Teleios (Beyond the Trek)

Síntomas: En el año 2047 la nave Teleios viaja al planeta Titán, en la órbita de Saturno, para investigar la desaparición de la nave Atromitos, la cual extraía un mineral esencial para limpiar la atmósfera de la Tierra. Pero, cuando la encuentran, los astronautas descubrirán peligros inesperados y un gran misterio a bordo de la nave fantasma.

Diagnóstico: Después de tanta ciencia ficción minimalista y terrenal, tenía ganas de ver algo más "clásico", con naves espaciales, robots y rayos láser. La película Teleios (también conocida como "Beyond the Trek") satisfizo hasta cierto punto ese apetito, aunque le faltó cocimiento al libreto, y más aderezo visual a las imágenes (¿por qué siempre regreso a la metáfora culinaria?)
El director Ian Truitner tuvo algunas ingeniosas ideas para fundamentar el libreto de Teleios, pero le faltó construir una estructura apropiada para relacionarlas lógicamente e integrarlas en un argumento ágil y coherente.
Para empezar, los tripulantes de la nave Teleios son humanos genéticamente mejorados... físicamente perfectos y sin estorbosas emociones que compliquen su misión. Como contraste, el único sobreviviente de la nave Atromitos es un humano "antiguo", propenso a las conductas irracionales que terminaron arruinando la Tierra. Su misión original era la extracción del exótico compuesto que podría limpiar la atmósfera de nuestro planeta... pero el cargamento desapareció misteriosamente, junto con la tripulación del Atromitos. Y, desde luego, no puede faltar un villano corporativo (¡Michael Nouri, de The Hidden!) que oculta detalles importantes sobre todo lo anterior.
Con estos elementos el director/guionista construye la historia a saltos y empujones. A veces la trama se siente intencionalmente lenta, obligándonos a esperar mientras llegan las "sorpresas" que adivinamos hace media hora. Y en otras ocasiones todo ocurre con absurda rapidez, tratando de atar múltiples cabos sueltos antes de que nos interrumpan los créditos finales.
En el aspecto visual Teleios sufre de diseño amateur, con gráficos primitivos y escenarios horriblemente falsos, peores que cualquier ópera espacial de Roger Corman en los ochentas (ejemplo: ¡pisos de linóleo imitación madera!). Y mejor ni hablemos de las armas o uniformes. Me dio la impresión de que los diseñadores no sabían nada de ciencia ficción, y se basaron en vagos recuerdos de un episodio de Space Precinct que vieron accidentalmente de niños.
Los efectos digitales no son tan malos, pero tienen el barniz improvisado de un tutorial de Blender en YouTube (¡no es insulto contra Blender!). En cuanto a las actuaciones... tampoco tengo buenas noticias. Debido al refinamiento genético, todos los personajes parecen modelos de revista, y actúan como tales. Los únicos medianamente creíbles son Sunny Mabrey como Duncan, la psicóloga del Teleios; y Weetus Cren como Travis, el sobreviviente catatónico de la Atromitos que permaneció en órbita de Titán durante muchos años, guardando un secreto que podría cambiar el futuro de la Tierra. Aunque no estuvo totalmente solo, pues lo acompañó Lulu (Ursula Mills), la androide de mantenimiento convertida en "sex-bot" para aliviar la soledad.
Sin embargo, la ciencia ficción es un género de ideas primero, e imágenes después. Por eso aprecié la ambición de Teleios en su exploración de temas relevantes a nuestro presente tecnológico y futuro biológico. Puedo aceptar mediocres efectos y sets de cartón, siempre y cuando exista substancia en la narrativa, y Teleios la tiene... aunque requiere paciencia y curiosidad para encontrarla.
Cortando a la mitad el número de sub-tramas, Teleios podría haber sido un buen episodio de una hora de The Outer Limits. O también hubiera funcionado como "serie web" de cinco o seis episodios para desarrollar con más cuidado sus múltiples tangentes dramáticas; pero en su forma actual es tan solo una B-Movie interesante en su planteamiento y mediocre en ejecución. Sin embargo yo quería naves espaciales, y Teleios cumplió mi deseo. Tan solo por eso merece la más tenue recomendación. Ah, y por usar una canción de GWAR. Al menos en eso tuvieron buen gusto (?).
Calificación: 6

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Pesadilla Siniestra (Slumber)

Síntomas: La Dra. Alice Arnolds (Maggie Q) se especializa en perturbaciones del sueño, y tiene soluciones científicas para todos los problemas de sus pacientes. Pero cuando empieza a trabajar con la aterrada familia Morgan, Alice descubre que algunos fenómenos están más allá de la ciencia.

