The Big 4

Síntomas: Cinco individuos en lados opuestos de la ley cooperan para encontrar al asesino del hombre que los crió.

Diagnóstico: La nueva película del director indonesio Timo Tjahjanto es una caótica pero divertida confección con ingredientes no siempre compatibles, pero a fin de cuentas importantes para el balance emocional de la cinta. Al mismo tiempo, la asimétrica estructura de The Big 4 (disponible en Netflix) confirma de nuevo que "menos es más" en el cine de acción.
Aclaro: la acción en The Big 4 es fantástica, filmada con ese mágico estilo hiper-kinético que nunca se vuelve confuso ni trata de ocultar los defectos de la coreografía... porque no hay defectos que ocultar.
Sin embargo, las partes cómicas de la trama no son tan graciosas como el director supone... a menos que yo esté perdiendo algo en la traducción, lo cual no sería raro, pues ya me ha ocurrido antes con el cine asiático.
La premisa es buena: el venerable Sr. Petrus (Budi Ros) adoptó cuatro huérfanos y los entrenó como invencibles "vigilantes" que ahora lo ayudan a combatir criminales fuera del alcance de la ley. Desafortunadamente esa labor secreta lo distanció de Dina (Putri Marino), su hija biológica, quien está a punto de graduarse en el Departamento de Policía de Jakarta. Entonces alguien asesina al Sr. Petrus y Dina pasa varios años investigando el crimen, en la errónea creencia de que el culpable fue uno de esos "hermanastros" que nunca conoció. Pero cuando el auténtico asesino regresa para eliminarlos, Dina y su nueva familia se ven obligados a cooperar, a conocerse mejor, y a resolver sus diferencias personales.
La interacción de Dina con sus hermanos Topan (Abimana Aryasatya), Jenggo (Arie Kriting), Alpha (Lutesha) y Pelor (Kristo Immanuel) es simpática y realista, adaptando una clásica rivalidad fraternal a un thriller repleto de violencia, intriga, y los retos del drama familiar. El problema es que ese drama podría resolverse con una simple conversación que evitaría muchos problemas y aceleraría el ritmo de la cinta. Pero, naturalmente, Tajhjanto prefiere tomar el camino largo, retrasando las respuestas y prolongando la tensión entre los personajes. No es una falla grave, pero en mi opinión The Big 4 podría eliminar treinta minutos de relleno para confirmar a Tjahjanto como luminaria de la acción internacional.
A fin de cuentas los aciertos de The Big 4 contrarrestan sus ocasionales tropiezos, haciéndola ampliamente recomendable para fans del cine de acción... y tal vez de la comedia, dependiendo de su opinión sobre la perenne hilaridad de los golpes en las "partes nobles". Creo que reí las primeras cien veces, pero después se volvió repetitivo.
Calificación: 8.5

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Shadow Master

Síntomas: En un desolador futuro, el guerrero An Voaen (D.Y. Sao) trabaja como guardia nocturno de un hospital donde algo o alguien está secuestrando niños.

