y sin sentido; pero unos minutos (o una hora) después, el director nos entrega la pieza faltante del rompecabezas, y todo queda súbitamente claro. Es una experiencia mágica y muy satisfactoria... pero requiere paciencia y observación. Y no salirse del cine a la mitad de la película, como hicieron un par de personas en la función a la que asistí.
Sin embargo los entiendo... La Asesina es una obra muy lenta, frecuentemente confusa (por las razones antes descritas), y sus actores adoptan ese curioso estilo de "expresión inexpresiva" que he visto en otros dramas asiáticos, donde los rostros impasibles ocultan (y al mismo tiempo transmiten) las intensas emociones que mueven a los personajes. Entonces, aunque Qi Shu, Chen Chang, Yun Zhou (como la esposa de Lord Tien) y Nikki Hsin-Ying Hsieh (como Huji, la amante de Lord Tien) oculten su turbulencia interna, nos quedan perfectamente claros los múltiples vectores sentimentales que jalan y empujan a los personajes rumbo a la conclusión que no será feliz para todos. O quizás sí. No estoy seguro.
Lo que sí puedo afirmar es que La Asesina me gustó mucho, pero no es el tipo de película que podría recomendar universalmente. Como dije antes, requiere paciencia y atención que no todas las personas estarán dispuestas a invertir en una película con pocas recompensas inmediatas. Los comprendo perfectamente. Para ellos recomendaría Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny, una excelente cinta de artes marciales con una historia profunda pero accesible, mucha acción y sólido respaldo emocional. La Asesina es caprichosa y fascinante, como una pintura que debemos examinar durante largo rato para entender el significado de sus formas, sus colores, y la dirección de las pinceladas. Pero en ningún momento estaremos perdiendo el tiempo.
Calificación: 9

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Horizonte Profundo (Deepwater Horizon)

Síntomas: En el año 2010, la plataforma de exploración petrolera Deepwater Horizon, ubicada en el Golfo de México, encuentra problemas para contener la presión de los mantos petroleros submarinos, lo cual podría conducir a un desastre humano y ecológico.

Diagnóstico: Desde hace tiempo me cuesta trabajo tomar en serio las películas "basadas en hechos reales", debido a la naturaleza artificial y pre-fabricada del cine mismo. Casi siempre esos "hechos" se manipulan para encajar en fórmulas narrativas bien establecidas pues, por muy buenas que sean las intenciones del director o productores, a fin de cuentas están creando un producto comercial que debe venderse. Y, al igual que una hamburguesa de McDonalds, saben que el público espera cosas familiares y hasta cierto punto predecibles, que encajen en su perspectiva del mundo... ya se trate de una comida rápida o una película para entretenerse durante el fin de semana.
Sirva este largo preámbulo para explicar mis reservas sobre Horizonte Profundo, una película muy bien realizada, honesta en sus intenciones, y ciertamente entretenida, que no tiene objeción en manipular los hechos para honrar la memoria de los individuos afectados por la tragedia de la plataforma petrolera Deepwater Horizon, cuyos efectos cambiaron para siempre la ecología del Golfo de México (para quienes no recuerdan los noticieros de hace seis años, aquí hay una detallada crónica de CNN).
El director Peter Berg (reemplazando a J.C. Chandor, quien abandonó el proyecto por "diferencias creativas", o algo así) carece de una visión particularmente artística o personal, pero eso es exactamente lo que necesita este relato: un cineasta directo y eficiente que sabe aprovechar los estereotipos del cine de desastre para beneficio de la historia. Entre esos estereotipos: el héroe de clase media que quiere mucho a su familia; el líder recto y responsable que debe doblegarse a las demandas de sus patrones; los villanos corporativos más interesados en el dinero que en las vidas de sus empleados; y las variadas personalidades de múltiples subalternos que añaden mini-dramas de diversa relevancia, pero siempre dedicados a conectar emocionalmente con el espectador. Solo faltó un perrito en peligro. Claro, es posible que todo haya ocurrido como lo describe Berg; pero tampoco podemos negar el desfile de clichés exhibidos en Horizonte Profundo.
Sin embargo, como dije, los clichés funcionan bien en este caso, pues ahorran tiempo al establecer los personajes y simplifican el drama para que sea más evidente el heroísmo de los trabajadores, el sufrimiento de las víctimas, y las circunstancias que llevaron a uno de los desastres petroleros más grandes en la historia del mundo (creo que solo lo superan el derrame del Exxon Valdez, y el incendio de los pozos durante la invasión de Kuwait) Además, el desastre está representado con asombrosos efectos especiales que literalmente nos ponen en mitad del caos y destrucción provocados por las malas decisiones de BP (British Petroleum, la empresa responsable por las acciones de la plataforma de exploración petrolera Deepwater Horizon).
Hablando de clichés, Mark Wahlberg es el actor ideal para interpretar al héroe de clase media; Kurt Russell es inmediatamente confiable como el "capitán" de la plataforma; John Malkovich (con un bizarro acento sureño) interpreta con apropiada antipatía al ejecutivo que ignora los protocolos de seguridad para ahorrar tiempo y dinero (¿por qué no lo hemos visto en alguna cinta de Marvel? Tiene perfecta madera de villano). Finalmente Gina Rodríguez, Ethan Suplee y Dylan O'Brien interpretan algunos de esos subalternos que nos muestran la complejidad y peligros del trabajo a bordo de una plataforma, resumiendo en trazos breves, pero muy expresivos, el horror que enfrentaron los tripulantes de Deepwater Horizon.
Entonces, Horizonte Profundo me pareció una película fascinante, de impecable manufactura y con un poderoso mensaje detrás de sus impresionantes imágenes (aunque me faltó un epílogo que mostrara las consecuencias del desastre). Las actuaciones son sutiles y respetuosas de los individuos reales, al igual que la dirección de Peter Berg. En cuanto a las "fórmulas"... me siguen dando desconfianza, pero entiendo su utilidad. Por algo son tan populares. Y por algo los documentales casi siempre son fracasos de taquilla; después de todo, nadie quiere realidad pura en el cine (empezando por mi).
Calificación: 9

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Miss Peregrine y los Niños Peculiares (Miss Peregrine's Home for Peculiar Children)

Síntomas: Después de recibir un enigmático mensaje de su abuelo moribundo, el joven Jake (Asa Butterfield) descubre que las historias acerca de los "peculiares" habitantes de un remoto orfanato galés no son tan imaginarias como suponía. Lo cual, desde luego, pondrá a Jake en peligro mortal.

