El Escándalo (Bombshell)

Síntomas: En el año 2016, el canal de noticias Fox News, dirigido por el detestable Roger Aisles (John Lithgow), goza de gran popularidad entre el público conservador; pero detrás de las cámaras hay constantes conflictos y acoso sexual, como descubren las conductoras Megyn Kelly (Charlize Theron), Gretchen Carlson (Nicole Kidman) y la aspirante a reportera Kayla Pospisil (Margot Robbie).

Diagnóstico: Creo que El Escándalo es una película con múltiples niveles temáticos; y el interés de cada espectador dependerá del tema que considere más relevante.
En el nivel más básico, El Escándalo denuncia el acoso sexual que sufren muchas mujeres en el trabajo, y particularmente en actividades que exigen más atención en la apariencia personal de las empleadas. La historia se desarrolla en las oficinas de un popular canal de noticias, pero la cinta reconoce que el problema es universal, y que se ha mantenido oculto durante demasiado tiempo.
En su segundo nivel, El Escándalo retrata un sórdido, eh, escándalo que no solo incluye atractivas celebridades con millones de seguidores, sino una de las dinastías familiares más ricas del planeta, el glamour de la televisión, y los lascivos secretos sexuales de individuos influyentes y poderosos... en otras palabras, "chismes" irresistibles que despiertan el mismo morbo y curiosidad que los periódicos tabloides (cuyas añejas tácticas ya se utilizan todos los medios noticiosos).
Y, finalmente, también existe un fuerte componente político en El Escándalo, aprovechando la campaña presidencial de Donald Trump (la trama se desarrolla en el año 2016) para señalar la influencia de las figuras públicas en la "normalización" del comportamiento inapropiado que la sociedad ha permitido durante décadas (incluso siglos) por conveniencia, cobardía, o simplemente porque ¿qué se le va a hacer?
El director Jay Roach toma el ejemplo de otras obras complicadas o controversiales (como Vice y The Big Short), y nos presenta El Escándalo con engañosa ligereza para hacer más accesible la narrativa, pero sin diluir el impacto de sus revelaciones, ni eximir de responsabilidad a los culpables. El incisivo humor del libreto (escrito por Charles Randolph) solo se utiliza cuando puede contribuir al desarrollo de los personajes (por ejemplo, en el departamento de Jess Carr, interpretada por Kate McKinnon), o para señalar con pícara ironía las contradicciones de los eventos que retrata (como la visita al vestidor de las conductoras, donde refinan su apariencia con tortuosos procesos cosméticos mientras tratan de defender al hombre que las explota sexualmente). Sin embargo, El Escándalo no es una comedia propiamente, sino un astuto drama laboral con toques satíricos que nunca trivializan el sufrimiento de las víctimas.
Charlize Theron y Nicole Kidman hacen un excelente trabajo en los papeles de Megyn Kelly y Gretchen Carlson (respectivamente), no solo transformándose físicamente en perfectos duplicados de las conductoras reales, sino adoptando su analítica actitud y lenguaje corporal (aunque esto último podría ser por los vestidos ajustados y los altísimos tacones que limitan el movimiento). Margot Robbie, por su parte, no necesita imitar a nadie, ya que "Kayla" es un compuesto de varias reporteras de Fox News que sufrieron similares humillaciones en su trabajo. Y en los roles secundarios encontramos una auténtica constelación de estrellas que inyecta invaluable energía y personalidad hasta el más pequeño papel. Entre ellos: Allison Janney, Malcolm McDowell, Connie Britton, Stephen Root, Alanna Ubach, D'Arcy Carden, Richard Kind, Ashley Greene, Alice Eve, Katie Aselton, Tricia Helfer, Madeline Zima, Lennon Parham, y Mark Duplass. Hablando de lo cual... El Escándalo es similar a la aclamada serie The Morning Show (donde también aparece Duplass), así que los fans de una podrían disfrutar la otra. Y, desde luego, lo mismo aplica para sus detractores.
Finalmente, merece aplauso especial el gran John Lithgow en el papel de Roger Aisles. Incluso sin tomar en cuenta su transformación física (al parecer Aisles tenía el apodo de "Jabba the Hut"), su actuación es fenomenal, como un auténtico depredador en espera del momento favorable para atacar. Robbie, Theron y Kidman sin duda son la atracción principal, pero necesitan un buen villano para brillar, y Lithgow es simplemente espectacular en ese ingrato papel. No sé por qué no recibió más nominaciones por su trabajo.
Entonces, El Escándalo es una película trágica pero graciosa; sarcástica pero sincera; y con una moralidad selectiva para impedir que los "tonos de gris" contaminen su mensaje global. En otras palabras: no es un documental, sino una idealizada versión de eventos reales cuya intención es primero entretener, y luego educar. Así es Hollywood, después de todo. ¿Qué le vamos a hacer?
Calificación: 8.5

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Gretel & Hansel

Síntomas: Gretel (Sophia Lillis) y su hermano menor Hansel (Samuel Leakey) se van de su casa para escapar de la pobreza y la demencia de su madre. Entonces encuentran una cabaña en el bosque con una amable anciana que los invita a quedarse... aunque tal vez tiene otras intenciones.

