Unwelcome

Síntomas: Maya (Hannah John-Kamen) y su esposo Jamie (Douglas Booth) quieren que su bebé nazca lejos de Londres, y se mudan a una vieja propiedad familiar en Irlanda, sin saber que oculta peligrosas criaturas del folclor europeo.

Diagnóstico: No son exactamente "leprechauns" (esa es una franquicia distinta), pero las criaturas de Unwelcome tienen un origen similar en las leyendas irlandesas de "la gente chiquita", supuestos habitantes del bosque que pueden ser aliados o enemigos de la humanidad, según cómo sean tratados.
En el caso de Unwelcome, la dueña de una casa en Irlanda acostumbra dejar ofrendas en su jardín para la "gente chiquita", también conocida como "redcaps" o "Far Darrig". Pero la mujer fallece y hereda la propiedad a su sobrino Jamie (Douglas Booth), quien quiere escapar de Londres con su esposa Maya (Hannah John-Kamen) debido a las malas experiencias que tuvieron en la ciudad. Sin embargo la pareja joven y moderna no cree en las patrañas locales, ni toman en serio la tradición de las ofrendas... y eventualmente pagan un alto precio por su omisión.
Como cuento de hadas "dark" (al estilo de Neil Gaiman o Guillermo del Toro), Unwelcome replantea leyendas folclóricas en un entorno contemporáneo, explorando el contraste entre supersticiones y pensamiento racional, el cual parece llevar la ventaja... hasta que las supersticiones resultan más reales de lo que creíamos.
Sin embargo, como thriller rural, Unwelcome adopta un tono más serio para acomodar sus temas de ignorancia, intolerancia, y los rencores generacionales que obstruyen la convivencia pacífica... aunque estén justificados por la opresión de ciertos pueblos que nunca perdonarán a sus opresores. Después de todo, el peor monstruo siempre será el humano.
Y todo eso en el marco de una crisis familiar con un bebé en camino, que no estará a salvo de las amenazas que lo rodean, ya sean físicas o sobrenaturales.
El director Jon Wright (Tormented, Grabbers) navega con aplomo las multiples sub-tramas de Unwelcome, aunque a veces tropieza en las transiciones de una a otra; pero a fin de cuentas me gustó la combinación de drama familiar, horror y metáfora social, conservando el perverso humor de los mejores cuentos de hadas. Las criaturas del bosque no son malas; solo curiosas, traviesas... y vengativas, cuando la situación lo amerita.
Hannah John-Kamen (Ant-Man and the Wasp) hace un excelente trabajo en el papel de Maya, con una fuerza interna que desafía la vulnerabilidad del embarazo en escenas difíciles de filmar, incluso con el apoyo de efectos especiales. Douglas Booth tiene un rol más pasivo (algunos dirían "patético") como el esposo incrédulo que no acepta el peligro hasta que es demasiado tarde. Y como los vecinos del pueblo encontramos a Colm Meaney, Niamh Cusack, Kristian Nairn, Chris Walley y Jamie-Lee O'Donnell, cada uno con su propia actitud hacia los mitos de su cultura.
Por el lado negativo señalaría las inconsistencias que dificultan la integración de los distintos aspectos de Unwelcome. En ocasiones parece que la película no sabe que quiere ser. Y, aunque la cinematografía captura con excepcional belleza los paisajes irlandeses, falla un poco en escenas "exteriores" filmadas en un foro. No diría que se ven "mal", pero la diferencia es notoria y nos distrae en momentos de tensión.
Entonces, Unwelcome me pareció una recomendable experiencia de horror folclórico respaldada por intensas emociones y mensajes importantes sobre respeto y tolerancia, no solo entre personas, sino entre culturas. Los duendecillos podrán ser ficticios (?); pero el odio es más real que nunca.
Calificación: 7.5

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Transformers: El Despertar de las Bestias (Transformers: Rise of the Beasts)

Síntomas: En 1994, el ex-militar Noah Díaz (Anthony Ramos) y la arqueóloga Elena Wallace (Dominique Fishback) colaboran con los Autobots para recuperar una tecnología que les permitirá escapar de la Tierra... pero no son los únicos que la están buscando.

