In Your Eyes

Síntomas: Dylan (Michael Stahl-David) es un ex-presidiario con buen corazón pero mala suerte para elegir amigos. Becky (Zoe Kazan) es la esposa de un exitoso doctor y parece llevar una vida perfecta, pero se siente sofocada por el matrimonio. Becky y Dylan son obviamente muy distintos y nunca se han conocido, pero cuando se manifiesta entre ellos una inexplicable conexión mental, se dan cuenta de la mutua influencia que podrían tener en sus respectivas vidas.

Diagnóstico: In Your Eyes es una simpática comedia romántica "indie" con buenos actores, competente dirección, y una ingeniosa premisa bien planteada y desarrollada. Pero al mismo tiempo parece demasiado ligera e intrascendente para ser realmente memorable. Por suerte la película cuenta con el venerado Joss Whedon en las funciones de escritor, productor ejecutivo, y "mastermind" detrás del sorpresivo debut de la cinta y posterior distribución digital directa (por medio de Vimeo), eliminando por completo la influencia y tradicionales procesos de los grandes estudios de Hollywood. Whedon tiene experiencia en este tipo de maniobras (algunos recordarán el excelente cortometraje musical Dr. Horrible's Sing-Along Blog), pero no deja de ser un fascinante experimento mercadológico que podría inspirar a otros cineastas a intentar algo similar. Bueno, Whedon no es el primero en saltarse a los distribuidores "oficiales"; sin embargo podría ser el productor más famoso que se ha atrevido a hacerlo; y desde luego puede arriesgarse a ello gracias a las legiones de fans que siempre apoyarán sus proyectos. Pero, haciendo todo eso a un lado, ¿fue In Your Eyes una buena película? Creo que sí. Gracias a su perfecto reparto y segura dirección, la historia fluye con gran naturalidad a pesar de la inusual premisa; su tono fantasioso nunca se siente forzado, ni requiere explicaciones complicadas para justificar su existencia; por el contrario, de inmediato se vuelve parte integral de los personajes y contribuye al crecimiento de Dylan y Becky, con quienes compartimos el misterio, curiosidad y revelaciones de su curioso vínculo mental (¿espiritual?). Esa cálida y confortable dinámica lleva el sello de Joss Whedon, y queda claro por qué tiene un "fandom" tan leal. Por otro lado también queda claro que Whedon no está exento de caer en las clásicas trampas del género; la historia va muy bien hasta la última media hora, cuando se añaden algunos giros para introducir conflicto y melodrama que, francamente, se sienten prefabricados e irrelevantes (¿o quizás la persecución automovilística tenía intención satírica?). De cualquier modo es un placer seguir las conversaciones de los personajes y explorar una narrativa graciosa, emotiva e inesperadamente fresca en un género que parecía exhausto e incapaz de producir nuevas mecánicas para el romance. Michael Stahl-David y Zoe Kazan merecen tanto elogio como el guión (Kazan es veterana del "realismo mágico" gracias a la simpática cinta Ruby Sparks), y aunque el director Brin Hill seguramente se verá opacado por su más famoso productor/guionista, realiza un excelente trabajo manejando situaciones insólitas sin perder de vista el eje humano de la historia. In Your Eyes podrá mostrar una relación "a larga distancia", pero resulta más sincera y apasionada que cualquier comedia romántica fundamentada en sentimientos empalagosos y "grandes gestos". Y además podemos verla en cualquier parte del mundo por cinco dólares. ¿Quizás Whedon se animará a hacer lo mismo con Avengers: Age of Ultron? Desde luego que no, pues no será su decisión; pero me gustaría que alguien se atreviera a intentarlo con una “película evento”.
Calificación: 8.5

Trailer

Kiss of the Damned

 

Síntomas: La joven mujer Djuna (Joséphine de La Baume) vive en una aislada casa de campo para ocultar su condición vampírica, pero la soledad se ha vuelto intolerable; por eso acepta los avances románticos de Paolo (Milo Ventimiglia), a pesar de los riesgos implícitos en la relación con un humano. Y las cosas empeoran cuando llega de visita Mimi (Roxane Mesquida), la impulsiva y caprichosa hermana de Djuna.

