The Protector 2

Síntomas: Parece el tipo de situación que solo ocurriría una vez en la vida, pero no fue así: el elefante sagrado de Kham (Tony Jaa) es secuestrado de nuevo cuando el joven rehúsa venderlo. Y, al igual que la vez pasada (como vimos en The Protector), Kham no se detiene hasta encontrar al mafioso culpable... pero lo encuentra muerto, y la evidencia señala a Kham como el asesino. Entonces el devoto campesino no solo tendrá que encontrar a su querido elefante, sino mantenerse un paso adelante de la policía que lo busca por homicidio, y además evadir a las implacables sobrinas del secuestrador, empeñadas en cobrar venganza. Supongo que esas cosas pasan cuando un elefante es parte de la familia.

Diagnóstico: Quizás la premisa del elefante secuestrado suena un poco absurda (al menos fuera de Tailandia), pero funcionó muy bien en la original The Protector gracias a su combinación de espiritualismo budista y brutal acción de artes marciales (estilo "muay thai"). Y ahora su más elaborada secuela, The Protector 2, repite la fórmula, añadiendo un poco de intriga política, locaciones internacionales, y al legendario rapero y productor RZA para atraer al público norteamericano. Pero, claro, la estrella sigue siendo Tony Jaa y su temerario equipo de acróbatas, cuyas impresionantes coreografías los llevan desde los túneles del tren subterráneo hasta las azoteas de Bangkok, donde se desarrollan impresionantes peleas (incluyendo una con motocicletas). Lo que me gustó menos fue la adición de efectos digitales poco convincentes para hacer más espectaculares las acrobacias. Francamente no hacía falta tanta truquería para lucir la increíble habilidad de estos artistas marciales, y hasta parece insulto pensar que necesitábamos motocicletas voladoras o fuego digital para apreciar su esfuerzo. Pero, bueno... The Protector 2 se exhibió originalmente en 3D, así que comprendo la necesidad de hacer todo más exagerado para sacar ventaja de la técnica (desde luego yo vi la versión "plana" en Blu-Ray). También noté una marcada reducción en el subtexto religioso de esta secuela, minimizando los más esotéricos aspectos de la cultura tailandesa; supongo que así será más accesible en el mercado internacional, pero fue uno de los aspectos que hicieron la primera cinta tan distintiva y original. De cualquier modo disfruté intensamente la delirante acción y pasmosas peleas de The Protector 2, aunque se siente un poco convencional y emocionalmente vacía, traicionando la madurez adquirida por otras obras de este género (por ejemplo, la reciente The Raid: Berandal). Sin embargo vale la pena tan solo por el trabajo de Jaa y su equipo... y porque nos muestra la primera pelea con puños electrificados que suenan exactamente como espadas láser de Star Wars.
Calificación: 8

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Líbranos del Mal (Deliver Us From Evil)

Síntomas: Ralph Sarchie (Eric Bana) y su compañero Butler (Joel McHale) son dos dedicados policías neoyorquinos que creían haber visto todos los horrores de la gran ciudad... hasta que una serie de extraños crímenes revela una influencia sobrenatural que está afectando a tres ex-soldados veteranos de Irak que encontraron algo inexplicable en una cueva durante su servicio en aquel país.