Diagnóstico: Mientras veía Shadow Master se me ocurrió algo controversial: el director singapurense Pearry Reginald Teo podría ser el equivalente moderno del finado Albert Pyun: un artista con buen instinto visual y gran dedicación que se mantuvo en los márgenes de la industria como director de culto; y, aunque sus películas son imperfectas, podemos encontrar rasgos de genialidad que inspiran interés por su ecléctica filmografía.
Bajo ese criterio, me atrevo a decir que Shadow Master podría ser para Teo lo que The Sword and the Sorcerer fue para Albert Pyun (que en paz descanse): el primer proyecto con el potencial de llevarlo a las "grandes ligas"... o al menos a las "ligas menores" del cine de acción independiente, donde podría eventualmente competir con luminarias como Jesse V. Johnson, John Hyams y Timo Tjahjanto. El tiempo dirá si tengo razón, o si mi entusiasmo por una "joya oculta" fue subjetivo e infundado (otra vez).
Shadow Master se ubica en un vago futuro distópico donde siniestras entidades están secuestrando niños de un hospital que alberga a los refugiados de alguna catástrofe global (probablemente una pandemia). Por eso el administrador Boon-Nam (Craig Ng) contrata al guerrero An Voaen (D.Y. Sao) como vigilante nocturno; pero, naturalmente, Voaen tiene sus propios demonios personales, y eventualmente deberá tomar una fatídica decisión para cumplir su misión, aunque implique sacrificar su futuro.
O algo así. La trama es un poco confusa, con flashbacks dentro de flashbacks, y una abigarrada mitología que combina ofrendas a los muertos, el culto al dios mono Hanuman, la leyenda alemana de Mephisto, y hasta la profecía bíblica de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis.
Sin embargo, la fusión de culturas establece la diversidad de esta precaria sociedad futurista, así como las influencias sobrenaturales que eventualmente alteran el destino del protagonista y los pacientes del hospital. El drama es superficial, pero el contexto añade interés y profundidad.
Y si nada de eso nos interesa... siempre quedan las excelente peleas que combinan muay thai, silat y el "kung fu" clásico del cine asiático. Teo dirige estas escenas con gran ritmo y precisión para lucir las contundentes coreografías de Brian Le, Andy Le, y el mismo D.Y. Sao. Su estilo se apoya en cámara lenta y escenas "cool", lo cual contradice la moda kinética de los directores antes mencionados; pero la violencia mantiene su intensidad porque está conectada al melodrama, de modo que "sentimos" con más fuerza los triunfos y derrotas del protagonista.
A fin de cuentas Shadow Master es otro proyecto "indie" de acción realizado a bajo costo, pero con muy respetable imaginación y sólidos valores de producción. También es (en mi humilde opinión) la mejor película de Pearry Reginald Teo hasta el momento. Y, sobra decir, no es para el público general, sino para conocedores del género que saben apreciar el lado artesanal de las artes marciales. Incluso podríamos clasificarla como "historia de origen" de un super-héroe que no está basado en un comic, sino inspirado por los arquetipos de la industria entera. Por el lado que queramos ver, Shadow Master tiene algo que ofrecer... y algo que criticar.
Calificación: 7

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Glass Onion: A Knives Out Mystery

Síntomas: El millonario Miles Bron (Edward Norton) invita varios amigos a su isla privada para compartir un juego de detectives, en el que tendrán que encontrar al "asesino" del anfitrión. Pero cuando alguien muere de verdad, el detective Benoit Blanc (Daniel Craig) entra en acción.