Diagnóstico: Me alegra que el cine de vampiros regrese gradualmente a la normalidad, dejando atrás la funesta influencia de cierta saga adolescente cuyo nombre ya no quiero repetir. Bajo la hábil y metódica mano de la directora Xan Cassavettes, Kiss of the Damned retoma la madurez narrativa del clásico vampiro trágico y melancólico, poseedor de vida eterna, pero incapaz de ser auténticamente feliz. Hace unas semanas describí la cinta Blood for Irina como un homenaje al cine vampírico de los años setentas, pero Kiss of the Damned la deja muy, muy atrás, triunfando en todo lo que aquella cinta fracasó, desde la atractiva fotografía y diseño de  producción, hasta el perfecto casting de sólidos actores que capturan la gravedad y sofisticación (y quizás locura) de vampiros con siglos de experiencia, pero aún inseguros de su lugar en el mundo. La música está  perfectamente seleccionada para acentuar el carácter de los personajes y contribuir a la delicada textura de las escenas. Y a pesar de que la historia está confinada a un par de locaciones, los diálogos pintan un fascinante retrato de la comunidad vampírica, repleta de curiosos detalles aprendidos a lo largo de los siglos, y con una ambigua jerarquía dedicada a preservar el secreto y mediar las interacciones con el mundo humano. Es obvio que Cassavettes (también guionista) no busca re-inventar el mito, sino ofrecernos una perspectiva fresca del vampiro en el contexto del mundo moderno, pero sin perder el romanticismo del folklore europeo (en otras palabras, una mezcla entre la película Byzantium y la literatura de Anne Rice). Después de tantos halagos añadiré que el final de la película titubea un poco; parecería que la directora sintió que faltaba conflicto y añadió algunas sub-tramas de dudosa función. Y, aunque yo no lo considero defecto, también debo advertir que Kiss of the Damned es una película lenta (pero no aburrida), fundamentada en emociones, atmósfera y diálogos, y casi carente de acción o efectos especiales. En resumen, fue una agradable sorpresa no solo por sus atributos, sino por revelar un incipiente talento en la forma de Xan Cassavettes, segura y precisa en su impresionante debut como directora. Ojalá decida quedarse en el género de terror pues hace falta más gente como ella, capaz de crear historias de monstruos que nos digan algo sobre la humanidad.
Calificación: 9

Trailer

Bait

Síntomas: Josh (Xavier Samuel) y Tina (Sharni Vinson) estaban listos para casarse en las playas de Australia, pero una tragedia familiar los separó. Ahora, un año después, se encuentran casualmente en una tienda de autoservicio. Pero antes de que puedan definir sus sentimientos, un inmenso tsunami azota la costa e inunda la tienda, dejándolos atrapados con media docena de personas, y pocas esperanzas de rescate. Además, por si fuera poco, el agua dentro de la tienda está infestada de tiburones acarreados por la marejada.

