Anti Matter

Síntomas: En la Universidad de Oxford, Ana Carter (Yaiza Figueroa) y sus colaboradores Olivia (Philippa Carson) y Nate (Tom Barber-Duffy) están muy cerca de descubrir el secreto de la teletransportación, pero necesitan mucho dinero para continuar sus experimentos. Entonces, para obtener financiamiento, deciden adelantarse y hacer una prueba con un sujeto humano. Y, sobra decir, habrá consecuencias que ninguno de ellos esperaba.

Diagnóstico: La eterna búsqueda de películas de ciencia ficción "indie" no siempre da resultados positivos, pero me alegra decir que, sin ser perfecta, Anti Matter consigue un nivel de inteligencia y provocativas ideas rara vez encontradas en este modesto nicho cinematográfico. Aunque debo señalar que no hay mucha "anti materia" en el argumento. Debe ser una metáfora...
La teletransportación podría cambiar el curso de la historia moderna, y Ana Carter lo sabe bien, pero quiere estar segura de que sus experimentos con electromagnetismo son positivos (ja, ja) antes de hacer pruebas con mayor volumen de materia; primero átomos, luego moléculas, luego una canica... hasta llegar a plantas y un gusano. Pero la demanda de tiempo y recursos informáticos es muy grande, así que recluta a dos colaboradores: Nate como ayudante en la experimentación práctica, y Olivia, la rebelde "hacker" que conseguirá el procesamiento masivo que necesitan. Sin embargo, cuando llega el gran momento, la relación entre los tres amigos cambia considerablemente. ¿Será simple paranoia de Ana, o habrá ocurrido algún cambio fundamental en su conciencia durante el "desfasamiento" espacial?
La primera mitad de Anti Matter me pareció fascinante... la evolución gradual de hipótesis a experimentación práctica; el suspenso de compartir los resultados con los personajes; la emoción de un increíble avance científico... realmente fue un placer encontrar que el director Keir Burrows toma en serio el material y mantiene un tono suficientemente "científico" para convencernos de que, en efecto, es posible que una estudiante universitaria en un modesto laboratorio haya hecho el descubrimiento más significativo de la historia. Desde luego hay bastante "techno-babble" sin mucho sentido, pero lo importante es que se siente real. Y eso basta para engancharnos en el drama de los personajes.
Desafortunadamente, cuando el experimento muestra sus primeros efectos negativos, la narrativa cambia ese tono serio y mesurado por algo más difuso y espiritual, dando demasiadas vueltas para extender la película antes de la inevitable revelación final. En cierto modo, ese cambio de tono funciona para que el espectador comparta la confusión de Ana después del experimento; su memoria empieza a fallar, siente la mirada de siniestros individuos que parecen conocer su secreto, y empezamos a pensar que no puede confiar en nadie. Además, el campus de Oxford está ocupado por ruidosos manifestantes en contra de la experimentación animal, y la presencia de policías y estudiantes enmascarados solo incrementa la paranoia de Ana, quien empieza a desvariar y asumir que todos la van a traicionar. ¿Realmente estará en la mira de fuerzas que no comprende? ¿Querrán sus amigos robar la patente de su extraordinario descubrimiento? ¿O existe una respuesta más racional a sus problemas psicológicos?
Ese gradual descenso a la locura incluye algunos momentos bastante interesantes (como la revisión de los videos del experimento); y la dirección de Burrows obtiene buenos niveles de suspenso; sin embargo, cuando por fin llega la gran respuesta, resulta demasiado absurda y solo provoca más preguntas que el libreto no puede responder. En cierto modo fue un final decepcionante, pero siento que los elementos positivos superan a los negativos, lo cual me permite recomendar Anti Matter como ciencia ficción "seria" con un pequeño toque de ridiculez, y un sólido manejo de emociones que compensa hasta cierto punto los enormes agujeros lógicos del relato. Quizás esos son los "agujeros de gusano" que tanto mencionan...
Calificación: 8

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Cartas de Van Gogh (Loving Vincent)

Síntomas: El anciano padre de Armand Roulin (Douglas Booth) le encomienda al joven la tarea de entregar la última carta que Vincent Van Gogh (Robert Gulaczyk) escribió a su hermano Theodore (Cezary Lukaszewicz) antes de morir. Entonces Armand viaja al pueblo de Auvers-sur-Oise, y habla con las personas que conocieron a Vincent, formando gradualmente una impresión del voluble pintor, así como las inciertas circunstancias de su suicidio.