Diagnóstico: Aunque estaré en la minoría, voy a decir que Glass Onion me pareció una mejor película que Knives Out. El misterio es más simple, pero con sorpresas realmente inesperadas. El elenco más pequeño permite un mejor desarrollo de los personajes. Y, como consecuencia de esas "reducciones", la dirección de Rian Johnson (The Last Jedi) gana enfoque y energía, con menos oportunidades para desviarse por tangentes de dudosa relevancia.
Por el lado negativo, ambas películas comparten el mismo tono teatral inspirado por los "whodonits" de los años treintas. Y, en el caso de Glass Onion, esa artificialidad intencional reduce el impacto de un argumento relevante para la sociedad contemporánea. Ambas cintas denuncian las "travesuras" de millonarios egoístas... pero en Glass Onion sus acciones afectan a la gente común, en vez de limitarse a las intrigas de una familia adinerada.
La premisa de Glass Onion parece simple pero, como dije, las cosas no son lo que aparentan (y esta vez lo digo sin sarcasmo). Para empezar, el asesinato principal se revela hasta la mitad de la película; y de ahí en adelante la trama se complica conforme el mejor detective del mundo deduce los secretos de los invitados, y sus posibles razones para matar. O para morir.
En el papel del detective Benoit Blanc, Daniel Craig continúa las rutinas de "caballero sureño" establecidas en Knives Out. Su actuación es técnicamente buena... pero es el principal culpable de las afectaciones antes mencionadas. Edward Norton captura la arrogancia de Miles Bron, un visionario con buenas intenciones, pero aislado del mundo real por la esfera de privilegio que le otorga el dinero. Kate Hudson interpreta a Birdie Jay, una celebridad propensa a meterse en problemas por sus "tweets" inapropiados; Jessica Henwick es su sufrida asistente Peg, lidiando constantemente con las malas decisiones de su jefa; Kathryn Hahn interpreta a la Gobernadora Claire Debella, en plena campaña de re-elección, y por lo tanto muy cuidadosa con su imagen pública; Leslie Odom Jr. es Lionel Toussaint, el genio tecnológico encargado de hacer realidad las descabelladas ideas de Miles; Dave Bautista interpreta a Duke Cody, un controversial YouTuber con grandes aspiraciones mediáticas; y Janelle Monáe es Andi Brand, co-fundadora de una empresa que perdió su fortuna por las manipulaciones legales de Miles... lo cual podría ser la motivación más válida entre todos los invitados para asesinar a su anfitrión.
También merece mención el extraordinario diseño de producción de Rich Heinrichs, cuyos asombrosos escenarios y opulenta arquitectura capturan los egos fuera de control de la elite económica. Y lo mismo podemos decir de la música de Nathan Johnson y la cinematografía de Steve Yedlin, deleitando nuestros sentidos al mismo tiempo que enriquecen la narrativa.
Sospecho que Glass Onion no gozará el mismo éxito de Knives Out porque tiene menos estrellas de cine, y una "huella cultural" más ligera que su predecesora. Sin embargo Glass Onion me gustó más como thriller detectivesco, y creo que hubiera sido una excepcional película "seria", sin ese humor forzado que el director se empeña en agregar. En otras palabras, yo quería al Rian Johnson de Brick, y me encontré al de The Brothers Bloom.
Calificación: 8.5

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¡Feliz Navidad y Próspero Año 2023!

Un año más de experiencia, y un año menos de espera para la "Singularidad" ;-) Muchas gracias a todos los lectores de Cápsulas de Cine por sus visitas, sus comentarios, y su paciencia. Reciban mis mejores deseos para un 2023 mejor que el 2022... o al menos un poco más "normal", como quieran definir eso. ¡Feliz Navidad, Felices Fiestas y Próspero Año Nuevo!

- Pablo del Moral, Diciembre 2022

Adult Swim Yule Log

Síntomas: Una chimenea es testigo de los horribles eventos que ocurren en una cabaña.