Diagnóstico: Francamente, yo esperaba que Gretel & Hansel sería una superficial "re-imaginación" post-moderna del famoso cuento de hadas, transformado en una fantasía de acción medieval (al estilo de Hansel & Gretel: Witch Hunters), o una genérica historia de horror repleta de clichés. Sin embargo, para mi sorpresa, el director Osgood Perkins (dato curioso: es el hijo de Anthony "Norman Bates" Perkins) logró conservar el mismo estilo parsimonioso y oblicuo de sus previas películas (February y I Am The Pretty Thing That Lives in the House), enfocándose en atmósfera, actuaciones y un fascinante subtexto psicológico que combina elementos "coming of age" con una variedad de ocultismo rico en misterios y metáforas. Y todo eso envuelto en una atractiva estética minimalista magníficamente diseñada por Jeremy Reed, y artísticamente fotografiada por Galo Olivares. En resumen: Gretel & Hansel parece una de esas "joyas ocultas" que ocasionalmente aparecen en el cine independiente directo a video, o en los rincones más oscuros de Netflix o Amazon Prime; y sin embargo podemos encontrarla hoy en cines de todo el mundo gracias a uno de esos estrenos globales simultáneos que generalmente están reservados para cintas de alto perfil (o para secuelas de éxitos pasados). Gretel & Hansel es un pequeño milagro que casi restaura mi fe en la mercenaria industria cinematográfica.
Para balancear tantos halagos, debo aclarar que Gretel & Hansel no una película de horror para todos los gustos. Como dije, el estilo narrativo de Osgood "Oz" Perkins tiende a ser lento y laborioso, lo cual requiere paciencia por parte del público para dejar que el suspenso nos envuelva a su propio ritmo y la trama llegue al punto de ebullición exacto para explotar en nuestra conciencia (como puntos de comparación podría mencionar The Witch, November y, obviamente, las previas cintas de Perkins). Quienes prefieran "sustos" convencionales y las cómodas fórmulas del horror moderno, mejor busquen en otro lado (lo cual no tiene nada de malo, e incluso me permito sugerir cintas más apropiadas para esa sensibilidad, como Aterrados, It, y Annabelle Comes Home). Pero los fans del cine "raro" y el drama "a fuego lento" recibirán satisfactorias recompensas con este perverso cuento de hadas que respeta la fuente original, mientras forja su propia identidad.
El título de la película implica que la protagonista es Gretel, cuyo punto de vista femenino altera el balance de la historia sin perder su textura fundamental. Sophia Lillis (It Chapter Two) entrega su mejor actuación hasta el momento (en mi opinión), transmitiendo sin palabras el conflicto interno entre instinto y razón; obviamente hay un propósito siniestro detrás de la amabilidad de la anciana en la cabaña, pero el hambre y la responsabilidad que siente por su hermano Hansel la obligan a aceptar la oferta de alimento a cambio de trabajo doméstico. En el papel de Hansel, Samuel Leakey muestra el inocente optimismo de un niño que tiene hambre y no comprende la situación, haciéndolo susceptible al simple señuelo de la comida. Y, en el papel de la "bruja", la gran Alice Krige (más conocida como la Reina Borg en Star Trek: First Contact) proyecta una inquietante ambigüedad que oculta sus auténticas intenciones (las cuales, a decir verdad, parecen más benéficas que negativas... al menos para Gretel). Finalmente, Jessica De Gouw interpreta a la bruja cuando era joven, y aunque son pocas escenas, conserva la misma enigmática presencia de Krige y su perturbadora energía.
Entonces, Gretel & Hansel fue una agradable sorpresa que, sin embargo, no podría recomendar con absoluta confianza porque su ambición (y lentitud) tal vez excedió los parámetros del "drama sobrenatural". Sin embargo, habrá espectadores (como yo) que tomarán esto como motivo de celebración, y no como una falla de la película. A fin de cuentas, Gretel & Hansel es una "joya oculta" a la vista de todos... aunque no será igualmente valiosa para todos los criterios.
Calificación: 8

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Dolittle

Síntomas: Después de perder a su esposa, el Dr. John Dolittle (Robert Downey Jr.) abandonó sus aventuras como protector de la fauna del mundo, y se encerró en su mansión con muchos animales como única compañía. Sin embargo, un mensaje de auxilio de la Reina Victoria (Jessie Buckley) lo obliga a salir de su encierro... y hablar con otras personas.