Diagnóstico: En cierto modo Miss Peregrine y los Niños Peculiares representa un regreso al Tim Burton juguetón y macabro que conquistó nuestra imaginación hace treinta años. Sin embargo, desde otro punto de vista, esta nueva película continúa su descenso en la esterilidad emocional ejemplificada por algunas de sus recientes obras (Alice in Wonderland, Dark Shadows y Big Eyes). Afortunadamente Burton conserva la exuberante imaginación y talento visual que lo hicieron famoso; gracias a ello Miss Peregrine y los Niños Peculiares está repleta de extraordinarias imágenes y conceptos creativos que la convierten en un deleite para los sentidos... incluso si la lógica y coherencia brillan por su ausencia durante gran parte del relato.
Entre los aciertos de Burton está el "casting", empezando por Asa Butterfield (Hugo) como el ingenuo Jake, cuya precisa mezcla de rebeldía adolescente y sinceridad infantil nos permite compartir sus reacciones a los secretos que desafían la realidad misma. Y lo mismo puede decirse de los "niños peculiares" que Jake conoce durante su aventura, destacando Ella Purnell como Emma, la niña flotante; Lauren McCrostie como Olive, quien debe usar guantes para no incendiar todo lo que toca, y Finlay MacMillan como Enoch, el arrogante "mod" británico con inusual afinidad por las marionetas. Por el lado de los adultos tenemos a la siempre fascinante Eva Green como la epónima Miss Peregrine, simultáneamente cordial con los niños que protege, y mortal para sus posibles enemigos; Terence Stamp en el demasiado breve papel del abuelo; y Allison Janney como la Dra. Golan, psicóloga de Jake que le está ayudando a superar una tragedia familiar. El impecable desempeño de estos actores ayuda a centrar la película durante el excelente comienzo, antes de que la historia salga de control y degenere en la más frustrante anarquía narrativa.
Antes de pasar a lo malo, señalaré también el virtuoso diseño de producción de Gavin Bocquet y Rod McLean, cuyos escenarios y criaturas armonizan perfectamente con el "estilo burtoniano", creando un mundo mágico que existe en la periferia de la trivialidad cotidiana. Mis ejemplos favoritos: los monstruos "huecos", el elefante de colores, y esa impresionante visita al barco... todos ellos momentos de genuina magia cinematográfica que justifican la fama de Tim Burton como "genio torcido" (o al menos como astuto maestro de ceremonias que sabe contratar artistas talentosos).
Hablando de lo cual, vale la pena mencionar que Miss Peregrine y los Niños Peculiares incluye escenas violentas y perturbadoras que quizás no sean aptas para niños muy pequeños; este no es el Tim Burton inocuo de Corpse Bride, sino el subversivo maniático de Beetlejuice y Sleepy Hollow, cuando no temía mostrar violencia casual e imágenes grotescas, apenas suavizadas por la atmósfera etérea y benevolente que las rodeaba. Algunas escenas de Miss Peregrine y los Niños Peculiares se sienten como Clive Barker adaptado por Miyazaki, o si H.P. Lovecraft hubiera escrito un cuento infantil. Fin de la advertencia.
Y ahora, pasemos a lo malo... aunque ni siquiera puedo culpar a Burton. Es posible que las fallas de Miss Peregrine y los Niños Peculiares se hayan gestado de la novela original de Ransom Riggs, aparentemente repleta de clichés comunes en la moderna "literatura juvenil", como el protagonista tímido y reprimido que resulta ser "especial"; figuras paternas indiferentes; revelaciones inesperadas que no tienen sentido; y, desde luego, soluciones arbitrarias y lagunas lógicas que hasta J.K. Rowling hubiera rechazado por parecer demasiado inverosímiles. O tal vez la guionista Jane Goldman (Kick-Ass, X-Men: First Class) omitió elementos del libro que explicarían las continuas inconsistencias de los incompetentes villanos (¡pobre Samuel L. Jackson!), incapaces de generar cualquier sensación de suspenso o temor por la seguridad de los niños.
No sé qué habrá pasado; lo importante es que, después de un prometedor comienzo, Miss Peregrine y los Niños Peculiares pierde cohesión al obedecer un confuso libreto que va inventando las reglas según caprichos momentáneos, en vez de establecer una base firme de causas y consecuencias. Ya saben... como una buena novela. Aún así la película sobrevive gracias a la "magia" visual conjurada por Burton y sus brillantes colaboradores, quienes adornan cada escena con detalles e ideas que nos mantienen distraídos de la tambaleante historia. Dependerá de cada espectador si eso basta para rescatar la experiencia. En mi caso fue mitad y mitad... disfruté muchos aspectos de Miss Peregrine y los Niños Peculiares, pero la trama me dejó frustrado. Tal vez esa es la "peculiaridad" de Burton: transmutar malas historias en fantásticas imágenes que trascienden su dudoso origen. En un medio visual como el cine, es un súper-poder indiscutiblemente útil.
Calificación: 7

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