Diagnóstico: Empezó en un canal independiente de Nueva York, y luego se extendió al Internet y al resto del mundo: los videos de acogedoras chimeneas se convirtieron en una tradición muy popular durante las fiestas decembrinas; y ahora los lunáticos de Adult Swim (la división de Cartoon Network dedicada a la programación adulta) utilizan esa premisa como punto de partida para una película de terror sangrienta y divertida, aunque con abruptos cambios de tono que desinflan el humor... lo cual podría ser totalmente intencional, en vista de las previas obras realizadas por Casper Kelly y sus colaboradores de la productora Williams Street.
La más famosa de esas obras probablemente es Too Many Cooks, un bizarro cortometraje que satiriza los créditos iniciales de la televisión ochentera, y al mismo tiempo cuenta una surrealista historia de terror. Lo he visto decenas de veces, y fue una de mis "experiencias audiovisuales" favoritas del año 2014.
Con eso en mente podemos asumir que Adult Swim Yule Log no se preocupará demasiado por contar una historia lógica, o siquiera coherente; su propósito es hacernos reír, sorprendernos con un par de escenas "gore", y hasta ponernos a pensar sobre los caprichos del destino, la ilusión del tiempo, y las atrocidades de la humanidad. Son muchas cosas para una modesta película televisiva, y no todas funcionan, pero a fin de cuentas me gustó Adult Swim Yule Log tan solo por su irreverente actitud y ambiciosa narrativa.
Los primeros minutos de Adult Swim Yule Log son exactamente eso: una cámara estática filmando el fuego en la chimenea. Entonces se forma la semilla de una historia por medio de sonidos: el motor de un automóvil, la aspiradora de una empleada de limpieza, y la llegada de invitados indeseables. Eventualmente la cámara se aleja para retratar la habitación donde se encuentra la chimenea. Y después de un rato el director Casper Kelly abandona la cámara fija y filma el resto de la película de manera convencional.
El argumento se apoya en fórmulas populares del horror moderno, incluyendo la invasión doméstica, el cine slasher, y otros más que no revelaré para conservar las descabelladas sorpresas de la cinta. El resultado es un gran chiste que será más gracioso para devotos del horror (como yo) que sepan apreciar el espíritu satírico de Kelly y su parodia de tantos estereotipos del género (desde policías ineptos hasta asesinos invencibles).
Lo que me gustó menos fueron los disonantes cambios de tono previamente mencionados. Por ejemplo, en una escena nos estamos riendo de las peripecias de un "stoner", y en la siguiente Kelly nos receta una perturbadora viñeta de tiempos de la esclavitud. Es difícil reír con esos saltos temáticos. Pero, bueno, tal vez el director añadió un poco de realidad para ubicar la fantasía en su contexto apropiado, y recordarnos que la sátira es mejor cuando tiene algo que decir.
Creo que Adult Swim Yule Log hubiera funcionado mejor en forma de cortometraje (igual que Too Many Cooks); pero incluso con sus lagunas e inconsistencias podría recomendarla para aficionados al horror, al cine experimental, y al arte absurdista que desafía descripción. Y también nos permite conocer al hombrecillo que vive en la chimenea. No, no es Santa Claus, sino algo mucho peor.
Calificación: 7.5

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A Wounded Fawn

Síntomas: Meredith Tanning (Sarah Lind) se dispone a pasar unos días en la casa de campo de su amigo Bruce Ernst (Josh Ruben), sin saber que se trata de un asesino serial en busca de una nueva víctima. Y eso no lo más extraño que ocurrirá en la casa.

Diagnóstico: A riesgo de enfurecer a los puristas del "giallo" italiano, diré que prefiero las imitaciones modernas del género en vez de los originales europeos del siglo veinte. Con muy pocas excepciones, el cine giallo me parece confuso, lento y explotativo (¡y lo digo como fan de la explotación!), como una mala tangente de los "slashers" norteamericanos que intentaban ganar legitimidad comercial con un barniz pseudo-artístico para disfrazar sus sórdidos argumentos de sexo y violencia. Habiendo dicho eso... me gusta mucho el estilo visual del cine "giallo", y por eso prefiero los "homenajes" modernos que adoptan el mismo lenguaje cinematográfico, pero con historias más ingeniosas e interesantes, acercándose a la controversial clasificación del "horror elevado" para satisfacer no solo a nivel visceral, sino intelectual. Algunos ejemplos de este movimiento son The Editor, Piercing, y The Strange Color of Your Body's Tears. Y ahora el director Travis Stevens nos ofrece el sobresaliente "neo-giallo" A Wounded Fawn, un indescriptible thriller surrealista inspirado por la mitología griega, pero con firmes bases en el presente que se expresan con el delicioso sabor "retro" del cine setentero.
A Wounded Fawn empieza con la más reciente "aventura" del asesino Bruce Ernst (Josh Ruben), cuya obsesión con la cultura griega forma parte integral de su "modus operandi". Entonces conocemos a Meredith Tanning (Sarah Lind), curadora de un museo que recientemente escapó de una relación abusiva; y, para reconstruir su vida social, acepta pasar un fin de semana con un nuevo pretendiente, sin saber el peligro que le espera.
Hasta ahí A Wounded Fawn se comporta como cualquier relato de asesinos seriales; pero cuando Bruce y Meredith llegan a la remota casa de campo, empiezan a ocurrir fenómenos que nos hacen cuestionar nuestra percepción, la intención de los personajes, y eventualmente la realidad misma. El simbolismo griego es un poco confuso, pero afortunadamente los comics de The Sandman me dieron suficientes bases para interpretar las bizarras digresiones mitológicas que borran la línea entre arte y horror. Y, bueno, las cosas se complican progresivamente hasta que no sabemos exactamente qué creer... y ahí es donde brilla la creatividad de la cinta, construyendo hipnóticas secuencias de grotesca belleza (inspiradas parcialmente por la obra de la pintora mexicana Leonora Carrington) que podrían ser genuinas manifestaciones sobrenaturales, los rituales de un culto secreto, o las alucinaciones de una mente enferma... pero, ¿la mente de quién?
El lado negativo de estos desplantes es que A Wounded Fawn es demasiado abstracta para cumplir los parámetros de un thriller convencional con líneas morales bien definidas y sucesiones lógicas de causas y consecuencias. Pero, como Travis Stevens insinuó en su previa cinta, Jakob's Wife, su interés no es cumplir las expectativas del público, sino explorar nuevos aspectos de historias clásicas... ya sea un simple "whodonit", o una leyenda griega. Por cierto, las historias de Sandman que me ayudaron a entender la película fueron "The Song of Orpheus" y "The Kindly Ones". Espero que eso aclare un poco las cosas.
Calificación: 8