Diagnóstico: Antes que nada, Cartas de Van Gogh es una increíble experiencia visual, dando vida a los cuadros de Vincent Van Gogh por medio de un laborioso proceso que incluyó más de cien artistas que básicamente animaron la película con 65,000 cuadros al óleo, inspirándose en los paisajes y personas que el pintor plasmó en sus cuadros para usarlos como parte integral de la narrativa.
Sin embargo, es en esa narrativa donde Cartas de Van Gogh flaquea un poco. Los directores/guionistas Dorota Kobiela y Hugh Welchman diseñaron esta biografía de Vincent Van Gogh en el estilo de Citizen Kane: un investigador obsesionado con la vida de una famosa figura fallecida, entrevistando a la gente que lo conoció, y tratando de dilucidar el enigma de su muerte. Creo que fue una decisión muy ingeniosa, aportando una estructura distinta a la típica "bio-pic" que se limita a recontar hechos sin mucha convicción o personalidad. Pero, al mismo tiempo, la "investigación" de Armand Roulin (Douglas Booth) se siente lenta y mecánica, haciendo continuas referencias a eventos e individuos sin adecuada explicación.
Por otro lado, es posible que esa haya sido exactamente la intención de los cineastas.
Después de ver Cartas de Van Gogh pasé una hora en vincent-van-gogh-gallery.org viendo los cuadros del pintor para entender mejor la película, lo cual fue una experiencia muy amena por sí misma. Entonces, no solo admiré las maravillosas pinturas vivientes de la película, sino que me inspiraron a buscar las originales para comparar y apreciar su papel en el (blando) melodrama de Cartas de Van Gogh. Creo que el simple hecho de inculcar esa curiosidad en el espectador casual basta para describir esta "bio-pic" como un éxito artístico y cultural.
Pero basta de análisis... el punto de Cartas de Van Gogh son las imágenes, e incluso si la trama fuera terrible (no lo es), valdría la pena invertir hora y media en el "performance" visual más atractivo que he visto este año en el cine. Bueno, la experiencia se empañó un poco por la inevitable proyección obscura de Cinemex, pero en una buena pantalla casera sería un espectáculo impresionante e hipnótico. Incluso podría sugerir comprar el Blu-Ray y usarlo como "decoración animada" en una fiesta, con apropiada música trip-hop o con el soundtrack de alguna buena película (por ejemplo: la banda sonora de Cartas de Van Gogh, compuesta por Clint Mansell; y también me gustó mucho la canción que remata la cinta, interpretada por Lianne La Havas).
Parecería innecesario hablar de actores en una cinta como Cartas de Van Gogh, pero en realidad sus voces son un componente muy valioso de la experiencia, complementando el carácter de las animaciones creadas para la película. Entre las voces que destacan: Saoirse Ronan como Marguerite Gachet; Chris O'Dowd como Joseph Roulin, y Douglas Booth en el papel protagónico de Armand Roulin, cuyo punto de vista sirve para organizar el ambiguo contexto histórico de la cinta.
Entonces, Cartas de Van Gogh me pareció una fascinante lección de historia del arte y una excepcional experiencia audiovisual, lo cual basta para disculpar la ocasional torpeza del libreto. Y quien busque comparaciones con Waking Life o A Scanner Darkly, no debería preocuparse; Cartas de Van Gogh tiene un formidable valor artesanal, y no parece copia de la visión de alguien más. Bueno, excepto Vincent Van Gogh.
Calificación: 9

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Suburbicon: Bienvenidos al Paraíso (Suburbicon)

Síntomas: En la perfecta comunidad suburbana de Suburbicon, dos individuos se introducen al hogar de Gardner Lodge (Matt Damon) y amenazan a su familia. Mientras tanto, los vecinos se alarman con la llegada de la primera familia negra a la comunidad.

Diagnóstico: A pesar de su inmensa fama como "estrella de Hollywood", creo que George Clooney tiene una sensibilidad artística más compatible con el cine independiente, lo cual se ha manifestado claramente en su faceta de director, con cintas como Confessions of a Dangerous Mind, Good Night, and Good Luck, y The Ides of March (estoy omitiendo arteramente las que no me gustaron: Leatherheads y The Monuments Men). Y ahora, para su sexta película como director, Clooney colabora con los más famosos íconos del cine "indie": los Hermanos Coen. La combinación fue todo lo que esperaba, y más. Y también menos.
Suburbicon: Bienvenidos al Paraíso (¿era necesario ese sub-título, Maestro Traductor?) se siente como una combinación de David Lynch y Alfred Hitchcock, revelando con el más negro humor los horrores ocultos tras la pintoresca fachada de los suburbios norteamericanos a finales de los años cincuentas, que en aquel entonces representaban el pináculo del "Sueño Americano", con inmaculados hogares viviendo en feliz armonía... aunque no todo era felicidad tras las cortinas color pastel y los pulcros pastos verdes.
Desde luego no detallaré los "horrores" retratados en Suburbicon: Bienvenidos al Paraíso; baste decir que incluyen crimen, muerte, traición, y la intolerancia de esa "perfecta" sociedad que no busca reprimir a las personas diferentes... solo quiere que vivan tan lejos como sea posible.
George Clooney maneja con agradable fluidez el retorcido libreto de los Hermanos Coen (con apoyo de su escritor de cabecera, Grant Heslov), revelando pacientemente los múltiples niveles de la historia, y confundiendo a cada paso nuestras expectativas sobre la naturaleza de los personajes, sus reacciones ante situaciones inesperadas, y... bueno, sobre prácticamente cualquier aspecto de la película que dábamos por sentado, hasta que nos propina un golpe dramático con algo completamente distinto, más perverso de lo que imaginábamos.
Matt Damon aprovecha su imagen de "hombre normal" (solo Tom Hanks lo supera en esa categoría) para construir un personaje estoico y racional, hasta que las circunstancias de su vida requieren una respuesta más impredecible. Julianne Moore es la idealizada ama de casa que parece salir de un anuncio de cocinas integrales en Good Housekeeping... sonriente y dócil por fuera, pero con oculta ferocidad para defender sus intereses. Sin embargo el niño Noah Jupe es quien se roba la película en el difícil papel de Nicky, hijo de Gardner, y el único que puede ver la realidad a su alrededor sin los prejuicios de los adultos.
Para retratar esta perturbadora disfunción suburbana, Clooney se apoyó en el cinematógrafo Robert Elswit y el diseñador de producción James D. Bissell, quienes crearon un universo rico en detalles de gran realismo, sin perder esa surrealista atmósfera de muda amenaza, como una pesadilla ubicada en el pueblo de Mayberry... o quizás en Twin Peaks.
Mi única queja sería que las dos sub-tramas (el rechazo de la familia negra y las desventuras de los Lodges) nunca conectan adecuadamente. Supongo que podemos deducir la conexión, pero se sienten demasiado distantes... como si Clooney y sus guionistas hubieran incorporado a la fuerza un mensaje social válido, pero sin relevancia específica para relato principal.
Por lo demás, Suburbicon: Bienvenido a las Traducciones Mexicanas me pareció una buena combinación de talentos creativos, y una interesante experiencia cinematográfica que me dejó más satisfecho que algunas obras de los Hermanos Coen, como la inescrutable A Serious Man o la difusa Inside Lleweyn Davis (en mi humilde opinión); aunque debo advertir que Suburbicon: Bienvenidos al Paraíso comparte ese tono frío e indiferente que algunas personas pueden interpretar como blando y desinteresado. Cada quien conocerá su tolerancia al "estilo Coen". En cuanto a George Clooney, creo que encontró su auténtica vocación: no en la alfombra roja, sino detrás de la cámara, donde puede expresar mejor su visión, libre de las exigencias de la fama y las distracciones del estrellato. Aunque dudo que abandone sus casas en Europa.
Calificación: 8.5