Diagnóstico: Hace poco escuché en el programa de radio Coast to Coast AM una entrevista con Ralph Sarchie, policía retirado que co-escribió el libro "Beware the Night" (junto con Lisa Collier) sobre las ocurrencias paranormales que encontró durante su carrera en Nueva York. Sus anécdotas eran realmente terroríficas, y elevaron mis expectativas sobre la película Líbranos del Mal, "inspirada" en las experiencias de Sarchie; sin embargo el director Scott Derrickson (uno de los nuevos talentos en el cine de terror gracias a obras como Sinister y The Exorcism of Emily Rose) decidió tomar un camino más simple y seguro, adornándolo con atmósfera y melodrama para parecer más impactante. Por otro lado, la combinación de investigación policíaca y manifestaciones demoníacas añadió un poco de novedad a las trilladas situaciones y predecible narrativa de la cinta.
Como parte fundamental de su libreto, Líbranos del Mal toma prestados abundantes conceptos y situaciones de otras películas, ya sea como "homenaje" o como eficiente herramienta para establecer la atmósfera o tono adecuado en cada escena (algunos ejemplos: policía con dificultades familiares; sacerdote rebelde con pasado tortuoso; protagonista que ha perdido la fe; y un prólogo ubicado en el Medio Oriente, en el más puro estilo de The Exorcist).
Las actuaciones son bastante buenas (para una película de terror) gracias a la disciplina y convicción de Eric Bana, Joel McHale (en un raro papel serio, pero no exento de su tradicional cinismo) y hasta Olivia Munn, quien logra proyectar genuina ansiedad en su estereotípico papel de "esposa de policía obsesionado con su trabajo". Sin embargo Líbranos del Mal se queda corta en el aspecto de terror. Su ritmo es demasiado lento, la historia da muchas vueltas innecesarias, y su versión de la posesión demoníaca se acerca más al drama que al horror sobrenatural. Aunque al menos los guionistas encontraron excusa para usar varias canciones de The Doors, lo cual complementa bastante bien el tenso marco de desesperanza existencial y decadencia urbana.
A fin de cuentas aprecié que Líbranos del Mal se haya esforzado en modificar su particular receta cinematográfica, poniendo la humanidad de los personajes por encima de fáciles sobresaltos y trucos estilísticos (aunque cuenta con bastantes ejemplos de ambos); pero al mismo tiempo siento que se alejó demasiado de las raíces del género, y trató de compensarlo con una abundancia de clichés que terminan diluyendo su identidad. A pesar de esto ofrece suficientes elementos positivos para merecer una escueta recomendación como obra sólida y madura que refleja una nueva actitud en el cine fantástico, más interesado en carácter que en sustos y "gore" gratuito. Hay amplia oportunidad para refinar el proceso, pero fue un paso en la dirección correcta. Y hay suficiente material en Coast to Coast AM para seguir experimentando.
Calificación: 7

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Only Lovers Left Alive

Síntomas: El inusual matrimonio de Eve y Adam ha durado siglos, pero su apacible vida se desestabiliza con la inesperada llegada de Ava, la impulsiva hermana menor de Eve.

Diagnóstico: Para bien o para mal, Only Lovers Left Alive fue exactamente lo que esperaba... una película de vampiros dirigida por Jim Jarmusch. Desde mi adolescencia admiro la obra de este director, y aunque no me gustan por igual todas sus películas, tiendo a disfrutar su parsimonioso estilo narrativo, que sacrifica historia a favor de atmósfera y riqueza de carácter. De hecho, Jarmusch fue uno de los primeros cineastas que ampliaron mi horizonte cinematográfico, transformando mi percepción del cine como mero entretenimiento de fin de semana, a una asombrosa disciplina artística con insospechadas texturas y posibilidades creativas. Cierto, a veces esto se traduce en "cine raro y aburrido que nadie quiere ver" pero, en mi caso personal, siempre encuentro virtudes (imaginarias o reales) en las cintas de Jarmusch, y aunque Only Lovers Left Alive esté entre sus obras más convencionales, parece que ha contrariado a muchas personas por su superficialidad y obtuso "mensaje".
En lo que respecta al argumento y atmósfera, Only Lovers Left Alive combina astutamente la mística tradicional del vampiro trágico (delineado por Anne Rice) con la actitud contemporánea de autores como Laurell K. Hamilton y Poppy Z. Brite, añadiendo una pizca de la pomposa afectación del cine vampírico de Jean Rollin. En otras palabras, una visión con los mejores atributos del género, y además con el innegable estilo dramático de Jarmusch para añadir emoción y gravedad, ya sea que realmente la posea o no.
Como dije, no puedo negar que sentí Only Lovers Left Alive un tanto superficial; un virtuoso ejercicio en forma y estilo que nunca encontró el trasfondo intelectual necesario para convertirse en una experiencia cinematográfica auténticamente satisfactoria e integral. Tilda Swinton y Tom Hiddleston (¡Loki!) capturan con maravilloso detalle la personalidad y actitud de seres inmortales cuya considerable acumulación de conocimientos y experiencia les ha dejado una perspectiva pasiva y filosófica de a la vida. Adam tomó el camino del "artista atormentado", creando asombrosa música con instrumentos "retro" que se ha convertido en objeto de culto, aunque el artista se rehúsa a publicarla. Por otro lado, Eve lleva una vida más bohemia, disfrutando al máximo la experiencia cultural y estética de su larga vida. Jarmusch los retrata como estrellas de rock en hermosa decadencia, lo cual es indudablemente "cool"... pero no existen auténticos cimientos narrativos sosteniendo la atractiva fachada. El ambiguo final intenta rescatar las cosas en los últimos minutos, pero se siente falso y apresurado.
De cualquier modo me gustó mucho la experiencia de Only Lovers Left Alive gracias a su elegante estilo visual, densa atmósfera y extraordinaria banda sonora, aunque no queda mucha sustancia al terminar la película. Pero está bien... no espero que todas las películas de Jarmusch cambien mi vida; aunque quizás influirá sobre nuevos espectadores listos para convertirse en devotos de este único y consistente cineasta. A mi me ocurrió con Stranger Than Paradise en 1984, y estoy seguro que muchos la odiaron en aquel entonces.
Calificación: 9