Diagnóstico: Podríamos decir que Bait es la respuesta australiana a la avalancha de "B-Movies" norteamericanas que hemos "disfrutado" últimamente. Quizás las actuaciones de Bait y sus efectos especiales sean un poco mejores que los de Mega Shark Vs. Giant Octopus o la infame Sharknado, pero sin duda está presente el mismo espíritu socarrón e irreverente que nos invita a tragar un argumento ridículo y a aceptar situaciones absolutamente inverosímiles en aras del entretenimiento... y me alegra decir que, en este caso, la estrategia funciona. El guión co-escrito por el veterano Russell Mulcahy combina géneros con bastante fluidez, tomando prestados clichés de las películas sobre desastres (el obligatorio conflicto entre víctimas), de las clásicas "creature features" (¡la bestia es más inteligente de lo que creíamos!), y desde luego del cine de horror, empleando suficiente sangre y cadáveres mutilados para satisfacer a los fans del "gore" y a los enormes tiburones de la película. Por cierto, siguiendo el ejemplo de otras cintas australianas (como Rogue y The Ruins), Bait combina efectos prácticas y digitales con resultados razonablemente buenos... para estándares del cine B. Y, como se filmó originalmente en 3D, podemos esperar abundantes objetos arrojados a la cámara para "sorprendernos" con su hipotético realismo (aunque solo irritan en la versión “plana”). Los actores se esfuerzan para validar la disparatada premisa, imprimiendo las emociones necesarias para interesarnos en su supervivencia. Nadie se roba la película (con excepción del perrito Bully), pero eso no significa que sean malos actores, sino que operan bien como colección de estereotipos necesarios para mantener un sano nivel de melodrama (SPOILER: El perrito sobrevive). Obviamente Bait no puede tomarse muy en serio, y eso podría ser su mejor atributo o su mayor falla, según criterio de cada espectador. Yo me inclino por lo primero, y siento que puedo darle una cauta recomendación por cumplir lo que se propuso sin el más leve asomo de pretensión y sin insultar al público, pues asume que todos somos cómplices del chiste. Quien acepte esas condiciones, probablemente se divertirá; quien prefiera rechazarlas, mejor espérese a "Shark Week".
Calificación: 7

Trailer

The Grand Budapest Hotel

Síntomas: En 1985 un famoso autor recuerda la conversación que tuvo en 1968 con el anciano millonario Zero Moustafa (F. Murray Abraham), quien narra las extrañas circunstancias que lo llevaron a convertirse en dueño del Hotel Grand Budapest. Todo comenzó en 1932, cuando Zero (Tony Revolori) era un humilde botones en dicho hotel, trabajando bajo las órdenes del estricto pero amable conserje Monsieur Gustave (Ralph Fiennes), cuyo inusual afecto por una aristocrática dama cambió irremediablemente el curso de sus vidas.

Diagnóstico: Las películas del director Wes Anderson son inconfundibles, tanto por su afectado estilo visual, como por la caprichosa narrativa que lleva a los pintorescos personajes por absurdas rutas de drama y comedia que rara vez conducen hacia donde el público esperaba. Desde luego esta densa sopa de adjetivos no es del gusto de todas las audiencias; yo me cuento entre sus admiradores, y aun así no he logrado tragar algunas de sus más celebradas obras (como la tediosa The Darjeeling Limited). Afortunadamente The Grand Budapest Hotel nos muestra a Anderson en plena forma, invirtiendo inmenso cuidado en cada pequeño detalle para garantizar que la trama siempre sea interesante, que los personajes se sientan reales a pesar de sus excentricidades, y que cada cuadro de la película sea un deleite para la vista. De ese modo, hasta cuando alguna escena cruza la línea de la idiosincrasia a la irritación (de las cuales hay bastantes), podemos distraernos con el  extraordinario diseño de producción, la maravillosa fotografía, o la visión de un director con la rara habilidad de conjugar imágenes y emociones en una obra graciosa, melancólica y profunda. Pero, como dije antes, no todos apreciaran esta visión, y quizás encontrarán pretencioso el universo con el que Anderson enmarca (en distintos aspectos de pantalla, por cierto) una farsa tragicómica a veces confusa y artificial. O quizás les parecerán ridículos los efectos especiales "retro" y el uso de maquetas en muchas escenas exteriores (como el observatorio en los Alpes). A mi me pareció apropiado, pues incluso los sets de tamaño real parecen maquetas en las películas de Wes Anderson. Y quizás por eso nos transmite la sensación de que los personajes son juguetes controlados por un niño con demasiada imaginación para dejar que la lógica o la "realidad" interfieran con sus vivaces fantasías. Claro que no muchos niños acompañan sus juegos con perfecta música de Alexandre Desplat, ni cuentan con un ejército de actores famosos listos para llenar pequeños roles por el simple placer de participar en el juego de Anderson (¿me equivoco, o vi a George Clooney por una fracción de segundo?). A fin de cuentas creo que Moonrise Kingdom me gustó más por su variedad de personajes y temas, pero aún así considero The Grand Budapest Hotel como una de las mejores cintas de Wes Anderson, disciplinada cuando debe controlar la historia, e impredecible cuando quiere sorprendernos con sus desplantes creativos. En resumen, una experiencia muy recomendable para quien acepte pasar un par de horas en un universo extravagante, a veces violento (sigue sin hacerme gracia el "cómico" animalicidio - simulado, desde luego), pero siempre consciente de sus deberes como película. Y como juego infantil en igual medida cruel y divertido.
Calificación: 9

