Hypnotic

Síntomas: El policía Daniel Rourke (Ben Affleck) investiga los crímenes de un individuo con extraños poderes mentales; y la única que puede ayudarlo es Diana Cruz (Alice Braga), una hipnotizadora de cuestionable talento.

Diagnóstico: El tema policíaco de Hypnotic parece anunciar una versión más "madura" del director Robert Rodríguez (We Can Be Heroes, Alita: Battle Angel), pero en el fondo no puede escapar la sensibilidad "geek" que adorna sus películas... y por eso Hypnotic no me pareció tan mala como proclama la crítica.
Cierto, Hypnotic fue un fracaso de taquilla durante su estreno en cines, y tampoco tuvo éxito On Demand, donde bajó de precio con alarmante rapidez. La razón de esto, en mi humilde opinión, es que Hypnotic parece una película torpe y confusa... hasta que revela su auténtica intención. Desafortunadamente tarda demasiado en clarificar su propósito, e ignora muchas inconsistencias en su inusual premisa.
Pero, ¿es realmente inusual, o solo pertenece a un género que no esperábamos? Una discusión racional de Hypnotic empezaría con el gran "twist" del tercer acto, pero eso implicaría demasiados "spoilers". En vez de eso, señalaré su similitud con otro medio artístico que disfruto: los comics.
En efecto, lo que comienza como un thriller policíaco se convierte en una historia de súper-héroes (o súper-villanos, para ser más exactos), no solo por la presencia de ciertos arquetipos comiqueros (como experimentos gubernamentales, poderes mutantes y sociedades secretas), sino por la narrativa abreviada que omite "detalles" incompatibles con su versión de la realidad. Por ejemplo, la ridícula facilidad con la que el policía Daniel Rourke (Ben Affleck) se infiltra en una bóveda bancaria para examinar el contenido de una caja de seguridad; o la balacera dentro de un precinto que no provoca reacción alguna del cuerpo policíaco (¿tal vez solo había dos oficiales en todo el edificio?) Ese tipo de situaciones agotan la paciencia del público y diluyen su atención; entonces, cuando nos explican lo que realmente está pasando, los "errores" empiezan a tener sentido... pero para ese momento muchas personas habrán perdido interés en las descabelladas respuestas de Hypnotic.
Por el lado técnico, la dirección de Robert Rodríguez es tan ágil como siempre, buscando un sano balance entre el melodrama personal (Roarke sufrió una tragedia en su pasado que afecta su criterio) y los aspectos fantásticos del libreto, incluyendo al misterioso Lev Dellrayne (William Fichtner), quien puede implantar sugestiones en personas comunes para que cometan crímenes en su lugar. Es algo similar al "Hombre Púrpura" de Jessica Jones, pero en un marco dramático más solemne que cualquier adaptación de comic.
El resultado es una experiencia demasiado irregular para audiencias que esperaban un drama normal con Ben Affleck. Sin embargo, el público "geek" (como yo) quizás apreciará  una buena historia de origen oculta bajo un disfraz de cine "serio". Me gustaría ver la secuela que sugiere la escena post-créditos de Hypnotic; pero el mencionado fracaso económico probablemente mató la franquicia antes de nacer. En fin... tal vez Robert Rodríguez y su hijo Racer podrán continuar la historia en los comics... donde realmente pertenece.
Calificación: 6.5 (para el público casual sería 5)

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Sheroes

Síntomas: Cuatro amigas viajan a Tailandia para pasar unos días de hedonismo y diversión; pero cuando una de ellas es secuestrada, las demás deciden rescatarla.