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Stripped

Síntomas: Un ágil y completo documental sobre las tiras cómicas, examinando sus años de gloria, la crisis acarreada por la desaparición de muchos periódicos como resultado del Internet, y la revolución digital contemporánea, que no solo está ampliando el potencial del medio, sino alterando fundamentalmente los procesos de su creación.

Diagnóstico: Dos palabras: Bill Watterson. Cinco palabras más: No aparece en este documental. Sin embargo, los directores David Kellett y Frederick Schroeder de algún modo lograron convencer a este legendario (y exageradamente privado) artista para grabar en audio algunas concisas opiniones sobre diversos aspectos de las tiras cómicas, lo cual es motivo suficiente para ver Stripped... al menos para fans de este medio artístico. ¿Es un medio "artístico"? Si Bill Watterson dice que lo es, me inclino a convenir, sobre todo después de admirar la dedicación y diversidad de los artistas que día a día crean estos micro-universos de humor y reflexión. Hablando de lo cual, Bill Watterson (Calvin & Hobbes) no es el único que comparte sus pensamientos. Stripped cubre una amplia gama de creadores, desde leyendas como Jim Davis (Garfield), Jeff Keane (Family Circus) y Cathy Guisewite (Cathy), hasta pioneros digitales como Stephan Pastis (Pearls Before Swine), Jeph Jacques (Questionable Content) y Kate Beaton (Hark! A Vagrant), cuyos muy distintos estilos, temas y técnicas tienen en común el inflexible amor y obsesión por este menospreciado género relegado durante años a los periódicos y publicaciones especializadas. Sus entrevistas son breves, interesantes, y están perfectamente estructuradas para contar una historia integral de éxito, fracaso y redención.
Si Stripped tuviera una falla sería que no dedica suficiente tiempo a los inicios de las tiras cómicas, excepto en obligatorias referencias a Krazy Kat, Little Nemo y Yellow Kid para ilustrar la transformación económica y cultural que sufrieron "los monitos" a lo largo de un siglo de historia. El documental propiamente comienza con los titanes de los sesentas y setentas, cuando los caricaturistas de moda (como Charles Schultz, Mort Walker y hasta Jim Davis) eran celebridades bien conocidas que aparecían con frecuencia en televisión para beneplácito de sus millones de lectores. Pero aquella era dorada se extinguió gradualmente con la crisis de la industria periodística, afectada por la televisión de cable en los ochentas y noventas, y eventualmente aniquilada por el Internet en el nuevo siglo. Esto limitó considerablemente las oportunidades para nuevos caricaturistas... hasta que decidieron publicar independientemente en Internet, convirtiendo al "enemigo" en su más eficiente herramienta de distribución.
Claro, nada de esto es novedad, pero está bien planteado por los directores de Stripped, quienes además adornaron el documental con un fantástico diseño visual, repleto de información, ilustraciones y creativos apéndices que van desde un "video juego" de 8-bit para ilustrar la monetización de los comics actuales, hasta un video musical de Kate Micucci sobre la historia de los dibujos como medio narrativo.
En resumen: un delicioso e ilustrativo paseo por las tiras cómicas en todas sus formas y, con suerte, un perfecto punto de partida para sumergirse en este hobby, ahora más accesible que nunca gracias a sitios como GoComics e incontables "apps" de artistas independientes listos para competir en las grandes ligas. Entonces, hasta que Bill Watterson tenga su propio "talk show", esta será la mejor herramienta de relaciones públicas para las tiras cómicas contemporáneas. Solo falta el olor a periódico y los dedos sucios de tinta.
Calificación: 10

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Reinventando el Amor (The Face of Love)

Síntomas: Nikki Lostrom (Annette Bening) enviudó hace cinco años, pero aun no logra superar la pérdida de su esposo Garrett (Ed Harris). Un día, visitando una galería de arte, Nikki conoce casualmente a un hombre idéntico a Garrett, y se empeña en conocerlo e iniciar un romance que podría ayudarla a resolver sus emociones... o convertirse en una cruel obsesión que le impedirá continuar su vida.