Diagnóstico: La función de los sueños y el mecanismo que los produce es uno de los misterios más fascinantes del mundo natural (en mi humilde opinión), y al mismo tiempo se ha convertido en fuente inagotable de especulación sobrenatural. Por eso me sorprendió que, con una mitología tan fértil, la película Pesadilla Siniestra no haya logrado encontrar un solo aspecto interesante o tenebroso para fundamentar su narrativa.
En vez de eso el director Jonathan Hopkins tomó la ruta del menor esfuerzo, haciendo generoso uso de todos los clichés existentes en el moderno cine de terror. Bueno, casi todos... considerando el tema de la película, tuvimos suerte de que al final no nos recete el clásico: "todo fue un sueño". Solo eso faltó.
Por lo demás, Pesadilla Siniestra se apoya en elementos tan rancios como "reflejo inesperado en el espejo del baño", "sombra siniestra en la oscuridad", "tenebrosa canción infantil", "niño poseído", "el perro es la primera víctima", "visita al anciano que lo sabe todo", "consulta de leyendas en Google/Wikipedia"; "exorcismo improvisado" (no es realmente un exorcismo, pero tiene los mismos gritos y camas flotantes, así que cuenta); y, desde luego, uno de mis favoritos: "el caso actual está relacionado con el pasado trágico de la protagonista". Es bien sabido que las actividades de cualquier fantasma/demonio/criatura deben incluir algún componente personal; creo que es una orden de su sindicato, o algo así.
Regresando al punto, Pesadilla Siniestra pudo haber hecho un mínimo esfuerzo creativo por explorar el misterio de los sueños, pero fue más fácil repetir (mal) lo que hemos visto tantas veces en mejores películas de terror.
Por el lado positivo... pues... la película es bastante corta, aunque eso no aleja por completo el aburrimiento. La cinematografía "nocturna" de Polly Morgan es adecuadamente sombría sin oscurecer la acción. Y siempre me ha gustado el trabajo de Maggie Q, quien merecía un mejor libreto, pero de algún modo logró proyectar el conflicto entre la disciplina científica de Alice y la inexplicable evidencia de sus sentidos. Finalmente, los fans del “viejo” Doctor Who (como yo) apreciarán la breve intervención de Sylvester McCoy... aunque su papel fue uno de los peores en esta película.
La mitología de Pesadilla Siniestra es demasiado confusa; nunca queda claro el origen o intención de la amenaza nocturna. Pero, eso sí, tenemos interminables discusiones para añadir "drama" que no inspira emoción alguna. Y mejor ni hablar de los aspectos "terroríficos"... el mencionado "reflejo en el espejo del baño" representa el nivel general de sobresaltos que ofrece la cinta.
Sería difícil tolerar Pesadilla Siniestra en televisión; pero en el cine es un genuino reto a la paciencia y un desperdicio de tiempo. A menos que se duerman durante la película y sueñen que van a la escuela en ropa interior. Será una pesadilla más creíble que la que transcurre en la pantalla.
Calificación: 4

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Most Likely to Murder

Síntomas: Billy Green (Adam Pally) regresa a su pueblo natal para ayudar con la mudanza de sus padres, pero en realidad quiere ver de nuevo a Kara (Rachel Bloom), su ex-novia estudiantil...  quien ahora sale con Lowell Shapiro (Vincent Kartheiser), un antiguo enemigo de Billy que podría estar ocultando un secreto mortal.