Diagnóstico: El argumento es más claro, la acción es menos confusa, y los personajes son más tolerables; pero, por lo demás, Transformers: El Despertar de las Bestias es básicamente un remake de la primera Transformers, donde un grupo de humanos se involucra accidentalmente en la búsqueda de un mcguffin mágico que persiguen tres facciones de Transformers: los Autobots que ya conocemos; los Maximals, bestias robóticas que vimos por un instante en alguna de las películas anteriores (no recuerdo cuál, ni voy a perder tiempo investigando); y los despiadados Terrorcons, actuando bajo las órdenes de una monstruosa deidad mecánica que necesita la llave Trans-Warp para viajar a otras galaxias y consumir planetas enteros, al estilo de Galactus, pero con peores diálogos y esbirros incompetentes.
Al mismo tiempo, Transformers: El Despertar de las Bestias toma elementos prestados de Bumblebee (mi película favorita de la franquicia, lo cual no es decir mucho), empezando por el sabor "retro" (esta vez 1994) y las canciones propias de la época. La trama también se enfoca en la amistad que surge entre un humano y un Autobot; y emplea abundante "retcon" para acomodar otra aventura de los Transformers en el pasado reciente de la Tierra, pero sin arruinar la frágil armonía de las cinco películas dirigidas por Michael Bay. Y aunque el resultado me pareció inferior a Bumblebee, al menos confirmó mi teoría de que las películas de Transformers tienden a ser mejores cuando Bay solo interviene como productor.
Lo cual no significa que el director Steven Caple Jr. (Creed II) sea un paladín de disciplina artística. Por el contrario, parece que Caple trató de imitar a Bay en muchos aspectos... generalmente negativos, incluyendo los antipáticos momentos de "comic relief", y la costumbre de inflar la historia más allá de sus límites lógicos. ¿Exactamente por qué los Autobots necesitan ayuda humana? ¿No podían encontrar Perú en un mapa?
Pero, bueno... ese es el tipo de preguntas que conviene evitar para disfrutar las virtudes de Transformers: El Despertar de las Bestias. Y desde luego nadie ve una película como ésta por el libreto, sino por las titánicas peleas robóticas, la destrucción a gran escala, y la nostalgia de los juguetes clásicos que cobran vida gracias a los estudios de efectos especiales MPC y WetaFX, manteniendo el impresionante nivel de detalle y realismo visual.
Por el lado de los humanos, Anthony Ramos (In the Heights) y Dominique Fishback (Project Power) añaden emoción a la batalla por la supervivencia de la galaxia... o tal vez del Universo entero. Y las voces de Peter Cullen, Ron Perlman, Peter Dinklage, Michelle Yeoh y Pete Davidson (entre otros) imprimen variadas personalidades a los robots extraterrestres, ya sean aliados, enemigos... o una combinación de ambos. Mi favorito fue Cristo Fernández como Wheeljack, porque tiene escrito "Pablo" en un costado. No pregunten.
Al igual que ocurrió con Bumblebee, Transformers: El Despertar de las Bestias funciona bien como relato individual, separado de la caótica mitología "oficial", y con mejor balance entre "drama" y acción. Y además nos sorprende con una revelación final que me dejó con una gran sonrisa. Un nuevo "Verso" se está gestando...
Calificación: 7.5

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Influencer

Síntomas: Madison (Emily Tennant) es una famosa "influencer" de visita en Tailandia, tomando muchas "selfies" y fotos de comida; pero cuando no está enfrente de la cámara podemos ver su depresión. Entonces Madison conoce a CW (Cassandra Naud), y por fin empieza a disfrutar sus vacaciones... hasta que las cosas se complican.