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La Gran Fuga (Overdrive)

Síntomas: Los hermanos Andrew y Garrett Foster (Scott Eastwood y Freddie Thorp) se especializan en robar automóviles exóticos. Sin embargo, su más reciente trabajo los puso en conflicto con individuos muy peligrosos... y la única manera de sobrevivir será robar el más preciado vehículo de un psicópata aún más peligroso.

Diagnóstico: Como puede suponerse, La Gran Fuga es una copia barata de The Fast and the Furious... pero es una copia bien hecha, recordándonos los primeros capítulos de aquella franquicia, cuando lo importante eran los automóviles, en vez de salvar al mundo de algún terrorista internacional. De hecho, en algunos aspectos La Gran Fuga me pereció heredera de los clásicos "thrillers automovilísticos" de antaño, como Vanishing Point, The Gumball Rally, o Gone in 60 Seconds (me refiero a la original de 1974, no al remake del año 2000).
Por el lado positivo, La Gran Fuga ofrece suficiente "car porn" para deleitar a los conocedores del automovilismo, junto con persecuciones, choques y acrobacias ejecutadas por genuinos "stunt drivers" en vehículos reales (con una excepción muy notoria), lo cual es cada vez más raro en el sobre-digitalizado cine moderno. El director Antonio Negret y su equipo técnico crearon escenas bastante impresionantes de destrucción motorizada... al menos para los estándares de una B-Movie directa a video (aunque, para variar, La Gran Fuga se estrenó en cines de México). Y tal vez ese espectáculo de coches exóticos, guapas mujeres y explosiones bastará para satisfacer a gran parte del público; no tiene nada de malo, y reconozco que me encuentro parcialmente entre ellos.
Sin embargo, La Gran Fuga decepcionará a quienes esperaban una historia novedosa con personajes interesantes para incrementar el suspenso y sentir el peligro que enfrentan, en vez de presenciar pasivamente sus aventuras como "cut scenes" de un videojuego, donde nada tiene consecuencias ni relevancia emocional. ¿Cuántas veces les disparan a los hermanos Foster? No sé... media docena o más. ¿Y cuántas veces creemos que podrían morir? Ninguna.
Pero, bueno... al menos los actores son atractivos y fotogénicos, y eso deberá bastar para mantener la atención del espectador durante las escenas “serias” de la cinta.
Scott Eastwood es un sólido protagonista, y desde luego ayuda su parecido físico con su ilustre padre... aunque no lo iguala en carisma ni talento. De hecho, Scott Eastwood me recordó un poco a Paul Walker en sus primeros proyectos... un tanto vacío, pero con potencial para forjar una buena carrera, siempre y cuando aprenda a cambiar la expresión de su rostro.
En el papel de su hermano Garrett, Freddie Thorp funciona como "comic relief" y nos recuerda que no pueden existir héroes sin "daddy issues". Los villanos (Simon Abkarian y Clemens Schick) son genéricos mafiosos europeos, sofisticados pero libres de honor o humanidad. Y las mujeres, como siempre, quedan relegadas a víctimas o adorno, por mucho que el libreto intente convencernos de sus talentos como estafadora (en el caso de Stephanie, interpretada por Ana de Armas), o experta ladrona (Gaia Weiss en el papel de Devin).
Y, por supuesto, la planeación de cualquier estafa requiere visitas a elegantes clubs, antros underground, y las playas de Marsella para lucir los bikinis de las actrices. Cómo dije: una película visualmente variada, pero narrativamente estéril.
Aún así La Gran Fuga me pareció entretenida, muy ágil, y repleta de las obligatorias traiciones, sorpresas y romance para mantener la historia en constante movimiento e impedir que cuestionemos los irracionales planes de los protagonistas, que parecen fundamentarse en azar en vez de lógica. O quizás es magia... después de todo, necesitan algo para diferenciarse de The Fast and the Furious.
Calificación: 8

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Found Footage 3D

Síntomas: El director Andrew Reed (Tom Saporito) y su pequeño equipo de colaboradores se disponen a filmar la película de terror "Spectre of Death" en una remota cabaña en el bosque. Se trata de una producción semi-amateur del estilo "found footage" grabada en 3D. Sin embargo, la filmación resulta más complicada de lo que esperaban, no solo por las dificultades técnicas que encuentran, sino por la tensión que se desarrolla entre los actores Derek (Carter Roy) y Amy (Alena von Stroheim), quienes están al borde del divorcio. Ah, y la cabaña de campo podría estar realmente embrujada.