Diagnóstico: Me interesaba Most Likely to Murder por la presencia de dos actores televisivos cuyo trabajo he admirado desde hace años: Adam Pally (Happy Endings, The Mindy Project, Making History), y Rachel Bloom (Crazy Ex-Girlfriend). Y en cierto modo no me decepcionó su colaboración, ya que tienen buena química y amplia oportunidad para explorar la complicada relación de sus personajes. Sin embargo, la floja dirección de Dan Gregor (esposo de Bloom en la vida real) y un libreto demasiado plano roban la energía de las actuaciones y terminan saboteando algunos brillantes elementos de la película.
Tomando el ejemplo de Crazy Ex-Girlfriend, Most Likely to Murder nos presenta un protagonista imperfecto y en ocasiones exasperante, viviendo en las glorias del pasado para ignorar los problemas del presente. Billy era el "chico popular" en la escuela, pero se mudó a otra ciudad en busca de fortuna, y nunca alcanzó el éxito que todos auguraban. Y ahora, de regreso en su pueblo, Billy espera recapturar la magia de la adolescencia, sin darse cuenta de que todos lo ven como el "loser" que nunca maduró ni encontró estructura en su vida. Y, para colmo, su ilusión de "reconectar" con Kara termina en desastre cuando se entera de que ahora sale con Lowell, a quien Billy torturaba sin misericordia en la preparatoria. Entonces Billy es testigo de algo extraño durante la noche, y queda convencido de que Lowell es un asesino que debe ser detenido. Pero, ¿quién le creerá a este patético "stoner"?
La "investigación" del asesinato es obviamente una farsa diseñada para crear un poco de comedia alrededor de lo que realmente importa: la evolución de Billy en el camino a una hipotética redención. Gregor y su elenco definitivamente encuentran humor en la ineptitud del protagonista, así como en los cambios ocurridos en el pueblo con el paso del tiempo; sin embargo la trama no inspira tantas risas ni cultiva personajes suficientemente interesantes para compensar la mediocridad general del relato.
Solo hasta el final, cuando llega el obligatorio "twist", se nota el ingenio del director y el auténtico propósito de la película; y, sí, es un momento cargado de emociones que los actores afrontan con gran realismo e intensidad dramática. Pero es muy tarde para rescatar la película entera; si Most Likely to Murder hubiera tenido más escenas como esa, o un nivel más consistente de humor quizás podría recomendarla como una "indie" imperfecta pero divertida. Desafortunadamente sus problemas son demasiado profundos para corregirse con un buen final. Además, el estilo austero y desganado del director reduce la cinta a una experiencia semi-televisiva donde casi esperamos la llegada de cortes comerciales; y el cinematógrafo Charlie Gruet baña todo con luces rojas, casi magentas, que hacen la cinta visualmente monótona y confusa.
Me hubiera gustado mucho que la colaboración de Adam Pally y Rachel Bloom estuviera a la altura de su talento; pero bueno... para eso tengo mis DVDs de Happy Endings (por no mencionar Band Aid), y las fantásticas canciones de Rachel Bloom en YouTube. Ojalá encuentren mejor suerte en sus siguientes proyectos fílmicos. Si no, estaré encantado de seguir viéndolos en las pantallas caseras.
Calificación: 6

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Imitation Girl

Síntomas: En medio del desierto aparece una mujer idéntica a la actriz pornográfica Julianna Fox (Lauren Ashley Carter). Entonces, mientras la "imitación" aprende lo que significa ser humano, la original Julianna se esfuerza por ordenar su vida.

Diagnóstico: Podríamos decir que Imitation Girl es una combinación de Starman y Under the Skin, pues examina la experiencia humana desde un punto de vista ajeno (no quiero decir "extraterrestre", ya que la cinta se abstiene de revelar el origen exacto de la protagonista), contrastando la inocencia de una nueva forma de vida con el cinismo y desesperación de una persona consciente de sus malas decisiones, pero sin la iniciativa para rectificarlas.
Es una extraña mezcla de ingredientes, pero obtienen un buen resultado en el nivel emocional... y un poco frustrante en el plano narrativo.
Sobra decir que Imitation Girl no es tan buena como las mencionadas Starman y Under the Skin; sin embargo posee su propio encanto artesanal, con una lánguida historia y parsimonioso ritmo que nos permite explorar la psicología de dos mujeres, iguales en apariencia, pero muy distintas en conducta. Y, claro, el contraste de sus divergentes actitudes inspira una creciente curiosidad por descubrir hacia dónde se dirigen estos dramas paralelos... seguramente habrá un encuentro catártico que responderá todas nuestras preguntas, ¿cierto?
Sí y no. Recuerden que estamos en territorio "indie", donde es preferible plantear incógnitas en vez de ofrecer respuestas pre-digeridas. Lo cual podría o no ser la excusa de la directora Natasha Kermani para dejar la historia incompleta... aunque no exenta de un final curiosamente satisfactorio, que no explica nada, y al mismo tiempo expande los ambiguos temas expuestos por el libreto (también escrito por Kermani).
Para ser honestos, mi razón principal para ver Imitation Girl fue la actriz Lauren Ashley Carter, uno de los secretos mejor guardados del cine fantástico independiente. Sus películas (Jug Face, Pod, The Mind's Eye) tienden a ser de muy bajo perfil y modesta manufactura, pero su desempeño siempre me ha parecido tan natural y sincero que trasciende las limitaciones técnicas (e incluso dramáticas) de los proyectos donde participa. Y, claro, en Imitation Girl tenemos oportunidad de ver un clásico "doble papel" de impresionante realismo, capaz de hacernos olvidar que se trata de una sola actriz interpretando dos personajes tan diferentes. No sé qué sería mejor: que algún gran estudio "descubriera" a esta menospreciada actriz, o que la dejen tranquila para que siga dedicando su talento al cine más personal y sustancioso. Creo que sería un desperdicio relegarla a papeles de "mejor amiga" en comedias románticas, o como "vecina graciosa" en un sitcom con risas grabadas.
En fin... regresando al punto, Imitation Girl podría describirse como "ciencia ficción filosófica", donde los elementos fantásticos son muy sutiles y sirven tan solo como catalizador de un doble estudio de carácter, con algunas interesantes observaciones sobre determinismo y libre albedrío. O quizás a la directora le gustó el líquido negro de Under the Skin y quiso hacer una especie de "fan fic" para explorar su funcionamiento. Como sea, me gustó el experimento, pues aunque no fue totalmente exitoso, nos invita a pensar; algo cada vez más raro en el cine del siglo veintiuno.
Calificación: 7.5

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Scorched Earth

Síntomas: Cincuenta años después de un apocalipsis ecológico, los escasos sobrevivientes intentan construir una nueva sociedad, y la incipiente Autoridad Central se apoya en cazadores de recompensas como Atticus Gage (Gina Carano) para defenderse de forajidos en busca de esclavos para trabajar en las minas de plata.