Diagnóstico: Sí, yo también estoy cansado de los "influencers" y la irritante cultura de superficialidad y consumismo que propagan en las redes sociales. Por eso no tenía interés en la película Influencer; pero después de leer algunos comentarios positivos, decidí arriesgarme... y me gustó más de lo esperaba.
Las actuaciones son excelentes, empezando por Emily Tennant en el papel de Madison, la "influencer" que siempre sonríe en Instagram, aunque se sienta abrumada por las presiones del trabajo y el aislamiento en un país extraño. Su novio Ryan (Rory J. Saper) la iba a acompañar, pero cambiaron sus planes, y ahora Madison se hospeda en una enorme casa que ni siquiera puede disfrutar. Entonces conoce a su vecina, CW (Cassandra Naud), y por fin logra divertirse sin pensar constantemente en "views" y filtros fotográficos; pero la felicidad no durará mucho tiempo.
En las escenas iniciales Tennant expresa sin palabras el contraste entre la imagen pública de Madison y su realidad anímica. Sin embargo, diría que Cassandra Naud tiene un papel más interesante como CW, la joven seria e introvertida que personifica diversos temas de la cinta, incluyendo la subjetividad de la belleza, las consecuencias negativas de las redes sociales, y la obsesión con la apariencia que domina a la sociedad. También destacan Rory J. Saper como el (¿ex?)novio de Madison; Sara Canning como otra "influencer" buscando sitios fotogénicos en Tailandia; y Paul Spurrier como un expatriado americano eternamente embriagado en el bar local.
Pero la mayor virtud de Influencer es el libreto co-escrito por Tesh Guttikonda y el director Kurtis David Harder, repleto de "twists" que me mantuvieron en suspenso durante toda la película, pues no sabía hacia dónde se dirigía. Habiendo dicho eso, admito que el final es un poco predecible... pero también fue muy satisfactorio y oportuno para definir la ambigua moralidad de la cinta.
También merece mención la inquietante música de Avery Kentis y la cinematografía de David Schuurman, capturando la tensión oculta en los hermosos paisajes naturales y la sutil amenaza latente en los sitios turísticos de una ciudad desconocida.
Entonces, Influencer no fue la típica película de "horror milenio" que yo esperaba, sino un thriller maduro y reflexivo que no necesita "gore" ni sobresaltos para mantener nuestra atención. Y aunque no cambió mi opinión sobre los "influencers" de verdad, Influencer me ayudó a reconocer la cruel realidad de la perfección simulada, y el precio emocional que pagan para ser felices durante el medio segundo de un "like".
Calificación: 8

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All Eyes

Síntomas: Para revivir su "podcast" después de una tragedia, el reportero Allen Wolfe (Jasper Hammer) acepta entrevistar a un granjero que asegura haber visto un monstruo en el bosque.

Diagnóstico: Escuché buenos comentarios sobre All Eyes, pero me interesó principalmente como proyecto semi-amateur realizado por una familia que decidió filmar su propia película lejos del aparato hollywoodense. Y aunque All Eyes no fue tan buena como Hellbender (otra colaboración familiar que me impresionó muchísimo el año pasado), definitivamente disfruté su ingenioso desarrollo y el subtexto dramático que podríamos describir como "horror metafórico", donde el supuesto monstruo representa el trauma de un anciano enfrentando su soledad. O algo así.
Al principio de All Eyes, el periodista Allen Wolfe (Jasper Hammer) conduce una entrevista que termina en violencia, resultando en la cancelación de su "podcast" sobre gente inusual. Entonces, en un intento por redimirse, Allen visita un pequeño pueblo de Oklahoma para entrevistar al campesino Don Thomas (Ben Hall), quien asegura haber visto un monstruo en los alrededores de su granja... y tiene la intención de capturarlo. ¿Existirá realmente el monstruo, o será la fantasía de un anciano melancólico?
La primera mitad de All Eyes avanza con lentitud para conocer a los personajes y definir su carácter mientras se entrelaza la realidad con la ficción. Sin embargo, el mayor acierto del director Todd Greenlee, del escritor Alex Greenlee, y de los productores Adam Greenlee, Jeff Greenlee, Lisa Greenlee, etc. (¡toda la familia participó en la fiesta!) fue desviar la atención del hipotético monstruo para enfocarse en la interacción del arrogante reportero urbano, y del irascible campesino cuya visión del mundo podrá ser más simple... pero no por ello ignorante. Más allá de la investigación paranormal, All Eyes explora el choque de culturas, el contraste generacional, y las inesperadas similitudes de dos individuos en momentos críticos de sus vidas.
¿Y el monstruo? Solo diré que el misterio se complica con algunas sorprendentes pistas que los hombres descubren en el bosque, sugiriendo algo más extraño de lo que ambos sospechaban.
Para que todo esto funcione fue esencial un reparto que capture el ambiguo tono de la cinta y la dinámica de dos hombres distintos en la superficie, pero impulsados por la misma obsesión. Jasper Hammer y Ben Hall hacen una excelente pareja protagónica, con sólidos momentos de comedia, drama y el suspenso de una misión que cada uno ve desde una perspectiva diferente.
Por el lado negativo... desafortunadamente hay escenas demasiado inverosímiles que rompen el frágil balance de la película... y ni siquiera me refiero al monstruo, sino a ciertos preparativos que hizo Don para capturarlo. Entiendo su importancia narrativa... pero la ambición de los cineastas rebasó su capacidad técnica. Y aunque no me arruinó la película, fue el factor que separó All Eyes de otros horrores minimalistas realizados con mejor equilibrio entre concepto y ejecución (algunos ejemplos además de Hellbender: Offseason, Something in the Dirt y They Look Like People).
Sin embargo, a pesar de sus fallas, All Eyes me pareció recomendable para fans de las "creature features" (como yo) dispuestos a aceptar algunos problemas a cambio de una historia original y divertida que replantea los esquemas del horror para examinar aspectos de la naturaleza humana rara vez contemplados en este género. Además, All Eyes seguramente fue una valiosa experiencia didáctica para la familia Greenlee, y en su siguiente proyecto podrán aplicar todo lo que aprendieron. A menos que hayan gastado sus ganancias en renovar la cocina.
Calificación: 7