Diagnóstico: No diría que me gustó mucho Reinventando el Amor, pero me pareció una buena película con sobresalientes actuaciones y un interesante mensaje, simultáneamente deprimente y optimista, sobre el riesgo y comodidad de aferrarse al pasado, usándolo como excusa para evadir el presente e ignorar el futuro.
Ed Harris abandona por un momento su habitual rudeza para presentarnos una faceta cálida y vulnerable en un papel dual que, francamente, no le exige demasiado; pero aún así consigue memorables momentos de abundante intensidad emocional. Por su parte, Annette Bening carga con el peso dramático de la película, navegando exitosamente la línea entre amor sincero y enfermiza obsesión, de modo que nunca estamos seguros sobre rumbo que tomará la película; o si, como espectadores, deberíamos estar a favor del nuevo romance que ilumina su vida, o en contra de una perversa fantasía que podría causarle mayor daño a largo plazo. El tristemente fallecido Robin Williams interpreta a Roger, vecino y amigo de Nikki, que tal vez veía un futuro romántico con su vecina... hasta que se atraviesa la virtual reencarnación del marido muerto. No es una actuación particularmente notable, pero me dio gusto verlo en uno de sus últimos proyectos, tan sólido y confiable como siempre en roles dramáticos.
A fin de cuentas Reinventando el Amor desafió mis expectativas y, lejos de ser un simple romance otoñal, presenta una interesante perspectiva psicológica rara vez examinada en el cine moderno. También me gustó el uso de actores maduros, lo cual presta mayor gravedad a sus emociones y libera al director Arie Posin para encontrar su propio voz, sin sujetarse a los requerimientos comerciales de Hollywood (en otras palabras, dudo que la película hubiera tenido igual impacto con un elenco de actores jóvenes y populares).
Como dije antes, no sé si me gustó Reinventando el Amor, pero admiro mucho lo que logró con una premisa aparentemente simple, y podría recomendarla para gente que disfrute de un buen drama adulto, libre de clichés y más profundo que las afectadas tragedias de Nicholas Sparks e imitadores. Es fácil hacer llorar al público, pero es más valioso obligarlo a cuestionar sus emociones.
Calificación: 8.5

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En el Tornado (Into the Storm)

Síntomas: Una poderosa tormenta con múltiples tornados azota el pequeño pueblo de Silverton, y las increíbles imágenes de caos y destrucción son capturadas en video por diversos habitantes de la comunidad, cada uno con su propio melodrama personal para hacer las cosas más tensas y emocionales.

Diagnóstico: Allá por el año 1996, la película Twister usó un hueco argumento como excusa para lucir los entonces impresionantes efectos de polvo y partículas creados por Industrial Light & Magic. Y ahora, casi veinte años después, En el Tornado repite la fórmula con malos actores, personajes aún más superficiales, y con el trillado truco de la técnica pseudo-documental. Pero, eso sí, con espectaculares efectos visuales (esta vez de Digital Domain) que hacen todo lo demás irrelevante y logran que valga la pena ver esta cinta.
Cierto, una mala película no se vuelve mágicamente buena gracias a sus efectos (¿alguien dijo "Transformers"?); pero la experiencia puede ser mucho más amena cuando tenemos distractores visuales de increíble complejidad y realismo. Entonces, los minutos que En el Tornado dedica a sus personajes se vuelven progresivamente más irritantes y aburridos. Pero cuando escuchamos el sonido del viento y el rugido de los tornados, la atención regresa y podemos disfrutar la magia digital que se convierte en un fin por sí misma.
En caso de que alguien esté interesado, los personajes representan la gama de estereotipos obligatorios en cualquier película de desastre: los valerosos científicos con todas las respuestas (aunque nadie les haga caso); los jóvenes enamorados en peligro de separarse; el estoico héroe con problemas familiares; los patanes ignorantes que no toman en serio el riesgo hasta que es demasiado tarde; y el villano por default que pone sus intereses por encima de las vidas ajenas (aunque eventualmente tiene oportunidad de redimirse).
Realmente no hay mucho más que decir sobre En el Tornado; es un excelente portafolio de efectos visuales para el estudio Digital Domain, tenuemente estructurado por mediocres sub-tramas, y con la ventaja/desventaja de la mareante cámara en mano (cada espectador sabrá si le gusta este estilo o si le provoca náusea). Si deciden verla, conviene hacerlo en pantalla grande con buen sonido. Si se esperan a su estreno en televisión o alguna forma de video casero, perderán la escala de los tornados y la magnitud de la destrucción... pero ganarán la habilidad de usar el botón Fast Forward. Una cosa por otra.
Calificación: 6.5