Diagnóstico: El argumento, las actuaciones y los diálogos son tan malos como el título (quizás peores); sin embargo Sheroes tiene adecuadas secuencias de acción (para una B-Movie), atractivas imágenes (no solo la cinematografía, sino los paisajes y el reparto), y un cínico sentido del humor que me ayudó a ignorar sus defectos y enfocarme en sus frívolas virtudes. En resumen: Sheroes es auténtico "cine chatarra" diseñado para divertirnos, aunque sea perjudicial para nuestra salud (mental).
Vamos por partes: la trama es ridícula, aunque podríamos tomarla como una sátira post-moderna de Taken, acerca de tres mujeres con "habilidades especiales" que enfrentan a la mafia tailandesa para rescatar a su amiga secuestrada.
¿Cuáles son sus "habilidades especiales"? Buena pregunta. Diamond (Sasha Luss) es la hija de un famoso actor de películas de acción... y eso le da la experiencia necesaria para manejar situaciones peligrosas en la vida real. Además, la mansión de su padre en Phuket (Tailandia) tiene un cuarto secreto lleno de armas, así que están cubiertas en ese aspecto. Ryder (Wallis Day) es la "skater girl" del grupo, capaz de derrotar al campeón local de Muay Thai en peleas ilegales. Y Ezra (Isabelle Fuhrman) es una actriz de series policíacas, lo cual significa que puede resolver cualquier conflicto con palabras y talento histriónico. Y, bueno, también está Jasper (Jack Kesy), el misterioso piloto del avión privado de Diamond, quien podría ser un simple "himbo" para satisfacer a la chica, o un aliado en la misión de rescate.
Las actrices no son malas; Sasha Luss tuvo el papel principal en Anna, de Luc Besson; Isabelle Fuhrman ganó considerable aclamación crítica en la reciente The Novice (vamos a olvidar Orphan: First Kill por un momento); y Wallis Day y Skai Jackson tienen amplia experiencia en series televisivas como Batwoman y Bunk'd (respectivamente); pero los antipáticos personajes de Sheroes y su extrema "actitud" solo empeoran los terribles diálogos que mencioné al principio. Clásico caso de un buen elenco atrapado en una mala película. Pero, bueno... hay que pagar la renta, y quién sabe cuánto durará la huelga de escritores en Hollywood (¿y tal vez actores en el futuro cercano?), así que cualquier trabajo es bueno.
Hablando de bueno, la acción de Sheroes tarda mucho en llegar, y no fue tan impactante como yo esperaba. Sin embargo las actrices se comprometen con los "stunts" y las peleas contra los esbirros del cartel tailandés; y debo admitir que su plan, por descabellado que parezca, tiene cierto ingenio por su desproporcionada ambición y ciega confianza en su suerte. O tal vez su falta total de sentido común es como un súper-poder que las protege del peligro.
Como sea, Sheroes me mantuvo entretenido durante ochenta minutos desechables, y despertó mi nostalgia por aquellos thrillers feministas en concepto pero sexistas en ejecución, que se pusieron de moda en los años setentas (como Angel's Revenge, Switchblade Sisters y algunas obras de Russ Meyer) (las mismas película que inspiraron Charlie's Angels, para ser más claros). Y aunque no puedo recomendar Sheroes (salvo como placer irónico), admiré su intención y reí con sus excesos. A veces hace falta un poco de chatarra para descansar del cine intelectual.
Calificación: 6

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Indiana Jones y el Dial del Destino (Indiana Jones and the Dial of Destiny)

Síntomas: En 1969, el Profesor Henry "Indiana" Jones (Harrison Ford) se prepara para el retiro; pero su ahijada, Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge), lo invita a participar en la búsqueda de una reliquia que podría cambiar el mundo.