Diagnóstico: Creo que todos estamos cansados del formato "found footage"... incluyendo los productores de Found Footage 3D. Por eso realizaron una ingeniosa película que utiliza dicha técnica al mismo tiempo que la satiriza, señalando sus clichés y burlándose de las inconsistencias que siempre vemos en producciones de este estilo.
Y, desde luego, el argumento de Found Footage 3D incluye intencionalmente esos mismos clichés e inconsistencias, pero al menos los personajes están conscientes de ello, e intentan explicarlos de manera más o menos coherente, al mismo tiempo que analizan su función. Por ejemplo, la típica pregunta de "¿por qué siguen filmando en vez de huir?" se examina en diversos puntos de la narrativa: al principio de la película es necesario establecer la motivación del "camarógrafo"; y durante el tercer acto debe encontrarse una nueva razón lógica para que siga filmando. Esto ocurre por igual en la "película dentro de la película" ("Spectre of Death"), y en la auténtica película que estamos viendo (Found Footage 3D).
Sí, se trata de una apoteosis de meta-ficción con más auto-referencias que un ejemplar del comic Deadpool. O, para ponerlo en términos del cine de horror, Found Footage 3D hace para el "found footage" lo que Scream hizo para el cine "slasher" en 1996.
Lo cual no significa que Found Footage 3D sea tan buena como Scream; pero, tomando en cuenta los obstáculos que enfrentó validando su estructura pseudo-documental, y considerando la inevitable monotonía del "found footage", debo reconocer que el director/guionista Steven DeGennaro realizó un excepcional trabajo reconciliando todos esos factores en un argumento bien estructurado, con buen balance entre drama, comedia, y el suspenso mínimo para calificar como película de terror. Aunque algunos dirían que no pertenece a ese género, y quizás tengan razón.
Debido a todo lo que Found Footage 3D intenta hacer, los elementos de horror terminan relegados a un distante segundo plano. Y en cierto modo es mejor así, pues el punto más importante de la película es su aguda disección del cine "found footage", y eso es lo que terminaré recordando, en vez de las escenas "tenebrosas" donde se manifiesta... lo que sea que habita en la cabaña que los cineastas (me refiero a los personajes) eligieron para filmar "Spectre of Death".
Para lograr todo esto, DeGennaro reclutó un pintoresco ensamble de actores, no muy buenos, pero perfectamente equipados para abordar sus estereotípicos papeles, desde Amy, la actriz que toma demasiado en serio su papel (Alena von Stroheim), hasta el irascible técnico de audio Carl (Scott Allen Perry), encargado del "comic relief" con sus cínicas observaciones sobre la artificialidad del cine y los cineastas con demasiado ego y absoluta ignorancia (Steven DeGennaro era técnico de audio, lo cual me hace sospechar que "Carl" fue un "alter ego" para expresar sus frustraciones contra la industria cinematográfica... empezando por Ben Affleck). También destacan Jessica Perrin como Lily, la asistente de producción que termina haciendo el trabajo de todos; y Carter Roy como Derek, el ridículamente arrogante escritor/actor/productor que no acepta los sensatos consejos del director Andrew (Tom Saporito) para terminar la película con alguna semblanza de calidad... o para salir con vida cuando las cosas se complican en la cabaña.
Entonces, como película de terror, Found Footage 3D ofrece medianos sobresaltos, un poco de sangre, y mínimos eventos sobrenaturales para validar su género. Sin embargo me pareció más recomendable como inteligente sátira de una técnica que ya rebasó su fecha de expiración. No sé cómo podré tomar en serio cualquier futura película de "found footage" después de ver Found Footage 3D... lo cual podría convertirse en su más valioso legado, y razón suficiente para verla.
Calificación: 8

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Shortwave

Síntomas: La pequeña hija de Isabel (Juanita Ringeling) y Josh Michaels (Cristóbal Tapia Montt) desapareció en circunstancias misteriosas; y ahora, dos años después, apenas están recuperándose de la tragedia. Entonces Isabel empieza a sufrir extraños episodios que podrían relacionarse con el trabajo de Josh, quien investiga transmisiones de radio provenientes del espacio exterior.