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Warriors of Future (Ming Yat Zin Gei)

Síntomas: En el futuro cercano la Tierra se ha vuelto casi inhabitable; y, para empeorar las cosas, una planta extraterrestre está destruyendo la ciudad de Hong Kong. Entonces un escuadrón de soldados emprende una misión para atacar la planta en el sitio de su origen, antes de que el gobierno tome medidas más drásticas para detener su crecimiento.

Diagnóstico: Warriors of Future (¿no debería haber un "the" por ahí?) toma "prestados" tantos elementos de otras películas que termina convirtiéndose en algo casi original. Es una estrategia común para combatir la falta de creatividad en el cine contemporáneo, pero casi siempre falla porque es muy fácil copiar... pero es muy difícil copiar BIEN. Y, en mi humilde opinión, el director Yuen Fai Ng hizo un excelente trabajo construyendo Warriors of Future (disponible en Netflix) con retazos de cintas como Aliens, Starship Troopers, Edge of Tomorrow, y en general cualquier épica de ciencia ficción producida en los últimos cuarenta años. No hay nada innovador o sorpresivo en la receta de Warriors of Future, pero la magia está en la preparación.
Yuen Fai Ng trabajó como supervisor de efectos especiales en la industria cinematográfica de Hong Kong, y podemos notar su experiencia en los aspectos técnicos de Warriors of Future. Cierto, la calidad visual es variable debido a los numerosos estudios digitales que participaron en la producción, pero lo importante es la integración de los efectos a la narrativa, y el suspenso de las tremendas secuencias de acción que mantienen su claridad y relevancia a pesar de su compleja ejecución. Aquí es donde encontraremos muchas ideas "prestadas" de otras películas; entre ellas: la infiltración a un edificio a punto de derrumbarse, claramente inspirada por Jurassic Park: The Lost World; la delirante persecución por las calles de la ciudad que evoca los "stunts" de The Matrix: Reloaded; y la batalla contra una araña robótica que me recordó Ghost in the Shell.
Como dije: una revoltura de ingredientes bien preparados para crear una experiencia "nueva" y muy entretenida, aunque a fin de cuentas olvidable (en serio, tuve que verla dos veces porque me tardé unos días en escribir la crítica, y mi cerebro ya estaba confundiéndola con Alienoid) (o tal vez es un problema de mi edad, pero el punto sigue siendo válido).
Por el lado negativo: la imitación de éxitos pasados rara vez genera las mismas emociones de las versiones originales. Por ejemplo: los soldados encuentran una niña abandonada en las ruinas de la ciudad... y uno de ellos perdió recientemente a su hija. Obvia referencia a Newt en Aliens, pero sin el peso dramático de aquella obra maestra. Igualmente tenemos el conflicto entre dos soldados con un amargo pasado; el blando romance entre el novato del escuadrón y una especialista en comunicaciones; y las graves decisiones que los líderes afrontan durante la misión... ¿es aceptable sacrificar miles de vidas para salvar millones?
Comprendo las críticas negativas que recibió Warriors of Future (me hace falta ese "the" ausente), y no puedo refutar sus razones: el guión es predecible; los personajes son clichés vivientes; y algunos efectos parecen "cut scenes" de videojuego. Sin embargo, como fan de la ciencia ficción asiática y apologista de la acción "indie" (cuando está bien hecha), puedo afirmar que Warriors of Future me dejó satisfecho en ambos niveles, y estimuló (una vez más) mi búsqueda de "joyas ocultas" en el mercado mundial que se ven opacadas por la maquinaria mercadológica de Hollywood. En otras palabras: no es Avatar: The Way of Water, pero Warriors of Future me entretuvo más en menos tiempo. Tan solo esa eficiencia merece una recomendación.
Calificación: 7.5