Diagnóstico: Creo que la saga de Indiana Jones debió terminar con la tercera parte (Indiana Jones and the Last Crusade, de 1989), cuando aún conservaba el espíritu de los "seriales" cinematográficos que inspiraron a Steven Spielberg en la creación del personaje. Sin embargo el dinero habla, y por eso en el 2008 se estrenó Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, una inútil continuación que empañó la esencia de la franquicia con su enredada premisa y forzadas secuencias de acción. Y ahora, quince años después, el director James Mangold (Ford v Ferrari, The Wolverine) trata de corregir el rumbo con Indiana Jones y el Dial del Destino, la quinta y última parte (?) que podría restaurar la gloria de "Indy" y darle el digno final que merece. ¿Lo logró?
El tiempo dirá.
Por lo pronto, Indiana Jones y el Dial del Destino me pareció mejor que Crystal Skull tan solo por la trama más coherente y los personajes más creíbles. ¡Incluso hay un "sidekick" adolescente que no odié de inmediato! Aunque, desde luego, la opinión del lector podrá variar.
Indiana Jones y el Dial del Destino comienza en 1944, cuando Indiana Jones (Harrison Ford) y su amigo Basil Shaw (Toby Jones) intentan recobrar una reliquia religiosa que los nazis robaron de un castillo europeo; pero lo que encuentran es un fragmento de algo más extraño, con el potencial de cambiar al mundo... aunque desde luego Jones no cree en esas patrañas.
Entonces, veinticinco años después, Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge), la hija de Basil, interrumpe el retiro del Profesor para invitarlo a buscar la otra mitad del misterioso artefacto, con la cual podrán controlar su poder... o venderlo al mejor postor.
Y así comienza la aventura que llevará a Jones y sus aliados por todo el mundo, enfrentando obstáculos y situaciones que a veces parecen lógicos (por ejemplo, la rivalidad con el Dr. Jürgen Voller, interpretado por Mads Mikkelsen), y otras veces son relleno para extender la película y generar más secuencias de acción (como la persecución en Tánger).
Y ahí reside el principal problema de Indiana Jones y el Dial del Destino (en mi humilde opinión). El director James Mangold se esfuerza por mantener el "sabor" de las películas de Indiana Jones, pero repite los mismos trucos hasta que se vuelven monótonos. Hay tantas persecuciones, peleas y exploraciones de sitios arqueológicos que tienden a confundirse y perder su relevancia individual. Mangold es un competente director, y sabe crear "despedidas" memorables; pero la presión de "heredar" un personaje tan icónico como Indiana Jones tal vez ofuscó su visión y le impidió fijar los límites que la cinta necesita para encontrar su ritmo y conservar nuestra atención. Siempre es mala señal cuando los momentos más "emocionantes" de una película me hacen bostezar y ver el reloj para estimar cuándo llegará el final.
Hablando de lo cual, el final de Indiana Jones y el Dial del Destino me pareció absolutamente ridículo... pero al mismo tiempo ingenioso y satisfactorio como cierre de una saga que podría terminar aquí sin problema alguno, o revivir en una forma distinta sin perder el sentido del humor y la energía que distinguieron esta mezcla de aventuras "retro" y moderna producción. Creo que le sentó bien a Indiana Jones el cambio de director; y al menos Mangold evitó que Lucas metiera las manos para arruinar la fiesta.
Calificación: 8

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Possession (Forbannelsen)

Síntomas: En 1918, el Reverendo Smith (Jan Sælid) regresa de una misión evangélica para establecer la nueva parroquia de un pueblo minero al norte de Noruega. Pero Smith decide construir la iglesia en territorio sagrado de la tribu Sámi, y desata una maldición sobre la comunidad.

Diagnóstico: Sería ingenuo pensar que todas las películas noruegas de terror van a ser tan buenas como The Innocents o Troll; y además Possession no obtuvo gran aclamación durante su recorrido por varios festivales europeos. Sin embargo decidí verla porque me interesa conocer diferentes perspectivas de las fórmulas comunes en el cine hollywoodense.
En este caso tenemos otra instancia de "profanación del cementerio sagrado", donde una compañía minera invade la tierra milenaria de los Samis, una tribu lapona que, como muchos pueblos nativos alrededor del mundo, fueron desplazados y segregados por tener distintas costumbres.
El culpable de la profanación es el Reverendo Smith (Jan Sælid), seleccionado por una compañía minera como fundador de una parroquia para los nuevos empleados de la región. La compañía llegó a un acuerdo con la tribu Sami que ocupaba esas tierras, pero el Reverendo Smith ignora los límites de su jurisdicción, y construye la iglesia en territorio sagrado. Entonces empiezan a ocurrir accidentes, tragedias y muertes sospechosas. ¿Será realmente una maldición sobrenatural, o las consecuencias normales de una pandemia (la Gripe Española de 1918), un peligroso entorno laboral, y excesiva ambición corporativa?
¿O por qué no todo lo anterior?
Definitivamente hay fenómenos paranormales en Possession, pero constituyen una mínima parte del horror. Incluso diría que las apariciones y mensajes "del más allá" parecen benevolentes en comparación con la malicia humana manifestada en todas sus formas: el reverendo hipócrita que utiliza la religión para justificar su crueldad; los dueños de la empresa minera que solo quieren la iglesia para controlar a sus empleados; y el racismo de la sociedad que pisotea los derechos de individuos "inferiores" tan solo por seguir una doctrina distinta. Esos son los auténticos villanos de Possession, y el director Henrik Martin Dahlsbakken examina con clínica frialdad los conflictos que causan en un pueblo ya de por sí afectado por la pobreza y la ignorancia.
Las protagonistas de la historia son Agathe (Anna Filippa Hjarne) y My (Eva Nergård), las hijas del reverendo que perdieron recientemente a su madre, y quieren contactarla por medio de rituales ocultos. Pero las entidades que responden tiene otras ideas sobre la invasión de su propiedad.
Las actuaciones de Possession son excelentes (mención especial para la pequeña Eva Nergård, quien muestra excepcional realismo en escenas muy difíciles). La cinematografía de Oskar Dahlsbakken y la música de Nils Martin Larsen crean una atmósfera de amenaza inminente, incluso en escenas engañosamente inocuas; y la visión analítica de Henrik Martin Dahlsbakken presenta los fenómenos sobrenaturales como ocurrencias cotidianas, ciertamente tenebrosas, pero sin las afectaciones del horror tradicional. Por esa razón Possession no es muy satisfactoria como película de terror; pero funciona bien como drama familiar sobre intolerancia, represión, y la corrupción de instituciones que parecen infalibles... hasta que aceptamos su origen humano. En esas condiciones, hasta la ayuda de fantasmas vengativos es mejor que la cruda realidad.
Calificación: 6.5