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Boogeyman: Tu Miedo Es Real (The Boogeyman)

Síntomas: Después del suicidio de un paciente en su consultorio, el psicólogo Will Harper (Chris Messina) y sus hijas empiezan a percibir inquietantes fenómenos en su casa. ¿Será el fantasma del difunto... o la entidad sobrenatural que lo perseguía?

Diagnóstico: Originalmente Boogeyman: Tu Miedo Es Real se anunció como película exclusiva de Hulu, pero después de varios "test screenings" positivos, el estudio 20th Century Fox decidió estrenarla en cines. ¿Será realmente una excepcional película de terror, o solo otra colección de clichés que rebasó las bajas expectativas de un público acostumbrado a la mediocridad?
Respuesta: ¿Ustedes qué creen?
Boogeyman: Tu Miedo es Real (basada en un cuento corto de Stephen King) es conceptualmente idéntica a todas aquellas historias sobre familias en crisis que son atormentadas por una entidad sobrenatural. Así tenemos al padre de familia viudo que se rehúsa a aceptar lo que está pasando, hasta que es demasiado tarde; la hija adolescente con problemas de "bullying" en la escuela; y la hija menor que descubre algo escondido en el ropero... aunque, desde luego, nadie le cree: "Fue una pesadilla", "Los monstruos no existen", etc. Solo faltó la mascota como primera víctima.
Afortunadamente la diferencia está en la ejecución. El director Rob Savage demostró su afinidad por el horror con sus dos previas películas, Host y Dashcam, ambas bastante creativas y con interesantes mensajes sobre sus respectivos momentos culturales (la pandemia de Covid-19 en el primer caso, y la división política de los Estados Unidos en el segundo). Y ahora, trabajando con un libreto inferior, Savage encuentra oportunidades para elevar el material, ya sea mediante actuaciones que hacen más sinceras las emociones prefabricadas, o con edición que hace más impactantes las apariciones del "boogeyman", o con lúgubre atmósfera para transformar los sobresaltos en algo cercano al terror.
Gran parte del crédito pertenece al equipo técnico de Savage, incluyendo al editor Peter Gvozdas, al director de fotografía Eli Born (Hellraiser), y a los estudios Crazy Horse y Spectrum Effects, encargados de darle vida a la criatura en forma práctica y digital. Y al frente de la cámara tenemos a Chris Messina (I Care a Lot) como Will Harper, el psicólogo atrapado en una situación incomprensible; Sophie Thatcher (Prospect) como Sadie, la hija adolescente que no ha superado la muerte de su madre; y Vivien Lyra Blair (la Princesa Leia en la serie Obi-Wan Kenobi) como la hija menor que le tiene miedo a la oscuridad. Mención especial para los veteranos del horror David Dastmalchian (The Suicide Squad) y Marin Ireland (The Dark and the Wicked) como un matrimonio que previamente sufrió los ataques del "boogeyman".
Por el lado negativo... lo que mencioné al principio. A pesar de algunos buenos momentos, Boogeyman: Tu Miedo Es Real no se desvía lo suficiente de la fórmula para volverse memorable. Y tampoco puede evitar escenas superfluas (como el "sleepover" con las amigas de Sadie) y detalles absurdos que debemos aceptar como parte del "horror" (ejemplo: en vez de utilizar linternas normales, los personajes prefieren fuentes de luz intermitente, incluyendo velas, encendedores... ¡y hasta luces de Navidad!)
Entonces, Boogeyman: Tu Miedo Es Real no fue una excepcional película de terror, pero tampoco fue el desastre que yo esperaba. Habiendo dicho eso, hubiera preferido ver Boogeyman: Tu Miedo Es Real en televisión, sobre todo por las escenas oscuras que no entendí bien en el cine (sí, incluso en salas "Premium"). Pero al menos no será un tormento verla de nuevo cuando llegue a pantallas caseras. A estas alturas cualquier cosa es ganancia.
Calificación: 6.5

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Spider-Man: A Través del Spider-Verso (Spider-Man: Across the Spider-Verse)

Síntomas: Miles Morales (voz de Shameik Moore) y Gwen Stacy (voz de Hailee Steinfeld) reclutan nuevos aliados arácnidos para combatir un villano que podría destruir el Multiverso.