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Avatar: El Camino del Agua (Avatar: The Way of Water)

Síntomas: Después de liberar el planeta Pandora y expulsar a los humanos, Jake Sully (Sam Worthington) formó una familia con su esposa Neytiri (Zoe Saldaña). Pero su felicidad se interrumpe cuando regresan los humanos con nuevas armas, nuevas razones para saquear los recursos de Pandora... y un viejo enemigo que tiene una cuenta pendiente con Sully.

Diagnóstico: La original Avatar (2009) fue un triunfo técnico y artístico; pero en lo personal me decepcionó su simplista narrativa y la extrema indulgencia del director James Cameron, más interesado en lucir el ecosistema alienígena de Pandora, que en contar una historia cautivadora para justificar sus excesos.
Por eso tenía bajas expectativas sobre Avatar: El Camino del Agua. Sin duda sería un festín visual con todos los avances tecnológicos obtenidos en los últimos trece años... pero, ¿lograría sostener la atención de este viejo cínico durante más de tres horas?
La respuesta es: ¿cual fue la pregunta?
Al igual que su predecesora, Avatar: El Camino del Agua ofrece extraordinarios paisajes extraterrestres, la más realista fauna alienígena, y pasmosas secuencias de acción que reflejan el legendario perfeccionismo de James Cameron (quizás su único rival sea Christopher Nolan). Y aunque el drama es ligeramente más ambicioso, se apoya en clichés para ahorrarse explicaciones y dedicar más tiempo al "world building". El cual, admito, es fenomenal... pero constituye tan solo la mitad de una buena película.
La primera hora de Avatar: El Camino del Agua nos pone al corriente sobre los eventos transcurridos desde el final de Avatar, y establece una nueva invasión humana que ya no busca la coexistencia pacífica con el pueblo Na'vi (la razón original de los "avatares" en la primera película), sino el dominio absoluto sobre los recursos de Pandora... y esta vez quieren algo más que el "unobtanium".
La trama empieza y termina con Jake Sully (Sam Worthington), pero los auténticos protagonistas son sus hijos, lo cual fue al mismo tiempo bueno y malo. Por el lado negativo, los hijos tienen la actitud rebelde de los "milenios" que tanto me irritan en el cine contemporáneo (¿en serio les tomó trece años a cinco guionistas escribir diálogos como "Bro, qué asco"?). Por el lado positivo, dos de esos hijos tienen arcos dramáticos más interesantes que sus hermanos, con misterios en su pasado que los convierten en "outsiders" repudiados por sus semejantes... y, desde luego, con gran importancia para el futuro de Pandora. No diré más, excepto que uno de ellos no sabe actuar, y el otro es una adolescente Na'vi interpretada por Sigourney Weaver. No pregunten.
El primer acto termina con una agresión que en cualquier otra película serviría como detonador de la acción... pero Cameron prefiere detener la película y dedicar una hora a las maravillas submarinas de Pandora, desde la perspectiva de una tribu que evolucionó para adaptarse al entorno acuático. Es ciertamente hermoso e inspirador... pero me hizo bostezar con demasiada frecuencia.
Eventualmente llegamos a la inevitable confrontación entre las tribus Na'vi y los invasores humanos. La acción es épica y espectacular, sin perder de vista las consecuencias a nivel individual. Y, como corresponde a la segunda parte de una saga, el final se siente inconcluso por todo lo que Cameron dejó en el aire para resolver en futuras secuelas (al menos una, aunque podrían ser hasta tres) (o más, dependiendo de su éxito económico).
Creo que Avatar: El Camino del Agua me gustó más que Avatar, en parte por mis bajas expectativas, y en parte porque aprecié los múltiples temas que aborda el director, más allá del mensaje anti-fascista y la feroz alegoría ecológica (la escena de las ballenas casi me arruinó la película... demasiado cercana a la realidad, en mi humilde opinión). Lo cual me hizo pensar... ¿cuántas otras películas podría haber realizado James Cameron en estos trece años si no estuviera obsesionado con Pandora y los Na'vi? Supongo que nunca lo sabremos; pero podemos imaginar.
Calificación: 8