Diagnóstico: Ni siquiera como amante de los animales logré tragar la "clásica" película familiar Doctor Dolittle (1967), ni el remake con Eddie Murphy de 1998. Francamente, creo que sería más interesante una película sobre el origen del personaje, el cual fue creado por el ingeniero militar Hugh Lofting en las cartas ilustradas que escribió para sus hijos desde las trincheras de la Primera Guerra Mundial. Pero eso sería deprimente.
Por el contrario, la fantasía es más alegre y redituable (en teoría), y por eso encontramos al siempre vivaz Robert Downey Jr. como estrella de Dolittle, acompañado por un ecléctico grupo de actores que prestan sus voces a los simpáticos animales digitales, incluyendo a Emma Thompson, Rami Malek, John Cena, Kumail Nanjiani, Octavia Spencer, Craig Robinson, y muchos más. Con ese elenco, no podría ser tan mala como todos afirman, ¿cierto?
La verdad es que Dolittle no fue el épico desastre que yo esperaba, pero tampoco podría decir que sus débiles chistes y tediosas rutinas de acción justifican el esfuerzo de verla en el cine. Cuando mucho podría recomendarla para niños pequeños (muy pequeños) cuando llegue a video casero... y eso solamente si no hay nuevos episodios de StoryBots.
El "argumento" de Dolittle consiste en una serie de viñetas donde el doctor y sus amigos (humanos y animales) recorren pintorescas locaciones en busca de una planta muy especial. Esa es toda la excusa que necesita el director Stephen Gaghan para organizar persecuciones, acrobacias y... ¿quizás explorar un misterio del pasado? El problema es que nada es divertido, emocionante, o siquiera lógico. Solo son ruidosas escalas en una misión repleta de "crisis" irrelevantes que se solucionan de la manera más insípida posible (por ejemplo, cuando Dolittle enfrenta un peligroso tigre hambriento de venganza, todo se reduce a frases de auto-ayuda ("Está bien tener miedo") y una patada en los testículos (del tigre, no del doctor). Clásico caso de un director fuera de su elemento (Gaghan dirigió el thriller político Syriana y el misterio estudiantil Abandon) con demasiada confianza en el carisma de su estrella principal para rescatar la situación y convencer al público de que vieron una película "nueva", y no un patético "mash-up" de Pirates of the Caribbean y Fantastic Beasts and Where to Find Them.
Por el lado positivo... uf... déjenme pensar... los mencionados animales están bien hechos, supongo, aunque no alcanzan el abrumador realismo de The Lion King o The Jungle Book. Y Robert Downey Jr. genera un par de sonrisas con su excéntrica interpretación del veterinario que habla con los animales... en su propio idioma (eso fue lo que más me gustó de la película, pero solo vemos un minuto o dos de esa peculiar interacción). Y lo mismo podría decir de los animales con voces famosas. En particular aprecié la convicción de Emma Thompson como la cotorra Poly, el humor de Craig Robinson como la ardilla Kevin, y la inseguridad de Kumail Nanjiani como la avestruz Plimpton... aunque probablemente solo fue porque me gustan como actores, y no porque sus diálogos hayan sido interesantes o graciosos.
Acompañando a Robert Downey Jr. en papeles humanos tenemos a Jim Broadbent, Michael Sheen, Antonio Banderas, Jessie Buckley, Carmel Laniado y Harry Collett, aunque daría lo mismo si fueran figuras de cartón porque su única función es expresar asombro o irritación ante las bizarras prácticas de Dolittle. ¿Una jirafa en el dormitorio de la Reina? ¡Cómo se atreve!
Obviamente el estudio Universal tenía grandes planes de una franquicia basada en las aventuras del Doctor Dolittle, pero dudo mucho que se vuelva realidad. Tal vez si hubieran tomado un camino más "realista", podríamos tener una saga pro-animales con potencial de educar al público al mismo tiempo que lo entretiene (se me ocurre una versión más humanitaria de la vieja serie Bring'Em Back Alive!) Lástima que esa no sea la moda actual. Aunque, para ser optimistas, Dolittle podría ayudar a exterminar las blandas fantasías familiares que sí están de moda. En ese caso, la recordaré con mucho afecto.
Calificación: 5

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The Bravest (Lie Huo Ying Xiong)

Síntomas: La Brigada Especial de Bomberos está lista para enfrentar todo tipo de crisis en Beijing y provincias aledañas. A veces es un fuego en un restaurante; a veces es capturar cerditos que escaparon de su corral. Pero nada se compara con el incendio de una enorme planta petroquímica.

Diagnóstico: A diferencia de otros "blockbusters" chinos en busca de distribución internacional (como The Wandering Earth, Air Strike y Operation Red Sea), The Bravest definitivamente se siente como propaganda gubernamental dedicada a celebrar no solo el valor de los bomberos que arriesgan su vida para proteger al público, sino la ideología política que los inspira y los une en situaciones de peligro. Esto quizás resta un poco de impacto al drama y nos hace cuestionar los momentos más "patrióticos" de The Bravest... pero no me impidió disfrutar el suspenso y emoción de una cinta bien producida que, independientemente de su función demagógica, rinde merecido tributo a uno de los trabajos más peligrosos del planeta, y a los nobles individuos que salvan vidas sin pensar en su seguridad personal.
The Bravest está inspirada en eventos reales (las explosiones de Tianjin en el 2015), pero el director Tony Chan claramente estudió las "disaster movies" norteamericanas, y añadió los elementos indispensables del género para alcanzar un adecuado balance entre drama y acción.
Entre esos elementos: la tragedia del pasado que dañó física y psicológicamente al Capitán Jiang Liwei (Xiaoming Huang), quien necesita redimirse ante sus compañeros y ante sí mismo; su reemplazo, Zheng Zhi (Zhehan Zhang) solo quiere obtener el respeto de su padre; el pequeño Jiang Miao (Yuncong Lu) se separó de su madre Li Fang (Zhuo Tan) durante la confusión del pánico en las calles; los oficiales de la Brigada Especial toman angustiosas decisiones de vida o muerte para sus subalternos; y los villanos corporativos ocultan la verdad para proteger a la empresa petrolera. Solo faltó un perrito en peligro para completar el desfile de clichés (bueno, hay un perrito como "extra" en las escenas de evacuación).
Nada de esto es novedoso o creativo, pero funciona bastante bien para elevar la tensión y añadir vectores emocionales al incendio principal. Chan presenta el combate del incendio como una guerra sin cuartel; los bomberos son soldados leales dispuestos a sacrificar todo por su causa (por cierto, encontré muy interesante que el Cuerpo de Bomberos en China pertenece a las Fuerzas Armadas), mientras que el fuego parece una bestia implacable con propósito y conciencia. La cámara captura tremendas imágenes de caos y destrucción, pero también enfoca nuestra atención en fascinantes detalles que rara vez se exploraron en cintas similares. Por ejemplo, el extenso sistema de bombeo para llevar agua del mar al sitio del incendio... excepto que la basura en la bahía bloquea constantemente los tubos, y requiere estoicos buzos para nadar entre la inmundicia y restaurar el flujo del líquido. O los operadores de generadores móviles que alimentan la maquinaria de los bomberos cuando el fuego corta las líneas de electricidad. Y así, haciendo honor a su título, The Bravest nos muestra las múltiples actividades conectadas con el combate de incendios, y todos esos héroes anónimos que no están directamente frente a las llamas, aunque también arriesgan sus vidas para cumplir su misión.
En cuanto a la acción, The Bravest tiene momentos visualmente espectaculares que se conjugan con el suspenso para mantener nuestra atención durante dos horas bastante satisfactorias, y con una baja proporción de relleno. Los efectos digitales no son muy realistas, pero se compensan con la abrumadora escala de las flamas y explosiones prácticas que literalmente sacuden la pantalla (la explosión del principio es una de las más violentas que he visto en mi vida, y ni siquiera es tan grande... solo bien filmada y con perfecta edición).
Como dije al principio, el subtexto político de The Bravest afecta el tono general de la cinta y hace que algunos momentos se sientan forzados; pero nada de eso empaña el homenaje a los bomberos (no solo de China, sino de cualquier parte del mundo), ni la intensidad de la primigenia batalla entre el hombre y los elementos fuera de control. Por otro lado, de niño era piromaniático, así que no confíen mucho en mi opinión sobre historias con incendios.
Calificación: 8