Diagnóstico: La pseudo-ciencia de Shortwave es ridícula; las actuaciones varían entre funcionales y mediocres; y la dirección es ciertamente vistosa, aunque sus afectaciones y trucos estilísticos tan solo buscan simular complejidad dramática donde no la hay. Sin embargo, las ideas que sustentan el imperfecto libreto de Shortwave (co-escrito por el director Ryan Gregory Phillips) me parecieron fascinantes, sobre todo durante el tercer acto, cuando por fin encajan las piezas del rompecabezas y reconocernos la magnitud del misterio cuyos fragmentos apenas habíamos percibido. Además, como ya me ha ocurrido, las influencias lovecraftianas me ayudaron a disculpar los problemas de esta película, y disfrutarla en ese ambiguo nivel donde confluyen el "horror geek" y el "space nerd".
Todo lo cual es una manera rebuscada de decir que Shortwave es una película rara y a veces frustrante, que me gustó más por sus insinuaciones temáticas que por sus valores intrínsecos. Aunque también aprecié las escenas sangrientas, las vagas criaturas, y el agradable "soundtrack" electrónico que se está volviendo de rigor para evocar esa atmósfera ochentera de "creature feature" combinada con "ciencia fuera de control".
En el papel principal, la actriz chilena Juanita Ringeling muestra impresionante convicción en escenas física y psicologicamente difíciles; sin embargo, rara vez nos atrapa en el tormento interno de sus sentimientos de culpa, y su posterior desesperación por comprender lo que está ocurriendo. Creo que Shortwave hubiera mejorado con actores más fuertes, capaces de transmitir el rango emocional de escenas tan complejas; pero, bueno... por otro lado, me da gusto que una actriz latina obtenga mayor difusión en una obra norteamericana.
Otra cosa que le faltó a Shortwave fue un guión más disciplinado, con claras metas y procesos dramáticos para llegar al tenso final. No estoy en contra de una trama difusa que nos obliga a pensar y conectar ideas para entender la película; lo que no me gusta es cuando la confusión proviene de un libreto que sabe a dónde quiere llegar, pero desconoce el camino. Entonces empiezan a utilizar atajos y trampas que terminan saboteando la experiencia general, por mucho que Gregory Phillips intente disfrazarlas con buena cinematografía y trucos de edición.
Esa es la impresión que me dejó Shortwave: un desenlace provocativo, con interesantes interpretaciones de ciertos asuntos científicos/fantásticos... pero con un desarrollo torpe, sin adecuadas conexiones de causa y efecto para justificar el resultado. Como ejemplo puedo señalar la absurda representación de la "investigación científica" de Josh Michaels (Cristóbal Tapia Montt), quien analiza ondas de radio del espacio exterior... utilizando radios viejos, en vez de radiotelescopios y computadoras. Quizás fue una licencia creativa para hacer el "laboratorio" visualmente atractivo, pero termina pareciendo una ingenua simplificación que resta credibilidad a todo lo demás.
En fin; Shortwave me decepcionó en muchos aspectos, pero aún así disfruté parcialmente las ideas e hipótesis que sustentan su premisa. Y, aunque los actores pudieron mejorar, a fin de cuentas forman un buen ensamble y toman en serio el material. Además, debo respetar una película que intenta combinar From Beyond y Contact... fue un excelente "brainstorm", con competente dirección y cinematografía, pero pobre narrativa.
Calificación: 6.5

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Mayhem

Síntomas: Cuando se declara una infección del virus ID-7 en un elegante edificio corporativo, el recién despedido Derek Cho (Steven Yeun) y su cliente Melanie Cross (Samara Weaving) enfrentarán incontables obstáculos para escapar... pero no sin antes dispensar un poco de justicia a la corrupta mesa directiva de la empresa.

Diagnóstico: El director Joe Lynch calladamente se ha convertido en una de las voces más energéticas y originales del cine fantástico independiente... aunque sus películas se mantienen en la periferia del "fandom" como objetos de semi-culto que, inexplicablemente, no han alcanzado mayor difusión ni popularidad (entre mis favoritas: Wrong Turn 2: Dead End, Knights of Badassdom, Everly y su segmento en Chillerama).
Con suerte todo eso cambiará con la delirante cinta Mayhem, una excelente muestra de “survival horror”, cuyo mensaje social de corrupción corporativa es bastante transparente, pero aún así fortalece la motivación de los protagonistas y ofrece un subtexto narrativo sincero y creíble... ¿quién no querría ver a los "peces gordos" recibir su merecido?
Los consultores de Tower & Smythe protegen los intereses de grandes empresas que se encuentran en aprietos legales por su falta de ética. El más grande éxito de la firma fue la exoneración de un individuo que asesinó a varias personas cuando se encontraba bajo la influencia del virus ID-7, el cual “apaga” las inhibiciones y amplifica los más bajos instintos de sus víctimas. Y ahora, ese mismo virus se está propagando por las oficinas de Tower & Smythe, causando peleas y todo tipo de conducta inapropiada. En el caso de Derek Cho (Steven Yeun), su obsesión es vengarse contra los ejecutivos que manipularon su despido; mientras que Melanie Cross (Samara Weaving) solo quiere un poco de justicia contra los banqueros y abogados que le quitaron su casa. Entonces, con pocas probabilidades de supervivencia, Derek y Melanie deciden cooperar para completar sus respectivas misiones.
La premisa de violencia en un entorno corporativo obviamente me hizo pensar en la reciente The Belko Experiment, pero puedo afirmar que Mayhem es una película muy distinta, empezando por su tono humorístico y dinámica presentación visual. En esta ocasión Joe Lynch se inspiró en los estilos de Sam Raimi y Edgar Wright, filmando escenas desde extraños ángulos de cámara, y creando secuencias ultra-violentas con edición tan precisa que parece quirúrgica (pero sin abusar de la técnica), sobre todo en apoteóticos combates donde los empleados utilizan todo tipo de implementos para defenderse y eliminar a la competencia. El arma favorita de Melanie es una pistola de clavos; Derek prefiere la simplicidad de un martillo.
A pesar de su frenético ritmo, Mayhem se siente un poco lenta al principio, tomando demasiado tiempo para explicar la telaraña de intriga corporativa que afectó a Derek y Melanie. Pasan casi cuarenta minutos para llegar a "lo bueno"; aunque, por otro lado, esa espera sirve para construir sólidos personajes y describir los complicados protocolos de seguridad del edificio, que cobrarán gran importancia durante el tercer acto, cuando todo culmina en la catártica confrontación entre (anti)héroes y villanos.
Lynch reunió un excelente elenco de actores de carácter, no muy conocidos, pero perfectamente seleccionados para dar vida a sus desalmados personajes, desde Caroline Chikezie como la ejecutiva que orquestó el despido de Derek, hasta Steven Brand como el CEO cruel y arrogante, cuya principal estrategia para los negocios consiste en evaluar el costo/beneficio de matar a sus colegas u ofrecerles ascensos en la empresa.
Sin embargo, el peso de la cinta recae en Steven Yeun y Samara Weaving, y ambos la cargan sin dificultad alguna. Yeun nos muestra un protagonista inteligente y muy humano, que siempre ha tenido dudas sobre la moralidad de su trabajo... aunque puede ignorar su conciencia cuando el sueldo es suficientemente elevado. No he visto el trabajo de este actor en The Walking Dead, pero en Mayhem se revela como un protagonista capaz de enfrentar por igual escenas "serias" (bueno, tan serias como permite el excéntrico director), y momentos de acción cruentos y brutales. En cuanto a Samara Weaving... ¿qué puedo decir? Nuevamente nos entrega otra fantástica actuación, quizás menos detallada que en The Babysitter, pero con idéntica intensidad y balance entre los elementos racionales de Melanie y la manía que despierta el virus.
En resumen, Mayhem me pareció una experiencia divertida y muy satisfactoria; y también espero que tenga suficiente éxito para darle más y mejores proyectos a Joe Lynch, quien ciertamente merece la atención de "las grandes ligas"... aunque en estos casos siempre me preocupa que arruinen su talento con demasiado dinero o exigencias mercadológicas. Tal vez sea mejor proteger a Lynch como "genio incomprendido" del cine independiente, donde no trabaja tan seguido, pero al menos garantiza calidad y diversión cuando lo hace. “Víctima de su propio éxito”, como dicen algunos.
Calificación: 9