Diagnóstico: Esta es la paradoja de Gina Carano: cuando participa en películas de alto perfil (como Deadpool y Furious 6), es solo en papeles secundarios. Y cuando le dan un papel principal, generalmente se trata de cintas independientes (Haywire, In the Blood) que serán ignoradas por la mayor parte del público.
Para bien o para mal, Scorched Earth pertenece a esta segunda categoría; y aunque me pareció entretenida dentro de su modesto nicho, realmente no podría defenderla como "joya oculta", excepto para fans de Gina Carano (como yo) que aprecian su desempeño como actriz (mejorando un poco en cada nuevo proyecto) y como estrella de acción, bastante convincente gracias a los años que pasó compitiendo en el circuito de MMA.
Esto significa que Gina Carano es una de las pocas actrices que se ven confortables y creíbles en brutales escenas de acción (sobre todo peleas). Probablemente nunca ganará premios de actuación, pero su agilidad y convicción de atleta bastan para hacerla una de mis actrices favoritas... en la categoría de Cine B. Lo cual de ninguna manera es un insulto.
Scorched Earth tiene una premisa interesante, aunque bastante trillada. Después de una catástrofe ecológica que contaminó el agua y el aire del planeta, comienza la gradual reconstrucción de la civilización, tomando los valores (y la apariencia) del Viejo Oeste norteamericano. La gente anda a caballo, cultiva la tierra, y se organiza en primitivas comunidades que se encuentran en la mira de los inevitables villanos en busca de poder y recursos. Entonces, cuando la cazadora de recompensas Atticus Gage captura una famosa bandolera llamada Ms. Chavo (Luvia Petersen), decide tomar su lugar para infiltrarse en el pueblo de Defiance (sin relación alguna con la serie del canal SyFY), donde el cacique local (Ryan Robbins) necesita esclavos para trabajar en las minas de plata, elemento indispensable para los respiradores personales que usa toda la gente en este futuro distópico y contaminado.
Me gustó la combinación de western y ciencia ficción, así como el libreto de Kevin Leeson y Bobby Mort, razonablemente claro y lógico para justificar las actitudes de héroes y villanos. Cierto, es un criterio bastante bajo pero, como dije, es necesario hacer ciertas concesiones cuando se trata del Cine B... de otro modo, seríamos incapaces de apreciar sus aciertos.
Entre esos aciertos se encuentra el elenco secundario, encabezado por John Hannah como mentor de Gage, junto con una colección de actores "canucks" que revelan el origen canadiense de esta producción (entre los que reconocí: Alisha Newton de Heartland; Stephanie Bennett de Travelers, y Luvia Petersen de Continuum).
La acción no es muy frecuente pero está ejecutada con stunts de razonable realismo, balaceras con numerosas víctimas y explosiones, y algunos vehículos blindados al estilo Mad Max... aunque construidos con muy bajo presupuesto. El resultado es una cinta apta para conocedores del cine post-apocalíptico que quieran ver una versión del futuro con cierto ingenio conceptual que lamentablemente no se trasladó al entorno visual. Si Scorched Earth tuviera más peleas, o un diseño de producción más ambicioso, o más "gore" y violencia podría recomendarla por sus valores intrínsecos. A falta de todo eso... Gina Carano. Cada quién sabrá si es recomendación o advertencia.
Calificación: 7

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Venganza del Más Allá (Revenge)

Síntomas: Jennifer (Matilda Lutz) es brutalmente atacada y abandonada en el desierto para morir. Sin embargo, la joven tiene otros planes.