Diagnóstico: Sony Pictures sigue sin saber qué hacer con la licencia cinematográfica de Spider-Man (como demuestran las cintas de Venom, Morbius, y próximamente Kraven the Hunter y Madame Web), pero al menos encontraron una pequeña mina de oro en el "Spider-Verso", gracias al talento e imaginación de los productores y guionistas Christopher Miller y Phil Lord, quienes no solo respetaron a los personajes y su mitología, sino que además comprendieron que una buena adaptación a cine no necesita "arreglar" los comics, sino combinar sus virtudes con el potencial del medio audiovisual.
Todo lo cual vimos expresado con espectacular virtuosismo en la película Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018), una increíble introducción al personaje de Miles Morales que estableció su propio "vecindario" cósmico conocido como el Spider-Verso. Sí, es un poco confuso y no siempre lógico en el contexto del Multiverso de Marvel; pero cuando el resultado es tan divertido, no tiene caso fijarse en minucias.
Y ahora el fenómeno se repite con Spider-Man: A Través del Spider-Verso, la segunda parte de una trilogía inmensamente ambiciosa que expande el Spider-Verso hasta niveles que abruman los sentidos (y la razón), mientras prepara el terreno para una épica conclusión que podría tener graves consecuencias para Marvel (¿y para el cine en general?)
El primer acto de Spider-Man: A Través del Spider-Verso se enfoca en Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), mostrándonos las consecuencias de la aventura que compartió con Miles Morales (voz de Shameik Moore) en la primera película. Si eso hubiera sido todo, yo hubiera quedado satisfecho. El arco dramático de Spider-Gwen es tan interesante como el de Miles Morales, creando su propia identidad al mismo tiempo que replantea las ideas de Stan Lee: la responsabilidad del poder, la búsqueda de redención por un error del pasado, y el inquebrantable espíritu que define al héroe (o heroína) más allá de sus poderes. Pero, desde luego, "Lord Miller" (como se auto-denomina el dueto de productores) y los directores Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson no planeaban detenerse ahí, y eventualmente nos regresan al Universo de Miles Morales para contemplar su evolución como defensor de Brooklyn... así como los problemas académicos y familiares que acarrea su identidad secreta. Los temas eternos de Spider-Man, reconfigurados desde perspectivas que añaden relevancia e innovación.
Y, bueno, no diré más sobre el argumento porque incluye sorpresas y tangentes que nunca hubiera imaginado. Baste decir que el despliegue de creatividad visual y narrativa supera con amplio margen a la previa película... aunque también genera ocasionales problemas por esa saturación de melodrama que alarga la película hasta dos horas y media.
A pesar de lo mucho que me gustó, no negaré que algunas partes de Spider-Man: A Través del Spider-Verso me hicieron bostezar (dos ejemplos: el asunto del pastel, y la persecución en el tren vertical). Los directores respaldan la acción con sinceras emociones; pero también repiten las mismas situaciones una y otra vez, como si no hubiéramos entendido el conflicto básico entre la vida personal de los héroes y su misión justiciera. Tal vez la película necesitaba tres editores para controlar los impulsos de sus tres directores.
Afortunadamente no es un problema significativo, y mucho menos en una obra tan épicamente entretenida como Spider-Man: A Través del Spider-Verso. Solo espero que la tercera parte utilice un libreto más disciplinado, sin perder la riqueza de la historia, ni el delirante estilo de la animación. Los artistas del estudio Sony Pictures Animation finalmente se redimieron por The Smurfs.
Calificación: 9

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Guy Ritchie's The Covenant

Síntomas: En el año 2018, el Sargento John Kinley (Jake Gyllenhaal) y su escuadrón de soldados buscan fábricas de explosivos en Afganistán, apoyados por su nuevo traductor, Ahmed Abdullah (Dar Salim), quien tiene sus propias razones para odiar al Talibán.