Trailer

Stage Fright

Síntomas: Diez años después de que su madre fuera brutalmente asesinada en un teatro, la joven Camilla Swanson (Allie MacDonald) y su hermano gemelo Buddy (Douglas Smith) trabajan en un campo de verano para niños con aspiraciones artísticas. El proyecto de este año es una puesta en escena de "Haunting of the Opera"... justamente la obra en la que murió su madre. Y por eso, cuando alguien asesina brutalmente al director, Camilla teme que la historia se está repitiendo, y que ella será la próxima víctima.

Diagnóstico: El argumento suena como una clásica cinta slasher, pero Stage Fright añade un "twist" inesperado... las canciones. En efecto, se trata de un slasher/musical, del tipo donde diálogos enteros se expresan cantando, y a nadie le parece extraño. Pero, fiel a su título, la cinta no escatima en sangre y violentos asesinatos perpetrados por el clásico asesino enmascarado (su tema es una versión kabuki del Fantasma de la Ópera). Suena como una mezcla incompatible, pero funciona maravillosamente bien... durante los primeros cuarenta y cinco minutos. El misterio del asesino se construye eficientemente; el aislamiento del campo de verano inspira una creíble atmósfera de desolación y peligro inminente; y las canciones son pegajosas e hilarantes, pues no solo satirizan el género de terror, sino algunos populares clichés teatrales (desde la feroz rivalidad entre actrices, hasta el apuesto actor principal que no pierde oportunidad de recordarnos que NO ES GAY), de modo que el humor alcanza igualmente a los fans del cine slasher y a los "theater geeks", haciendo la cinta bastante accesible a pesar de sus incongruentes elementos. Desafortunadamente las vertientes de la historia (el teatro musical y el cine slasher) tienden a separarse conforme avanza la película, y en vez de culminar en el escenario con una apoteótica fusión de sangre y música, Stage Fright pierde el rumbo y la energía para concluir en una nota floja que traiciona el potencial mostrado durante su primera mitad. No podemos culpar al elenco, pues muestra buen desempeño (musical e histriónico), además de encontrar el tono exacto para explotar el humor de la premisa; y no solo me refiero a los "profesionales" del reparto como Meat Loaf y Minnie Driver, sino también a los jóvenes Kent Nolan y Allie MacDonald, y desde luego a los niños del campo de verano, increíblemente realistas y graciosos en sus cortas participaciones. Pero bueno... aunque el final sea una decepción, hay bastantes cosas rescatables en Stage Fright, y la mera audacia de hacer un "musical slasher" bastaría para darle una recomendación, aunque fuera para satisfacer la curiosidad que inspira esa frase. Supongo que en este punto debería mencionar el musical-gore Repo! The Genetic Opera para disipar comparaciones injustas, pues es tan distinto en fondo y estilo que sería un error ubicarlo en la misma categoría que Stage Fright. Entonces, esta película hubiera sido un genuino triunfo "de culto" si mostrara un balance consistente entre música y horror; lamentablemente no fue así, y aunque pierda fuerza al final, merece la oportunidad de compartir su amalgama de dos géneros muy distintos a primera vista, pero con muchas cosas en común. Y no solo me refiero a los gritos y la confusión sexual.
Calificación: 7

Trailer

Oculus

Síntomas: Once años después de la violenta muerte de sus padres, los hermanos Kaylie (Karen Gillan) y Tim Russell (Brenton Thwaites) tratan de demostrar que el auténtico culpable fue un espejo embrujado, con una larga historia de tragedia para sus dueños. ¿Será posible que el espejo oculte una conciencia maligna, o serán simples alucinaciones de Tim y Kaylie, provocadas por el traumático evento que sufrieron en su niñez?