Diagnóstico: A pesar de lo que sugiere el título mexicano, Venganza del Más Allá no contiene elementos sobrenaturales... aunque en ocasiones pensé que hubiera sido mejor así. Tal vez algún tipo de influencia paranormal haría más creíbles algunas escenas realmente ridículas, y le daría una cierta "lógica de pesadilla" al peculiar libreto escrito por la directora Coralie Fargeat.
Pero... ¡un momento! Es posible que esas "ridiculeces" sean completamente intencionales, como remedos irónicos del cine de "venganza femenina" tan popular a fines del siglo veinte. Cintas como Ms. 45, I Spit on Your Grave y Thriller: A Cruel Picture ofrecieron la perspectiva "femenina" (entre comillas porque las protagonistas eran mujeres, pero los directores siempre fueron hombres) del vigilantismo glamorizado por Charles Bronson y Clint Eastwood en sus más famosas películas (como Death Wish y Dirty Harry). Y ahora, Venganza del Más Allá celebra el recuerdo de sus predecesoras (al mismo tiempo que denuncia su anacronismo) con un relato violento, despiadado y sangriento que toma en serio la implacable misión de la protagonista... pero con oportunos toques surrealistas para admitir la incongruencia de la situación, lo cual al final me dejó satisfecho en todos los niveles de la experiencia, ya fuera como simple "gore" o como provocativo manifiesto feminista.
Hablando de lo cual, el mensaje de la directora Coralie Fargeat no es exactamente sutil. Los deplorables hombres que rodean a Jennifer son culpables en distintos grados por el horrendo abuso sexual. Stan (Vincent Colombe) la violó físicamente; Dimitri (Guillaume Bouchede) no hizo nada para impedirlo; y Richard (Kevin Janssens) quiere usar su dinero para encubrir el crimen. El resultado de esa conspiración parece fatal... pero en el primero de muchos eventos inverosímiles, Jennifer de algún modo sobrevive y comienza su misión de venganza.
Las actuaciones son intensas y naturales en todo momento, generando profundas emociones que compartimos con Jennifer durante su transición de víctima a cazadora; la joven empieza como objeto sexual y termina como una de las heroínas pintadas por Frank Frazetta o Simon Bisley (las cuales también son objetos sexuales, ahora que lo pienso...) No es un arco dramático muy innovador, pero está bien manejado... con ayuda de las incongruencias antes mencionadas (dos ejemplos: el peyote como anestésico mágico, y la escopeta con mira telescópica... ¿tiene sentido eso? No sé; no soy experto en armas, pero nunca vi algo así en Call of Duty).
En los aspectos más prácticos, Venganza del Más Allá luce espectacular cinematografía para explotar los colores y aislamiento de los agrestes escenarios desérticos; la música electrónica de "Rob" complementa la ilusión ochentera al mismo tiempo que subraya la tensión creada por la aguda dirección de Fargeat; y, desde luego, los efectos de maquillaje merecen una mención especial por su realismo y cruento detalle; ni siquiera recuerdo la última vez que vi tanta sangre en la pantalla del cine.
Creo que Venganza del Más Allá es una buena película por sí misma, aunque requiere cierta tolerancia por parte del espectador para disculpar sus más extremos caprichos artísticos (otro ejemplo: el asunto del águila); pero si logramos pasar por alto las excentricidades encontraremos una obra genuinamente transgresora, no tanto por lo que vemos en la pantalla, sino por la subversión de un género que nunca se había realizado con semejante convicción.
Calificación: 8.5

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Isla de Perros (Isle of Dogs)

Síntomas: Cuando son declarados ilegales en Japón, miles de perros son deportados a una isla de basura. Pero un niño decide buscar a su fiel guardián, y encuentra inesperados aliados que lo ayudarán en su cruzada.

