Monday, March 31, 2014

Nurse



Síntomas: Abby Russell (Paz de la Huerta) es una enfermera muy celosa de su deber, pero con un gran secreto: cuando no está salvando vidas en el hospital, se divierte asesinando maridos infieles, novios hipócritas, y demás hombres que abusan o menosprecian a las mujeres. Pero cuando Abby trata de "ayudar" a su amiga Danni (Katrina Bowden) y ataca a los hombres que la han tratado mal, se inicia un conflicto que podría terminar destruyendo a las dos mujeres.

Diagnóstico: Las películas sobre venganza femenina representan una importante vertiente del cine “B” (y también “A”, para el caso), desde reconocidos clásicos como Ms. 45 y I Spit on Your Grave, hasta modernas interpretaciones, como The Brave One y Kill Bill. Nurse encaja parcialmente en esa categoría, pero su incierto libreto enturbia la premisa con una extraña dualidad, haciendo a la protagonista simultáneamente heroína y villana. Por un lado parece una audaz estrategia que desafía las expectativas del espectador y señala astutamente la gris moralidad de estos relatos sobre venganza personal; pero en algunos momentos se siente como un terrible error de cálculo que destruye el balance de la película y confunde la lealtad del espectador ¿debemos apoyar la psicosis de Abby y celebrar el sangriento asesinato de misóginos y adúlteros? ¿O se trata de una asesina serial fuera de control que debe ser detenida antes de que mate más hombres "inocentes" que cometieron el “pecadillo” de engañar a su pareja? Una pregunta interesante en papel; pero en forma de película se vuelve tan inestable como su protagonista. Para empeorar la situación, Paz de la Huerta me pareció una pésima actriz, tan rígida y monótona que cuesta trabajo tomar en serio sus melodramáticos monólogos... sobre todo cuando parecen excusas para quitarse la ropa. El elenco secundario es igualmente mediocre, a pesar de contar con la semi-famosa presencia de Judd Nelson y Kathleen Turner. La excepción es Katrina Bowden como Danni, la enfermera novata que tuvo la mala (¿o buena?) fortuna de atraer a Abby como mentora y protectora. Bowden está forjando una sólida carrera en el género de terror (previamente la vimos en las divertidas Tucker & Dale Vs. Evil  y Piranha 3DD), y aunque estimo que nunca ganará un Óscar, es perfectamente capaz de expresar las agitadas emociones que requiere su papel. O quizás me gustó su actuación en comparación con las demás. Como sea, Nurse tiene abundantes fallas pero nunca aburre, y sus frecuentes escenas sangrientas (algunas prácticas, otras digitales) probablemente dejarán satisfechos a los fanáticos del "gore". Y, en el contexto del sub-género de "venganza femenina", me pareció ambiciosa pero no del todo satisfactoria. Creo que la combinación de temas feministas y un tono de explotación se presta para un interesante contraste que quizás amerita un análisis más profundo. Pero al mismo tiempo siento que habría una mejor manera de integrar estas ideas, tal vez en un formato distinto (menos horror y más thriller) o con un elenco “serio” que pudiera validar con su presencia la intención del director Douglas Aarniokoski. Entonces, le puedo dar a Nurse una tenue recomendación como desechable cinta de terror, pero eso significaría despreciar sus mejores atributos, así como su digna posición en el cine de venganza femenina. Y no quiero arriesgarme a que se enoje conmigo.
Calificación: 7.5

Trailer

Saturday, March 29, 2014

Capitán América y el Soldado del Invierno (Captain America: The Winter Soldier)



Síntomas: Mientras trata de adaptarse al mundo moderno, Steve Rogers (Chris Evans) trabaja para S.H.I.E.L.D. bajo las órdenes de Nick Fury (Samuel L. Jackson). Sin embargo, tras completar una misión aparentemente rutinaria, Rogers se da cuenta de que algo sospechoso está ocurriendo en los más altos estratos de la organización... y Fury podría ser el culpable. Entonces, auxiliado por Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) y un ex-soldado llamado Sam Wilson (Anthony Mackie), Rogers tratará de investigar el origen de la conspiración, y la identidad de un mítico mercenario apodado "El Soldado del Invierno".

Diagnóstico: Me pareció acertado mantener Captain America: The Winter Soldier en un nivel más o menos realista, con antagonistas humanos y amenazas mundanas, en vez de intentar algo más "cósmico" al estilo de The Avengers (como el escritor Rick Remender está haciendo actualmente con el comic de Captain America). Pero la película no se siente por ello simple o carente de ambición; por el contrario, Captain America: The Winter Soldier podrá usar una máscara de thriller político, pero su identidad secreta es una épica historia de superhéroes donde las inmensas batallas tienen una motivación más profunda que la destrucción de edificios, y las amenazas globales no provienen de un megalomaníatico súper-villano (bueno, un poco), sino de personas normales con nobles intenciones (al menos en su propia opinión). Francamente no tenía mucha confianza en los co-directores Joe y Anthony Russo, pues su filmografía está integrada casi exclusivamente por episodios de sitcoms. Claro, son sitcoms que me gustan mucho (Community, Happy Endings, Arrested Development), pero aún así no sabía si serían capaces de manejar un proyecto tan grande y complicado. Afortunadamente mis temores resultaron infundados, y Captain America: The Winter Soldier me pareció la cinta más sólida de Marvel en el aspecto narrativo, perfectamente estructurada y con un buen balance entre el contenido emocional y la acción. Por ejemplo, en Iron Man 3 me costó trabajo tragar el conveniente "síndrome de estrés post-traumático" que sufre Tony Stark; pero en en caso de Steve Rogers, la nostalgia y dolor de haber perdido su mundo se transmite con mayor sutileza y efectividad dramática. En parte se debe al excelente trabajo de Chris Evans, más maduro y "moderno", pero sin abandonar la inocencia y estricto código moral del personaje. Lejos de parecer una ideología obsoleta, se siente más relevante que nunca en esta época de inciertas lealtades y extrema ambición. El resto del elenco también brilla con luz propia, y el guión (inspirado por la obra de Ed Brubaker - estamos en buenas manos) les da amplia oportunidad de lucirse, tanto en los momentos de acción como en la interesante evolución de sus personajes. En vez de limitarse a repetir sus trucos de costumbre, Nick Fury, Natasha Romanoff y la Agente Maria Hill (Cobie Smulders) demuestran que aún tienen mucho que ofrecer en esta monumental saga. Los "recién llegados" al reparto (Anthony Mackie como el piloto Sam Wilson y Emily VanCamp como la atractiva vecina de Steve Rogers) no gozan de mucho desarrollo, pero imagino que apenas están estableciéndolos para tener mayor participación en el futuro. Y, bueno, los efectos especiales son sencillamente impresionantes... aún mejores que The Avengers, no solo por su impactante realismo sino por la naturalidad con la que fueron "filmados". Claro, hay bastantes "money shots" para dejarnos con la boca abierta, pero en general los efectos funcionan como complemento de la narrativa, en vez de convertirse en centro de la atención. Mis únicas quejas están centradas en el aspecto de "thriller político". Como dije, me gustó que usaran esa fórmula; pero por otro lado, se parece a todos los thrillers políticos de la década pasada, con algunos adornos para integrarlo al Universo Marvel. El villano es absolutamente previsible, y solo faltó un cameo de Dick Cheney para hacer el mensaje más evidente (hablando de cameos, hay varios que me hicieron sonreír, y no solo me refiero al imprescindible Stan Lee). Por lo demás, Captain America: The Winter Soldier me pareció muy superior a The First Avenger y a la reciente Thor: The Dark World; y además establece importantísimos cambios que sin duda afectarán profundamente la próxima The Avengers: Age of Ultron. Ah, y no olviden quedarse a ver los "stingers"; uno durante los créditos, y otro hasta el final mismo. En resumen: ya quiero verla de nuevo, lo cual no he sentido con todas las cintas de Marvel. Muy recomendable por derecho propio, y como parte fundamental de la saga.
Calificación: 9.5

Trailer

Thursday, March 27, 2014

The Penny Dreadful Picture Show



Síntomas: The Penny Dreadful Picture Show es una antología con tres historias que combinan horror y humor negro en distintas proporciones. La obligatoria historia envolvente sigue a la excéntrica Penny (Eliza Swenson) en su búsqueda de "amor verdadero", para lo cual invita novios potenciales a su hogar (un viejo cine abandonado) y juntos ven películas de terror. La primera "película" (dirigida por Nick Everhart) muestra los peligros de coleccionar juguetes clásicos; la segunda (de Eliza Swenson) sigue los esfuerzos de una joven mujer por recordar los eventos de la noche anterior; y la última (realizada por Leigh Scott) nos muestra el clásico escenario de jóvenes “hippies” en conflicto con una siniestra familia rural.