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La Liga de la Justicia (Justice League)

Síntomas: Bruce Wayne (Ben Affleck) sabe que la muerte de Superman (Henry Cavill) dejó a la Tierra indefensa contra amenazas cósmicas. Entonces se da a la tarea de formar un equipo con varios poderosos individuos para proteger a la humanidad en caso de que sea necesario... y, desde luego, será necesario mucho antes de lo que esperaba.

Diagnóstico: Lo diré desde el principio: quedé agradablemente sorprendido con La Liga de la Justicia.
Supongo que esa es la ventaja de las bajas expectativas. Después de varios mediocres intentos de DC Comics/Warner Bros. por establecer un universo cinematográfico coherente, no esperaba mucho de una película donde más de la mitad de los personajes no habían sido adecuadamente introducidos, y los que ya conocíamos rara vez fueron bien manejados (en otras palabras: no tengo gran afecto por Man of Steel, Batman Vs. Superman: Dawn of Justice, ni Suicide Squad; y aunque Wonder Woman introdujo una notable mejoría, tampoco me pareció tan perfecta como mucha gente asegura).
Pero ahora, La Liga de la Justicia adopta un estilo narrativo más claro, ligero y dinámico, con esbozos de humor que no obstruyen el contenido emocional indispensable para expresar la humanidad de los héroes, a pesar de sus tremendos poderes y exóticos orígenes.
Otra cosa que quiero aclarar desde ahora: no sé exactamente cuánto contribuyó Joss Whedon a estos aciertos. En los créditos solo aparece como co-escritor, mientras que Zack Snyder conserva el título único de director. Prefiero no especular al respecto, porque no quiero empañar el resultado final con acusaciones ni comparaciones con Marvel (aunque seguramente romperé esta intención a lo largo de este escrito).
Regresando al punto: el propósito principal de La Liga de la Justicia fue reunir al epónimo grupo y darle una misión suficientemente importante para demostrar su valor como defensores de la Tierra. Y, aunque tengo algunas dudas sobre el villano (que no mencionaré, aunque seguramente ya lo revelaron en todos los trailers), me pareció una valiosa adición a este Universo, que ahora incluye (aunque sea por mera referencia) el bizarro "Cuarto Mundo" de Jack Kirby, cuya creatividad no se había aprovechado hasta el momento, excepto en un par de cintas del Universo Animado de DC... al cual tampoco haré referencias porque prefiero mantenerlos separados.
Bueno, solo haré una referencia: creo que algunas de las críticas negativas que está recibiendo La Liga de la Justicia se deben a que Snyder/Whedon no pierden tiempo con explicaciones ni detalles sobre muchos puntos importantes del argumento. Al igual que en las cintas animadas, los realizadores asumen que el espectador tendrá un cierto nivel de conocimiento sobre el mencionado Cuarto Mundo, sobre los orígenes de Flash, Cyborg y Aquaman, y sobre la clásica interacción de estos elementos en las historias impresas de la Liga de la Justicia. En resumen: La Liga de la Justicia funcionará mejor para fans de los comics que para audiencias casuales sin doctorados en New Genesis ni capacidad para enumerar las múltiples identidades de Flash (por mencionar dos ejemplos).
Afortunadamente La Liga de la Justicia ofrece suficiente entretenimiento para disculpar su obtuso melodrama, empezando por el agradable balance entre los integrantes de la Liga. Batman es un poco menos arrogante; Wonder Woman empieza a reconocer el valor de abrazar las virtudes y defectos de la humanidad, en vez de recluirse en su paradisíaca isla; y los "chicos nuevos" reciben breves y eficientes escenas para establecer su carácter y motivación. Claro, el resultado es bastante superficial, y el humor a veces se siente forzado (la mitad de los "chistes" de Flash parecen imitaciones baratas de Peter Parker); pero al mismo tiempo nos dejan con ganas de ver más, de conocerlos mejor, en vez de agobiarnos con las monótonas rutinas que sabotearon obras anteriores, como la tediosa solemnidad de Batman Vs. Superman: Dawn of Justice y el odioso "cool a fuerza" de Suicide Squad.
Los actores realizan un buen trabajo en general, ya sea extendiendo el desarrollo de personajes bien conocidos (Ben Affleck como Batman y Gal Gadot como Wonder Woman), o añadiendo cierta profundidad a los burdos trazos de los recién llegados (Ezra Miller como Barry Allen, Jason Momoa como Arthur Curry, y Ray Fisher como Victor Stone). Como siempre, Gal Gadot se roba la película, y me complace decir que, en su tercera aparición como Diana de Themyscira, ha crecido más como actriz que cualquier otro héroe de DC Comics.
Los efectos especiales son apropiadamente cataclísmicos y frecuentemente mediocres; y la música de Danny Elfman permite algunas divertidas referencias a su antiguo trabajo en las cintas de Batman, lo cual me gustó mucho.
Sin embargo, la lección más importante es que Wonder Woman y ahora La Liga de la Justicia indican que DC Comics/Warner Bros. reconocieron sus previos errores, y están sinceramente tratando de rectificarlos. No será un proceso rápido, pero me inspira suficiente optimismo para esperar futuras expansiones de este Universo con mayor entusiasmo del que había sentido hasta el momento (por cierto, no olviden quedarse hasta el final de los créditos para ver dos escenas adicionales). Como muchas veces he dicho: no necesito que las películas sean idénticas a los comics; solo espero que respeten ese gran legado mientras forjan su propio camino.
Calificación: 8.5