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The Wrath of Becky

Síntomas: Becky Hooper (Lulu Wilson) escapa de sus padres adoptivos y trata de sobrevivir en los márgenes de la sociedad; pero cuando tres hombres secuestran a su perro, Becky decide rescatarlo.

Diagnóstico: En el año 2020, la película Becky propuso un violento y divertido re-planteamiento de Home Alone, donde una niña se defendió de varios criminales que invadieron su casa. El libreto tenía inconsistencias y situaciones inverosímiles para lograr que la niña saliera victoriosa; pero lo compensó con abundante sangre, un mórbido sentido del humor, y un trágico final que reconoció el daño psicológico de Becky después de sobrevivir una experiencia traumática.
Desafortunadamente la secuela, The Wrath of Becky, no solo repite los errores de la primera película, sino que los extiende hasta el punto de la caricatura, desperdiciando el potencial dramático del personaje y el subtexto político que le hubiera dado relevancia a la gastada fórmula de "venganza personal".
No voy a enlistar quejas específicas porque serían "spoilers"; sin embargo todas caen en la categoría antes mencionada: conductas absurdas y situaciones inverosímiles que reducen la credibilidad de la cinta, revelando la pereza (o ineptitud) de los directores y guionistas Matt Angel y Suzanne Coote para encontrar soluciones ingeniosas a los retos que enfrenta Becky (Lulu Wilson) en su lucha contra los patanes que robaron a su perro Diego (Pac Williams).
Y ahí tenemos un buen ejemplo de las incongruencias de The Wrath of Becky: ¿por qué tres neo-nazis roban el perro de una niña? Repito, no describiré las circunstancias que conducen a ese evento, pero créanme que NO TIENEN SENTIDO. Entonces Becky, quien lleva años entrenándose en defensa personal, se prepara para el rescate... y lo único que logra es empeorar la situación, revelando información que los villanos pueden usar en su contra. En resumen: The Wrath of Becky fue una decepción, aunque no exenta de virtudes.
Entre ellas: la actuación de Lulu Wilson (Annabelle: Creation) como Becky, deliciosamente desafiante a pesar del peligro; la hilarante saña de las muertes (mi favorita fue la granada de mano); y la expansión de una mitología un poco ridícula, pero adecuada para continuar la historia y completar la trilogía.
Irónicamente, lo mejor de The Wrath of Becky fueron los villanos (interpretados por Seann William Scott, Michael Sirow, Aaron Dalla Villa, Courney Gains y el co-director Matt Angel), quienes representan distintos aspectos del extremismo político en los Estados Unidos. Podríamos llamarles "neo-nazis", pero dentro de esa genérica descripción existen variaciones que la cinta explora a nivel colectivo e individual, esbozando las diferencias en métodos e ideologías dentro de las organizaciones supremacistas. Si los demás elementos de The Wrath of Becky tuvieran la misma profundidad y ambición, sería un nuevo clásico del cine de venganza. Pero con su mediana ejecución solo podría recomendarla como un paso obligatorio en el camino a una tercera parte que, con suerte, finalmente cumplirá el potencial de la premisa. Ya no pido realismo, sino simple lógica.
Calificación: 6.5

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Elementos (Elemental)

Síntomas: La joven Ember (voz de Leah Lewis) quiere mucho a sus padres inmigrantes, y está lista para heredar el negocio familiar; sin embargo, cuando conoce a Wade (voz de Mamoudou Athie), Ember empieza a dudar sobre su auténtica vocación.