Diagnóstico: Las antologías de terror han gozado un renacimiento en años recientes, con algunas buenas muestras del género (Trick 'r Treat, Chillerama), otras mediocres (The Theater Bizarre), y lamentablemente otras malas, como The Penny Dreadful Picture Show. Sin duda la inspiró un genuino amor por el terror, y sus historias contienen algunas buenas ideas, pero se ven traicionadas por sus bajos valores de producción, ritmo lento y dirección plana, casi amateur, que no logra crear atmósfera, suspenso, ni el menor atisbo de terror. El mejor relato por default es el de Penny, y solo porque muestra buen diseño de producción (obviamente inspirado por Tim Burton, incluyendo la música) y vivaces actuaciones (conste que no dije "buenas"). El primer segmento, "Jack in the Slash", también me gustó por su brevedad (menos de cinco minutos) y simpático minimalismo. Pero las dos historias restantes, "The Morning After" y "The Slaughter House", se alargan más de lo necesario, tratando de exprimir al máximo algunos interesantes conceptos que hubieran funcionado mejor dentro de una narrativa más ágil y concisa. Los actores se esfuerzan por darle vida al material pero, aceptémoslo, carecen del talento para lograrlo. Hasta los integrantes famosos del elenco (Jeffrey Combs y Sid Haig) se sienten apáticos, y se antoja probable que hayan participado como favor a los productores, y no porque tuvieran interés real en el proyecto. Finalmente, los efectos especiales varían en calidad, desde algunas buenas muestras de maquillaje práctico en "The Morning After", hasta ineptas instancias de gore digital en "The Slaughter House", las cuales demeritan el supuesto homenaje al estilo setentero de Rob Zombie. Ojalá pudiera decir algo más positivo sobre The Penny Dreadful Picture Show pues, como dije, muestra profundo afecto por el cine de terror y se nota el entusiasmo del personal al frente y detrás de las cámaras. Desafortunadamente en esta ocasión no bastó para crear una experiencia entretenida, aunque podría ser de interés para completistas del formato antológico, siempre experimental e impredecible. En fin... incluso cuando el experimento falla, nos deja un poco de experiencia.
Calificación: 5

Trailer

Wednesday, March 26, 2014

Todo Está Perdido (All is Lost)



Síntomas: Un solitario hombre maduro navega en su bote de vela por una remota región del Océano Pacífico, cuando una inesperada colisión daña el navío e inutiliza sus instrumentos electrónicos. Entonces, con metódica precisión, el hombre inicia los difíciles procedimientos que quizás le ayudarán a sobrevivir la catástrofe... aunque sabe muy bien que nada está garantizado en el inclemente océano.

Diagnóstico: Me gustan las películas "minimalistas" con una sola locación y pocos actores (o incluso uno solo), porque presentan intrigantes retos para los cineastas que se atreven a abordarlas. Para empezar, desde luego, es imprescindible encontrar una historia interesante, con giros e ingredientes que mantengan la atención del espectador. Además, en muchos casos, deben prescindir de aquellas herramientas dramáticas incompatibles con este frágil estilo, como exposición, sub-tramas, y a veces hasta diálogos, lo cual limita severamente la posibilidad de "explicar" al público lo que está ocurriendo. Pero lo más importante sin duda es encontrar actores con una fuerte presencia escénica y suficiente carisma para integrarnos instantáneamente en su mundo, sin necesidad de mucho desarrollo o establecimiento. Me complace decir que el director J.C. Chandor superó (parcialmente) estos retos en Todo Está Perdido, un fascinante relato de tenacidad y supervivencia con fuerte contenido emocional y una sólida actuación por parte de una auténtica leyenda en Hollywood. Ya no vemos tan seguido a Robert Redford en la pantalla grande (aunque  recientemente se ha mostrado más productivo de lo habitual), pero resulta obvio que aún conserva la "cualidad de estrella", que lo hizo famoso hace varias décadas (me pregunto si Daniel Radcliffe o Robert Pattinson tendrán igual suerte en cuarenta años). La narrativa de Todo Está Perdido es metódica y pausada (confieso que me aburrió un poco al principio), absteniéndose de crear grandes momentos de acción o aspavientos dramáticos, lo cual fue una decisión audaz que rinde frutos a largo plazo (bueno, no tan largo... la cinta apenas rebasa la hora y media). La estrategia de cocinar la historia "a fuego lento" permite un incremento gradual del suspenso que hace más intensos y presentes los fugaces triunfos y frecuentes decepciones del protagonista... y nos confirma que las herramientas más importantes para su supervivencia no serán su cuchillo o su brújula, ni su provisión de agua potable, sino una inquebrantable voluntad y la persistente esperanza de ser rescatado. Aunque Todo Está Perdido suena similar a otras cintas minimalistas como Open Water y Buried, su enfoque radica más en la lucha interna del protagonista que en sus ingeniosos trucos para mantenerse vivo en circunstancias devastadoras. Tal vez eso la hace un poco lenta y cansada pero a fin de cuentas resulta más satisfactoria, sin importar que el final sea trágico o feliz. Lo importante fue no darse por vencido.
Calificación: 8.5

Trailer

Tuesday, March 25, 2014

Odd Thomas



Síntomas: El joven Odd Thomas (Anton Yelchin) vive con su novia Stormy (Addison Timlin) en un pequeño pueblo californiano, donde usa sus ambiguos poderes extrasensoriales para resolver crímenes en cooperación con el adusto Alguacil Porter (Willem Dafoe). Además de “ver gente muerta”, Thomas puede percibir la presencia de grotescas criaturas invisibles llamadas "bodachs", las cuales se alimentan de sufrimiento humano, y por lo tanto tienden a aparecer cuando se aproxima algún accidente o catástrofe. Entonces, cuando Thomas ve cientos, y luego miles de estos monstruos en el pueblo, se da cuenta de que algo muy grave está por ocurrir. ¿Logrará evitarlo, o se convertirá en la primera víctima de una conspiración paranormal?

Diagnóstico: Odd Thomas pertenece a la moderna avalancha de películas basadas en novelas juveniles (en este caso una serie de libros escritos por el autor de culto Dean R. Koontz), y quizás por eso exhibe la típica ligereza dramática y frivolidad narrativa de cintas similares; las cosas ocurren con demasiada rapidez, las respuestas llegan muy fácil, y aunque el misterio central de la cinta amenaza con la muerte de cientos de inocentes, nunca se transmite adecuadamente la gravedad de la situación (excepto en un par de ocasiones cerca del final de la película, perfectamente diseñadas para provocar el máximo impacto en el espectador). Sin embargo Odd Thomas posee muchas cualidades que la separan del blando nicho "young adult". Para empezar, las actuaciones son bastante buenas, no solo por las reacciones e interacción de los personajes, sino por el barniz de humor que acompaña las escenas. Quizás eso contribuye a la frivolidad antes mencionada, pero la encontré preferible a la falsa solemnidad y excesivo melodrama de obras similares (ya saben a cuáles me refiero). Además, el guión está lleno de ingeniosos detalles que enriquecen el universo de la cinta, extendiéndolo y sugiriendo abundantes posibilidades para el futuro... suponiendo que el éxito económico de la cinta garantice la realización de secuelas. Finalmente, Odd Thomas es un personaje realmente simpático e interesante (los detractores del actor Anton Yelchin podrían tener una opinión distinta). A diferencia de otros protagonistas pasivos que se conforman con reaccionar a las situaciones externas (ya saben a quién me refiero), Thomas se siente dinámico y proactivo, pues se ha preocupado por complementar sus vagos poderes paranormales con una aguda mente deductiva, y con suficiente entrenamiento físico para defenderse de las bizarras y peligrosas situaciones en las que frecuentemente se ve mezclado. Hablando de lo cual, no sé si Odd Thomas será apropiada para todo público (hay bastante violencia PG-13 y monstruos que podrían asustar a los niños pequeños), pero la recomendaría como una muy entretenida película familiar con buenos actores, sólidos personajes y un implacable ritmo que impide cualquier noción de aburrimiento. Los efectos especiales no siempre son tan realistas como hubiera querido, pero cumplen su función de dar vida a los monstruos y fantasmas que acompañan la historia. En resumen: una experiencia satisfactoria, y un noble precedente para estimular futuras adaptaciones cinematográficas de Dean R. Koontz. No entiendo por qué Hollywood no ha explotado más la fértil imaginación de este menospreciado autor. Por principio de cuentas, me gustaría ver la adaptación de Strangers, uno de los más tensos y enigmáticos misterios que he leído en mi vida. Lástima que no esté dirigido al público juvenil.
Calificación: 8

Trailer

Monday, March 24, 2014

Love and Air Sex



Síntomas: Jeff (Zach Cregger) y Cathy (Ashley Bell) mantuvieron una relación perfecta durante varios años en Austin, Texas, pero decidieron separarse cuando sus respectivos trabajos los llevaron a distintas ciudades. Con el tiempo Jeff se da cuenta de que cometió un error, y cuando se entera de que Cathy pasará unos días en Austin, decide visitar la ciudad con la esperanza de encontrársela "accidentalmente", y explorar la posibilidad de una reconciliación... incluso si la única manera de hacerlo es participando en un torneo de "air sex".