Diagnóstico: Parecería redundante realizar una nueva película sobre la guerra en el Medio Oriente después de tantas visitas al mismo manantial; sin embargo, algunos eventos relativamente recientes (como el retiro de las tropas norteamericanas de Afganistán) crearon nuevos problemas que ahora la película Guy Ritchie's The Covenant explora parcialmente (no me gusta el prefijo de "Guy Ritchie's", pero aparentemente ese es el título oficial).
Al principio de Guy Ritchie's The Covenant conocemos al Sargento John Kinley (Jake Gyllenhaal) y su escuadrón de soldados intercambiables (Ritchie se esmera en darles rasgos únicos y nombres pintorescos -"Chow Chow", "Jack Jack"- pero aún así es difícil distinguirlos en el fragor de la batalla), cuya ingrata misión consiste en buscar depósitos de armamento del Talibán en las zonas rurales de Afganistán; pero su labor se facilita un poco con la adición de traductor Ahmed Abdullah (Dar Salim), cuyo talento va más allá de interpretar el lenguaje local, pues también conoce las interioridades del inframundo criminal afgano. Pero el Sargento Kinley está cansado de perder el tiempo con pistas falsas e información obsoleta, y por eso decide emprender su propia investigación... con explosivos resultados.
Además de la acción y suspenso característicos del género, Guy Ritchie's The Covenant ofrece una visión más moderna de las complejas dinámicas de una región ocupada por fuerzas opuestas, pero igualmente nocivas para los ciudadanos normales. Esto significa que no todos los afganos son enemigos, y no todos los enemigos son afganos. Y ese simple factor altera fundamentalmente la estructura de Guy Ritchie's The Covenant, conduciendo a una segunda mitad más pasiva, pero igualmente tensa, donde las batallas ya no son contra insurgentes talibanes, sino contra militares apáticos, una burocracia ineficiente, y las malas decisiones de un gobierno que nunca comprendió la situación al otro lado del mundo.
Por eso Guy Ritchie's The Covenant no es un thriller bélico convencional, lo cual podría decepcionar a una parte del público; sin embargo su inusual ambición temática me dejó más satisfecho que otras cintas enfocadas en la acción. Y además ofrece la oportunidad para que el reparto exprese emociones rara vez manejadas en este tipo de películas, destacando Jake Gyllenhaal en el papel principal (casi redimiéndose por los desvaríos de Ambulance); Dar Salim como el traductor más inteligente de lo que creen sus superiores; y Jonny Lee Miller (Hackers), Alexander Ludwig (Midway) y Antony Starr como diversos aspectos del orden militar, a veces arrogante, a veces impotente, y a veces motivado por simple codicia.
Mi única decepción fue que el director Guy Ritchie (¿ya lo había mencionado?) no utilizó su habitual creatividad visual; pero en retrospectiva fue la decisión correcta para no distraer la atención del drama humano que forma el núcleo de la película, y de la historia real que lo inspiró... así como de las historias reales que nunca tuvieron el beneficio de un final estilo Hollywood. Moraleja: los generales pueden cantar victoria, pero la guerra nunca termina para algunas personas.
Calificación: 8

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Malum

Síntomas: La Oficial Jessica Loren (Jessica Sula) cubre el último turno de vigilancia en una estación de policía a punto de ser clausurada; pero durante la noche encuentra siniestros fenómenos relacionados con una tragedia personal.