Síntomas: La película Elementos parte de una idea que ya vimos varias veces en la filmografía de Pixar: conceptos abstractos que son antropomorfizados para contar historias que no tendrían la misma resonancia si se hicieran con juguetes o automóviles.
En este caso, como indica el título, Elementos utiliza los elementos básicos del mundo natural (agua, tierra, aire y fuego) para explorar temas tan diversos como la experiencia de los inmigrantes, prejuicios culturales, disparidad de clases, la atracción de extremos opuestos, la búsqueda de propósito en la vida, y la importancia de las tradiciones, así como el criterio para saber cuándo debemos respetarlas, y cuándo hacerlas a un lado para que no interfieran con el progreso personal.
En resumen: una larga lista de componentes interesantes por sí mismos, pero con escasa coherencia narrativa, lo cual es exactamente el problema de Elementos.
Los primeros minutos de la cinta establecen un entorno urbano ("Ciudad Elemento") donde los ciudadanos pertenecen a cuatro categorías: agua, fuego, aire o tierra. Sin embargo, aunque viven juntos, no se mezclan debido a los prejuicios de sus respectivas culturas y las incompatibilidades de su naturaleza física: el fuego desconfía del agua, la tierra le teme al fuego, etc. Ahí la joven Ember (voz de Leah Lewis) y sus padres inmigrantes tienen una tienda en el distrito de Fuego, que Ember espera heredar algún día. Entonces Ember conoce a Wade (voz de Mamoudou Athie), un inspector de agua, y sus vidas empiezan a cambiar... aunque Ember no está segura si el cambio será bueno.
Elementos me pareció una mediocre película con buenas intenciones. El director Peter Sohn (The Good Dinosaur) y su comité de guionistas se esforzaron por crear una historia apta para niños y adultos, con mensajes positivos para la sociedad contemporánea. Desafortunadamente el argumento se pierde entre tangentes y rodeos que enredan la película y hacen más artificial el melodrama. Elementos podría haber sido una historia relativamente madura sobre los retos de los inmigrantes en una tierra extraña; o una comedia romántica sobre individuos con valores opuestos en una comunidad llena de prejuicios; o un relato "coming of age" sobre una joven atrapada entre los deseos de sus padres y su propia vocación. Pero nada de eso sería suficientemente "Pixar", y por eso sus creadores mezclaron, añadieron y remendaron hasta nublar por completo el tono de la cinta.
Pero, bueno... al igual que otras obras "menores" de Pixar, Elementos tiene aciertos dignos de admiración, empezando por las voces que añaden humor y personalidad a los genéricos personajes. Sí, los "shaders" de agua y fuego son impresionantes, pero el catálogo de expresiones sigue siendo el mismo que utilizan desde Toy Story, y francamente ya se volvió monótono. Y lo mismo podría decir de los efectos especiales, impecablemente producidos pero menos sorprendentes que antes debido a la evolución de la animación en el siglo veintiuno, representada por películas como Spider-Man: Actross the Spider-Verse y series como Love, Death & Robots. En este nuevo contexto es difícil entusiasmarse por la blanda paleta de Pixar y su infantilizada visión creativa.
Entonces, solo queda esperar que Pixar se atreva a dar un paso o dos hacia el futuro, al mismo tiempo que rescata el rigor artístico de su pasado, cuando ponían mayor atención en los libretos que en dictados mercadológicos. Preocúpense más por lo que ponen en la pantalla, y menos por lo que piensan los ejecutivos.
Calificación: 6

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In Search of Darkness: Part III

Síntomas: Documental sobre películas de horror poco conocidas de la década de los ochentas.