Diagnóstico: Love and Air Sex es una comedia romántica "indie" que se distingue por desafiar los clichés del género. En vez de apoyarse en las rancias fórmulas de Hollywood, el director Bryan Poyser adopta un enfoque similar al "mumblecore" de los hermanos Duplass (Cyrus, Jeff Who Lives at Home), creando una obra que se siente fresca y natural, con diálogos improvisados pero aún así muy graciosos y realistas gracias al talentoso elenco que da vida a estos pintorescos personajes, reconocibles por su función en la narrativa (pareja dispareja, amigos excéntricos, etc.) pero impredecibles en sus reacciones y actitudes ante las bizarras situaciones que encuentran... como el mencionado torneo de "air sex". ¿Qué es "air sex"? Es como "air guitar", pero con gesticulaciones y mímica de índole sexual. Sí, me temo que se trata de un evento real, obviamente creado por personas que consideran los torneos de "air guitar" demasiado formales y dignos. En fin... el punto es que Love and Air Sex resultó ser más graciosa y honesta que cualquier comedia romántica "de estudio" que se haya realizado en años recientes. Quizás su atmósfera "hipster" y su total inmersión en la pretenciosa/casual cultura de Austin pudieran despertar antipatía en algunos espectadores (incluyéndome), pero a fin de cuentas el encanto de los personajes prevalece y mantiene a flote los largos pasajes de la cinta donde no ocurre nada, y simplemente los acompañamos en sus triviales actividades, escuchando sus chispeantes conversiones y sintiendo leve irritación por sus malas decisiones románticas y laborales, hasta llegar a un final agridulce pero lógico y satisfactorio. Hablando de lógica, me gustaría darle un consejo a los sabios ejecutivos de la distribuidora Tribeca Film: si una película lleva más de un año generando "buzz" y obteniendo reseñas positivas en múltiples festivales de cine, por favor no le cambien el nombre cuando por fin reciba distribución masiva. Llevo varios meses esperando el estreno de The Bounceback, y por mero azar (una entrevista con Sara Paxton en el canal IFC) me enteré de que tenía un nuevo título, Love and Air Sex. De otro modo probablemente la hubiera ignorado cuando apareció en los listados de Video On Demand... y supongo que habrá más personas en el mismo caso, lo cual podría afectar negativamente el potencial económico de esta película, ya de por sí dudoso por culpa de su escasa publicidad y carencia de grandes estrellas en el reparto. Fin del discurso. Afortunadamente el cambio de nombre no impide darle una sincera recomendación, acompañada por la obligatoria advertencia sobre sus afectaciones narrativas y tono pretencioso, tan característicos del cine "indie" contemporáneo. Comparándola con cintas similares, yo ubicaría Love and Air Sex abajo de Drinking Buddies, pero arriba de Your Sister's Sister, lo cual no deja de ser muy buena compañía. Aunque quizás aquellas películas no pensarán lo mismo cuando vean la ridícula vulgaridad del "air sex". Predicción: el siguiente "deporte" hipster de moda será "air video games". Si ya existe, por favor no me digan.
Calificación: 8.5

Trailer

Saturday, March 22, 2014

Don Jon



Síntomas: La vida del joven Jon (Joseph Gordon-Levitt) está dictada en gran medida por su adicción a la pornografía; pero cuando conoce a Barbara (Scarlett Johansson), una mujer aparentemente ideal, Jon deberá decidir si prefiere las fantasías que ve en Internet, o la realidad de una relación madura y responsable.

Diagnóstico: No sabía que esperar de la cinta Don Jon. Conocía de antemano la premisa, pero ignoraba si se trataba de una comedia, drama, o un irreverente romance forjado por las crudas realidades de las relaciones modernas, basadas más en tecnología que en sentimientos. Afortunadamente, Don Jon resultó ser todo eso y más, sustentada por excelentes valores de producción, audaces ideas, y una ambiciosa gama de mensajes que nos dejarán pensando mucho después de terminada la película. Y, además de todo eso, también es el debut como guionista y director del actor Joseph Gordon-Levitt, quien, en mi humilde opinión, queda automáticamente consagrado como uno de los más interesantes cineastas-intérpretes del Hollywood contemporáneo. Hablando de lo cual, Gordon-Levitt muestra increíble confianza y destreza tanto al frente como detrás de la cámara. Su actuación está basada en el cliché del "guido" de Nueva Jersey (tristemente popular gracias a ciertas series de televisión), pero con suficiente profundidad para rescatar la humanidad del protagonista, haciéndolo entrañable a pesar de sus vicios, y con la sensatez necesaria para cuestionar su estilo de vida cuando descubre la posibilidad de algo más honesto y "real" que las chicas de Pornhub. Scarlett Johansson tiene también un excelente desempeño como la mujer ideal que podría abrirle los ojos a Jon... incluso si su motivación es más egoísta de lo que aparenta. Creo que desde Vicky Cristina Barcelona no había visto una actuación tan buena de esta actriz, y será una buena oportunidad para que la gente recuerde su talento, en vez de centrarse exclusivamente en su figura. Lo cual nos lleva al mejor elemento de Don Jon... su sobrio e imparcial análisis de la sexualidad en la era digital, distorsionada por las fantasías manufacturadas que inundan el entretenimiento popular, ya sea en forma de pornografía en línea, o de "chick flicks" hollywoodenses. En fin... Quizás estoy vertiendo excesivos elogios en esta película, que no me pareció perfecta (el libreto flaquea un poco en la parte media, y algunos personajes cruzan la línea de la caricatura étnica), pero en general los aciertos superan las fallas, y creo que merece una recomendación tanto por sus valores intrínsecos como por su ambiciosa intención. Habiendo dicho eso, conviene advertir que no es una película para toda la familia, y podría ofender a algunos espectadores por su franca discusión de la pornografía, absteniéndose de demonizarla o denunciarla como una catástrofe social. Cada quien deberá decidir si eso denota tolerancia o irresponsabilidad por parte del director-guionista. Yo solo sentí gusto por encontrar una buena película. Desafortunadamente es una adicción que no puedo satisfacer con frecuencia.
Calificación: 9

Trailer

Friday, March 21, 2014

Knights of Badassdom



Síntomas: Eric (Steve Zahn) y sus amigos son entusiastas participantes en juegos de rol de acción viva (o "LARPs"), donde las épicas fantasías de Dungeons and Dragons cobran vida con disfraces caseros, batallas simuladas, espadas de plástico y, desde luego, puntillosa observación de las complicadas reglas de combate. Entonces, para obtener el máximo realismo posible en sus disfraces y accesorios, Eric consigue un viejo libro de magia cuyos hechizos resultan ser genuinos, y accidentalmente libera un temible demonio en medio de un importante torneo. ¿Logrará Eric derrotar al monstruo, salvar a la chica que le gusta, y ganar el respeto de sus rivales?