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Kindred Spirits

Síntomas: Chloe (Thora Birch) encuentra cada vez más difícil comunicarse con su hija adolescente Nicole (Sasha Frolova); entonces llega a vivir con ellas Sadie (Caitlin Stasey), la hermana menor de Chloe, y se convierte en una influencia positiva para Nicole. Sin embargo, la presencia de Sadie empieza a afectar a la familia de forma inesperada.

Diagnóstico: May (2002), del director Lucky McKee, fue una de las primeras películas de horror independiente que reveló la evolución del género desde la explosión del cine "directo a video" en los noventas. En vez de filmar patéticas copias de Alien o baratas cintas "slasher", los directores del nuevo siglo reconocieron el potencial del horror para explorar temas más complejos y nuevas situaciones que nunca hubieran aceptado los grandes estudios empeñados en reciclar su más reciente éxito de taquilla. Y así, además de May, otras obras como Session 9, Ginger Snaps y Frailty (por mencionar solo unas cuantas) establecieron un nuevo estándar dramático cuyos beneficios seguimos disfrutando hasta nuestros días.
Lucky McKee nunca duplicó el éxito crítico y comercial de May; pero en sus siguientes películas ofreció nuevas perspectivas del "horror feminista", desde la atmosférica The Woods, hasta las controversiales The Women y All Cheerleaders Die! Desafortunadamente su obra más reciente, Kindred Spirits (no confundir con la serie de investigación paranormal del Travel Channel) se siente como un paso atrás en la carrera del director, por culpa de un libreto y ejecución similares a cualquier melodrama de Hallmark o Lifetime donde una "mujer malvada" amenaza la felicidad de un ama de casa que se ve obligada a defender a su familia.
Para ser justos, la versión "McKee" del estilo Hallmark/Lifetime sigue siendo mejor que cualquier cinta hecha para televisión. El libreto de Chris Sivertson encuentra ingeniosas maneras de plantear la "amenaza doméstica", y resucita el cliché de la mujer fatal con matices psicológicos que añaden emoción al escabroso conflicto familiar en el hogar de Chloe. Y, para confirmar que Kindred Spirits es una película de terror, también hay sangre y violencia que incrementan el impacto visceral. Aunque debo aclarar que lo importante no es la cantidad de sangre, sino el grotesco método que utiliza la villana para "quitar del camino" a uno de sus rivales. Es una escena conceptualmente repulsiva, sin necesidad de efectos complicados; solo una horrible decisión que se quedará largo tiempo en mi memoria.
Habiendo dicho eso, lo mejor de Kindred Spirits fueron las actuaciones de Thora Birch y Caitlin Stasey como hermanas muy unidas a pesar de sus diferencias en carácter y edad. Chloe es la madre de familia responsable y trabajadora; Sadie es la hermana menor que nunca logró madurar. Birch y Stasey encuentran el balance justo entre amor filial y la exasperación que puede surgir entre hermanas con personalidades incompatibles. En el papel de Nicole, Sasha Frolova tiende a exagerar, pero podríamos atribuirlo a los caprichos de una adolescente frustrada por la disciplina de su madre. Y cuando las cosas se complican, las tres actrices enfrentan con aplomo los cambios que atraviesan sus respectivos personajes.
En cierto modo Kindred Spirits es la película más "normal" de Lucky McKee, lo cual podría decepcionar a sus fans (como yo); sin embargo, también podría gozar mayor éxito comercial en servicios de streaming o televisión por cable, justamente porque sigue una fórmula simple y bien conocida, con un poco de horror adicional para distinguirla de la competencia. Aún así, sospecho que no es el nicho al que aspiraba Lucky McKee... y tampoco el que esperaban sus fans. ¿Qué estará haciendo Angela Bettis? Quizás sea momento de otra colaboración con McKee.
Calificación: 6.5

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Presencias del Mal (The Turning)

Síntomas: Kate Mandell (Mackenzie Davis) acepta trabajar como tutora personal de Flora y Miles Fairchild (Brooklynn Prince y Finn Wolfhard), hermanos huérfanos que viven en una enorme mansión bajo el cuidado de la Sra. Grose (Barbara Marten). Parece un trabajo fácil, pero la propiedad oculta secretos que pondrán a todos en peligro.