Diagnóstico: El magno documental en dos partes In Search of Darkness (de los mismos productores de In Search of Tomorrow) fue un nostálgico paseo por los hitos del horror ochentero. Y aunque desde luego me gustó mucho, la verdad es que no ofreció información particularmente novedosa para fans "de cierta edad" (como yo) que ya conocíamos la inmensa mayoría de las cintas mencionadas en las ocho horas (!) del documental.
Por eso me atreveré a decir que In Search of Darkness: Part III (disponible en el catálogo norteamericano de Apple+) podría ser la parte más valiosa de la trilogía, pues cubre obras del horror ochentero que por una variedad de razones (saturación de mercado, barreras geográficas, fracaso económico, etc.) nunca alcanzaron suficiente fama o éxito para dejar su marca en la cultura popular, o para sobrevivir la revolución de los medios de distribución (Beta, VHS, DVD, Blu-Ray, streaming,  etc.) En resumen: In Search of Darkness: Part III es una invaluable fuente de información sobre joyas olvidadas, horrores perdidos, y sangrientas curiosidades que despertarán el interés de estudiosos del género, y de aficionados casuales que quieran ver más allá de los "listicles" de BuzzFeed ("10 Películas Ochenteras Que Necesitas Ver").
Esto no significa que todas las películas del documental sean "clásicas", o siquiera buenas. Por el contrario, hay muchas que tal vez merecerían permanecer en el olvido... si la calidad fuera nuestro único criterio para valorar una experiencia de terror. Pero, como bien saben los fans, a veces hasta las peores películas incluyen un detalle que justifica nuestro tiempo: una escena impactante (The Boogey Man), actuaciones memorables (Blood Rage), o la semilla de una idea que eventualmente germinaría en otro proyecto (Without Warning). Por eso es importante recordar estos "deep cuts" en su gloriosa imperfección, apreciar sus pequeñas virtudes, y reconocer que, para bien o para mal, representan los pilares del Horror que disfrutamos el día de hoy.
Al igual que las dos primeras partes, In Search of Darkness: Part III está integrada por comentarios de expertos en la materia (Charles Band, Bill Moseley, Joe Bob Briggs, Caroline Munro, John Carpenter, Phil Nobile Jr., Barbara Crampton, Linnea Quigley, Robert Englund, Tom Savini, Lloyd Kaufman, y varias docenas más), organizados por años (desde 1980 hasta 1989), y separados por breves reportajes sobre aspectos importantes del período histórico, como la explosión del formato VHS, el "Pánico Satánico", y las figuras que contribuyeron a la evolución del género (desde actores como Dee Wallace, hasta artistas de efectos especiales como Screaming Mad George).
El estilo gráfico de In Search of Darkness: Part III es el mismo de sus predecesoras, lo cual unifica la experiencia y facilita la consulta. Y, finalmente, merecen mención los créditos finales de casi media hora (el documental dura cinco horas, después de todo) donde el director David Weiner y el productor Robin Block agradecen a los donadores del "crowdfunding" que hicieron posible el proyecto; pero también incluyen testimonios de los fans que revelan su conexión emocional con el horror de los ochentas. Yo esperaba viejos como yo, intoxicados de nostalgia (y desde luego hay bastantes); pero me sorprendió el alto porcentaje de jóvenes genuinamente interesados en la historia del horror, lo cual significa que cuando su generación tome el control del entretenimiento popular, habrá individuos que no fueron criados exclusivamente por el algoritmo de TikTok. No todo está perdido.
Calificación: 9

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Kandahar

Síntomas: El mercenario Tom Harris (Gerard Butler) y su traductor Mohammed Doud (Navid Negahban) tratan de escapar de Afganistán cuando se revela su participación en un plan para sabotear la infraestructura nuclear de Irán.

Diagnóstico: La premisa suena similar a Guy Ritchie's The Covenant, pero en realidad son películas muy distintas... para bien y para mal.
En primer lugar, Kandahar no es realmente una película de acción, sino un thriller dedicado a explorar el complejo (algunos dirían "incomprensible") sistema político e ideológico que alimenta los conflictos del Medio Oriente; y todo eso en el contexto de la "talibanización" de Afganistán tras la evacuación de las tropas norteamericanas que mantuvieron una frágil "paz" durante dos décadas. Desde luego hay balaceras y explosiones, pero la mayor parte de Kandahar consiste en discusiones, llamadas telefónicas, y confrontaciones entre enemigos que necesitan cooperar para cumplir sus objetivos... los cuales, francamente, sólo entendí la mitad del tiempo.
El director Ric Roman Waugh (Angel Has Fallen, Greenland) pertenece a la nueva generación de dobles convertidos en directores, aunque sus películas no han sido tan buenas (en mi humilde opinión) como las de sus colegas Chad Stahelski (la saga de John Wick), Sam Hargrave (Extraction y su secuela), o incluso J.J. Perry (Day Shift). Y si bien Kandahar confirma que Waugh es un sólido director técnico, le sigue faltando disciplina para "domar" un libreto confuso y sobre-inflado.
Kandahar empieza con la infiltración del mercenario Tom Harris (Gerard Butler) en Irán para sabotear una planta nuclear (una obvia referencia al escándalo de Stuxnet). Pero después de ese auspicioso comienzo, Kandahar quita el pie del acelerador y nos satura con información y personajes que nunca se explican adecuadamente. Me hizo falta una de esas escenas donde algún burócrata proyecta un "slide-show" para definir las facciones involucradas en la película (incluyendo la CIA, MI6, la policía de Irán, mercenarios de Pakistán, el Talibán, tropas rebeldes de Afganistán, y los millonarios en los Emiratos Árabes que financian todo el asunto), especialmente en un contexto sociopolítico donde la arcaica dualidad de "héroes y villanos" ya no basta para calificar a los personajes.
Por el lado positivo Kandahar nunca aburre, pues nos obliga a poner atención y llenar los huecos de la historia mientras seguimos las aventuras del mercenario y su traductor, quienes desde luego cargan su propio melodrama personal. La relación no es muy profunda, pero sirve como guía durante los altibajos de la trama.
Finalmente, Ric Roman Waugh tiene excelente "ojo" para los aspectos visuales de la producción, logrando impresionantes escenas con efectos prácticos en escenarios reales. Lástima que esa profusión de recursos no se canalizó al refinamiento del libreto, tal vez extirpando el relleno (por ejemplo, la esposa del policía iraní) y simplificando su desarrollo (¿quién demonios era el tipo de la moto?)
En conclusión: Kandahar no es una terrible película, pero le faltó claridad para atraparnos en la intriga, y creatividad para inspirar suspenso. A los fans de Gerard Butler les recomendaría Plane como simple experiencia de acción; y para aficionados al thriller militar, la mencionada Guy Ritchie's The Covenant fue más convincente (y concisa) en su manejo de los mismos temas, con el beneficio adicional de sobresaliente acción y genuina resonancia emocional. Sin embargo, lo que Kandahar hizo muy bien fue ilustrar por qué la situación es tan difícil en esa parte del mundo: demasiados cocineros queman la sopa... sobre todo cuando se odian entre sí.
Calificación: 6.5