Diagnóstico: A pesar de haber inspirado optimistas expectativas y comentarios muy positivos cuando pasó por festivales de cine, Knights of Badassdom permaneció "enlatada" durante un par de años debido a una disputa entre el director y los productores, quienes hicieron su propio corte de la película. Para bien o para mal, esa versión re-editada fue la que finalmente obtuvo distribución digital... y no es tan mala como todos temíamos. De hecho, me pareció bastante entretenida, aunque un poco hueca y con demasiadas sub-tramas que no logran integrarse por completo a la narrativa general. Lo mejor, desde luego, es el "factor geek" del libreto, rico en detalles y arcano conocimiento sobre la cultura LARP, pero sin burlarse de sus practicantes. El humor proviene del choque de personalidades, y de los profundos lazos de amistad (o feroz rivalidad) entre estos pintorescos personajes. Sin embargo, por extremas que sean sus obsesiones, nunca se convierten en bufones ni objetos de lástima (a diferencia de otras supuestas “celebraciones” de la cultura geek, como el popular sitcom The Big Bang Theory). La producción de Knights of Badassdom se ve bastante pulida a pesar de su reducido presupuesto, y mantiene un sano balance entre efectos digitales y prácticos, incluyendo cruentos momentos de "gore" y amenazadoras criaturas de imaginativo diseño. El elenco también brilla por su talento y convicción, dando vida a personajes bien definidos y repletos de simpáticas excentricidades. No será sorpresa revelar que Peter Dinklage se roba la película como el más “sanguinario” guerrero del clan, y aunque su participación sea relativamente corta, sin duda será el más recordado por el público, no solo por el meta-humor relativo a Game of Thrones, sino porque Dinklage es un sobresaliente actor que logra sumergirse por completo en el papel de “Lord Hung”, expresando sin dificultad su absoluta dedicación a un fantasioso estilo de vida más atractivo que el mundo real. Los demás actores salen bien librados, y en particular me gustó ver de nuevo en la pantalla a Steve Zahn, ausente desde hace tiempo (al menos en las películas que acostumbro ver). En el obligatorio papel de "geek girl" tenemos a Summer Glau, un poco pasiva pero aún así graciosa y creíble como participante de una cultura a la que entró por obligación, para luego disfrutarla por decisión propia. Entonces, Knights of Badassdom no fue el desastre que algunos esperaban, y aunque desde luego yo hubiera preferido ver el "director's cut" de Joe Lynch (más conocido por Chillerama y Wrong Turn 2: Dead End), puedo recomendar esta versión porque, a fin de cuentas, rinde homenaje a una muy particular faceta de la cultura "geek" con buenas dosis de acción, "gore" y humor exento de malicia. Si tan solo Peter Dinklage fuera el estelar, en vez de un personaje secundario...
Calificación: 8

Trailer

Thursday, March 20, 2014

Ice Soldiers



Síntomas: En 1962, durante la Crisis de Misiles en Cuba, un avión ruso se estrella en el Ártico y sus peligrosos pasajeros escapan, asesinando a los ocupantes de una estación científica canadiense. Cincuenta años después, una expedición petrolera encabezada por la ambiciosa ejecutiva Jane Frazer (Camille Sullivan) y el taciturno científico Andrew Malraux (Dominic Purcell) descubre los "cadáveres" de aquellos asesinos genéticamente modificados... y sobra decir que las cosas empeoran rápidamente para todos los implicados.

Diagnóstico: No esperaba disfrutar tanto de Ice Soldiers. La trama suena como un híbrido de Frankenstein y The Thing, y pensé que sería una bazofia al estilo de The Asylum (quienes afortunadamente no tienen nada que ver con esta película), pero resultó ser una decente B-Movie de manufactura canadiense con sólida dirección del islándico Sturla Gunnarsson, auxiliado por buenas actuaciones y diestro manejo del suspenso para distraernos del bajo presupuesto y ocasionales agujeros en el guión. Dominic Purcell es un competente protagonista con talento para expresar su turbulencia interna con intensas miradas y económico lenguaje corporal. Me recordó un poco a Steven Seagal... un poco pasado de peso pero aún creíble en papeles de acción; la diferencia es que Purcell sabe actuar. El resto del elenco incluye algunos rostros conocidos en el género fantástico (Michael Ironside, Camille Sullivan) y otros desconocidos (como el trío de súper-soldados rusos), pero todos bien seleccionados para añadir un poco de sustancia a sus genéricos personajes. Los efectos especiales son esporádicos y no muy llamativos; después de todo no es una cinta "gore", y su modesta ambición no requiere momentos espectaculares... simplemente la tensión de la "cacería humana" en la helada tundra ártica (la selección de locaciones es uno de los grandes aciertos de la cinta), acentuada por ocasionales peleas y una que otra explosión para sazonar la receta. Me place decir que eso bastó (al menos en mi caso) para disfrutar esta divertida experiencia de escasos noventa minutos. Dentro de lo negativo mencionaría un final algo anticlimático, y algunas escenas absurdas que traicionan la falta de recursos para filmar ciertos stunts (mala señal cuando la persecución final arranca risas involuntarias). Pero, por lo demás, amerita una modesta recomendación, especialmente para fans del género fantástico habituados a disculpar algunas fallas cuando se nota incipiente talento detrás de las cámaras, y genuina intención de entretener al espectador. Para variar, los canadienses le dan a los norteamericanos una lección sobre buen cine B; ojalá no caiga en oídos sordos.
Calificación: 7

Trailer

Tuesday, March 18, 2014

Haunt



Síntomas: Clásica fórmula: la familia Asher se muda a una pintoresca casa de campo, donde los previos ocupantes murieron en circunstancias misteriosas, provocando entre los vecinos rumores de una maldición que se cierne sobre el inmueble. Uno de esos vecinos, la enigmática adolescente Sam (Liana Liberato), forma una alianza con el joven Evan (Harrison Gilbertson) para investigar lo que realmente ocurrió en la siniestra casa. Y, naturalmente, lo que descubren pondrá en peligro sus vidas, y las de la familia entera.

Diagnóstico: A pesar de esa trillada sinopsis Haunt resultó mejor de lo que esperaba gracias a su siniestra atmósfera, competente dirección, y un par de elementos innovadores que aportan cierta frescura a este típico relato de casa embrujada. Mi favorito fue el sintonizador electrónico de voces fantasmales, una especie de radio E.V.P. steampunk (con los obligatorios tubos de vacío y manivelas metálicas) que permite comunicarse con los difuntos... o con lo que sea aquella presencia que ronda por la casa maldita. Hay otros detalles ingeniosos como ese, pero prefiero omitirlos para no revelar spoilers. Lo que sí puedo revelar es que los jóvenes actores Liana Liberato y Harrison Gilbertson forman una buena "pareja dispareja" con distintos métodos y motivaciones para resolver el misterio. No tragué por completo la sub-trama romántica, pero la investigación que realizan combina adecuadamente la tensa búsqueda de evidencias con pausadas reflexiones sobre el origen de los eventos sobrenaturales. Hablando de lo cual, Haunt hace juicioso uso de efectos prácticos para darle forma a los fantasmas y apariciones (diseñados por el estudio Weta, nada menos), obteniendo algunos bien ganados sobresaltos y momentos de delicioso suspenso, a veces predecibles pero aun así efectivos. Lo que no me gustó fue el uso excesivo de trucos de edición y acentos sonoros para enfatizar las escenas de terror. Pensé que habíamos dejado esos clichés audiovisuales en la década pasada, pero aparentemente algunos cineastas siguen apoyándose en ellos cuando no tienen suficiente confianza en sus actores o libreto. Es una lastima, pues por lo demás Haunt me pareció una entretenida cinta de terror tradicional con un interesante misterio, buenos sustos y personajes creíbles, que no inspiran antipatía desde el primer minuto, como frecuentemente ocurre en otras obras de este género. En lo que respecta a casas embrujadas, Haunt no está a la altura de Insidious, The Pact, o The Conjuring, pero la encontré preferible a las secuelas de Paranormal Activity, y a todos aquellos  tediosos y mareantes pseudo-documentales que invadieron el horror independiente en años recientes. En resumen, una experiencia recomendable, pero completamente olvidable.
Calificación: 7.5

Trailer

Monday, March 17, 2014

Need for Speed



Síntomas: El joven mecánico y piloto Tobey Marshall (Aaron Paul) ha ganado fama en el circuito de carreras locales de su pueblo, pero carece de las conexiones y dinero para competir en las "grandes ligas" automovilísticas. Sin embargo, cuando recibe la oportunidad de participar en una carrera secreta patrocinada por un enigmático millonario llamado Monarch (Michael Keaton), Tobey tendrá que usar toda su pericia, pues no solo esta en juego el premio, sino también su vida.