Diagnóstico: La modesta cinta independiente Absentia es una de mis películas de terror favoritas en años recientes. Por eso tenía considerable interés en Oculus, la nueva obra del director Mike Flanagan, y fue una agradable sorpresa encontrarla en cines, en vez de quedar relegada al video casero. Y si bien no me gustó tanto como Absentia, Oculus representa una sólida muestra de cine sobrenatural con un intrigante argumento, buenas actuaciones y abundantes momentos de suspenso. El concepto del "espejo embrujado" no es nuevo en el género fantástico, pero Flanagan (también co-escritor del guión) encuentra una variante interesante que se presta para jugar con nuestra percepción y desorientarnos hasta que perdemos la línea divisoria entre "realidad" y fantasía. Esta mecánica requiere la implementación de algunas trampas y atajos narrativos, pero siempre ciñéndose a una lógica interna que evita desvaríos excesivos en la historia. Y, sobre todo, requiere actuaciones muy precisas, pues las reacciones de los personajes serán nuestra guía para navegar el complejo argumento, que alterna entre pasado y presente para retratar una familia en crisis, posiblemente víctima de eventos sobrenaturales, o de las malas decisiones de una pareja hastiada del matrimonio. Esta dualidad aporta el indispensable gancho emocional para lograr que los personajes cobren vida, en vez de ser simples títeres del director (o del espejo maldito). Karen Gillan deja atrás el célebre papel de Amy Pond que la hizo famosa en la serie Doctor Who (pero no se preocupen; sigue intacto su talento para balancear el cabello cuando camina), y muestra genuina madera de estrella interpretando a Kaylie, cuya pasión por demostrar la inocencia de sus padres quizás la llevará a extremos de manía patológica. En el papel de Tim, Brenton Thwaites tiene un rol más pasivo pero necesario, balanceando con su escepticismo la ciega obsesión de su hermana. Como sus contrapartes infantiles tenemos a Annalise Basso y Garrett Ryan, mostrando asombroso control como niños que ven aterrados el colapso de sus padres, sin entender las causas o cómo detenerlo. Finalmente, Rory Cochrane y Katee Sackhoff interpretan a los mencionados esposos con apropiada ambigüedad, alimentando la paranoia y resentimientos que gradualmente destruyen su relación. En lo que respecta a los elementos de terror, Flanagan se aleja de los clásicos trucos del género, minimizando los sobresaltos baratos para cultivar una atmósfera de tensión y angustia que se incrementa conforme nos sumerge en el misterio del espejo. Imagino que esta mesurada estrategia podría parecer aburrida para espectadores habituados al estilo "salto de gato" que tantas películas usan como único recurso del terror; pero confío en que las vueltas e intriga del argumento bastarán para capturar la imaginación y conducirlos hasta la satisfactoria (e impactante) conclusión. Entonces, aunque Oculus no alcanzó el ingenio y creatividad de Absentia (en mi humilde opinión), muestra la mesura y madurez de un cineasta que no está interesado en modas comerciales, sino en explorar nuevas alternativas en un género que las necesita urgentemente. Espero que continúe su carrera en el cine de terror pero, sea cual sea su decisión, Flanagan demostró que no fue "one hit wonder".
Calificación: 8.5

Trailer

El Sorprendente Hombre Araña 2: La Amenaza de Electro (The Amazing Spider-Man 2)

Síntomas: El joven estudiante Peter Parker (Andrew Garfield) ya está perfectamente adaptado a sus deberes como el Hombre Araña, pero su vida personal sigue siendo un desastre, sobre todo en lo que respecta a su relación con Gwen Stacy (Emma Stone). Y desafortunadamente las cosas se complican aun más cuando Max Dillon (Jamie Foxx), un afable empleado de Oscorp, sufre un accidente que le confiere poderes eléctricos que ponen en peligro a la ciudad entera.