Diagnóstico: La novela "The Turn of the Screw", escrita por Henry James en 1898, fue uno de los pilares de la "literatura gótica" que sustentaron el horror en su forma contemporánea. La mejor adaptación cinematográfica de esta obra sigue siendo The Innocents (1961); pero personalmente tenía mucha curiosidad por ver la nueva versión dirigida por Floria Sigismondi, cuyos videos musicales en los noventas (como The Beautiful People, de Marilyn Manson y Little Wonder, de David Bowie) prácticamente crearon la estética "grunge" que se convertiría en el estándar del cine de terror durante los siguientes dos décadas. ¿Regresaría Sigismondi a sus viejos trucos en su primera película del género? ¿O conservaría el estilo más convencional de su previa cinta (The Runaways)?
Para mi sorpresa, Presencias del Mal (uf) está filmada con un estilo respetuoso de la fuente original, derramando atmósfera para complementar las tétricas locaciones e inquietantes misterios que encuentra la protagonista cuando se muda a la Mansión Fairchild. La actuación de Mackenzie Davis como Kate Mandell mantiene un alto nivel de energía a lo largo de la película, contagiándonos la ansiedad y paranoia que inspiran los fenómenos de su nueva casa. Brooklynn Prince (The Florida Project) es simplemente increíble en el papel de Flora, una niña entusiasta y encantadora, pero al mismo tiempo frágil por una tragedia en su reciente pasado. Finn Wolfhard (Stranger Things) interpreta con perturbador realismo al hermano mayor, arrogante y privilegiado, que disfruta haciéndole la vida imposible a su nueva tutora. Y, finalmente, Barbara Marten encarna a la enigmática Sra. Grose, estricta pero leal ama de llaves que conoce todos los secretos de la casa, y hará lo necesario para proteger a los niños... incluso de sí mismos.
En resumen: todas las piezas necesarias para construir una elegante historia de horror gótico, dirigida por Floria Sigismondi con atención al detalle y paciencia para atraparnos en los horrores de la Mansión Fairchild.
¿Entonces, por qué Presencias del Mal resultó ser una mediocre película de terror?
Creo que la culpa cae por completo en el libreto de Chad y Carey Hayes (The Conjuring 2). Tenían la mesa puesta para un sofisticado banquete de terror, pero ordenaron McDonalds, y desperdiciaron los ingredientes en una insípida receta que sacrifica el horror psicológico del libro para reemplazarlo por risibles sobresaltos sin método ni sentido (mi ejemplo favorito: la mano peluda). Y mejor ni hablar del frustrante final con un doble "twist" que solo sorprende por la desvergonzada ineptitud de los guionistas.
Aún así hay momentos rescatables en Presencias del Mal, como la persecución a caballo que evoca las mejores obras de Hammer Films; la escena en el lago que me recordó Dementia 13; y el subtexto sexual que hace más incómoda la relación entre la tutora y sus alumnos. Sin embargo, el bueno oficio de Sigismondi y su reparto se arruinó por una mediocre interpretación del concepto original. Ni hablar; Presencias del Mal no será la última versión filmada de "The Turn of the Screw" (de hecho Mike Flanagan está haciendo una para Netflix); y tampoco será la última película de terror apoyada en arbitrarios sobresaltos que no asustan a nadie. Solo queda esperar que Floria Sigismondi no abandone el horror por culpa de esta mala experiencia; es obvio que su talento va más allá del estilo visual, y sería interesante ver lo que consigue con un mejor libreto; se me antoja algo inspirado en Edgar Allan Poe o Sheridan LeFanu.
Calificación: 6

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Mujercitas (Little Women)

Síntomas: A fines del siglo diecinueve, Marmee March (Laura Dern) y sus hijas Jo (Saoirse Ronan), Amy (Florence Pugh), Meg (Emma Watson) y Beth (Eliza Scanlen) encuentran tragedia, romance, y otras tribulaciones durante su transición de niñas a mujeres, mientras esperan que su padre regrese de la Guerra Civil norteamericana.