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Flash (The Flash)

Síntomas: Barry Allen (Ezra Miller) usa su poder de súper-velocidad para alterar la Historia y salvar a sus padres... pero provoca una paradoja temporal que podría destruir al Multiverso.

Diagnóstico: Creo que Flash era la película de DC Comics que menos me entusiasmaba, y por eso resultó una agradable sorpresa a pesar de sus fallas.
Primero lo malo para salir del paso: el libreto escrito por Christina Hodson y Joby Harold adapta pequeños aspectos de "Flashpoint", la épica historia que alteró para siempre (traducción: temporalmente) la continuidad de los comics de DC; y ahora, en el contexto del agonizante "Snyderverso" cinematográfico, la paradoja temporal sirve como excusa para unificar criterios, borrar errores, y preparar el camino para lo que sea que James Gunn y Peter Safran tienen planeado para el futuro. Fue una estrategia arriesgada, pero funcionó razonablemente bien a pesar de los remiendos necesarios para mantener la cohesión de la trama. Y aunque algunos de esos remiendos irritarán a los viejos (como yo) que esperábamos mayor respeto por las "reglas" de cine súper-heroico (ejemplo: el oportuno relámpago que resuelve un problema imposible), la verdad es que fueron momentos breves que no arruinaron el placer de una historia bien balanceada entre acción, carácter y emoción.
En cuanto a los efectos especiales que mucha gente está criticando... sí, definitivamente hay escenas muy mediocres para un "blockbuster" de alto presupuesto; pero, como fan del Cine B, he desarrollado alta tolerancia a las deficiencias visuales de una película, siempre y cuando no interfieran con la narrativa. Y ese fue el caso de Flash: las imágenes no son realistas, pero cumplen su propósito de explicar las complejidades del viaje temporal y la colisión de realidades alternas provocada por la arrogancia de un joven que no midió las consecuencias de sus actos.
Hablando de lo cual, Flash también tuvo la mala fortuna de llegar muy tarde a la moda del Multiverso. Después de Spider-Man: No Way Home, Doctor Strange and the Multiverse of Madness, y el Spider-Verso de Sony, básicamente ya vimos muchas veces el mismo argumento de Flash, con toques adicionales de Back to the Future, la cual mencionan constantemente para justificar el "préstamo" de su premisa. Desde luego sería un error esperar innovación en el cine de super-héroes; todas las historias son iguales, y el producto final depende más de los personajes y la visión del equipo creativo. Pero aún así Flash se siente como una copia inferior sin el mismo impacto de sus predecesoras.
Por el lado positivo (el lado negativo se extendió más de lo que quería), la versión del Multiverso de DC Comics incluye sobresaliente "fan service" (no lo digo como insulto) y adecuada resonancia emocional que, a fin de cuentas, es lo que recordará el público al salir del cine. Nadie pensará en los forzados trucos del director Andy Muschietti (It y su secuela) para guiar el arco dramático de Barry Allen (Ezra Miller) hasta llegar a la obligatoria moraleja sobre el poder y la responsabilidad. Lo que todos recordaremos son los atisbos a otros Universos, la sorpresiva aparición de figuras legendarias (asumiendo que no las arruinaron con los trailers), y la deliciosa nostalgia que prácticamente borra cualquier defecto de la cinta. Y si a eso añadimos el Bati-Papalote... ¿qué más podemos pedir?
Calificación: 7.5