Diagnóstico: Desde aproximadamente 1995 hasta 2005 fui ávido seguidor del videojuego Need for Speed, cautivado por sus excelentes gráficas, experto diseño de pistas y, sobre todo, el sublime "gameplay", perfectamente balanceado entre exagerada irrealidad y estricta simulación, para hacer un juego fácil de aprender pero difícil de dominar. Sin embargo, a fin de cuentas, los juegos de la franquicia nunca se distinguieron por su argumento, y por eso preferí ver la nueva película Need for Speed con las bajas expectativas reservadas para otras cintas basadas en videojuegos. Y creo que fue la decisión correcta; la cinta tiene considerables aciertos en lo que se refiere a sus aspectos técnicos y estilísticos; desafortunadamente su narrativa es risiblemente elemental, con personajes desechables, diálogos que causan pena ajena y horribles momentos de "comic relief" que me provocaron más ansiedad que risas. Las escenas de acción automovilística están bien filmadas y editadas, con un mínimo de interferencia digital y con "stunts" razonablemente planeados para no estirar (más de lo normal) la credibilidad del espectador. Sin embargo el "as en la manga" de Need for Speed es su protagonista, Aaron Paul, cuyo considerable talento y presencia sirven para mantener a flote el perezoso libreto. Y si bien su personaje pertenece al estereotipo de "rudo silencioso" (como correctamente señala su interés romántico, interpretado por Imogen Poots), Paul se rehúsa a tomar el camino fácil, y en vez de eso vierte suficiente intensidad y convicción para salvar la película, creando tensión dramática que los guionistas probablemente nunca soñaron alcanzar con sus trilladas escenas. Gracias a eso Need for Speed logra entretener sin contrariar demasiado al espectador, y sin invitar comparaciones con la franquicia Fast and the Furious. Si acaso, yo diría que se parece más (manteniendo distancias, desde luego) a Vanishing Point y Cannonball Run... abundante "eye candy" para fans de los automóviles, con la mínima trama/excusa para detonar la acción. Pero nada de eso hubiera funcionado sin Aaron Paul. Los productores tuvieron suerte esta vez; mejor no tentar el destino con una adaptación de Mario Kart.
Calificación: 7.5

Trailer

Saturday, March 15, 2014

Veronica Mars



Síntomas: Diez años después de abandonar la ciudad de Neptune, la detective aficionada Veronica Mars (Kristen Bell) está a punto de recibirse como abogada, con varias atractivas ofertas de empleo en Nueva York. Pero un asesinato en su pueblo natal la obliga a regresar, y mientras trata de ayudar a un viejo amigo acusado por el crimen, Veronica se da cuenta de que nada ha cambiado en la corrupta y profundamente dividida ciudad de Neptune.

Diagnóstico: Muchos pensaban que se trataba de un sueño imposible, pero después de una exitosísima campaña en Kickstarter (a la que desde luego contribuí), la serie de culto Veronica Mars resucita en la forma de esta epónima película, continuando las aventuras de la detective adolescente (ahora adulta), y de los ciudadanos de Neptune, algunos amistosos, otros antagónicos, pero todos llenos de secretos; y por supuesto, tampoco falta Keith Mars (Enrico Colantoni), el estoico y sensato padre de Veronica que preferiría verla trabajando como abogada en Nueva York, en vez de regresar a los sórdidos escándalos de un pueblo traicionero. Lo mejor de esta película es que se parece mucho a la serie de televisión. Y lo peor es que se parece mucho a la serie de televisión. El director Rob Thomas tuvo gran cuidado en preservar el tono y atmósfera del programa, así como el ingenio de la trama y la química entre los personajes. Veronica Mars se siente realmente como una evolución natural de la franquicia, y aunque estuvo ausente durante casi una década, no tiene dificultad para retomar el ritmo de antaño. Por otro lado, también se siente como un episodio largo, y no como una genuina adaptación a cine, lo cual podría decepcionar a quienes esperaban algo más épico o trascendental, en vez de otro simple "misterio de la semana". Además, este inflexible compromiso con la continuidad original evitará que la cinta sea atractiva o accesible para nuevos espectadores, lo cual afectará considerablemente su potencial económico. Pero bueno, ajena a cualquier expectativa, la cinta funciona perfectamente como una re-introducción a este universo, y sienta firmes bases para futuras aventuras, donde probablemente Thomas podrá hacer algo más audaz e innovador, sin tener que invertir gran parte del tiempo poniéndonos al corriente con la nueva situación. Si esas hipotéticas aventuras llegan en forma de más películas (o nueva serie de televisión), libros (la novela "Veronica Mars: The Thousand Dollar Tan Line", co-escrita por Rob Thomas se publica el 25 de Marzo), o incluso comics (como se planeaba originalmente), está por verse... lo importante es que Veronica Mars regresó, y planeo disfrutarlo mientras nos dure el gusto. Si tan solo pudiéramos hacer lo mismo con Freakylinks...
Calificación: 8.5

Trailer

Friday, March 14, 2014

Toad Road



Síntomas: Sara (Sara Anne Jones) pertenece a un círculo de amigos dedicados con singular empeño a experimentar con todo tipo de drogas, todo el tiempo. TODO EL TIEMPO. A simple vista parece un grupo de "slackers" desperdiciando sus vidas sin futuro ni estructura, pero Sara cree que el abuso de sustancias psicodélicas permite acceso a nuevos planos de realidad. Y por eso decide investigar la leyenda local del "Camino del Sapo", un supuesto sendero en un bosque cercano que conduce a través de siete "puertas" hasta el infierno mismo. Entonces, aprovechando la atracción que siente su amigo James (James Davidson), Sara lo convence de acompañarla en este pesadillesco recorrido, del que quizás no regresarán.

Diagnóstico: No les voy a mentir: encontré la primera mitad de Toad Road casi insoportable, y no dejé de verla solo porque al mismo tiempo estaba leyendo comics en mi tableta. Durante cuarenta y cinco minutos la cinta se limita a mostrarnos la vida cotidiana de Sara y sus amigos, perfectos ejemplos de apática juventud urbana en constante búsqueda del siguiente "high", sin importar nada más que el fugaz placer (o escape) que las drogas les ofrecen. Quizás sea un tema interesante para un documental, pero Toad Road no ofrece comentario ni mensaje alguno en su desfile de patéticos momentos de estupidez causada por la intoxicación de estos vacuos personajes. Afortunadamente el difuso argumento empieza a concretarse cuando Sara emprende su misión de recorrer el "Camino del Sapo", y aunque la cinta nunca llega a una narrativa convencional, la sutil dirección y fuertes actuaciones contribuyen a incrementar gradualmente el suspenso hasta llegar a un desenlace enigmático y devastador. No estoy seguro si esto hace de Toad Road una buena película de terror (o si pertenece siquiera a ese género), pero su estilo semi-documental (similar al de Gus Van Sant) combinado con el sabor "horror-folk" de cintas como The Blair Witch Project o Lovely Molly, dan como resultado una potente pócima difícil de olvidar, sobre todo cuando nos enteramos de que la actriz Sara Anne Jones falleció de una sobredosis poco tiempo después de haber filmado esta película. ¿Estaba actuando, o realmente se consumieron drogas durante la filmación? No sé, y prefiero no averiguarlo. Sea cual sea la "realidad" de Toad Road, sirve para conferirle una atmósfera de leyenda urbana, de ritual secreto que accidentalmente presenciamos casi sin darnos cuenta. Desde luego no será una película para todos los gustos, y no fue fácil de asimilar, pero tampoco puedo negar el impacto que provoca, ni las ideas que plantó en mi cabeza. Mitad cine de arte, mitad horror, mitad "head film". Tres paradójicas mitades para completar un todo indefinible.
Calificación: 8

Trailer

Thursday, March 13, 2014

Escape from Tomorrow



Síntomas: Un abrumado padre de familia experimenta una crisis nerviosa durante una visita a Disney World con su esposa e hijos, y trata de mantener una actitud normal mientras la realidad colapsa a su alrededor en bizarras fantasías y alucinaciones. Pero, ¿serán fantasías, o realmente está ocurriendo algo muy extraño en "el lugar más feliz de la Tierra"?