Diagnóstico: La anterior cinta del Hombre Araña me pareció entretenida, pero inferior a la trilogía realizada por Sam Raimi hace diez años; y ahora la secuela The Amazing Spider-Man 2, continua más o menos en la misma línea, con buenos personajes y sólido desarrollo dramático, pero con un libreto saturado de elementos no siempre compatibles entre sí. Los guionistas Alex Kurtzman y Roberto Orci sufren un grave caso de "villanitis", introduciendo suficientes personajes, conspiraciones y misterios como para llenar tres películas, lo cual nubla considerablemente el foco narrativo y diluye el impacto de los personajes principales. La introducción de Electro me pareció absolutamente atroz; no sé si el director intentaba hacer un villano trágico, o una extraña evolución de comic relief a enemigo mortal; como sea, me pareció una desafortunada decisión creativa empeorada por la incierta actuación de Jamie Foxx como el accidental villano víctima de las circunstancias. Afortunadamente la segunda mitad de la película clarifica su motivación, y los espectaculares efectos especiales se encargan de llenar los huecos de la trama. El segundo villano de la historia llega prácticamente de la nada, y se desarrolla con demasiada rapidez para resultar creíble; pero al menos está interpretado por un buen actor que seguramente será mejor aprovechado en la siguiente película. Sin embargo, el eje de la historia es la relación entre Peter Parker y Gwen Stacy, y eso basta para rescatar la película de su propia ambición. Andrew Garfield y Emma Stone preservan la perfecta química de la película anterior, y aunque el libreto los ponga en situaciones inverosímiles, sus chispeantes diálogos y cálida interacción siempre restauran su realidad. En cuanto al director Marc Webb, sigo pensando que su preferencia se inclina más por el melodrama personal, y no tanto por la épica mitología del Hombre Araña; quizás por eso la narrativa flaquea de vez en cuando y las piezas del rompecabezas no embonan como deberían. Pero bueno, los últimos treinta minutos me parecieron realmente memorables y sirvieron para atenuar las reservas que tenía respecto al atestado libreto. Aun así, espero que algún día se reviertan los derechos del Hombre Araña a Marvel Studios (actualmente son de Columbia Pictures, lo cual impide la cooperación entre franquicias), pues aunque The Amazing Spider-Man 2 sea una experiencia recomendable, siento que aún no capturan la esencia del personaje como parte de un universo rico y variado. Hablando de franquicias, durante los créditos de la película hay un corto trailer de X-Men: Days of Future Past (cosa rara, pues los mutantes son dominio exclusivo de 20th Century Fox), pero no hay escena post-créditos, así que no esperen una probada de The Sinister Six, que es obviamente hacia donde se dirige la saga. Espero sinceramente que para entonces Marc Webb haya perfeccionado la alquímica fórmula que combine correctamente a Peter Parker, adolescente, con Peter Parker, super héroe. Puede pedirle consejo Stan Lee, ya que siempre anda por ahí, esperando su obligatorio cameo.
Calificación: 8

Trailer

Return to Nuke 'Em High, Volume 1

Síntomas: En 1986, una fuga de material radioactivo contaminó el suministro de agua en la escuela preparatoria de Tromaville, Nueva Jersey, convirtiendo a los estudiantes en monstruosos mutantes. Y ahora, casi treinta años después, la historia amenaza con repetirse, pues donde antes estaba la planta nuclear se construyó una fábrica de alimentos procesados... y su mejor cliente es la escuela preparatoria Troma High.