Diagnóstico: La venerable novela "Little Women", de Louisa May Alcott, ha sido adaptada a cine y televisión en numerosas ocasiones (las más populares probablemente son la versión cinematográfica de 1994 dirigida por Gillian Armstrong, y la miniserie televisiva co-producida por PBS/BBC en el 2017), pero nunca con la audaz propuesta de la directora Greta Gerwig (Lady Bird), quien combinó en Mujercitas los valores del siglo diecinueve con un estilo narrativo más ágil y atractivo para el público contemporáneo... pero sin "modernizar" innecesariamente la trama ni caer en forzados anacronismos (como la reciente serie Dickinson). En mi humilde opinión, esta fusión de sensibilidades perjudicó algunos aspectos de la historia, pero también añadió profundidad emocional y una creativa expansión de las ideas que Alcott no pudo desarrollar en aquel entonces por las limitaciones culturales de su época.
Básicamente, Gerwig utilizó el "método Iñárritu" de tomar una historia relativamente simple, cortarla en pedacitos, y desordenarla cronológicamente para hacerla más complicada e interesante, obligándonos a "llenar los huecos" y poner atención para determinar el carácter de los personajes y sus respectivos arcos dramáticos.
Sin embargo, por el lado negativo, esta fragmentación de la narrativa nos priva de algunas sorpresas y un mejor entendimiento de la dinámica en el hogar de los March, con cada una de las hermanas tratando de seguir su propio camino sin traicionar las enseñanzas de su madre Marnee (Laura Dern), ni contrariar demasiado las buenas costumbres de la época.
Pero, bueno... entiendo las razones de Gerwig para "hacer suya" esta clásica novela. Y además, con un elenco tan brillante no hace falta seguir un estricto orden cronológico para apreciar las personalidades de las hermanas y los retos de la vida rural durante un período histórico que estableció las bases del mundo moderno.
Saoirse Ronan interpreta a Jo March, cuya ambición de convertirse en escritora pone en riesgo su futuro matrimonial, y además enfurece a la Tía March (Meryl Streep), el pariente rico que podría salvar a las hermanas de su precaria situación económica. Florence Pugh interpreta a Amy, artista y dibujante con grandes planes que no siempre coinciden con la realidad. Emma Watson es Meg March, la hermana mayor y aparentemente la más centrada... aunque prefiere seguir su corazón en vez de la razón cuando toma importantes decisiones en su vida. Y Eliza Scanlen intepreta a Beth, cuya timidez oculta mayor sabiduría que sus hermanas. En los roles adultos, Laura Dern intepreta a Marnee, la madre de las jóvenes que intenta mantener la disciplina del hogar sin sofocar los impulsos de sus hijas, porque sabe que la represión siempre es contraproducente. Chris Cooper es el afable Sr. Laurence, vecino de la familia March y un genuino amigo que las apoya en lo que puede. E, inevitablemente, también aparece un desfile de pretendientes que buscan la mano de las hermanas con distintos métodos de seducción. James Norton, Louis Garrel y Dash Barber hacen lo que pueden como "galanes" en turno, pero solo Timothée Chalamet deja su marca en la conciencia del espectador. Los demás no pasan de ser engranes en la mecánica romántica de una historia que los necesitaba más por obligación que por auténtica convicción dramática.
En resumen, creo que la versión de Mujercitas realizada por Greta Gerwig es una de las mejores adaptaciones de este icónico libro... pero su gran debilidad es que está dirigida a los devotos de la novela que conocen de memoria (o al menos recuerdan) los detalles que se pierden entre las grietas de esta nueva estructura creada por la directora. Para el público casual, Mujercitas podría resultar confusa y demasiado fría (al menos al principio), porque ignora el flujo tradicional de una historia con demasiados personajes enfrascados en costumbres vagas y anticuadas. Es como llegar a una fiesta donde no conocemos a nadie; al principio nos sentimos desorientados, pero podríamos divertirnos al final... si es que decidimos quedarnos. Francamente, comprenderé a quienes prefieran abandonar la fiesta en busca de entretenimiento más accesible.
Calificación: 8

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Jojo Rabbit

Síntomas: El niño Johannes "Jojo" Betzler (Roman Griffin Davis) es un gran admirador de Adolf Hitler (Taika Waititi), y hasta lo usa como "amigo imaginario" para compartir sus temores y aspiraciones. El sueño más grande de Jojo es enlistarse en el ejército para matar judíos, pero un accidente interrumpe sus aspiraciones militares. Afortunadamente hay muchas maneras de ayudar a la causa de Hitler.