Diagnóstico: Al igual que hizo en Fantastic Mr. Fox, el director Wes Anderson utiliza animales para contar una historia muy humana en Isla de Perros.
Empleando de nuevo la técnica de "stop motion" (intencionalmente burda, con "ripple" en el pelo de los personajes y variaciones de iluminación para que se vea más "artesanal"), Anderson nos presenta un moderno cuento de hadas visualmente impresionante y emocionalmente resonante, sobre todo para amantes de los perros (como yo). También hay gatos en la historia, aunque su influencia es tangencial; y también interviene un búho, y varias ratas. Pero desde luego pasamos más tiempo con los perros, cuyas personalidades antropomórficas se fusionan maravillosamente con los rasgos caninos capturados por los animadores en cada detalle del movimiento y diseño de los personajes.
Y, naturalmente, las voces se encargan de completar la magia narrativa con actitudes muy propias de las variadas razas y mezclas que integran el elenco (¿estoy hablando de los actores o de los perros? No estoy seguro).
Así tenemos a Edward Norton, Bob Balaban, Bill Murray y Jeff Goldblum en los papeles de Rex, King, Boss y Duke (respectivamente), previas mascotas que recuerdan con nostalgia sus vidas con las familias que algunas vez los cuidaron. Pero Chief (Bryan Cranston) es un perro callejero que no alberga mucho cariño por la raza humana ("Yo muerdo"), ni cree en el concepto de "amos". También participan en papeles menores Scarlett Johansson, Harvey Keitel, F. Murray Abraham y Tilda Swinton como perros con diversas historias y funciones en la isla de basura; y en los papeles "humanos" encontramos voces tan diversas como Frances McDormand (como la traductora oficial de los diálogos japoneses), Yoko Ono (como asistente científica que está a favor de los perros), y Greta Gerwig como una estudiante de intercambio con aspiraciones revolucionarias. El trabajo de Gerwig es excelente... pero me irritó un poco su personaje caucásico en una cinta ubicada en Japón... como si hiciera falta la intervención del "hombre blanco" (o mujer) para rectificar las injusticias sociales y guiar al público hipnotizado por su gobierno. O quizás hay un significado oculto que no entendí.
Lo cual, ahora que lo pienso, se extiende a la película entera. La deportación de los perros, las conspiraciones para mantener el poder político, y la propaganda como herramienta de manipulación social se prestan para encontrar múltiples simbolismos y analogías con situaciones del mundo real. Pero dejaré eso a personas mejor informadas que yo. A mi simplemente me gustan los perros, y fue un placer ver una película dedicada a su nobleza y fidelidad, sin disimular su carácter ocasionalmente volátil, ni el delicado balance entre sus instintos salvajes y la asimilación doméstica. Hablando de lo cual, una de las escenas más impactantes de la película (al menos para mi) no tiene que ver con perros, sino con la preparación de sushi... fue una buena lección para reforzar mi vegetarianismo.
En cierto modo Fantastic Mr. Fox funcionó mejor como comedia; pero Isla de Perros no busca necesariamente hacernos reír (aunque tiene detalles hilarantes), sino reflexionar sobre la relación del hombre con los animales... y quizás de la humanidad consigo misma. El que lo haga con perros adorables es un beneficio adicional que revela una vez más la imaginación de Wes Anderson y su sensibilidad para crear intensas emociones sin recurrir a cursilería ni barata manipulación. Pero siempre con Bill Murray como su arma secreta.
Calificación: 9.5

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Los Extraños: Cacería Nocturna (The Strangers: Prey at Night)

Síntomas: Una familia se dispone a pasar unos días en la casa rodante de un pariente, pero son interrumpidos por varios jóvenes enmascarados con funestas intenciones.

Diagnóstico: No voy a intentar siquiera parecer objetivo al escribir sobre Los Extraños: Cacería Nocturna. Para empezar, encuentro tediosa la fórmula de "invasión doméstica", donde siempre hay una familia con problemas (o secretos) amenazada por uno o varios psicópatas sin motivo aparente, hasta que todos mueren, o alguien debe hacer algo horrible para sobrevivir. No sé por qué me parece tan desagradable esta premisa. Quizás sea porque prefiero mayor complejidad dramática; o porque se nota demasiado la pereza de guionistas que, bajo el amparo del "nihilismo transgresor", deciden que no hace falta escribir una historia coherente; o tal vez me hace falta algún componente visceral para acompañar el flojo "suspenso" que inspiran estas cintas. Como sea, reconozco que es una actitud hipócrita, ya que frecuentemente disfruto de sub-géneros aún más huecos y trillados, como el cine slasher y las "creature features". Pero, bueno... por una cosa u otra, me desagradan las películas como la original The Strangers (2008), y por eso no tenía muchas ganas de ver la secuela Los Extraños: Cacería Nocturna (por si a alguien le interesa, nunca vi la cinta francesa Ils, supuesta "inspiración" de estas versiones norteamericanas).
Me gustaría decir que Los Extraños: Cacería Nocturna fue mejor que la original... o al menos que intentó algo distinto. Pero no; es más de lo mismo, con algunos buenos actores interpretando personajes unidimensionales que gritan mucho, se esconden, y toman absurdas decisiones en su lucha por escapar de sus agresores.
La película es bastante corta, y aún así me encontré bostezando durante los primeros treinta minutos, mientras conocemos a los esposos Cindy (Christina Hendricks) y Mike (Martin Henderson), su hija rebelde Kinsey (Bailee Madison), y el hijo mayor Luke (Lewis Pullman). Cuando finalmente llegan al "trailer park" donde van a pasar unos días con el Tío Marvin, encuentran a los siniestros jóvenes enmascarados que quieren "divertirse". Y así procede la segunda mitad, con arbitrarias persecuciones y vanos intentos por crear un poco de suspenso mientras presenciamos la exasperante estupidez de los protagonistas (por ejemplo, uno de ellos se deja apuñalar... solo porque sí), y los  inexplicables ataques de "Dollface" (Emma Bellomy), "Pin-Up Girl" (Lea Enslin) y "Man in the Mask" (Damian Maffei), quienes tienen la habilidad de moverse sin hacer ruido ni revelar su presencia hasta que llega el momento del sobresalto.
Por el lado positivo (uf...), aprecié la presencia de Christina Hendricks como la madre comprensiva. Y Bailee Madison hace un trabajo decente como la chica rebelde que deberá aprender a ser menos egoísta. La cinematografía es adecuadamente atmosférica, y la música incidental evoca las composiciones electrónicas de John Carpenter, lo cual funciona al mismo tiempo como homenaje y complemento de un par de escenas sombrías que casi revivieron mi entusiasmo por esta película... pero fue falsa alarma. Y la dirección de Johannes Roberts (47 Meters Down) intenta trascender los límites del horror doméstico utilizando todo el "trailer park" como escenario de las persecuciones y asesinatos. Al menos esto añade un poco de variedad y alternativas para lucir la ineptitud de los personajes, así como su costumbre de detenerse a conversar cuando deberían preparar algún tipo de defensa o plan concreto de escape.
Pero, bueno... así es este sub-género, y Los Extraños: Cacería Nocturna afronta de lleno su responsabilidad de matar sin motivo y ofrecer elementos irónicos como contraste de la violencia (por ejemplo, las alegres canciones pop que acompañan los más crueles momentos de la cinta). Personalmente no podría recomendar Los Extraños: Cacería Nocturna... pero obviamente existe un público para este tipo de película, lo cual desde luego respeto. Todos tenemos nuestros "placeres culpables".
Calificación: 6 (solo por los numerosos homenajes a John Carpenter)