Diagnóstico: Habiendo explotado al máximo la franquicia de The Toxic Avenger (con cuatro secuelas, una serie animada, comics, y un prometido "reboot"), el siempre creativo Lloyd Kaufman (fundador de Troma Films) buscó en el amplio catálogo de su estudio otro título que pudiera resucitarse para audiencias contemporáneas, y el resultado es Return to Nuke 'Em High, Volume 1 (secuela/reboot de la semi clásica Class of Nuke 'Em High), cuya similar premisa incluye suficientes innovaciones para distinguirla de su predecesora y traerla a la época actual; todo ello, claro, sin perder los elementos "tromáticos" que tanto disfrutan los seguidores de este estudio (como yo). Esta vez las protagonistas son Chrissy (Asta Paredes) y Lauren (Catherine Corcoran), quienes no solo enfrentan el reto de los estudiantes mutantes, sino de aceptar las confusas emociones que surgen entre ellas. Obviamente Kaufman explota el ángulo lésbico para lucir los atributos de sus guapas actrices, pero Paredes y Corcoran confieren inusitado sentimiento a su relación y logran trascender la vulgaridad para formar una sólida pareja que realmente nos envuelve en la narrativa... a pesar de ser tan caótica como requiere el estilo Troma. Y el hecho de que Return to Nuke 'Em High, Volume 1 termine en un "cliffhanger" subraya la importancia de contar con sólidos personajes que despierten suficiente interés en el espectador para buscar la segunda parte. O quizás Kaufman simplemente tomó el ejemplo de las sagas juveniles de moda para estirar la historia y sacar dos películas por el precio de una... para él. Nosotros tendremos que pagar doble para ver cómo termina la historia. Esta estrategia naturalmente conduce a varias sub-tramas de cuestionable importancia (como la de Kevin, “el pato maravilla”) , así como personajes irrelevantes que llegan y se van sin contribuir a la trama, excepto como fáciles víctimas o forzados bufones. Aún así la cinta es bastante corta, y aunque no ganará premios artísticos, avanza con suficiente agilidad para divertirnos consistentemente sin sentirse lenta o pesada. Por lo demás, es una típica cinta de Troma... vulgar, ruidosa y de manufactura semi-amateur; pero aún así más entretenida que muchas obras de terror producidas con más dinero y profesionalismo. Digan lo que digan, Lloyd Kaufman encontró su nicho y ha prosperado porque sabe satisfacer a sus fans. Solo espero que el Volumen 2 no traicione esa confianza. Y que se valide la existencia del pato.
Calificación: 8 (solo en la escala tromática)

Trailer

Tidal Wave (Haeundae)

Síntomas: La región costera de Haeundae, en Corea del Sur, está llena de contrastes, con elegantes hoteles al lado de humildes comercios manejados por las mismas familias desde hace generaciones. Pero, sin importar clase social o ideología política, todos los habitantes de la zona corren igual peligro cuando un terremoto en alta mar desprende una parte de la isla Tsushima, provocando un mega-tsunami de inmenso poder destructor, tal como lo predijo Kim Hwi (Joong-Hoon Park), el geólogo marino al que todos ignoraron.

Diagnóstico: Supongo que por haber visto recientemente The Flu, The Berlin File y Chinese Zodiac, ahora los servicios de Video on Demand me están ofreciendo muchas películas orientales... y yo las sigo aceptando. Esta vez mi exploración de las imitaciones coreanas me condujo a Tidal Wave, una típica cinta sobre desastres naturales que sigue puntillosamente la fórmula perfeccionada por Roland Emmerich... lo cual, desafortunadamente, denota tantas fallas como aciertos. Para empezar, tenemos un vasto elenco con dos docenas de personajes enfrascados en sus particulares melodramas: los hermanos que tratan de sobrevivir tras perder el negocio de sus padres; la chica de alta sociedad enamorada del humilde salvavidas que sus amigas no aprueban; la joven pescadora independiente que debe elegir entre su oficio o el matrimonio; el pragmático empresario que quiere desplazar a los comerciantes locales para construir otro hotel de lujo: el científico divorciado que ansía pasar más tiempo con su hija... y muchos más en situaciones similarmente previsibles. El problema es que NINGUNA de estas historias resulta interesante, pero tenemos que soportarlas como relleno durante una hora y cuarto hasta que por fin ocurre el desastre y empiezan los efectos especiales... que ni siquiera me parecieron tan buenos. Cierto, hay momentos impresionantes y bien realizadas, así como secuencias ingeniosamente planeadas y ejecutadas, pero las variaciones de calidad son muy evidentes, quizás como consecuencia de emplear múltiples estudios de animación en la realización de esta compleja producción. Entonces, francamente, la única razón para recomendar Tidal Wave sería el espectáculo visual de los últimos cuarenta y cinco minutos, con la advertencia de que no está a la altura de las genuinas obras de Roland Emmerich. El melodrama es demasiado burdo, las actuaciones rara vez provocan emoción, y del "humor" mejor ni hablar... baste decir que el "comic relief" de Emmerich es mejor, lo cual dará idea de lo mal que Tidal Wave funciona en ese aspecto. Pero bueno, no me arrepiento de haberla visto, y estoy dispuesto a enfrentar las nuevas recomendaciones que me arrojen los servicios de vídeo. ¿Comedia romántica coreana? ¿Documental político? ¿Chefs en conflicto? Mmh... quizás no estoy listo para eso. Mejor me quedó en la acción y el suspenso.
Calificación: 6.5