Diagnóstico: El director neo-zelandés Taika Waititi es como una de esas personas que les encanta echarle chile a todo lo que comen. Hasta el postre debe tener alguna forma de picante (lo cual no tiene nada de malo)(sí, yo soy una de esas personas). Pero, en el caso de Waititi, su aderezo preferido es el humor; y, para ser justos, sus películas son muy "ricas" gracias a esa incongruente receta cinematográfica. Como ejemplos puedo mencionar What We Do in the Shadows, una historia con sangre y violencia sobre una secta de vampiros tratando de adaptarse a la sociedad moderna... que también es una de las mejores "comedias de terror" del siglo. Hunt for the Wilderpeople es un sincero drama rural sobre la inesperada amistad entre dos individuos huraños y desconfiados (un niño y un viejo) que deben colaborar para sobrevivir en el bosque... y también es una gentil comedia "coming of age" donde las risas no reducen el impacto emocional del relato (de hecho lo incrementan). Bueno, hasta Thor: Ragnarok tomó la épica sensibilidad del cine de super-héroes y añadió grandes dosis de humor para estimular el desarrollo de personajes estancados en roles unidimensionales (perdón Hulk y Thor; no es su culpa, pero es la verdad). Y ahora, con Jojo Rabbit, Taika Waititi acepta el máximo reto de su carrera (hasta el momento): una comedia sobre odio y fascismo ubicada en la Alemania Nazi de la Segunda Guerra Mundial.
Para crédito de Taika Waititi, Jojo Rabbit funciona bastante bien a pesar de su extremo contraste tonal. Tal vez no funciona TAN bien como sus previas obras, pero ninguna había enfrentado una disparidad tan grande entre fondo y forma, lo cual significa que Jojo Rabbit es un triunfo de la sátira sociopolítica, aunque con algunos excesos que podrían incomodar al público más sensible sobre estos temas. Sin embargo, a fin de cuentas, puedo asegurar que las intenciones del director fueron buenas y su mensaje es claro, contundente, y lamentablemente muy necesario para el mundo actual, donde el clima político favorece el ascenso de la misma ideología nacionalista que causó tantos problemas en el siglo veinte. Pero, bueno... no hace falta repetir dicho mensaje cuando Jojo Rabbit lo expresa de manera tan simpática y elocuente.
Ya casi termino y no he dicho prácticamente nada sobre el argumento de Jojo Rabbit, lo cual está perfecto, porque el libreto escrito por el mismo Waititi (basado en la novela "Caging Skies", de Christine Leunens, donde aparentemente no hay Hitler imaginario, así que debe haber cambiado considerablemente en su transición a cine) guarda sorpresas grandes y pequeñas que de ninguna manera quiero arruinar. Entonces, solo diré que el niño Roman Griffin Davis es una revelación en el papel del pequeño Johannes "Jojo" Betzler, convencido de la grandeza del Führer y dedicado a los principios del partido Nazi. Scarlett Johansson emite radiante humanidad como Rosie, la madre de Jojo que tolera la obsesión del niño, pero con una visión más práctica del mundo. Y Thomasin McKenzie (a quien algunos recordarán por la excepcional cinta Leave No Trace) interpreta a Elsa, una niña que podría destruir accidentalmente la estabilidad de la pequeña famila Betzler. Los acompañan en roles secundarios, pero muy graciosos, Sam Rockwell como el oficial nazi responsable por el accidente de Jojo; Stephen Merchant como policía de la Gestapo que admira el ciego fanatismo del niño; Rebel Wilson como Fraulein Rahm, orgullosa de su desempeño uterino para el Reich; y Archie Yates como Yorki, el mejor amigo de Jojo que logró continuar su entrenamiento militar, para descubrir que la realidad es muy distinta de la fantasía que ambos compartían.
Por el lado negativo... lo que ya dije. El brutal choque entre el humor satírico de Jojo Rabbit y las horribles prácticas de los Nazis a veces me hizo rechinar los dientes, y podría cruzar la línea del mal gusto ("Ve a abrazar a ese americano"). Sin embargo, el resultado final es tan convincente que podemos disculpar sus ocasionales tropiezos en el camino a las grandes verdades sobre odio e ignorancia que conviene aceptar para evitar los errores del pasado. Claro, una película no logrará semejante proeza... pero al menos lo intentó. Ya quiero ver Thor: Love and Thunder, aunque dudo que su ambición sea tan noble y altruista.
Calificación: 9

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Jay and Silent Bob Reboot

Síntomas: Jay (Jason Mewes) y Silent Bob (Kevin Smith) descubren que el director Kevin Smith (Kevin Smith) planea realizar un "reboot" de la película Bluntman and Chronic, basada en sus vidas, y deciden viajar a Hollywood para detener la filmación, acompañados por cuatro jóvenes mujeres con motivos personales para visitar California.

Diagnóstico: Sí, como esa sinopsis sugiere, Jay and Silent Bob Reboot intenta ser muy "meta" para disfrazar que tiene prácticamente el mismo argumento de Jay and Silent Bob Strike Back (2001), donde los "alter-egos" de Smith y Jason Mewes también viajaron a Hollywood para infiltrarse en la filmación de la "original" Bluntman and Chronic. Afortunadamente Kevin Smith reconoce esta repetición, y la señala constantemente en la voz de todos los personajes que desfilan frente a su cámara para comentar sobre la mediocridad del director, el nepotismo que lo hace poner a su hija en todas sus películas, y todos los demás chistoretes auto-referenciales que hemos visto una y otra vez en la filmografía de este cineasta.
Sin embargo, por mucho que Smith se burle de sí mismo, Jay and Silent Bob Reboot no es tan graciosa como él supone. Aunque, para ser justos, reí en varias ocasiones por la inesperada honestidad de los diálogos y el entusiasmo de algunas estrellas para satirizar su imagen y aceptar errores del pasado ("¿Cómo se llama la madre de Batman? No recuerdo en este momento"); pero tampoco puedo negar que la vieja receta "geek" de Smith, que se sentía fresca e irreverente hace veinticinco años (me refiero a la era de Clerks y Mallrats), envejeció con poca gracia, en parte por la repetición, y en parte por su inevitable propagación al resto de la cultura popular, donde perdió relevancia con alarmante rapidez. En resumen: Jay and Silent Bob Reboot es el mismo chiste de siempre, pero contado sin gracia y fuera de contexto.
Aún así, como dije, Jay and Silent Bob Reboot (no es realmente un "reboot", por mucho que los personajes intenten convencernos) incluye momentos simpáticos y hasta emotivos para despertar la nostalgia de los viejos fans (como yo)("viejos" en más de un sentido) que seguimos la irregular carrera de Smith desde hace casi tres décadas con el optimismo (o auto-engaño) necesario para mantener nuestra lealtad a pesar de sus mediocres cintas "de estudio" (como Cop Out), su retorno con la cola entre las patas al "Universo de Jersey" (como Clerks II), y su inexplicable (e inaguantable) trilogía (incompleta) de horror canadiense (Tusk y Yoga Hosers). Ha sido un largo camino que ahora nos lleva de regreso al origen de todo el asunto: Jay y Silent Bob haciendo tonterías y fumando marihuana mientras aprenden algo nuevo del mundo, de sí mismos, y de las responsabilidades de la edad madura.
Si Jay and Silent Bob Reboot realmente se enfocara en los aspectos más "dramáticos" del argumento (los cuales no revelaré para preservar sus débiles sorpresas) quizás podríamos tomarla en serio como válido desenlace de una saga que encontró su propósito al mismo tiempo que su creador. Pero, desde luego, eso no es lo que quieren los fans de Kevin Smith. O, mejor dicho, eso no es lo que Smith cree que quieren sus fans. Entonces: más "snoogans", chistes sobre "blunts", y un interminable desfile de cameos y referencias al "View Askewniverse" para llenar el tiempo y dejarnos la sensación de que vimos una película de verdad, en vez de los videos caseros de la familia Smith y sus amigos.
No sé si Jay and Silent Bob Reboot será la última película de Jay y Silent Bob; pero, en todo caso, fue un decepcionante cierre que intentó sin éxito conciliar el humor de antes con la corrección política de hoy. Y si lo que quiso fue preparar el camino para una nueva generación, también falló, pues la nueva "banda" de jóvenes mujeres que acompañan a Jay y Silent Bob no son tan interesantes como para seguir sus futuras aventuras. Pero la mayor decepción fue no enterarme si Walt Flanagan tiene otro perro tan veloz como el de antes. ¿Snootchie bootchies, supongo?
Calificación: 6