Diagnóstico: Escape from Tomorrow se hizo famosa desde antes de su estreno por su inusual proceso de producción: el director Randy Moore y su elenco semi amateur filmaron secretamente la película en Disney World, sin permiso ni conocimiento de la organización Disney. Durante meses fingieron ser simples visitantes del parque, cuando en realidad grababan escenas meticulosamente planeadas para sacar la mayor ventaja posible de los escenarios, la iluminación natural, y las multitudes que sirvieron como camuflaje de esta genuina filmación de guerrilla. Desafortunadamente esa intrépida estrategia resultó ser lo más interesante de la película. La ambición del director es notable, y merece aplauso por haber emprendido un experimento cinematográfico tan audaz y provocativo (los pesadillescos treinta minutos finales son realmente impredecibles) pero a fin de cuentas parece un clásico caso de estilo sobre sustancia. Los personajes carecen de definición, el tono general es muy ambiguo, y el argumento da muchas vueltas sin llegar a una conclusión satisfactoria; no sé si habrá sido por las limitaciones de filmar en secreto, o porque partieron de un libreto mediocre, lleno de ideas, pero sin un claro concepto unificador. De cualquier modo creo que Escape from Tomorrow merece recomendación como una de las más insólitas curiosidades fílmicas que he visto en años recientes. Y, buena o mala, podemos verla gracias a que la empresa Disney prefirió ignorar el asunto, absteniéndose de iniciar una demanda que sin duda hubiera generado extraordinaria publicidad para esta cinta. De hecho, los cínicos podrían pensar que ese fue el plan del director desde un principio; pero no funcionó, y ahora la película debe sostenerse por méritos propios. ¿Lo consigue? No estoy seguro, pero me da gusto la existencia un proyecto como éste.
Calificación: 7

Trailer

Wednesday, March 12, 2014

The Spectacular Now



Síntomas: El joven estudiante Sutter Keely (Miles Teller) se enorgullece de vivir en el momento, sin preocuparse por el futuro y disfrutando un interminable desfile de fiestas y borracheras en compañía de su alegre novia Cassidy (Brie Larson). Pero cuando ella lo abandona, Sutter inicia una relación casual con Aimee (Shailene Woodley), una chica responsable y centrada, con planes muy concretos para el futuro. Entonces, frente a esta influencia positiva que nunca había tenido, Sutter deberá evaluar si vale la pena cambiar su estilo de vida, o si es más fácil seguir por el camino de la frivolidad y la diversión.

Diagnóstico: A pesar del clásico entorno "high school", conviene aclarar que The Spectacular Now no es una comedia juvenil convencional; y si bien la trama encaja en la fórmula "coming of age", tampoco merece una clasificación tan simple. Al igual que hizo con su película previa (la devastadora Smashed), el director James Ponsoldt utiliza fórmulas comunes para hacer más asimilables los intensos y profundos estudios de carácter que parecen ser su especialidad. Sutter, el protagonista (notablemente interpretado por el joven actor Miles Teller), manifiesta un interesante contraste de actitud e ideología, usando su carisma y afabilidad para navegar  exitosamente el difícil entorno social de la escuela; pero al mismo tiempo albergando profundas inseguridades y temores en su interior, que lo están llevando a sabotear (ya sea consciente o  inconscientemente) su futuro. Por eso, cuando conoce a Aimee (otra perfecta interpretación de Shailene Woodley, quien tanto impresionó en The Descendants), Sutter no sabe como responder, ya que la honesta chica podría igualmente representar su salvación, o la excusa perfecta para recaer en los errores de antaño. A pesar de esos densos temas, The Spectacular Now nunca se siente excesivamente sería o pesada. Por el contrario, el ágil libreto (basado en una novela de Tim Tharp) sazona el drama con momentos de humor que fluyen naturalmente de la interacción entre los personajes, dando como resultado una historia bien balanceada, dramáticamente satisfactoria, y con un potente mensaje que se persiste en nuestra memoria al terminar la película. El único problema es que algunos espectadores podrían encontrar a Sutter demasiado antipático y narcisista, no necesariamente merecedor de redención. Sin embargo es un riesgo calculado, y creo que The Spectacular Now funciona justamente por esa constante contradicción. Y, claro, por las magníficas actuaciones y dirección. En resumen, una lógica y necesaria evolución del "coming of age" tradicional. Creo que John Hughes la hubiera aprobado.
Calificación: 9

Trailer

Tuesday, March 11, 2014

300: El Nacimiento de un Imperio (300: Rise of an Empire)



Síntomas: El implacable ejército persa continúa su avance sobre Grecia, y ahora la ciudad de Atenas está en riesgo de ser invadida. Por eso el valeroso Capitán Themistocles (Sullivan Stapleton) trata de unificar al ejército griego que deberá enfrentar una batalla decisiva, no solo en tierra, sino también en el mar. Mientras tanto, en Persia, la astuta Comandante Artemisia (Eva Green) emplea sus mejores trucos de manipulación para implementar sus propias estrategias, pues no está de acuerdo con las órdenes del Rey-Dios Xerxes (Rodrigo Santoro).

Diagnóstico: Desde los primeros segundos de 300: El Nacimiento de un Imperio queda claro que el director Noam Murro (reemplazando a Zack Snyder)(aunque quizás "reemplazando" no sea la palabra correcta) pretende superar la violencia, despliegue visual y escala épica de la original cinta 300. Y en cierto modo lo logra, pues para eso dispuso de muchos millones de dólares, varios estudios de efectos especiales y otro detallado "storyboard" en la forma del cómic inédito Xerxes, escrito e ilustrado por Frank Miller. Sin embargo, lo que fue espectacular e innovador hace casi diez años, hoy se siente cansado a base de tanta parodia y repetición. Sin el "factor sorpresa" y con un libreto innecesariamente enredado, 300: El Nacimiento de un Imperio apenas logra ser una mediocre secuela (aunque no sea realmente una "secuela", llamémosla así para ahorrar tiempo) con muchas de las mismas virtudes de 300 y una falla original: no alcanzar el mismo nivel de emoción, impacto y melodrama. Pero bueno... haciendo un esfuerzo por apreciar esta cinta en sus propios términos, podemos decir que 300: El Nacimiento de un Imperio cumple sus modestos propósitos: ofrecernos una glamorizada versión de un cruento pasaje histórico; crear una experiencia visual memorable; y derramar incontables litros (y litros y litros) de sangre digital, tan falsa en apariencia que debe ser parte de la plástica "hiperreal" que caracteriza a esta incipiente franquicia. Por otro lado, me alegra decir que lo mejor de la película no tiene que ver con pixeles, sino con el factor humano: la actriz Eva Green entrega una actuación intensa y agresiva, con una poderosa presencia escénica que captura la atención del espectador e imprime energía a todas sus escenas, lo cual el resto del elenco es incapaz de duplicar (incluyendo al héroe en turno, insípidamente interpretado por Sullivan Stapleton, con mucha barba y músculos, pero poco carisma). A fin de cuentas la reacción de cada espectador dependerá de lo que busca en 300: El Nacimiento de un Imperio; la violencia, batallas en cámara lenta y exagerado machismo están presentes, corregidos y aumentados; pero la ágil narrativa y dignidad histórica brillan por su ausencia. Quizás no fue buena idea darle esta película a un director cuya previa experiencia se limita al modesto melodrama "indie" Smart People. ¿En serio no había alguien más capacitado? “Epic fail”, literalmente.
Calificación: 7

Trailer

Monday, March 10, 2014

La Gran Belleza (La Grande Bellezza)



Síntomas: Después de cumplir 65 años, el escritor y periodista Jep Gambardella (Toni Servillo) se ve inspirado a re-evaluar su vida, sus valores, y la ideología que siempre mantuvo. Entonces, entre conversaciones con amigos, nuevas relaciones y una fresca visión de la ciudad de Roma, Jep se da cuenta de que la belleza de la vida reside en un lugar distinto al que creía.