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Terror en Neverlake (Neverlake)

Síntomas: La joven Jenny Brook (Daisy Keeping) viaja a la región italiana de Toscana para visitar a su padre, quien trabaja en un proyecto arqueológico recuperando reliquias etruscas sumergidas en un lago desde hace miles de años. Jenny pasa sus días leyendo poesía a los niños de un asilo cercano, pero durante las noches sufre horribles pesadillas relacionadas con el lago, y empieza a sospechar que su padre está ocultando algo. Entonces, con ayuda de los niños (y de un galán adolescente taciturno y torturado), Jenny inicia su propia investigación, y descubre que la respuesta del misterio podría estar mucho más cerca de lo que ella imaginaba.

Diagnóstico: A pesar de estar compuesta de clichés y escenas prefabricadas que hemos visto en incontables películas, Terror en Neverlake comienza prometedoramente gracias a su siniestra atmósfera y tétricas locaciones italianas (esta es la cara rural y sombría de Toscana, completamente distinta al soleado paraíso que vimos en comedias románticas como Letters to Juliet y Under the Tuscan Sun). La historia se desarrolla parsimoniosamente, intentando crear suspenso y dejando amplio margen para especular sobre la naturaleza de los fenómenos paranormales (¿realmente hay espíritus etruscos de tres mil años en el lago, o es una fantasía provocada por circunstancias más mundanas?)
La joven actriz Daisy Keeping muestra razonable talento y presencia para guiarnos por la obtusa narrativa, prestando realismo a sus acciones, incluso cuando no tienen mucho sentido. Sin embargo nada de esto compensa el lento y monótono libreto, que tarda más de una hora en decidirse por un camino concreto. Parecería que los guionistas no lograron ponerse de acuerdo sobre el tipo de película que querían escribir... ¿Es un drama sobrenatural al estilo de El Orfanato? ¿Un relato de "body horror" como las obras de David Cronenberg? ¿O una historia de fantasmas vengativos, en la línea de Sinister? La respuesta, desafortunadamente, es "todo y nada". En su intento por combinar tantos estilos, Terror en Neverlake no cumple su propósito en nivel alguno. No asusta, no emociona, y ni siquiera entretiene. Y mejor ni hablemos del incipiente romance entre Jenny y el ridículamente exagerado joven "emo" que por alguna razón vive con los niños del asilo (ejemplo de sus diálogos: "-¿Te gustan las historias de fantasmas? -Sí, porque todos se mueren"). No sé si fue decisión del director Riccardo Paoletti o del actor Martin Kashirokov, pero es obvio que alguien vio demasiadas veces cierta franquicia vampírica para jovencitas. Y no, tampoco el romance funciona. Esto nos deja con algunas buenas imágenes, cortesía del cinematógrafo Cesare Danese; un par de sorpresivos efectos digitales (me gustaron las cruentas pesadillas de Jenny); y las mencionadas locaciones italianas, que ameritaban lucirse con una historia mejor planteada.
No podría recomendar Terror en Neverlake como fugaz distracción en video casero; y mucho menos en el cine, donde la experiencia fue aún más aburrida y frustrante (por no mencionar que tuve que manejar una hora en la lluvia para verla). En resumen: otro punto en contra del cine de terror, que ya tiene un marcador bastante bajo este año; y otra razón para quedarse en casa, donde podemos encontrar mejor material en streaming digital. Si los distribuidores quieren que sigamos yendo al cine, deberán exhibir mejores películas, y no confiar en dos o tres "blockbusters" por año para salvarlos de la bancarrota.
Calificación: 4

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The Zero Theorem

Síntomas: En un pesadillesco futuro desbordante de tecnología e información, pero carente de sustancia, Qohen Leth (Christoph Waltz) trabaja diligentemente en su cubículo, a pesar de sufrir una fuerte depresión por no encontrar sentido en su vida. Entonces el enigmático Administrador (Matt Damon) le asigna la tarea de encontrar la prueba matemática del Teorema Zero, y Qohen acepta solo porque le permitirán trabajar desde su casa. Y así, con ayuda (y ocasionales distracciones) de bizarros individuos que lo visitan constantemente, Qohen tratará de resolver la ecuación que podría definir el futuro del universo. O algo así.