Diagnóstico: Podría ser un caso único en el horror contemporáneo: en el año 2016, el director Anthony DiBlasi estrenó la cinta Last Shift, un modesto thriller sobrenatural con excelentes actuaciones y un nivel de suspenso que desafiaba su minimalista premisa. No rompió récords ni se convirtió en obra de culto, pero Last Shift tuvo suficiente éxito y reconocimiento crítico para lograr que DiBlasi obtuviera mayor presupuesto en su siguiente proyecto. ¿Qué nueva historia nos contaría con esta abundancia de recursos?
Respuesta: la misma de antes.
Por alguna razón Anthony DiBlasi decidió que su nueva película, Malum, sería un remake de Last Shift, con otra actriz y mejores efectos especiales, pero básicamente con la misma historia. Desafortunadamente el resultado no fue una mejor película, en mi humilde opinión.
La primera misión de la novata policía Jessica Loren (Jessica Sula) es vigilar un precinto semi-abandonado durante la noche previa a su clausura. Pero no fue una asignación accidental... Jessica se ofreció como voluntaria porque su padre Will (Eric Olson) murió ahí en circunstancias misteriosas; y ahora la hija tiene esperanza de encontrar pistas sobre la tragedia antes de que el edificio sea demolido. Y eso es exactamente lo que Jessica encontrará durante una terrorífica noche, aunque no en la forma que ella esperaba.
No detallaré las diferencias específicas entre ambas películas, pues revelaría demasiados "spoilers"; baste decir que Last Shift me gustó más por su capacidad para generar suspenso con un tenebroso misterio no siempre lógico, pero suficientemente interesante para capturar nuestra atención y crispar los nervios. Y ahora DiBlasi intenta lo mismo en Malum... pero incrementando la frecuencia e intensidad de la actividad paranormal hasta perder la coherencia narrativa.
Esto significa que Malum tiene tremendos momentos de sangre y violencia, junto con una atmósfera surrealista que nos obliga a cuestionar fenómenos que podrían ser genuinas manifestaciones demoníacas, o alucinaciones provocadas por el moho tóxico que infesta el edificio. Hay muchas escenas individualmente sobresalientes por la convicción de los actores (además de Jessica Sula en el papel principal, también destacan Candice Coke como la madre de Jessica, y Kevin Wayne como un indigente que se introduce en la estación), los fantásticos efectos especiales del estudio RussellFX (hay una decapitación que me dejó con la boca abierta), y la sensibilidad de DiBlasi para explorar el trauma emocional de una familia destruida por el destino... ¿o fue simple casualidad?
Sin embargo, el continuo desfile de "flashbacks", pesadillas y sobresaltos terminó aburriéndome por su falta de cohesión. Sí, ya entendí que un culto satánico estuvo involucrado en la muerte del padre de Jessica... pero DiBlasi le da vueltas al asunto durante casi una hora, guardando las respuestas hasta el último minuto (literalmente), cuando mi atención casi se había extinguido.
De cualquier modo podría recomendar Malum para el público casual en busca de una historia de terror un poco confusa, pero bien actuada y bastante sangrienta. Y para los fans de Last Shift será una buena lección para recordar que lo nuevo no siempre es mejor, y que el dinero tampoco es la solución mágica de los problemas creativos.
Calificación: 6.5

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La Sirenita (The Little Mermaid)

Síntomas: Después de salvar a un príncipe en un naufragio, la sirena Ariel (Halle Bailey) hace un trato con la bruja Úrsula (Melissa McCarthy) para visitar el mundo de los humanos.

Diagnóstico: Antes que nada, la advertencia de siempre: no siento nostalgia por la original The Little Mermaid, ni recuerdo lo suficiente de su argumento para compararla con esta nueva versión de acción viva. Habiendo dicho eso, la cinta animada de 1989 se ha mantenido tan presente en la cultura popular que no hace falta conocerla de memoria para admirar los aciertos del remake... o para reconocer sus fallas.
Primero lo bueno: La Sirenita es una obra visualmente impresionante, con espectaculares paisajes submarinos y perfecta integración entre criaturas digitales y escenarios prácticos. El director Rob Marshall (Mary Poppins Returns, Into the Woods) aprendió de los errores de Disney, y encontró un óptimo balance entre el realismo de las criaturas acuáticas y su capacidad para expresar emociones, de modo que las actuaciones del cangrejo Sebastián (voz de Daveed Diggs), el pez Flounder (voz de Jacob Tremblay) y la alcatraz Scuttle (voz de Awkwafina) derrochan personalidad y elocuencia, pero sin caricaturizar a los animales. Y lo mismo podríamos decir del Rey Tritón (Javier Bardem), de la bruja Úrsula (Melissa McCarthy), y de la misma Ariel (Halle Bailey), cuyo diseño seguramente presentó grandes retos para conservar su carisma y simpatía a pesar de su biología marina.
Por el lado negativo... creo que La Sirenita no tiene grandes problemas específicos, sino una apatía general que la hizo ocasionalmente aburrida y poco memorable. En otras palabras, dudo mucho que el remake reemplace a la original en la imaginación de los niños... o de los papás que crecieron con ella.
Para empezar, La Sirenita (2023) dura casi una hora más que la versión de 1989, lo cual significa mucho relleno y poca sustancia. Marshall incorporó nuevos personajes y situaciones para elevar el drama e implementar "ajustes culturales" acordes con la ideología contemporánea, lo cual no tiene nada de malo, y hasta sugiere interesantes tangentes que me hubiera gustado explorar. Por ejemplo, en vez de enfocarse exclusivamente en el romance como motivación de Ariel para visitar el mundo de los humanos, el libreto de David Magee insinúa factores como curiosidad científica, ecología, y hasta estabilidad diplomática entre el reino marino y la humanidad que no respeta lo que no entiende. Desafortunadamente todos esos "detalles" quedan olvidados en el camino al inevitable "Final Disney" que, desde luego, tampoco sigue fielmente el amargo cuento de Hans Christian Andersen.
En la categoría de "remakes de acción viva de Disney", yo ubicaría La Sirenita al mismo nivel de Mulan y The Jungle Book: excelentes imágenes, mediocre historia, y una experiencia olvidable a largo plazo, pero con suficiente novedad para mantener la atención del público durante dos (largas) horas. A estas alturas parece ingenuo pedir más. Y además no puedo negar que Awkwafina me hizo reír.
Calificación: 7.5