Diagnóstico: Al menos diré esto: creo que finalmente entendí lo que trató de expresar Fellini hace tantos años. La Gran Belleza es algo así como una re-imaginación modernizada (y no oficial) de La Dolce Vita; pero esta vez no me pareció un indulgente capricho artístico, sino una válida reflexión sobre la vida y sus múltiples tangentes emocionales y filosóficas. Para ello, el director italiano Paolo Sorrentino nos invita a recorrer un laberinto existencial repleto de coloridos personajes y provocativas situaciones que no buscan contar una historia definida, sino sumergirnos en un miasma de ideas, a veces contradictorias, a veces ingenuas, pero siempre interesantes (o al menos casi siempre). Y, desde luego, el valor de la película no radica en un mágico mensaje al final que despejará todas nuestras dudas, sino un recorrido barroco que nos inspira a encontrar nuestras propias respuestas a la par del idealizado protagonista (profundo e intelectual, pero con un saludable sentido del humor y percepción de lo absurdo). En el más simple nivel visual, La Gran Belleza hace honor a su nombre con espectacular dirección y cinematografía, aprovechando al máximo las pintorescas locaciones romanas, rebosantes de gravedad histórica y frivolidad urbana. El elenco aborda sus papeles con gusto y convicción; para mi fueron absolutos desconocidos, pero aparentemente Toni Servillo, Sabrina Ferilli y Serena Grandi son auténticos íconos culturales en Italia, lo cual seguramente añade un nivel "meta" a la película, y refuerza el peso de las interpretaciones para quienes conocen la carrera de estos actores. Como sea, su trabajo me pareció perfecto, al mismo tiempo afectado y realista, con ese aire casual que distingue al cine europeo de su más estudiada y artificial contraparte norteamericana. Mi única queja es que durante el tercio final de La Gran Belleza el libreto tiende a divagar más de lo necesario, y corre el riesgo de convertir la introspección en simple aburrimiento. De cualquier modo disfruté la mayor parte de esta inusual experiencia fílmica, y podría recomendarla para quien guste del “cine de arte” centrado en reflexiones en vez de resultados. Y ¿quién sabe? Podría inspirar un re-descubrimiento de Fellini en personas (como yo) que nunca tragamos sus desplantes sesenteros.
Calificación: 8.5

Trailer

Saturday, March 8, 2014

Línea de Fuego (Homefront)



Síntomas: El rudo ex-agente de la DEA Phil Broker (Jason Statham) se retiró del servicio después de un fatídico enfrentamiento con una peligrosa banda de narcotraficantes, y se mudó con su pequeña hija Maddy (Izabela Vidovic) a la aparente tranquilidad de los pantanos en Louisiana. Desafortunadamente una disputa menor con un traficante local llamado "Gator" Bodine (James Franco) resulta más peligrosa de lo que parecía, y podría atraer algunos enemigos del pasado.

Diagnóstico: Con Línea de Fuego, Jason Statham revela una nueva faceta de su talento: cabello largo. ¿Qué significará esto para su carrera? No, un momento... falsa alarma. Después de los primeros diez minutos Statham regresa a su tradicional cráneo afeitado. Y, al mismo tiempo, Línea de Fuego regresa a la tradicional fórmula que comparten casi todas las películas de este monótono actor. Afortunadamente en esta ocasión cuenta con el apoyo de notables talentos al frente y detrás de las cámaras, empezando por el guionista Sylvester Stallone, quien tiene obvia experiencia en estas historias de "hombre rudo contra patanes pueblerinos". Su libreto no es muy original, pero los personajes resultan más interesantes de lo normal gracias a un amplio rango de moralidad que no garantiza una precisa división entre "buenos" y "malos". El director Gary Fleder encuentra belleza en los siniestros pantanos, sin perder la sucia atmósfera rural que resulta muy apta para la fermentación de pleitos y profundos rencores. Su manejo de las escenas de acción es un poco simple, pero le sienta bien a la película, manteniendo las peleas claras y dinámicas, sin ofuscarnos con excesiva edición o movimiento de cámara. Y, finalmente, el sólido reparto imprime genuino carácter y realismo a los personajes secundarios, desde James Franco como el amoral pero astuto narcotraficante que comprende los límites de su poder, hasta Winona Ryder como "mujer fatal" que quizás no comparte la malicia de sus cómplices. También hay buenos papeles para Kate Bosworth (como perfecta madre "white trash"), Clancy Brown (como el ambiguo alguacil que podría cambiar de bando en cualquier momento), y Rachelle Lefevre (en el ingrato papel de maestra de escuela e interés romántico del héroe). Resumiendo, Línea de Fuego no es una gran película en el sentido convencional, pero podríamos calificarla como una de las mejores exponentes del sub-género "Jason Statham", donde las abundantes peleas y balazos están respaldados por buenas actuaciones y un libreto que no insulta la inteligencia del espectador... o al menos no tanto como otras recientes cintas de acción. A estas alturas está difícil pedir más.
Calificación: 8.5

Trailer

Friday, March 7, 2014

A.C.O.D. Adult Children of Divorce



Síntomas: El nervioso Carter (Adam Scott) quiere convencer a su padre Hugh (Richard Jenkins) y su madre Melissa (Catherine O'Hara) para que asistan a la boda de su hermano menor; pero no será fácil, pues se odian a muerte desde que se divorciaron hace quince años. Sobra decir que el mero intento de reconciliación temporal resultará en caos para la familia entera.

Diagnóstico: No sé si el fenómeno que examina A.C.O.D. (hijos adultos de parejas divorciadas) sea real, pero en esta época de corrección política y "cultura de víctima" estimo que es un tema suficientemente válido para fundamentar una comedia. ¿Es una comedia? No estoy seguro. La cinta está llena de actores reconocidos por su talento humorístico: Adam Scott, Amy Poheler (ambos de Parks and Recreation, uno de mis sitcoms favoritos), Catherine O'Hara (veterana de SCTV), Adam Pally (Happy Endings), y Jane Lynch (Glee), entre otros. Sin embargo, el irregular libreto no inspira muchas risas, y en vez de ello parece regodearse en las incómodas situaciones e incongruentes reacciones de estos neuróticos personajes. Quizás este será el nuevo sub-género de moda: "comedia neurótica", especializada en retratar las excentricidades y comportamientos inapropiados de personajes disfuncionales, para que nuestras propias manías no parezcan tan graves (podríamos decir que Wes Anderson fue pionero de esta corriente... pero al menos sus películas provocan algunas risas). Como sea, no encontré muchos elementos rescatables en A.C.O.D., aunque no descarto que los genuinos "hijos adultos de parejas divorciadas" logren identificarse con los personajes (las entrevistas que vemos durante los créditos finales parecen ser testimonio de ello). Entonces, ignoro si esta película realmente aporta algún mensaje valioso, o si al menos sirve como magra consolación para quienes sufren de esta desafortunada situación; pero como simple comedia me pareció un aburrido desperdicio de talento que no podría recomendar. Tendré que buscar una obra que se ajuste mejor a mis neurosis.
Calificación: 5

Trailer

Thursday, March 6, 2014

Escape Plan



Síntomas: Ray Breslin (Sylvester Stallone) es un experto asesor que ha logrado escapar de las prisiones más avanzadas en los Estados Unidos, con el fin de identificar las fallas en sus procedimientos y sistemas de seguridad. Pero cuando la CIA lo contrata para probar la prisión más inexpugnable del mundo, Breslin cae accidentalmente en una trampa de la que quizás no podrá escapar, a menos que acepte la ayuda de un peligroso criminal llamado Rottmayer (Arnold Schwarzenegger).

Diagnóstico: No sé si habrá sido buena o mala idea, pero definitivamente admiro la iniciativa del director Mikael Håfström para crear una película con inequívoco sabor ochentero, donde sus actores principales pueden sentirse a gusto repitiendo sus clásicos papeles de tipos rudos con corazón de oro. Claro, ya pasaron treinta años, y quizás por ello Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger se ven un poco más pasivos y mesurados, pero sus desafiantes actitudes siguen intactas, así como el socarrón humor que empapa sus parlamentos. Por el lado negativo, el libreto de Escape Plan resulta tan torpe e inverosímil como los que se escribían en aquella época. No digo que los thrillers modernos sean  particularmente inteligentes, pero al menos han adquirido una cierta sofisticación que Escape Plan se regocija en rechazar. Ejemplos: el  ridículamente refinado villano interpretado por Jim Caviezel (solo le falta el peinado de "cola de rata"), los arbitrarios cambios de actitud en los personajes cuando lo requiere el libreto, y el hilarante tiroteo donde se disparan miles de balas y ninguna le atina al héroe. A pesar de todo eso encontré Escape Plan bastante entretenida por su ágil ritmo, imaginativo diseño de  producción (la súper-prisión es bastante impresionante) y, desde luego, por la perfecta interacción entre Stallone y Schwarzenegger, mucho más sincera y satisfactoria que en The Expendables. Entonces, Escape Plan podría haber sido más ingeniosa, y quizás no cumpla plenamente la expectativa que teníamos sobre una épica colaboración de estos dos iconos del cine de acción... sin embargo funciona adecuadamente como sólida B-Movie, escasa en lógica pero generosa en excesos y diversión. Además, en el Hollywood moderno obsesionado con la juventud, vale la pena apoyar una cinta de acción con personajes sexagenarios que podrían ser abuelos de la generación Twilight.
Calificación: 8 (7 para quienes no crecieron en los ochentas)

Trailer

Wednesday, March 5, 2014

Pompeya (Pompeii)



Síntomas: A pesar de pertenecer a muy distintas clases sociales en la ciudad de Pompeya, el esclavo gladiador Milo (Kit Harington) y la princesa Cassia (Emily Browning) empiezan a desarrollar una relación que podría convertirse en algo más; pero el antipático senador romano Corvus (Keifer Sutherland) también desea a la princesa, y se empeña en eliminar a Milo por medio de torturas y combates cada vez más brutales. Sin embargo el triángulo romántico pasa a segundo plano cuando el cercano volcán Vesubio hace erupción y pone en peligro a la ciudad entera.