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Tremors: A Cold Day in Hell

Síntomas: Cuando los "graboides" aparecen en el lugar menos esperado, Burt Gummer (Michael Gross) y su hijo Travis (Jamie Kennedy) se preparan nuevamente para la acción.

Diagnóstico: El prólogo de Tremors: A Cold Day in Hell introduce una fascinante variación en la mitología de los "graboides": ¡ahora también viven bajo las nieves del Ártico! Desafortunadamente el resto de la película se ubica en los mismos parajes semi-desérticos que suele utilizar esta franquicia; supongo que podríamos tomarlo como un mordaz comentario sobre el calentamiento global... o como simple consecuencia de filmar en Sudáfrica, donde no hay tanta nieve como en Canadá, donde supuestamente se desarrolla la historia. Ah, y por si no fuera suficiente engaño, TODOS los personajes (con excepción de las dos estrellas norteamericanas) hablan con acentos africanos, en vez del simpático "eh" canadiense.
Con esas quejas fuera del camino, me complace afirmar que Tremors: A Cold Day in Hell fue mi segunda secuela favorita de Tremors (1990), después de Tremors II: Aftershocks (1996)... lo cual no es un gran halago, considerando la baja calidad de estas películas (aunque también disfruté la precuela ubicada en el Viejo Oeste). Sin embargo Tremors: A Cold Day in Hell (la sexta cinta de la serie) merece reconocimiento por su decente manufactura, entusiastas actuaciones y travieso sentido del humor, que en muchos aspectos emula la original Tremors, una de mis "creature features" favoritas de todos los tiempos.
La historia de Tremors: A Cold Day in Hell es lo mismo de siempre... un diverso grupo de individuos amenazados por los monstruos en un lugar remoto y con pocas posibilidades de escape. Sin embargo, el director Don Michael Paul (también responsable por la inferior Tremors 5: Bloodlines) saca el máximo provecho de sus limitados recursos con ayuda de un libreto ágil y confortable con sus numerosos clichés (¿estará ocultando algo la instalación gubernamental vecina?) para crear un relato muy divertido que no niega sus fallas ni se toma muy en serio, y tampoco espera que nosotros lo hagamos.
Los actores secundarios intentan mantener cierto nivel de seriedad para balancear las ridiculeces de Burt y Travis, los supuestos "especialistas" en graboides que acuden al rescate de los incrédulos científicos en una estación canadiense. La única persona que les cree es una joven estudiante llamada Valerie (Jamie-Lee Money), pues tiene una conexión con el pasado de Burt. A partir de eso empiezan los violentos ataques subterráneos, muchos disparos (Burt sigue obsesionado con las armas de fuego), y constantes discusiones entre el irascible cazador y sus escépticos "protegidos", hasta que eventualmente reconocen que Burt sabe lo que hace... incluso si sus estrategias no siempre tienen sentido.
En realidad admiro la convicción de Michael Gross para interpretar a Burt Gummer, un personaje que empezó como caricatura... y, bueno, sigue siendo una caricatura, pero con rasgos humanos que lo hacen casi entrañable. Es como una combinación de Ash Williams y R. Lee Ermey (que en paz descanse), equipado con una inagotable provisión de insultos creativos (casi siempre dirigidos a su hijo) y frases pintorescas para describir los horrores de los graboides. Por su parte, Jamie Kennedy regresa en el papel de Travis, repitiendo la excelente química con su "padre", y hasta logrando una evolución medianamente creíble como "héroe de acción". También me gustó el trabajo de Jamie-Lee Money como Valerie McKee (los fans de Tremors adivinarán su conexión con la original), y de Paul du Toit como Mr. Cutts, el obligatorio agente gubernamental que sabe más de lo que dice. O quizás es tan inepto y cobarde como parece.
Los efectos especiales son excelentes para estándares del Cine B, con un buen balance de criaturas digitales, tentáculos prácticos, y efectos físicos (explosiones, stunts, etc.) que podrán ser modestos en escala, pero están perfectamente ejecutados para darle realismo a los ataques de los graboides. Y aunque me pareció innecesaria una sub-trama melodramática entre padre e hijo, los resultados ofrecen una adecuada mezcla de ingenio/estupidez para terminar la cinta con una sonrisa.
Entonces, Tremors: A Cold Day in Hell no será una obra de arte, pero me pareció una sólida "B-Movie" que rescata parcialmente los valores de la original, y añade suficiente personalidad para disfrutarse por sí misma. Es raro cuando una franquicia revive tan tarde y con aceptables resultados; será mejor no analizarla demasiado, y disfrutarla mientras dure.
Calificación: 8