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Christmas Bloody Christmas

Síntomas: Debido a un error de programación, un Santa Claus robótico cobra vida e inicia una ola de asesinatos en los alrededores de una tienda de juguetes.

Diagnóstico: El director Joe Begos continúa su racha de películas de terror imperfectas, pero muy entretenidas; y si bien Christmas Bloody Christmas no es la mejor ni la peor de su filmografía, podemos confiar en que lucirá la estilizada dirección del cineasta, su predilección por los efectos prácticos, y una atmósfera "retro" que no es excusa para hacer las cosas a medias (mención especial para la música electro-ochentera de Steve Moore).
Cierto, Christmas Bloody Christmas muestra algunas fallas "normales" del horror independiente, pero se lo atribuyo al entusiasmo de Begos y su honesta intención de crear entretenimiento ágil y accesible que sabe distraernos de sus limitaciones.
Y, en lo que a mi respecta, una vez más Begos cumplió su misión.
Christmas Bloody Christmas es en el fondo una cinta "slasher", con un implacable asesino matando víctimas sin método ni razón. El libreto (del mismo director) cubre las bases del género con un buen número de víctimas, "kills" medianamente creativos, y abundante suspenso conforme el Santa Claus asesino despacha a sus víctimas hasta la inevitable confrontación con la "chica final".
Al mismo tiempo Begos toma abundante inspiración de The Terminator en el origen y comportamiento del asesino... y también en el carácter de la protagonista, Tori Tooms (Riley Dandy), una mujer fuerte pero vulnerable, con la cabeza bien plantada sobre sus hombros, y dispuesta a sobrevivir por cualquier medio necesario. Creo que no es un "spoiler" identificarla como "chica final", pues desde el principio es bastante obvio quién tiene madera de superviviente, y quiénes serán carne de cañón. O de hacha.
El principio de Christmas Bloody Christmas se siente lento pero no aburrido, gracias a la simpática interacción de Tori y sus amigos. Entre ellos: su empleado Robbie (Sam Delich), con quien discute constantemente sobre rock y películas de terror; y Jay (Jonah Ray) y Lahna (Dora Madison), dueños de la juguetería donde colocaron un Santa Claus robótico (Abraham Benrubi) para escuchar los deseos de los niños. El problema es que estos robots fueron diseñados originalmente para las fuerzas armadas... y ahora una falla de programación los está revirtiendo a su función primaria: exterminar al enemigo... o a cualquier humano que encuentren en su camino.
La fusión de cine slasher y ciencia ficción no siempre funciona como el director espera; y, aunque los personajes mantienen actitudes semi-realistas, tienden a cometer los mismos errores de siempre para evitar que la película termine prematuramente. Sin embargo el humor, el colorido estilo visual (cortesía del cinematógrafo Brian Sowell), y la energética dirección de Begos se conjugan para crear una deliciosa confección navideña que espero revisitar anualmente. La reciente Violent Night probablemente es una mejor película en todos los sentidos... pero Christmas Bloody Christmas tiene ese inconfundible sabor "indie" que encuentro irresistible. Ojalá Santa Claus nos traiga más sorpresas como ésta.
Calificación: 7.5