Diagnóstico: Apenas unas semanas después de The Legend of Hercules nos llega otra mala imitación de Gladiator, con un blando héroe e insípido romance que no consigue evocar emoción alguna. Por el lado positivo tenemos buen diseño de producción y ambientación para retratar de manera creíble la vida urbana durante el siglo I; en lo que respecta a la acción, algunas de las peleas muestran cierto dinamismo e ingenio (pero no esperen violencia excesiva, gracias a la clasificación PG-13), y sin duda resulta divertido ver a Jack Bauer como irredimible villano regodeándose en su caricaturesca maldad. Sin embargo, el flojo melodrama es mero relleno para pasar el tiempo hasta que llega la épica erupción, que obviamente es el punto de la película entera. Y, afortunadamente, el director Paul W.S. Anderson no decepciona. O, mejor dicho, los artistas digitales no decepcionan, presentándonos escenas de mega-destrucción con el balance justo de realismo y exageración para hacerlas satisfactorias. Desafortunadamente nada de eso convierte a Pompeya en una buena película, sino en un notable "reel" de efectos especiales que sin duda me gustaría volver a ver en HD, en la comodidad de mi casa... después de hacer "fast-forward" sobre todas las escenas aburridas. En cuanto al director Paul W.S. Anderson, ya se tomó un respiro de la franquicia Resident Evil (y quizás de su esposa Milla Jovovich), así que probablemente terminará regresando a lo que le sale medianamente bien... imitarse a sí mismo, en vez de imitar cintas de acción noventeras.
Calificación: 6.5

Trailer

Tuesday, March 4, 2014

El Puente de los Lamentos (No Tell Motel)



Síntomas: Un grupo de jóvenes sufre un accidente automovilístico en una carretera solitaria, y buscan refugio en un decrépito motel aparentemente abandonado. Lo que no saben es que años atrás ocurrió ahí una tragedia familiar, y quizás los espíritus de los difuntos aún vagan en busca de venganza.

Diagnóstico: Muy desfavorable. El Puente de los Lamentos es otra de esas ineptas y aburridas cintas de terror que apenas serían aptas para un anónimo estreno en DVD o Netflix, pero que por alguna torcida negociación llegó a cines para robar el dinero de incautos (como yo) que buscábamos algunos sustos desechables. Mala suerte. El Puente de los Lamentos no entretiene y mucho menos asusta; lo más terrorífico son las actuaciones de un elenco semi-amateur (el nombre más famoso es Angel McCord, hermana mayor de AnnaLynne “90210” McCord), apenas definido por los clásicos estereotipos del género (la muchacha inocente, el patán odioso, la "chica fácil", etc.) El libreto da muchas vueltas pero no logra contar una historia coherente, prefiriendo el cansado cliché de "jóvenes explorando el edificio embrujado", y añadiendo ocasionales manifestaciones sobrenaturales y arbitrarios sobresaltos, todo lo cual conduce a una serie de débiles "twists" carentes del impacto o la sorpresa que el director Brett Donowho obviamente esperaba. En pocas palabras, un fracaso en todos los niveles que solo sirve para reforzar la pobre opinión que mucha gente tiene sobre el género de terror. Y, mientras sigan estrenando basura como esta en cines, ¿quién podría culparlos?
Calificación: 5

Trailer

Monday, March 3, 2014

Las Vueltas del Destino (August: Osage County)



Síntomas: Las obstinadas e irascibles hijas de Violet Weston (Meryl Streep) regresan al condado rural de Osage, en Oklahoma, para cuidar a su madre enferma tras la desaparición de su esposo Beverly (Sam Shepard); pero el reencuentro familiar se transforma en crisis cuando salen a relucir antiguos rencores y secretos que todos preferían ignorar.

Diagnóstico: No sé si habrá sido porque vi la similar cinta Nebraska apenas la semana pasada, o porque no soy devoto de Meryl Streep ni Julia Roberts, pero el caso es que Las Vueltas del Destino me pareció un absoluto desastre a pesar de su célebre elenco y múltiples nominaciones a variados premios. O quizás fue porque la adaptación de una obra teatral a cine es aun más difícil que la de un libro; a veces lo que funciona en el escenario con actores en vivo de algún modo se vuelve exagerado y artificial cuando se filma con el característico despliegue de  afectaciones hollywoodenses... los "duelos de actuación", los gritos y aspavientos para simular emociones, las actrices que aceptan "afearse" para ganar un Oscar... en otras palabras, los clásicos ingredientes de un inflado melodrama que quiere parecer importante aunque falla en todos sus aspectos narrativos. Pero bueno... no puedo descartar el atractivo de un elenco sencillamente estelar (el cual incluye también a Chris Cooper, Ewan McGregor, Dermot Mulroney, Juliette Lewis, Abigail Breslin, Benedict Cumberbatch y Margo Martindale), así que debo admitir que Meryl Streep realiza un estupendo trabajo interpretando a "Meryl Streep con acento raro", y que Julia Roberts es brillante en el papel de "Julia Roberts diciendo groserías". Resumiendo: hay películas que emplean la disfunción familiar como herramienta para explorar personajes interesantes en constante evolución. Y hay películas que la emplean como excusa para recetarnos dos horas de tedio y gritería. Será tarea de cada espectador decidir a que categoría pertenece Las Vueltas del Destino. (Spoiler: dudo que necesiten muchas "vueltas" para decidir).
Calificación: 6

Trailer

Saturday, March 1, 2014

El Sobreviviente (Lone Survivor)



Síntomas: Un escuadrón de "SEALS" se infiltra en Afganistán con la misión de eliminar a un importante líder del Talibán, pero las cosas no salen como planearon y se ven obligados a luchar por sus vidas en un terreno agreste e inmisericorde, repleto de enemigos.

Diagnóstico: Aunque no es una secuela, El Sobreviviente tiene muchas similitudes con la sobresaliente cinta bélica Act of Valor. La fluida cámara, el realismo de los procedimientos militares, y la cruda brutalidad de las escenas de batalla le ayudan a trascender el género de acción, y la convierten en un docu-drama que al mismo tiempo funciona como tributo a la implacable determinación y entrenamiento de estos aguerridos soldados. Y si bien El Sobreviviente cuenta con un elenco repleto de rostros famosos (incluyendo a Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Emile Hirsch, Eric Bana y Ben Foster) sus actuaciones son  suficientemente naturales para preservar la ilusión de realismo, apoyados por notables efectos de maquillaje que casi nos hacen sentir el dolor de las heridas, y por cinematografía semi-documental que emula la desorientación y caos del combate. Habiendo dicho eso, una película de carácter tan patriótico sobre la guerra en Afganistán podría ser calificada como simple propaganda, e inevitablemente despierta ciertas dudas sobre la validez de aquel conflicto y la justificación de las intervenciones norteamericanas. Sin embargo, creo que El Sobreviviente logra mantenerse al margen de cualquier postura política, centrándose en la disciplina de los “SEALS” y las terribles decisiones que deben tomar en muy difíciles circunstancias. Mi única queja sería el sentimentalismo que adopta al final, el cual resulta un poco incongruente con el sobrio tono de la cinta... pero, bueno, supongo que puede disculparse después de todas las tragedias que presenciamos. En resumen, creo que El Sobreviviente me gustó un poco menos que la mencionada Act of Valor, y definitivamente más que Zero Dark Thirty... aunque los miembros de la Academia no pensarán lo mismo.
Calificación: 8.5

Trailer