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Sisu

Síntomas: Durante los días finales de la Segunda Guerra Mundial, un viejo minero encuentra oro en los ríos de Laponia, al norte de Finlandia; pero un pelotón de soldados nazis quiere apoderarse del tesoro.

Diagnóstico: No veo mucho cine de Finlandia, pero cuando una película escapa sus fronteras y adquiere distribución internacional, generalmente hay una buena razón. Y, en el caso de Sisu, la razón es su perfecta mezcla de sangre, acción, y un negrísimo sentido del humor que hace más tolerable la crueldad de los villanos... y las inverosímiles proezas del héroe. O anti-héroe.
Todo empieza con el anciano Aatami Korpi (Jorma Tommila) buscando pepitas de oro en la solitaria región de Laponia mientras escucha los estertores de la Segunda Guerra Mundial. Para ese momento los invasores nazis habían sido derrotados, pero aun causaban estragos en su escape de Finlandia hacia países vecinos. Entonces una caravana de soldados alemanes detiene a Korpi y descubre su cargamento de oro... pero afortunadamente el viejo no es tan indefenso como parece.
Y así comienza la batalla entre el minero y la banda de nazis codiciosos y desmoralizados. La acción es brutal, sorpresiva, y deliciosamente sangrienta (punto menos por lo que le ocurre al caballo) (no diré si el perro sobrevive, porque es un factor importante del argumento), empezando con un aceptable nivel de realismo que eventualmente se transforma en hilarante exageración. Y ahí es donde interviene el sentido del humor que mencioné al principio, indicando que no debemos tomar en serio los excesos de Sisu, pero sin diluir la intensidad de una batalla que no es solo por riqueza material, sino por el legado cultural de una nación, por el sufrimiento de una guerra en la que no querían participar, y por el triunfo de la libertad frente a la opresión. En otras palabras, una jugosa dosis de simbolismo ideológico acompañado por tremendas peleas y secuencias de acción que me mantuvieron entretenido de principio a fin (punto extra por la breve duración de la película: noventa minutos plenamente aprovechados, sin rastro alguno de relleno).
En el papel principal, Jorma Tommila (aparentemente una institución en Finlandia) encarna con inflexible convicción al minero que habla poco pero dice mucho con gestos y miradas que cuentan una trágica historia de dolor. Por el lado de los nazis, Aksel Hennie, Jack Doolan y Onni Tommila revelan diferentes aspectos de la deshumanización en el campo de batalla, dirigiendo su odio y frustración contra víctimas indefensas, contra sus propios líderes, y hasta contra la naturaleza misma.
La dirección de Jalmari Helander es fantástica, creando secuencias de grotesca belleza visual y gran impacto visceral (mención especial para el director de fotografía Kjell Lagerroos). Y los efectos especiales son igualmente impresionantes, combinando toda clase de técnicas para crear escenas realistas... pero con un un tenue barniz de surrealismo para complementar las hazañas del protagonista.
Podríamos decir que Sisu es "John Wick geriátrico" (incluyendo al perro en peligro), pero eso no describe adecuadamente el sabor cultural de la película, sus espectaculares escenarios naturales, y el peso de un momento histórico rara vez explorado en el cine bélico tradicional. Solo espero que Sisu gane mayor difusión en su versión original, antes de que algún genio trate de hacer un remake con Liam Neeson o Sylvester Stallone. Aunque no estaría mal uno con Danny Trejo...
Calificación: 9

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