Diagnóstico: Por el lado bueno, The Zero Theorem es como un paseo guiado por el subconsciente del director Terry Gilliam, repleto de pesados conceptos filosóficos, exploraciones de la condición humana, y un perverso sentido del humor que encuentra risas en la futilidad del individuo; y todo ello contenido en un espacio decorado por los diseñadores de producción de Max Headroom con un presupuesto ilimitado. Por el lado malo... las mismas razones. Pero, en mi humilde opinión, el aspecto bueno supera el malo porque estoy acostumbrado a ver las películas de Gilliam como auténticos despliegues de creatividad desenfrenada, vagamente estructurados por ideas y densos cuestionamientos existenciales que es fácil perder de vista, debido a que se expresan en detalles engañosamente irrelevantes, cuando en realidad encierran la esencia misma de sus cintas. En otras palabras: mucho ruido y pocas nueces... pero quien sepa abrir esas nueces encontrará suficiente valor nutritivo para quedar satisfecho y justificar la experiencia.
O al menos así fue mi caso. Sin embargo, para quien solo vea The Zero Theorem por sus valores superficiales encontrará una historia obtusa y repetitiva, ubicada en confusos escenarios creados con efectos especiales de dudosa calidad. Y, sobre todo, repleta de satíricas alegorías sobre la vida moderna que no son tan inteligentes o provocativas como el director supone. Sin embargo... creo que el auténtico valor de la película reside más allá de su abigarrada presentación. Me cuesta trabajo expresarlo en palabras, pero es justamente lo que me gusta de las películas de Terry Gilliam (y también de David Lynch y Guy Maddin, para el caso): esa sensación de propósito detrás del caos. No sé si será real, o tan solo una consecuencia de mi anquilosado cerebro tratando de procesar información aleatoria, buscando ideas donde solo hay estilo. De cualquier modo funcionó para mi, y aunque no puedo recomendar The Zero Theorem con absoluta confianza, creo que vale la pena exponerse a su volátil combinación de imágenes y conceptos, con la esperanza de que cada espectador encuentre algo distinto y quizás valioso en la experiencia. Y si no, siempre queda admirar al valeroso elenco que desborda entusiasmo en la creación de personajes excéntricos, pero suficientemente sinceros y emotivos para "enganchar" al espectador.
A fin de cuentas no esperaba menos de Gilliam, y por eso disfruté bastante el reto presentado por The Zero Theorem. A diferencia de su torturado protagonista, no necesito encontrar una respuesta concreta para quedar satisfecho. Me conformo con la posibilidad de que la solución exista en algún lugar de la narrativa, esperando el momento de revelarse y sorprendernos (nota: las sorpresas no siempre son buenas).
Calificación: 8.5

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Cuban Fury

Síntomas: Bruce Garrett (Nick Frost) fue un destacado bailarín de salsa en su adolescencia, hasta que un doloroso encuentro con varios "bullies" le robó el gusto por la danza. Veinticinco años después Bruce conoce a Julia (Rashida Jones), recién llegada a Inglaterra para trabajar en la misma firma. ¿Podrá el tímido y obeso hombre seducir a su atractiva compañera de trabajo? Solo si logra revivir el espíritu de la salsa en su corazón.