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Extraction 2

Síntomas: El mercenario Tyler Rake (Chris Hemsworth) sale del retiro cuando le ofrecen una misión que no puede rechazar... porque esta vez es personal.

Diagnóstico: En vez de cambiar la receta del cine de acción, la original Extraction solo se preocupó por utilizar ingredientes de buena calidad, y hacer la preparación tan dinámica y entretenida como fuera posible dentro de sus medianos recursos (para los estándares de un proyecto original de Netflix con aspiraciones de "blockbuster"). Y el resultado me pareció recomendable gracias al carisma del actor principal y la dirección de un ex-doble con suficiente experiencia en el género para filmar peleas, acrobacias y persecuciones con mayor fluidez que muchas luminarias de Hollywood.
Y ahora la secuela, Extraction 2, conservó el mismo criterio creativo, multiplicando los aciertos de su predecesora y rectificando las fallas con la confianza de un producto que sabe lo que el público quiere, y no teme complacerlo. En resumen: Extraction 2 es una de las mejores películas de acción de Netflix (en mi humilde opinión), y un excelente ejemplo de lo que puede lograrse hoy con los clichés de ayer.
Los detalles de la trama son irrelevantes, pero al menos servirán para llenar espacio: Después del rescate en Bangladesh que casi le costó la vida, el mercenario Tyler Rake (Chris Hemsworth) pasa meses en un hospital recuperándose de sus heridas, bajo la supervisión de su agente Nik (Golshifteh Farahani), quien posteriormente le ayuda a retirarse con su perro y sus pollos en una remota cabaña de campo. Pero eventualmente un misterioso visitante (Idris Elba) le ofrece a Tyler una nueva misión relacionada con su pasado... y Tyler regresa a la acción.
En la crítica de Extraction me burlé de la invulnerabilidad que le permitía a Tyler recuperarse de cualquier golpe, caída o ataque en cuestión de segundos; por eso me gustó que Extraction 2 dedique el primer acto a la convalecencia del protagonista, lo cual no solo lo humaniza, sino que además fortalece su conexión con Nik, e incrementa la sensación de peligro cuando Tyler inicia la nueva misión con algunas limitaciones físicas. Chris Hemsworth conoce bien el papel del mercenario atormentado por su pasado, y el director Sam Hargrave mantiene el drama en el más básico nivel para motivar a los personajes (tanto héroes como villanos). Pero cuando llegamos a la acción, Hargrave acepta el reto de superar a la primera película en todos los niveles imaginables. Por ejemplo, Extraction 2 tiene otra impresionante "toma contínua" mucho más larga (¡veinte minutos!), más complicada y espectacular que en la previa cinta. ¿Es creíble? ¡Claro que no! Pero está tan bien filmada que no me costó trabajo aceptar las desorbitadas proezas de Rake para salvar a una familia en peligro. También aprecié que Golshifteh Farahani tenga más oportunidades para lucirse como mujer de acción; y aunque el villano (Tornike Gogrichiani) no es muy memorable, ofrece un interesante subtexto sobre organizaciones criminales controladas con fervor religioso que trasciende la simple codicia. Finalmente, Extraction 2 deja la puerta abierta para otra secuela que podría incluir a una de mis actrices favoritas en la categoría de "B Movies".
Espero dejar claro que Extraction 2 es otro desfile de clichés y melodrama prefabricado. Nadie negaría eso. Pero la convicción de Chris Hemsworth (hay una referencia a Thor que me hizo reír), la imaginación de Sam Hargrave y el talento del equipo de "stunts" (apoyados por los efectos especiales de Digital Domain) (la pelea sobre vidrio me dejó sin aliento) elevan la simple premisa con excepcionales secuencias de acción y altas dosis de suspenso... porque ya vimos que Rake no es invencible. Solo inmortal.
Calificación: 8.5

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