Trailer

Patrick: Evil Awakens

Síntomas: La joven enfermera Kathy Jacqard (Sharni Vinson) es contratada para trabajar en la exclusiva clínica del Dr. Roget (Charles Dance), especialista en pacientes con daño cerebral irreparable... que el doctor pretende reparar empleando técnicas bastante extremas. Y quizás lo está logrando con un paciente llamado Patrick (Jackson Gallagher), cuyo estado catatónico no le impide mostrar cierta predilección por su nueva y atractiva enfermera.

Diagnóstico: Me interesaba bastante este remake, pues la producción australiana setentera Patrick fue una de las primeras películas de terror que vi en el cine (quizás la segunda después de Without Warning), y tenía gratos recuerdos de aquella experiencia (me pregunto si habrá influido en mi posterior obsesión con el "Cine B"). Afortunadamente Patrick: Evil Awakens resultó ser una cinta muy entretenida por derecho propio, así que no necesité usar "filtro nostálgico" para disfrutarla y recomendarla, incluso para quienes nunca vieron la versión de 1978 (lo cual será  probablemente el resto del mundo). Lo primero que debo advertir, sin embargo, es que Patrick: Evil Awakens no debe tomarse muy en serio, pues su impulsiva narrativa fluye libremente entre la solemnidad y la sátira, emulando el cine de terror de los años setentas con todo y preciosa cinematografía, siniestra arquitectura y bombástica música (¡de Pino Donaggio, nada menos!), por no mencionar el exagerado dramatismo de los veinte minutos finales, donde se revelan grandes secretos y se toman graves decisiones en medio de violentos asesinatos y experimentos de científico loco. En resumen: una película difícil de clasificar pero fácil de apreciar por su entusiasmo y dedicación. Además de la fotografía, el principal acierto del director Mark Hartley fue reunir un reparto muy creíble y capaz, empezando por Sharni Vinson, quien demostró ser una perfecta "chica final" en You're Next. En esta ocasión su papel requiere más niveles de expresión, e inflexible convicción para sacar a flote algunas de las más absurdas escenas (lo digo como un cumplido). Apoyándola tenemos al respetado Charles Dance como uno de los mejores genios torcidos que he visto en el género de terror, fríamente calculador durante sus atroces experimentos, pero con un subtexto de inestabilidad emocional que lo hace más temible que cualquier prosaico villano impulsado por mera maldad. El punto débil del elenco es Damon Gameau como el galán en turno y obligatorio rival en el bizarro triángulo romántico entre la enfermera y su paciente vegetativo. Y tampoco me gustó la implementación de algunas escenas totalmente digitales que se sienten fuera de lugar en una obra tan respetuosa de la estética setentera; seguramente lo hicieron para economizar, pero no sé si valió la pena el ahorro. En fin... no todo el público compartirá esta indulgente opinión de Patrick: Evil Awakens, lo cual es perfectamente lógico; pero en vista de la mediocridad general que caracteriza a los modernos remakes, me dio gusto encontrar uno bastante decente, que supo divertirse con el material original sin traicionar los temas que lo sustentan. Me pregunto qué pensaría un niño actual si ésta fuera su primera película de terror... ¿quedaría traumatizado, o se aburriría porque no hay animales animados?
Calificación: 7.5

Trailer