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La Verdad Incómoda 2 (An Inconvenient Sequel: Truth to Power)

Síntomas: El ex-Vicepresidente de los Estados Unidos, Al Gore, regresa con otra devastadora presentación sobre los considerables retos que aún presenta el cambio climático. Muy incómodo, en verdad.

Diagnóstico: Durante una de las partes más deprimentes del documental La Verdad Incómoda 2, Al Gore nos dice: "No se desanimen; sé que las cosas se ven mal, pero pronto veremos que también hay grandes esperanzas de mejorarlas". Entonces procede a describir los avances realizados en producción de energía sustentable, como celdas solares más baratas y granjas de viento que actualmente generan el cien por ciento de la electricidad en Escocia. ¡Qué alivio! ¡Realmente hay esperanzas!
No... un momento... después de unos optimistas minutos, regresamos a las catástrofes climáticas, al incremento en la temperatura de los océanos, y al recuento de incontables vidas extinguidas por inundaciones, huracanes, y todo tipo de tragedias que probablemente se incrementarán en escala y potencia destructiva con el paso del tiempo. En otras palabras: lo mismo que nos advirtió hace diez años, pero peor... con fugaces esbozos de mejoría que solo subrayan lo mucho que aún queda por hacer.
Es un mensaje al mismo tiempo valioso y desolador. Pero, más allá de los videos de huracanes en las Filipinas, incendios en Australia, e inundaciones en Miami, siento que La Verdad Incómoda 2 ofrece dos valiosas lecciones que no estaban presentes en el primer documental, An Inconvenient Truth, del año 2006.
La primera de estas nuevas lecciones consiste en explicar de manera clara y contundente la conexión entre múltiples componentes del cambio climático. Como señala Gore, es algo que rara vez se menciona en los noticieros cuando vemos esos mismos videos de calamidades alrededor del mundo, y las consideramos como fenómenos aislados... lamentables "actos de Dios" suficientemente alejados uno de otro para descartar posibles conexiones. Sin embargo, como bien sabe aquella proverbial mariposa, la relación de causa y efecto se vuelve profunda e incontrovertible, una vez que reconocemos los lazos de influencia entre, por ejemplo, temperatura del mar y sequías en zonas áridas. Es un cliché, pero sigue siendo verdad: todo está conectado.
La segunda lección, y probablemente la más importante, consiste en detallar el clima político (ja, ja) que impide el avance de tecnologías para reducir la emisión de "gases de invernadero", al mismo tiempo que desacredita aquellas propuestas que afectan los intereses comerciales de industrias específicas (como lo que ocurrió en la India cuando adoptaron el carbón "sucio" como fuente principal de energía, simplemente porque es muy barato).
Desafortunadamente estas lecciones se traducen en un documental bastante seco, repleto de temas abstractos que no alcanzan el mismo nivel emocional de An Inconvenient Truth. Pero no debería tomarse como un defecto, sino como la evolución natural del mensaje de Gore, quien ya trascendió (junto con los directores Bonni Cohen y Jon Shenk) la simple manipulación sentimental, y ahora nos ofrece un mensaje serio y maduro, que dejó atrás las frases prefabricadas de la retórica ecológica, para sumergirnos hasta el fondo de las complejidades geopolíticas y económicas que se interponen en la solución de estos problemas.
Y, claro, también está el asunto de Trump.
Pero, bueno; "la Tierra espera", como dijo cierto novelista, así que esperemos que ese obstáculo sea pasajero, y que el resto del mundo continúe dedicado a proteger el medio ambiente, tal como propone Al Gore, con soluciones simples y lógicas que incluso podrían generar beneficios económicos superiores a los del oligopolio petrolero, empeñado en que las cosas sigan como están.
Entonces, probablemente La Verdad Incómoda 2 no parecerá tan innovadora y memorable como An Inconvenient Truth, pero no por ello deja de ser un valioso resumen de los problemas que enfrentamos, y las posibles soluciones que existen para resolverlos... siempre y cuando exista la voluntad para lograrlo, y la cooperación de entidades económicas y políticas que se atrevan a ver más allá de la siguiente votación, o el siguiente reporte de utilidades. Solo así podremos evitar que nuestro futuro se convierta en Waterworld. O que exista un segundo mandato de Trump.
Calificación: 8