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The Man From Earth: Holocene

Síntomas: Hace diez años el Prof. John Oldman (David Lee Smith) reveló un gran secreto a sus mejores amigos durante una cena de despedida. Y ahora, bajo el nombre de John Young, da clases en una universidad californiana... pero algunos estudiantes empiezan a sospechar sobre la auténtica identidad de su profesor.

Diagnóstico: En el 2007, la película The Man From Earth contribuyó a la formación de una nueva corriente que podríamos llamar "ciencia ficción minimalista", donde los elementos fantásticos o especulativos no se manifiestan con efectos especiales, sino con simples diálogos y situaciones que capturan nuestra imaginación con mayor potencia que cualquier alien digital o ruidoso combate espacial. Así, obras como Primer, Coherence y Safety Not Guaranteed estimularon el resurgimiento de las ideas como fundamento de la ciencia ficción, en vez del hueco espectáculo visual que Hollywood acostumbra vender.
Y ahora, diez años después, The Man From Earth: Holocene continúa la historia de John Oldman/Young con amplias dosis de imaginación, expandiendo el universo del personaje e introduciendo nuevos misterios a su inusual existencia. Entre ellos: los cambios que experimentó su cuerpo en la última década (una manera bastante ingeniosa para explicar el envejecimiento real del actor David Lee Smith); las consecuencias de aquella memorable velada donde reveló su secreto; y las sospechas de sus jóvenes estudiantes, quienes descubren pistas de algo tan inverosímil que no podría ser cierto... ¿o sí?
En vez de limitarse a una velada de sobremesa, el director Richard Schenkman explora múltiples eventos y relaciones, incluyendo la vida personal de Oldman, sus actividades escolares, y la influencia que ha tenido en las personas que lo rodean. Estas nuevas perspectivas fortalecen el desarrollo del protagonista, haciéndolo más "normal" y al mismo tiempo más distante de la humanidad, con esa enigmática aura pseudo-espiritual que trasciende sus vastos conocimientos de historia y religión.
Por el lado negativo, esta expansión de su entorno a veces conduce a conflictos forzados que se sienten fuera de lugar en la cerebral narrativa de la cinta. Y las actuaciones del elenco secundario tienden a flaquear en momentos clave, perdiendo la resonancia que el director probablemente esperaba. La excepción es el gran Michael Dorn en el papel del rector universitario que cultivó una genuina amistad con el Prof. Young; fue un placer encontrar a Worf actuando (¡y muy bien!) sin maquillaje.
A pesar de sus limitaciones económicas y titubeos artísticos, me gustó el nuevo enfoque que The Man From Earth: Holocene aporta a la mitología establecida en la cinta original. El final es tan abrupto que se siente como un terrible error, pero una escena post-créditos (así como un comentario del director) explica todo... o al menos lo necesario para dejarme satisfecho y al mismo tiempo curioso sobre el rumbo que podrían tomar futuras secuelas. Hablando de lo cual, los productores de The Man From Earth: Holocene tomaron la arriesgada decisión de distribuir gratuitamente su película (no solo en el sitio oficial ManFromEarth.com, sino subiéndola a sistemas de "file sharing"), solicitando donativos voluntarios bajo el "sistema de honor" (el sitio estaba fallando cuando intenté donar, pero finalmente logré hacerlo). De este modo The Man From Earth: Holocene no solo es una interesante historia de ciencia ficción, sino una pionera de nuevos canales de distribución que benefician a todos... siempre y cuando la gente decida pagar. Creo que es una solución razonable para seguir disfrutando películas con gran calidad e imaginación, aunque no tengan explosiones ni monstruos digitales. Hay lugar para ambos estilos, y los dos merecen nuestro apoyo.
Calificación: 8.5

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