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Hasta los Huesos (Bones and All)

Síntomas: Durante los años 80s, la joven Maren Yearly (Taylor Russell) inicia un viaje para investigar el origen de sus tendencias caníbales, y eventualmente conoce a Lee (Timothée Chalamet), un vagabundo que comparte su insaciable apetito de carne humana.

Diagnóstico: El asunto del canibalismo sugiere una sangrienta película de terror, pero Hasta los Huesos se acerca más al sub-género de "parejas fugitivas" (como Badlands, The Getaway y Bonnie and Clyde), donde la pasión de los protagonistas alimenta una malsana obsesión (o viceversa) que los separa de la sociedad y conduce inexorablemente a un trágico final... ¿o tal vez a un final feliz? Todo puede suceder en la guerra y el amor.
Estrictamente hablando, "caníbal" no es la palabra apropiada para definir a Maren Yearly (Taylor Russell), pero explica la precaria situación familiar que la separó de su padre Leonard (André Holland). Y, cuando Maren busca a su madre para encontrar las respuestas de su origen, conoce a Lee (Timothée Chalamet), un joven vagabundo que le muestra a Maren la cruda realidad (ja, ja) de su condición.
Aunque la trama de Hasta los Huesos se origina en una novela "young adult" de Camille DeAngelis (adaptada por David Kajganich), el director Luca Guadagnino transformó los esquemas juveniles en un relato maduro y reflexivo que utiliza el horror como catalizador de transformación, y no como un fin por sí mismo. Al igual que las películas que mencioné al principio, Hasta los Huesos se enfoca en la dinámica de la pareja, y no en sus actos criminales.
Los cuales, por cierto, no son tan sangrientos como podríamos imaginar del director de Suspiria. De hecho hubiera sido un error dejar que el "gore" eclipsara la conexión emocional de Maren y Lee, hábilmente capturada por Taylor Russell (Lost in Space) y Timothée Chalamet (Dune) como extremos opuestos de la conducta humana: Maren fue criada bajo una estricta disciplina para controlar su perverso apetito, mientras que Lee es una criatura de impulso que aprendió a ocultar su genuina naturaleza. Y esa fricción de carácter genera un drama más potente que el simple tabú de la carne humana.
Los acompañan en roles breves pero impactantes Mark Rylance (The Outfit), Jessica Harper (de la original Suspiria), y Chloe Sevigny (Antibirth) en un uno de los papeles más perturbadores del año. Y también merece mención la banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, alejándose de sus habituales tonos electrónicos para crear una partitura más cálida que complementa la atmósfera "gótica-americana" de Hasta los Huesos. Hablando de música: me dio gusto escuchar una canción de uno de mis grupos favoritos; y además de uno de sus discos más menospreciados. Muy apropiada selección para el tema antropofágico.
A pesar de tantas virtudes, confieso que Hasta los Huesos me dejó curiosamente insatisfecho. Me faltó historia, y creo que había material para explorar la grotesca sub-cultura canibalística como metáfora del instinto auto-destructivo de la Humanidad (o del consumismo, o cualquier vicio social que el público quiera adjudicar); pero Guadagnino se quedó en la superficie de un genérico romance prohibido... igual que en Call Me By Your Name. Fuera de eso, sigo admirando la disposición de Luca Guadagnino para buscar proyectos experimentales sin preocuparse por el resultado comercial. Y ahora, en su primera película auténticamente norteamericana, podemos disfrutar la fusión de su sensibilidad europea (inspirada por Bertolucci, Goddard y Fassbinder) con una "road movie" tan intensa y emocional como las obras que la inspiraron. Como fan del cine, no podía pedir más. Como fan del horror... me dejó con hambre.
Calificación: 8

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