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The Meyerowitz Stories (New and Selected)

Síntomas: El escultor Harold Meyerowitz (Dustin Hoffman) y sus hijos Danny (Adam Sandler), Matthew (Ben Stiller) y Jean (Elizabeth Marvel), atraviesan algunos momentos agridulces mientras contemplan vender la vieja casa familiar.

Diagnóstico: Desde luego esa breve sinopsis no describe los múltiples altibajos de The Meyerowitz Stories (New and Selected), donde acompañamos a la epónima familia durante algunos complicados meses de sus vidas, y presenciamos la dinámica entre el patriarca Harold y sus hijos Danny, Jean y Matthew (no todos de la misma madre).
Harold es un escultor cuyo renombre disminuyó a lo largo de los años, lo cual ha exacerbado su amarga opinión sobre el arte contemporáneo. Danny y Jean sufrieron el sutil desprecio de Harold por no ser "artísticos"; pero, irónicamente, el éxito de Matthew como asesor financiero lo convirtió en el favorito de su padre. Siguiendo la habitual rutina del director Noah Baumbach, las reuniones de la familia Meyerowitz fomentan el choque de todas esas neurosis y disfunciones para crear situaciones a veces dramáticas, a veces humorísticas, pero siempre intensamente humanas, que podemos reconocer incluso como espectadores ajenos al sub-mundo de artistas e intelectuales en Nueva York, ya de por sí separado de la realidad por su mentalidad insular e incontables afectaciones.
En un nivel más práctico, The Meyerowitz Stories (New and Selected) (hablando de afectaciones, ¿era necesario ese subtítulo?) exhibe excelentes actuaciones que capturan con devastadora precisión las turbulentas relaciones entre padre e hijos; algunos sentimientos se reprimen durante la película entera; otros explotan en confrontaciones verbales (y a veces físicas)... pero nunca dudamos sobre las emociones de cada personaje, incluso si pretenden ocultarlas.
Supongo que es justo mencionar primero el notable desempeño de Adam Sandler, dejando a un lado sus bufonerías para abordar un rol dramático con inusual convicción. Ya habíamos visto sus esbozos de "actor serio" en cintas como Funny People y Punch-Drunk Love; y ahora, bajo la precisa dirección de Baumbach, nos confirma que podría continuar esa tendencia cuando el público (y Sandler mismo) se canse de sus irritantes comedias (lo cual probablemente ya está ocurriendo). Ben Stiller le hace perfecta pareja como Matthew, el hermano más centrado que reconoce los rencores provocados por el favoritismo de su padre, aunque no sabe cómo resolverlos. Y Elizabeth Marvel (la Presidente Keane en Homeland) destaca con su lacónica y apocada interpretación de Jean, la "hermana invisible", tan ignorada que ni siquiera merecía las recriminaciones del volátil Harold.
Y aquí llegamos a la "carta fuerte" de The Meyerowitz Stories (New and Selected): Dustin Hoffman, en una tremenda actuación que define la película misma, y tiende a opacar los logros del resto del elenco tan solo por su tremendo carisma y dominio absoluto de cada escena. De hecho, la parte media de la película, enfocada en los hijos, me pareció lenta y un poco cansada por la ausencia de Hoffman. Su presencia es tan fuerte que la cinta flaquea cuando Baumbach lo relega a segundo o tercer plano. Y no es porque las actuaciones de Stiller, Sandler y Marvel sean malas... todo lo contrario. Pero aún así no pueden competir con la leyenda (bien ganada) de Hoffman.
Como sea, The Meyerowitz Stories (New and Selected) me pareció una recomendable película para aficionados al cine independiente, donde las excentricidades de los personajes sirven para enfatizar su "normalidad" interna. Me da gusto que The Meyerowitz Stories (New and Selected) esté ganando merecido reconocimiento para Noah Baumbach (incluyendo una ovación en Cannes); sin embargo, la verdad es que me gustaron más sus dos previas películas, While We're Young y Mistress America, pues contaron con el beneficio de un argumento menos difuso y una narrativa más concreta, lo cual dio como resultado experiencias más satisfactorias... y más graciosas (en mi humilde opinión). Pero, desde luego, eso no me impide recomendar The Meyerowitz Stories (New and Selected) por sus excepcionales méritos al frente y detrás de las cámaras. Y por ese "duelo de actuación" entre Ben Stiller y Adam Sandler, el cual toma forma literal en una pelea simultáneamente emotiva y patética; perfecta metáfora de la familia Meyerowitz.
Calificación: 8

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