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The Witch in the Window

Síntomas: Simon (Alex Draper) y su hijo Finn (Charlie Tacker) planean restaurar una vieja granja para venderla y ganar dinero. Pero el trabajo se complica cuando descubren que no están solos.

Diagnóstico: Es un placer encontrar joyas ocultas como The Witch in the Window, una obra narrativamente sólida y emocionalmente satisfactoria que se apoya en metáforas sobrenaturales para explorar las inseguridades, aspiraciones, y traumas psicológicos de sus personajes. Al igual que The Babadook, Hereditary y The Monster, The Witch in the Window refleja una nueva etapa del horror, más madura y ambiciosa, que aspira a trascender el cliché con genuina profundidad dramática... pero sin sacrificar el impacto visceral que identifica al género. Y todo empieza con una historia simple y accesible.
Simon (Alex Draper) se separó de su esposa, pero quiere mantener el contacto con su hijo Finn (Charlie Tacker) de doce años, quien empieza a mostrar los primeros síntomas de rebeldía adolescente. Y ahora, con la excusa de renovar una vieja granja que compró como inversión, Simon podrá convivir unas semanas con el niño para conocerlo mejor y tratar de reparar los lazos familiares fracturados por el divorcio.
Los protagonistas comparten una convincente química de padre e hijo alejados por las circunstancias, pero dispuestos de recuperar el tiempo perdido. Draper encuentra el punto exacto de disciplina paternal y tolerancia para asimilar los cambios de actitud de Finn durante la difícil transición de niño a adolescente. Por su parte, Tacker muestra un poco de "actitud", pero sin volverse antipático; tan solo un niño sarcástico y ocasionalmente confundido por las contradicciones del mundo adulto. Y así, la relación entre Simon y Finn se desarrolla con cálido realismo, fortaleciéndose conforme pasan los días de trabajo físico y conversaciones sobre los misterios de la vida.
Entonces aparece el fantasma.
El director Andy Mitton nos presenta los fenómenos sobrenaturales con elegante sencillez, sin necesidad de efectos especiales ni los habituales trucos estilísticos del horror contemporáneo. Simplemente actuaciones, edición, y un brillante libreto que mantiene un perfecto equilibrio entre el criterio racional de los personajes y la evidencia de fenómenos desconocidos. Ni Simon ni Finn niegan lo que vieron; pero sus distintos temperamentos inspiran reacciones opuestas. Y así, cuando las manifestaciones se vuelven más agresivas, podemos compartir el temor de los personajes y anticipar las sorpresas (positivas y negativas) que les depara el destino. En pocas palabras: no recuerdo la última vez que una película me hizo sentir escalofríos como The Witch in the Window. Y sin embargo no es una cinta de "horror extremo", sino un modesto drama doméstico donde a veces las cosas no salen como uno espera.
Para completar este pequeño triunfo de horror "indie" tenemos la excelente cinematografía de Justin Kane; el diseño de producción de Sam Hensen, quien logra crear una "casa embrujada" engañosamente normal; y la música del mismo Mitton, evocando una atmósfera rural salpicada por notas discordantes para acentuar la tensión.
Si tuviera una queja sobre The Witch in the Window es que el final se extiende más de la cuenta. Varias veces parece que ya terminó, pero Mitton sigue añadiendo escenas... aunque, para ser justos, el "final final" fue emotivo y satisfactorio. Solo digo que hubiera sido mejor diez minutos antes.
Entonces, The Witch in the Window no es una película de fantasmas, sino un drama doméstico donde aparece un fantasma (algo así como lo que intentó Guillermo del Toro en Crimson Peak, pero mucho más barato y eficiente). El nicho independiente de The Witch in the Window tal vez limitará su alcance comercial, pero confío en que los comentarios positivos de los fans ayudarán a encontrar un público que la aprecie. Y quizás le abrirán las puertas al director/escritor/editor/compositor Andy Mitton para ejercitar algún día su visión con todos los recursos de Hollywood. Por cierto, cabe mencionar que su previa cinta, We Go On, también podría calificarse como "joya oculta", así que no se trata de un "one-hit wonder" sino de un buen candidato para futuro "amo del horror". El tiempo dirá si merece ese calificativo; pero por lo pronto, recomiendo efusivamente The Witch in the Window como una temprana sorpresa del 2020 que seguramente recordaré hasta el final del año.
Calificación: 9

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