Diagnóstico: La trama de Cuban Fury es tan elemental y predecible como indican esos síntomas. El libreto de Jon Brown ("inspirado" por Nick Frost) prácticamente se escribe solo, y cuenta con los más comunes elementos de este tipo de películas: el protagonista con baja auto-estima, la mujer atractiva pero accesible, el patán competidor, y el mentor que cree en su discípulo, incluso cuando el discípulo no cree en sí mismo.
Con un argumento tan trillado no habría razón para recomendar Cuban Fury... pero me inclino a hacerlo (con ciertas reservas) tan solo por la gracia y humor de sus actores. Nick Frost repite el papel de siempre: adorable "loser" que captura de inmediato la simpatía del público con su expresivo rostro y cálida personalidad. Rashida Jones tiene un papel bastante pasivo, pero aun así brilla su casual encanto (básicamente Ann Perkins trasplantada a Londres). Y hasta el odioso rival de Bruce, interpretado por Chris O'Dowd, genera algunas risas con sus absurdos planes para seducir a Julia y eliminar a la competencia (su mejor escena es un espontáneo "dance-off" en el estacionamiento de la compañía). Redondeando al elenco tenemos al rudo Ian McShane como inescrutable instructor de baile con insólitos métodos didácticos (entre ellos: juegos de mesa); y Olivia Colman como hermana de Bruce y antigua pareja de danza. Solo el talento y carisma de estos actores hacen que valga la pena ver Cuban Fury.
Imagino que los fans de la salsa (el baile, no el condimento) sabrán apreciar mejor las múltiples secuencias de danza, que van desde los clásicos ritmos de Tito Puente hasta el moderno "reggaeton". Yo no entiendo mucho (nada) de salsa, pero aun así admiré la destreza física de los bailarines, sobre todo cuando la acompaña un componente humorístico. Entonces, Cuban Fury tiene algunos medianos momentos cómicos y buena química entre su elenco, además de sólidas rutinas de baile y uno que otro cameo que me hizo sonreír. Pero su tono es tan blando y su argumento tan simplón que me costó trabajo mantener el interés, así que solo la recomendaría para aficionados a la salsa y para admiradores de Nick Frost, siempre y cuando no esperen Shaun of the Dead con camisas de satín.
Calificación: 6.5

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Decisión Final (Draft Day)

Síntomas: Sonny Weaver Jr. (Kevin Costner), veterano agente deportivo de los Browns de Cleveland, se ve obligado a lidiar con una serie de problemas laborales, personales y románticos durante el importantísimo Día de Reclutamiento, cuando los equipos de la NFL seleccionan a sus nuevos jugadores para la siguiente temporada de fútbol americano.

Diagnóstico: Sé muy poco de deportes, pero no me preocupa ver películas sobre ese tema porque casi siempre usan estructuras dramáticas fácilmente reconocibles, y no necesitamos ser expertos en fútbol, béisbol, etc. para seguir la trama y apreciar sus usuales altibajos emocionales. Sin embargo me empecé a preocupar un poco al principio de Decisión Final, pues no es exactamente sobre deportes, sino sobre las arcanas negociaciones e intrigas que cada año se suscitan en las más altas esferas de la NFL durante la época de reclutamiento, y francamente me estaba costando trabajo entender algunos diálogos demasiado técnicos ("Quiero mover el número uno", "necesito tercera ronda", "intercambio elección número dos"... ¿Son términos deportivos o eufemismos sobre ir al baño?) Afortunadamente las cosas se simplifican conforme nos internamos en la rutina del protagonista y nos damos cuenta de que toda esa palabrería se destila en una historia de redención personal y orgullo familiar.
A pesar de su irregular filmografía Ivan Reitman sigue siendo un buen director, y sabe manipular la narrativa de Decisión Final para introducirnos gradualmente a las complicadas reglas del reclutamiento, de modo que nuestra (mi) ignorancia no obstruye el flujo de la historia. Y, además, cuenta con sólidos actores para prestar sustancia a las negociaciones, logrando una sensación de gravedad que realza el drama, y nos hace pensar que estamos viendo conflictos de vida o muerte, en vez de simples rutinas de patio escolar: "Si escoges a Juan yo me quedo con Pedro". Excepto que, en este caso, "Pedro" y "Juan" representan decenas de millones de dólares para sus respectivos equipos. Después de todo quizás sí sea vida o muerte.
Kevin Costner hace lo suyo como siempre, mostrando fuerza o vulnerabilidad según requiera la situación, dando apasionados discursos y revelando el lado humano del fútbol americano. Claro, imagino que la realidad es muy distinta a esta idealizada visión del "draft day", pero aun así Decisión Final me gustó bastante, me enseñó algunas cosas nuevas sobre fútbol americano (que sin duda olvidaré en unos días) y, sobre todo, demostró que Ivan Reitman tiene aún mucho que ofrecer cuando abandona el traicionero terreno de la comedia y simplemente se dedica a contar buenas historias con personajes interesantes y honestas emociones. Incluso si el público no entiende la mitad de los diálogos.
Calificación: 8.5

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